Galería ABRA presenta exposiciones individuales de Sheroanawe Hakihiiwe y Sandra Vivas
Se están presentando dos nuevas exposiciones individuales en los espacios de la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones. En el galpón 6 se inaugura PARIMI NAHI (La casa eterna del chamán), del artista venezolano yanomami Sheroanawe Hakihiiwe, y en el galpón 9 se presenta la muestra LÍMITES/BOUNDARIES, de la artista venezolana Sandra Vivas.
Desde su última individual en ABRA en 2017 y tras una serie de exhibiciones colectivas e individuales internacionales, entre las que sobresale su actual participación en la Bienal de Venecia 2022, el artista Sheroanawe Hakihiiwe presenta nuevamente en Venezuela una serie de obras inéditas, en las que mediante el monotipo, el grabado y el dibujo, el artista registra el universo animal, vegetal y cultural de su comunidad Pori Pori, ubicada a orillas del alto Orinoco en el Amazonas venezolano.
Sheroanawe Hakihiiwe emplea el dibujo y la pintura desde los inicios de su carrera para preservar la memoria oral de su pueblo, su cosmogonía, tradiciones ancestrales, el espacio en el que habitan. En la década de los noventa, a partir de la elaboración de papel artesanal, comienza a editar libros junto a su comunidad. Posteriormente, desarrolla desde el dibujo un lenguaje sintético, concreto y mínimo sobre la vasta e intensa relación que tiene su comunidad con la selva. Estos vínculos permean el ámbito de lo personal y lo colectivo, siendo su trabajo una revisión contemporánea del imaginario yanomami.
PARIMI NAHI es una exposición en la que Hakihiiwe da continuidad al archivo que su arte evoca. En esta oportunidad, nos acerca a reflexiones en torno al espíritu del chamán, así como a la observación de artilugios de uso diario y común en sucomunidad.Sus obras expanden y desdibujan nuestras formas de acercarnos al mundo. Aquel que las contempla halla en sus trazos una posible relectura sobre la condición humana y sobre nuestro lugar en la Tierra. Se trata de un canon alternativo a la hegemonía cultural donde se une lo ancestral con lo contemporáneo.
Así pues, la investigadora Noraeden Mora advierte en el texto de sala que “Este conjunto de obras expande la idea de arte que conocemos, y en ese gesto generoso de Sheroanawe, genera conexiones nuevas que postulan interrogaciones sobre los supuestos y fronteras del pensamiento. Las divisiones humano-animal, vida-muerte, adentro-afuera dejan de ser necesariamente opuestos y abren la posibilidad para pensar otras conexiones más fluidamente como Yanomami-nape, incluso hombre-mujer o local-universal. La obra de Sheroanawe contribuye a la labor de dessedimentar las categorías petrificadas en disciplinas y áreas del conocimiento”.
Por su parte, la artista Sandra Vivas presenta en la muestra LÍMITES/BOUNDARIES un conjunto de cinco videos y una serie de obras sobre papel nunca antes presentadas en Venezuela, en las que evidencia la desigualdad en las relaciones de poder en función del lugar y posición en el que se encuentra la mujer. Las propuestas performáticas fueron concebidas para su registro y proyección en video entre el 2012 y 2021.
“Trato de hacer aparente la multidimensionalidad de la mujer como ser humano y hacer visible a través del humor y la ironía cuán diferentes son los parámetros con que nos juzgamos”, establece la artista. Vivas emplea fragmentos de la historia del arte, la mitología, las noticias y referentes populares para cuestionar y recrear nuevos mitos que le permiten evidenciar la desigualdad en las relaciones de poder en función del lugar y posición en el que se encuentra la mujer.
En LÍMITES/BOUNDARIES, Sandra Vivas presenta al espectador acciones que despliegan narrativas críticas. Construye un diálogo reflexivo que transgrede la apariencia de la realidad, cruza las fronteras que rigen las formas del poder.
Con desparpajo, la artista responde a sus intuiciones sensibles desde su propio cuerpo, problematiza las estructuras que reproducen relaciones desiguales de poder, el tránsito migratorio, la invisibilidad del cuerpo femenino y la violencia hacia la mujer. De ahí que el investigador Gerardo Zavarce concluya en el texto de sala que la tensión del trabajo de Sandra Vivas radica en “un profundo cuestionamiento a las formas del poder que persisten como actos que limitan, a los que sus acciones se oponen desde la potencia del vuelo como un acto de rebeldía”.
La muestra PARIMI NAHI de Sheroanawe Hakihiiwe podrá visitarse hasta el 20 de noviembre de 2022 en el galpón 6, y la exposición LÍMITES/BOUNDARIES de Sandra Vivas hasta el 27 de noviembre de 2022 en el galpón 9, en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas.
Nicomedes Zuloaga en La Caja del Centro Cultural Chacao
Una exposición antológica del artista venezolano Nicomedes Zuloaga, titulada Zuloaga y lo Transconceptual: Antológica 1972-2022, presenta la Fundación Centro Cultural Chacao en su espacio expositivo La Caja, con motivo de celebrarse 50 años de trabajo de este creador, cuyo aporte ha trascendido las artes plásticas y se evidencia en distintos campos de la comunicación, como la literatura, la publicidad, la radio y el mundo diplomático, así como en el medio filosófico y esotérico.
Con la curaduría de Manuel Eduardo Aranguren y textos de Bélgica Rodríguez, la muestra incluye trabajos periodísticos, esculturas, libros, dibujos, fotografías y pinturas que abarcan un período que se inició en 1972 con campañas de prensa, tallas en madera y fotografías artísticas de 1973 y 1975, obras literarias de los años ochenta y esculturas, bronces simbolistas de los 90 y 2000, documentos de viajes, así como video, imágenes y esculturas del proyecto museo a cielo abierto “Los Vigías de Siete Mares”, y parte de la reciente colección de joyas Zuloaga_Jewels. También, se mostrarán obras geométricas de los últimos 4 años, y una obra interactiva titulada “La muerte de la personalidad”.
Poseedor de una vasta obra escultórica, Nicomedes Zuloaga experimentó desde muy joven con las artes plásticas practicando la pintura, y a partir de 1973 ha logrado desarrollar una extensa obra tridimensional, según afirma la crítico e investigadora de arte, Bégica Rodríguez, en el texto que acompaña la muestra.
De acuerdo a Bélgica Rodríguez, Nicomedes Zuloaga “ha sido un escultor preminentemente figurativo con la figura femenina como tema central, generalmente realizada en bronce, apartando las esculturas de dimensiones monumentales modeladas en piedra artificial, realizadas ‘in situ’ en los acantilados que reciben el mar del litoral central de la costa de La Guaira: ‘Los Vigias de la Eco-Posada Siete Mares’ (2019)”.
A su juicio, “lo más permanente en el trabajo de este artista es el tema de la figura/forma femenina. Sin embargo hay algo en esta trayectoria vital-creativa de Zuloaga que merece ser tomada en cuenta al analizar su trabajo de arte desde sus inicios. A principio de los años setenta, como ya se ha apuntado, es el despegue, penetra seria y obsesivamente la escultura y, tan temprano como 1975, inicia las exposiciones individuales. Su producción escultórica tiene mucho que ver con preocupaciones intelectuales y búsqueda de su Ser interior, para exorcizar los fantasmas arrastrados por largo tiempo. El simbolismo y el esoterismo, forman parte fundamental de sus credos filosóficos, artísticos e intelectuales, usándolos como metáforas y significados ocultos”.
En los años ochenta, el trabajo diplomático de Zuloaga en Argentina, Ecuador y Chile le absorbe casi totalmente, sin embargo en este tiempo escribe la novela “Epitafio para un filibustero”; y realiza varias tallas en madera, al tiempo que expresa una angustia existencial en dibujos atormentados de caligrafía expresionista con preeminencia de la forma circular y pinceladas arbitrarias, según expresa Bélgica Rodríguez en su texto.
“La década de los noventa corresponde a una mayor actividad creativa, escultórica y literaria. Deja la vida diplomática, para dedicarse a sus pasiones: la escultura, la literatura y las mujeres (…) La temática, como siempre, gira alrededor de la figura femenina, desnuda en múltiples variantes; son característicos de ese período los “figurines” y volúmenes de cuerpos femeninos, ambos expresivos en su configuración, a la vez de gran sensualidad y carga erótica. Otras corresponden a delgados cuerpos dispuestos en posiciones aladas, como bailando una danza que solo habita el pensamiento del escultor (…)”
En cuanto al trabajo reciente de Zuloaga, realizado desde el año 2000, Bélgica Rodríguez afirma que “puede dividirse en dos segmentos, uno corresponde al énfasis en lo figurativo y el otro, a planteamientos más cercano a tendencias conceptualistas (…) A partir de este planteamiento abandona, no definitivamente, la forma cerrada volumétrica, para enfrascarse en una serie de estructuras en las que priva, simultáneamente, la liviandad del material y la del planteamiento formal. Ellas son estructuras abiertas donde se confunde lo interior con el exterior, transparentes, a interpretarse como planteamientos más allá de la forma convencional. La libertad del espacio y la circulación del aire a través de este ‘objeto’ arquitectural, organizado verticalmente con finas cuerdas, bien de nylon o metal, la acerca a propuestas ópticas y cinéticas; de este último período es la serie Clepsidra en sus varias versiones”.
La tecnología en el arte de Gerardo Campos
El artista se vale de un espacio no convencional para mostrar una obra donde las nuevas realidades dejan su huella
Mayte Navarro
Gerardo Campos es un artista plástico contemporáneo que desde hace unos años ha comenzado a transitar de manera consciente su recorrido por las artes plásticas venezolanas. Ahora regresa con una serie de trabajos que ha reunido en la exposición A Gran Escala 2022 y que presenta en un espacio no convencional, el hall de entrada de un edificio, convertido en galería de arte.
Campos aprovechó la pandemia para indagar y este trabajo es parte de ese resultado. Califica estas obras de contemporáneas y lo son, no sólo por el lenguaje que utiliza sino porque incorpora la tecnología que se convierte en instrumento que lleva al espectador más allá de lo que su propio ojo puede descubrir, además de presentar su primera pieza de arte digital, el NTF, la escultura Penguin Endless Love, lo que convierte en personaje reiterativo de su investigación a esta ave. Incluye 34 pingüinos en 34 colores y cada uno viene con una numeración que representa la energía cabalística.
El artista presenta obras en grandes formatos donde mezcla segmentos de color, efectos de puntillismo, detalles en dorado, plata y bronce, así como trazos que simulan movimiento. En esta oportunidad se observa un trabajo más maduro y una técnica más resuelta y limpia.
A Gran Escala 2022 Gerardo Campos la define como una referencia y al mismo tiempo una inspiración en el impacto del humanismo en la pintura renacentista y lo compara con estos nuevos tiempos ya que en aquel como en éstos, surgieron nuevas técnicas que marcan un antes y un después en el arte.
Campos habla de una inmersión artística completa o como le gusta llamarlo, un universo de arte innovador, de allí que no basta ver cada pieza a simple vista y por ello invita al espectador valerse de una aplicación para explorar nuevas experiencias visuales.
Se trata de una muestra que ofrece nuevas experiencias y sensaciones facilitadas por la realidad aumentada. Gerardo Campos genera una experiencia única, al mismo tiempo que crea el acercamiento a la realidad e interacción del arte a través de una combinación de gráficos y segmentos de la obra, generados por el algoritmo de la aplicación ArtiVive, algo que ya no es una novedad porque otros artistas ya han experimentado en el mundo virtual y han hecho de la inteligencia artificial otro instrumento para hacer arte. A esto suma cierta simbología.
A Gran Escala 2022 incluye más de 13 obras donde destacan las de grandes formatos con la intención de alcanzar espectacularidad. La Creación de Miguel Ángel, El Retrato de Frida, La Mona Lisa, forman parte del catálogo.
Gerardo Campos genera vida y movimiento en sus obras de arte. Por ello expresa: “puedo decir que es algo similar como yo pienso hacer una obra”.
Para conocer más sobre la nueva exhibición de Gerardo Campos se puede visitar su página http://www.gerardoecamposartist.com
Obras de Sebastián Llovera y Renzo Rivera se exhiben en la galería D’Museo
El sábado 10 de septiembre de 2022 a las 11 am, será inaugurada la exposición Ganadores 22º Salón Jóvenes con fia, con museografía de Ricardo Arispe en la Galería D’Museo del Centro de Arte Los Galpones, donde se exhibirán obras de los artistas Sebastián Llovera y Renzo Rivera, quienes obtuvieron el Primer Premio y Tercer Premio respectivamente, en la 22º edición del Salón Jóvenes con fia que se realizó en 2019 con la curaduría de Humberto Valdivieso, bajo el concepto “Nómadas: habitar un mundo que se transforma”. Es importante resaltar que la artista Génesis Alayón ganadora del Segundo Premio no participa en esta muestra por compromisos artísticos.
Sebastián Llovera y Renzo Rivera “despliegan visiones de la migración y el nomadismo. Ambos ponen en cuestión la percepción de la realidad y la ficción, el tránsito de un paso a otro, desde perspectivas diferentes y complementarias”, según afirma la curadora e investigadora de artes visuales, María Luz Cárdenas, en el texto que acompaña la muestra.
De acuerdo a María a Luz Cárdenas, “en Sebastián Llovera el nomadismo se lleva a una migración del conocimiento, a un punto que nos conecta con formas alternativas de pensamiento y de la creación de nuevos lenguajes. Se enfoca en la construcción de la imagen desde un programa de Inteligencia Artificial. No hay nada en sus obras que corresponda a objetos reales. Los elementos de la composición digital fueron tomados a partir de dibujos de animales, inventarios e ilustraciones de especies botánicas, de hongos y de mapas antiguos reales; pero las imágenes, absolutamente todas, fueron generadas con ese programa”.
Como explica la curadora, “el resultado es una combinación de imágenes reales e imágenes generadas por la Inteligencia Artificial, todas dialogando en una misma composición, que al final es impresa sobre láminas de aluminio delgadas como pergaminos (…) La impresión es de una perfección tal, que las imágenes parecen pieles y relieves reales. Los reflejos se desatan cuando el espectador se desplaza alrededor de ellas (…)”.
Nacido en la ciudad de Valera en 1992, y residenciado en Ann Arbor, Estados Unidos, Sebastián Llovera utiliza diferentes medios y materiales como detonantes para reflexionar sobre la realidad, la condición humana y su conexión con la naturaleza y la tecnología. Ha participado en exposiciones en el CICA Museo de Arte Contemporáneo, Corea del Sur; Bienal Internacional de Arte Contemporáneo Emergente Eve-Maria Zimmermann (BACOS), España; y en el Museo de la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá; entre otras. Actualmente es candidato a Maestría en Artes Plásticas en la Universidad de Michigan.
Por su parte, Renzo Rivera desarrolla la línea conceptual del nomadismo como una puerta de enlace entre la palabra y la imagen, que le asigna un poderoso registro poético a su trabajo, según palabras de María Luz Cárdenas.
“Trans-poética es una obra que extiende el sentido primario de la migración como un cambio de lugar y lo lleva a un plano donde se desdibuja la línea imaginaria que define la frontera entre lo real y lo ficticio, un espacio que cuestiona la palabra y las fronteras del lenguaje y modifica la conciencia. La obra se resuelve en una instalación compuesta por 23 dibujos y dos pinturas que nos hacen entrar en un umbral de la fragilidad de la imagen y la fragilidad del aliento de la vida. Los dibujos establecen la narrativa de la llama de una vela, un soplo de vida que se descompone hasta llegar a la fragmentación. En una pintura de gran formato, se desvanece un abrazo tachado y reconstruido entre huellas y rastros”, expresa la curadora.
Renzo Rivera nació en Valencia en 1992. Egresado de la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena como Bachiller en Artes Plásticas con honores, y de la Universidad de Carabobo como Licenciado en Educación mención Artes Plásticas, Renzo Rivera ha exhibido su obra de manera colectiva e individual en Venezuela y otros países como Italia, Francia y Estados Unidos. Su obra forma parte de colecciones privadas en Colombia, Costa Rica, España, Estados Unidos, México, Países Bajos, Inglaterra y Venezuela.
Las propuestas artísticas de Sebastián Llovera y Renzo Rivera podrán ser apreciadas en la exposición Ganadores 22º Salón Jóvenes con fia, que se estará presentando desde el 10 de septiembre hasta finales de octubre de 2022, en la galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va. transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de miércoles a sábados de 11:00 am a 5:30 pm, y los domingos de 11:00 am a 4:00 pm. La entrada es libre.
ANGELA SCAVO LLEVA SUS COLLAGES Y ENSAMBLAJES AL MUSEO ALEJANDRO OTERO
Una selección de obras de la artista venezolana Ángela Scavo conforman la exposición individual “Apuntes de la memoria”, que se presentará en Caracas a partir del 10 de septiembre de 2022 a las 11:00 a.m, en la sala 6 del Museo Alejandro Otero (MAO), con el apoyo del proyecto cultural Boom! Art Community y su programa de Promoción y Divulgación de la obra de artistas latinoamericanos.
La muestra “es un conjunto de obras en medios mixtos (cajas, ensamblajes, videos, collage, pinturas) con el que se busca recrear, en la sala expositiva, un hábitat (una casa) a partir de la relación de la artista con sus pertenencias simples, tesoros absurdos como suele llamarlos y con sus vivencias (…)”, según afirma el curador Richard Aranguren en el texto que acompaña la exposición.
“Las imágenes, sean estas collages, ensamblajes o encolados, surgen de la acumulación y ordenación, nunca aleatoria pero si juguetona, de formas, fragmentos y detalles que recolecta y resguarda. ¿De dónde provienen? Por una parte, de la fotografía, ese lenguaje visual que registra y da figura a las imágenes vistas, alimentando nuestra gula y obsesión por absorber el mundo desde sus representaciones y confirmar nuestra propia idea del mismo. También de objetos que sustrae de su entorno original, recuperando y protegiendo aquellos que reconoce como portadores de sentido y depósitos de la memoria. Ambas materias le permiten construir estos frágiles dispositivos que traen al presente aquello que creía perdido”, afirma el curador.
Ángela Scavo reconoce en el autorretrato una experiencia abierta y sensible a la trasformación proyectando esas visiones, recuerdos, añoranzas personales a entender su propia identidad y así crear una memoria que puede ser también la del espectador. Desde un espacio íntimo del hogar interpreta, a veces en complejos dioramas, los procesos femeninos con el uso de las imágenes intervenidas con dibujos, videos, recortes y objetos para presentar un lenguaje lleno de metáforas en sus delicados collages.
“Implica encolar trozos de papel sobre un plano, pero también ideas; solapar, reunir múltiples texturas para crear nuevas sintaxis. Como método, se acerca más a la poesía que a la narrativa, porque lo que se dice no es del todo claro y preciso, las imágenes revolotean alrededor de un centro que nunca es completamente descifrable; los significantes hacen silencio y esa aparente mudez propicia la aparición susurrante del significado. ¿Dónde ocurre esto?, en el espacio ínfimo de la brecha, del intersticio donde se encuentran los fragmentos. El espectador paciente logra presentir el mensaje, el presuroso pasa de largo. ¡Un collage es un asunto de detalles! ”, expresa la artista Ángela Scavo.
Licenciada en Artes Plásticas, mención Pintura, egresada del Instituto de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón en el año 2005. Su obra ha estado siempre conectada a la necesidad de comprender la psicología del individuo y la interacción. Utiliza el pequeño y mediano formato, así como la miniatura, lo que le ha dado siempre un carácter intimista pues invita al espectador a acercarse e intentar leer los mensajes ocultos, analogías y sarcasmos de los que se vale para complementar su trabajo plástico.
Boom! Art Community es un ecosistema cultural que dirige Kiki Pertiñez Heindenreich, con sede en Madrid, proyecto que apoya a artistas iberoamericanos desde múltiples alternativas de proyección y divulgación, con una corta y significativa experiencia en la que ha apoyado a artistas venezolanos en la diáspora y en esta oportunidad, materializa su respaldo en nuestro país.
“Esta es la primera oportunidad en la cual lo materializamos y nos da mucha satisfacción el poder hacerlo en Venezuela, país de Ángela y como sabes, también el mío. Estamos trabajando en replicarlo en diferentes ciudades de Iberoamérica”, comenta Kiki.
Con “Apuntes de la memoria”, Ángela Scavo presenta su tercera muestra individual, además de haber participado desde hace dos décadas en numerosas muestras colectivas en Caracas, Valencia, Madrid y Barcelona. La muestra permanecerá en exhibición hasta finales de noviembre del presente año, en la sala 6 del Museo Alejandro Otero (MAO), ubicado en La Rinconada. El horario es de jueves a domingo, de 10:00 a.m. a 4:00 pm.
Obra del artista venezolano Gustavo Blanco-Uribe se exhibe en galería de Budapest
La obra del artista venezolano Gustavo Blanco-Uribe se exhibirá en Hungría, en una exposición que bajo el título “Punto de Encuentro” (“Meeting Point”) será inaugurada el 6 de septiembre de 2022 a las 6 pm, en la galería de arte TOBE Gallery, ubicada en Budapest.
La muestra reúne un conjunto de piezas en las que Gustavo Blanco-Uribe quiere reflejar el equilibrio que existe y la interacción entre la naturaleza, la geometría y arquitectura, según él mismo afirma.
En sus palabras, la coexistencia o punto de encuentro entre lo natural y lo arquitectónico lo expresa de una manera gráfica y otra pictórica.
“La gráfica, que tiene que ver con la superposición de espacios donde la visión crea un juego entre siluetas y formas orgánicas como la hoja de una planta que hace de ventana hacia formas arquitectónicas y te lleva al origen de la representación de la naturaleza. Con esto busco que el espectador se pare a observar, entre y salga de los espacios mostrados, creando un análisis propio y una vinculación con el tiempo”.
En cuanto a la pictórica, “el uso de materiales naturales en forma cruda crea una atmósfera natural en el espacio e imparte la esencia del ecosistema y encontramos la relación de lo orgánico con lo arquitectónico en el uso de formas geométricas bastas, pesadas y con la aplicación del gesto sobre un papel que se lo pide, ya que allí es donde se muestra la relación con la naturaleza y lo orgánico por su textura y forma de elaboración, de una manera artesana y ancestral”, expresa Blanco-Uribe.
En tal sentido, el artista explica que hace este ejercicio de conversación entre la gráfica y lo pictórico ya que una es la búsqueda del entendimiento inmediato y la otra es la manifestación abstracta que lleva directamente a las emociones y a la reflexión.
Gustavo Blanco Uribe, ha transitado por las artes plásticas, la decoración, el diseño, y la moda a lo largo de más de una década de trayectoria. Comenzó su carrera en Nueva York pintando y decorando vitrinas para firmas como: Bergdorf Goodman, Harry Winston, Ralph Lauren, Fred Leighton, Van Cleef & Arpels, Bardin Palomo; y como diseñador, para eventos de gran escala como “The Young Lions” New York Public Library, entre otros. Su obra ha sido exhibida en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, China, Estados Unidos y España.
Tobe Gallery es un proyecto que dirige el venezolano Tomas Opitz desde hace 9 años en Budapest, dedicada a la fotografia contemporanea con un portafolio de artistas iberoamericanos y tambien venezolanos como Marco Belle, Liliana, Amalia Pereira, Carla Tabora, Dafna Talmor, entre otros.
La exposición “Punto de Encuentro” (“Meeting Point”) permanecerá en exhibición hasta el 15 de octubre de 2022 en TOBE Gallery, ubicada en 1088 Budapest, Bródy Sándor utca 36, Hungría.
Cerquone Gallery presenta exposición en su sede de Caracas con ocho artistas internacionales
El 27 de agosto, Cerquone Gallery inaugurará en su sede de Caracas una exposición titulada Relaciones Públicas (RRPP), que vincula la capital venezolana con la ciudad de Madrid. Un proyecto del curador español Jordi Pallarès en el que ocho artistas internacionales –Srger, Grip Face, Ampparito, Eltono, Nano Abia, Nuria Mora, Sixe Paredes e Ignacio Bosch–ocuparán el espacio de la galería en un trabajo que revisa el proceso expositivo en el contexto del propio periplo de la galería en sus dos sedes (Caracas y Madrid), y respecto a los vínculos entre los diferentes artistas y el propio curador.
Para la práctica artística y curatorial relacionarse es parte implícita de un sistema en el que lo personal y lo profesional se mezclan para generar y gestionar encuentros y posibles desencuentros entre personas en una espiral creciente, según explican los organizadores de la muestra.
“Relaciones Públicas (RRPP) es un proyecto intervencionista que revisa este tipo de prácticas en cuanto a la ocupación de un espacio se refiere: el de Cerquone Gallery en Venezuela. Una casa en Caracas que sigue vertebrando todo tipo de relaciones diplomáticas, espaciales, contextuales, históricas, culturales afectivas y, por supuesto, artísticas. Estamos hablando de dos países (España y Venezuela); una casa (hoy galería); ocho artistas y un curador vinculados a la escena española; y de Walter Cerquone, un galerista venezolano que lleva impulsando proyectos desde 2016 en Caracas y, desde 2018, también desde Madrid. De ahí que RRPP quiera poner en valor el recorrido de todos los que estamos implicados, destacando el historial de unas relaciones que vienen articulándose desde hace años”.
De igual forma, los organizadores afirman que RRPP es también un proyecto metacuratorial que desea reflexionar sobre el hecho expositivo. “Un posible ensayo sobre los procesos, esperanzas e imposibilidades de todo proyecto que necesita materializarse para tener visibilidad. Sobre el qué, el cómo y el después de una acción efímera que genera expectativas hacia adentro y hacia afuera. Sobre los movimientos y energías hacia un espacio la distancia del cual plantea muchos retos de actuación en un contexto político otro”.
Respecto al curador, señalan que Jordi Pallarès (España, 1967) “centra sus indagaciones actuales en aquellas prácticas artísticas que activan diálogos con el espacio, los objetos, otras producciones artísticas y, por supuesto, con otros cuerpos como el del espectador. En esa línea, reflexiona también sobre su propia práctica curatorial y sobre cómo esta viene determinada por sus modos relacionales y afectivos. Jordi subraya la importancia de la puesta en escena y la intervención en sus proyectos pues, de algún modo, son resultado de años de experiencia e investigación sobre lo que ocurre en el espacio público. A destacar sus publicaciones como otro lugar curatorial desde donde intervenir y exhibir(se) (VB_exposición visible)”.
RRPP supone la tercera colaboración de Jordi Pallarès con Cerquone Gallery. En 2021, llevó a cabo su primer trabajo en su espacio de Madrid con We Dance, You Mean, un proyecto colectivo que contó con la participación de artistas internacionales como Ampparito, Ignacio Bosch, Bernadette Despujols, Greg Jager, Adriano Lalicata, Javier Martín, Mawatres, Kike Res y Santiago Morilla. El mismo año y en el mismo espacio, ejerce también de curador en la exposición Jungle Man de Paul Amundarain.
Destacan también en su carrera profesional proyectos como Ne parliamo. Construyendo una escena, en La BiBi Gallery (Mallorca, España, 2022); Pep Show. Sobre el exhibicionismo en el espacio público, en Arts Santa Mònica (Barcelona, España, 2017); o Final. Un proyecto sobre las cosas que terminan, en SC Gallery (Bilbao, España, 2015). Cabe también mencionar sus colaboraciones con artistas como Ignacio Bosch (MuCu, CEART, Madrid, 2017); Grip Face (Saudade 01/158, SC Gallery, Bilbao, 2021), Ampparito (Sobreexposiciones y cuidados, B-Murals, Barcelona, España, 2019), Eltono (Funàmbuls, Palma, España, 2018), Greg Jager (Ballad of The End, GAM, Roma, 2021) o Fausto Amundarain (Morfologías de una narración-Fort Buker, Palma-Madrid, 2022) con quien también prepara Roaring Days para Wadström Tönnheim Gallery (Marbella, España, 2022).
Respecto a los artistas, los organizadores expresan que prácticamente todos tienen una gran experiencia en el espacio público por su propio recorrido en el mismo, colaborando entre ellos en muchas ocasiones, lo que les permite concebir, exhibir e intervenir los espacios de Cerquone en Caracas de un modo particular. “Por otro lado, Jordi Pallarès ha trabajado con prácticamente todos ellos y/o ha escrito sobre su trabajo en varias ocasiones. De ahí que esos históricos relacionales cobren gran importancia en RRPP. Un proyecto en el que están muy presentes los movimientos centrípetos y centrífugos entre todos aquellos que forman parte del mismo. En ese sentido, la gráfica de Javier Siquier -diseñador español con quien Jordi Pallarès suele también colaborar en muchos proyectos- quiere reflejar esos flujos relacionales sin ignorar el contexto histórico-artístico caraqueño”.
Relaciones Públicas se estará exhibiendo desde el 27 de agosto hasta de 2022, en los espacios de Cerquone Gallery, ubicados en la avenida San Felipe de La Castellana, quinta 117, Caracas. El horario es de martes a domingos, de 11 am a 5 pm.
Exposición del artista venezolano Theo Guedez presenta la galería Adhesivo Contemporary en México
Una exposición del artista venezolano Theo Guedez titulada “Del Caribe con amor”, será inaugurada el 25 de agosto de 2022 en México, bajo la curaduría de la galería Adhesivo Contemporary, con un conjunto de obras que muestran lapropuesta de este creador autodidacta, cuyo trabajo creativo surge de una fuerte motivación personal para reflejar en escenas, pensamientos y sentimientos la vida De Catia, su espacio personal.
“Mi referencia principal es mi barrio, donde crecí y todas las zonas populares de las ciudades del mundo en las que he estado. Mis pensamientos están en la lucha, la tristeza, la felicidad, la humildad, el amor y la melancolía de estar lejos de casa. Muestro con orgullo pictóricamente de dónde vengo y cómo se vive en las barriadas de nuestra ciudad”, afirma Theo Guedez.
Entre Zúrich y Catia, Theo Guedez desarrolla sus propias técnicas experimentales en obras sobre papel, pinturas y piezas tridimensionales con las que refleja estados de ánimo, actos y escenas particulares derivadas de sus experiencias vividas. Este carácter autobiográfico lo recrea desde sus inicios en el grafiti y otras expresiones del Street art, movimiento que desde los 70 le dio cabida a manifestaciones artísticas que salen de lo académico y del arte naif. Su lenguaje pictórico señala diferentes aristas, haciendo reflejos visuales que van desde lo artístico hasta lo social, idiosincrasia, el sincretismo latinoamericano y el sabor caribeño.
“Desde niño mi manera de crear siempre fue muy sincera con trazos “brutos» y materiales que estaban a mi alcance. A veces me sentía hasta frustrado porque no podía lograr por ejemplo un realismo. A medida que fui madurando entendí que esa es mi propia manera de expresarme. Hace como diez años tuve la oportunidad de conocer a un gran artista venezolano su nombre es Luis Méndez,
Después de ver su obra entendí que mi trabajo artístico podría pertenecer a un nicho. Luego un amigo que es conocedor de arte me dijo que mis pinturas y perspectivas tenían un parecido a las obras de Bárbaro Rivas y me recomendó que investigara sobre él mismo. Al ver la obra de este artista quedé fascinado y de ahí comencé a investigar, conocer e inspirarme en otros artistas populares venezolanos que me parecen increíbles: Víctor Millán, Feliciano Carvallo Manases Rodríguez, Antonio José Fernández (el hombre del anillo) entre otros”, expresa el artista.
El proyecto expositivo nace en Diciembre 2021, a raíz de una visita al estudio de Theo Guedez en La Campiña, cuando coinciden en Caracas Edith Vaisberg, curadora venezolana con una galería en México y Leonardo Villarrubia, asesor dearte contemporáneo. Al ver sus pinturas, proyectaron la idea de hacer una muestra en México, e iniciaron juntos el proceso creativo, que se materializó con un viaje de Theo al estado Vargas, donde produjo las obras frente al mar.
Theo Guedez nació en Caracas, Venezuela. Artista de formación autodidacta, Guedez posee una obra pictórica e ilustrativa que gira principalmente en torno a las clases sociales más bajas, las subculturas, el folclore y la tradición.
Ha exhibido su trabajo en Zúrich, en las exposiciones individuales “Marginal” (2020) y “Protégeme del mal” (2019); así como también en Caracas, en las muestras colectivas “Somos Caribes” (2018) y “Caligrafía y Color” (2016). Actualmente vive y trabaja entre Caracas (Venezuela) y Zúrich (Suiza).
La exposición individual “Del Caribe, con Amor”, del artista venezolano Theo Guedez, se estará exhibiendo desde 25 de agosto de 2022, galería Adhesivo Contemporary, en un espacio ubicado en la Ciudad de México, Dr Atl 62, SantaMaría de la Ribera.
Tres semanas con el arte de Michael Wong
Rastros Wong es el nombre de la exposición que durante tres semanas se pudo visitar y conocer. Allí se reunieron las obras y el espíritu que mueve a este artista que también se conoce como Burner
Mayte Navarro
Michael Wong presentó durante tres semanas la exposición “Rastros Wong” en los espacios de Habeatat Records, bajo la curaduría de Okso, permitiendo que el propio artista compartiera con el público su experiencia creativa.
Durante el recorrido mostró sus procesos, técnicas y lenguaje expresado que se encuentra expresado en las 30 piezas que se mostraron, donde también se descubrieron testimonios de sus inicios. La experiencia resultó más enriquecedora durante la clausura ya que Wong se puso en acción y mostró a la vista de todos los asistentes su talento al intervenir, en vivo, el lateral de un autobús que se encontraba en la parte posterior de la locación. Además, su amigo y cantante, Horus, se presentó con tres de sus temas más recientes.
Más de 150 personas pudieron conocer, disfrutar y constatar la destreza de Michael, quien es mejor conocido como Burner en el ambiente de las artes plásticas. Él emplea materiales capaces de ser modificados o moldeados mediante distintas técnicas hasta lograr su estilo característico y particular.
Wong, acompañó a los asistentes para poder escucharlos, compartir impresiones y tener así un encuentro más cercano durante esas tres semanas, también elaboró objetos para aquellos que gustan llevarse un recuerdo de sus artistas.
La exposición y la experiencia de cierre fue posible gracias a marcas aliadas, entre ellas Jhonnie Walker, To Take Out, Poke 212, Cospecafé, Acai.212, Prodipperse, O Espacio Galería, Ym Agency, Isis Elinor y otras que se vinculan al arte, lo que permite el desarrollo del artista al mismo tiempo que se da a conocer su trabajo, además de generar un aporte cultural a la comunidad.
Visita guiada a la exposición «Cuatro décadas, cuatro diseñadores» en el marco de la celebración aniversaria de Caracas
El sábado 30 de julio a las 11 de la mañana, Elina Pérez Urbaneja, directora de Diseño en Venezuela y curadora de la exposición Cuatro décadas, cuatro diseñadores. A 40 años de La nueva estampilla venezolana, guiará una visita por la Sala 2 del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez, donde está ubicado el montaje. Esta actividad se realiza en el marco de la programación aniversaria de la ciudad de Caracas organizada por Síudad.
La exhibición recopila sellos postales venezolanos de 1974 a 1979, creados por los cuatro grandes diseñadores de nuestro país: Gerd Leufert, Nedo Mion Ferrario, Santiago Pol y Alvaro Sotillo, cuya historia es reseñada en el libro electrónico en formato pdf Cuatro décadas, cuatro diseñadores. A 40 años de La nueva estampilla venezolana, publicado recientemente por la Fundación Gonzalo Plaza y Diseño en Venezuela.
Con la exposición homónima, regresa el diseño gráfico venezolano al Museo Carlos Cruz-Diez, tras años sin exhibiciones sobre esta temática.
Elina Pérez Urbaneja es comunicadora social y licenciada en Artes, con Maestría en Gestión y Políticas Culturales. Desde hace más de veinte años se desempeña como investigadora del diseño venezolano, siendo curadora de la exposiciones Marcas. Identificadores gráficos venezolanos, La veta útil y Objetos Cotidianos, además de ser autora del capítulo sobre Venezuela en los libros Historia del diseño en América Latina y El Caribe (Editorial E. Blücher, Brasil) y Diseño gráfico latinoamericano (Editorial Trama, Ecuador). Se ha desempeñado como charlista invitada de la Universidad Católica Popular del Risaralda, Universidad Nacional y Universidad de Pamplona, en Colombia y en diferentes eventos sobre diseño organizados en nuestro país. Desde 2009 lleva adelante Diseño en Venezuela, que en el año 2020 dejó de ser un blog, para convertirse en una página web informativa especializada en diseño hecho por venezolanos en cualquier parte del mundo.
La invitación es para disfrutar del recorrido guiado por la exposición Cuatro décadas, cuatro diseñadores. A 40 años de La nueva estampilla venezolana este sábado 30 de julio. Para participar, los interesados deben pagar BsF 18 como una contribución para el Museo Carlos Cruz-Diez.
Para obtener más información sobre la inscripción y pago, se debe escribir al correo electrónico disenoenvenezuela@gmail.com o llenar directamente el siguiente formulario: https://forms.gle/DjK1U9PAMVA8Bw9a7
La exposición Cuatro décadas, cuatro diseñadores. A 40 años de La nueva estampilla venezolana, es posible gracias a la colaboración de Kenco Factory para la rotulación de textos, Pinturas PIneco para el acondicionamiento de sala, EOS Soluciones y Luxolar para los insumos de iluminación.
Para celebrar Caracas
Caracas se celebra y se defiende. Por esas razones Diseño en Venezuela participa en las actividades organizadas por Síudad para agasajar nuestra ciudad.
Diseño en Venezuela no sólo aporta a la grilla de eventos la visita guiada por su exposición Cuatro décadas, cuatro diseñadores, sino que favoreció lal conexión de Síudad con el Instituto Creativo Digital (ICD) que, bajo la coordinación de la profesora Adriana Salazar, motivó a sus estudiantes a crear la identidad gráfica para el “Aniversario 455 de Caracas”.
La joven Bárbara Avilez, quien cursa 2do trimestre de técnico gráfico en el ICD, fue quien propuso la imagen seleccionada, la cual invita a defender el patrimonio de nuestra urbe, a través de iconos que representan algunas de sus construcciones emblemáticas.
UNA VISIÓN DEL CUERPO PREHISPÁNICO Y CONTEMPORÁNEO SE ANALIZARÁ EN LA HACIENDA LA TRINIDAD
En el marco de la exposición “AUTORRETRATOS”, que se viene presentando en el Secadero 3 de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, este próximo viernes 22 de julio, a ´partir de las 4:00 p.m, se realizará una charla con Manuela Zárate y Alessandra Caputo y Pedro Marrero Fuenmayor.
“Sobre el uso de los cuerpos, presentación y representación: miradas al cuerpo prehispánico y contemporáneo” es el tema que une a artistas e investigadores en torno a la identidad, y la corporeidad de la figura humana a través del tiempo.
La muestra Autorretratos, cuenta con la participación de nueve jóvenes artistas venezolanos, Juan Pablo Ayala, Manuela Benaim, Isabella Benshimol, Cassandra Mayela, Gabriel Pinto, Realenga, Franscisco Schütte, Francisco Tavoni y Manuela Zárate. La misma estará exhibiéndose hasta el 31 de julio del presente año.
“Nueve jóvenes que presentan nueve píldoras, nueve visiones que apuntan hacia el renacer estético de una comunidad que para bien o para mal ha perdido sus fronteras. La diversidad de lenguajes estéticos presentes en la producción artística expuesta permite la creación de diálogos e intercambios entre nueve artistas pertenecientes a una generación donde la adaptabilidad y la fluidez se convierten en herramientas de supervivencia”.
El proyecto PRÓXIMA es una iniciativa dirigida por Alicia Díaz Eseverri, que nace en el año 2022 con la intención de reinventar el modelo tradicional y estático de una galería de arte comercial, cuyo modelo expositivo lo caracterizan proyectos curatoriales efímeros, adaptándose a una época que exige la movilidad humana dentro de un mundo caracterizado por la globalización y la inmediatez. Es un laboratorio de experimentación para el arte emergente que habita en el mundo físico y en el mundo virtual.
La GAN y la Fundación Odalys homenajean al coleccionismo
La institución pública y la fundación privada unen fuerzas para mostrar a los caraqueños, desde este sábado 9 de julio, a partir de las 12:00 pm, 160 obras de colecciones particulares determinantes para escribir la historia del arte venezolano
Odalys Sánchez, directora de la Fundación Odalys, está convencida de la necesidad de tender puentes entre las dos partes en las que Venezuela ha estado demasiado tiempo escindida. Es por ello que ha puesto todo su empeño en llevar a la Galería de Arte Nacional la exposición El valor de coleccionar. Clasicismos y modernismos del arte venezolano, integrada por 160 obras provenientes de colecciones privadas que a partir de este sábado 29 de julio, a las 12:00 pm, ofrecerá al público la posibilidad de acceder a una parte de la historia del arte en el país.
“Esta es una iniciativa, dice Sánchez, que busca crear puntos de encuentro, que regresemos todos, de una manera armoniosa, a un espacio que nos pertenece a todos, y del cual todos tenemos una responsabilidad. El no conocimiento del otro hace que las cosas se hagan mayores y se creen mitos y fantasías. La mejor forma de saber cómo funciona el otro es estando cerca de él”.
Con esta exposición, además, se reconoce la importancia del coleccionismo en la preservación del patrimonio artístico nacional e internacional. Y así lo escribe la curadora e investigadora María Luz Cárdenas en el texto de sala de la muestra:
“Una colección no es una cantidad determinada de obras aisladas, sino un sistema de relaciones donde cada una tiene sus propias valencias; son procesos complejos y en permanente crecimiento, no solo porque se enriquece con el ingreso de nuevos elementos, sino por las inagotables y numerosas lecturas que pueden ser establecidas a partir de las relaciones entre sus obras”.
Importantes piezas de artistas de la talla de Cristóbal Rojas, Antonio Herrera Toro, Manuel Quintana Castillo, Francisco Narváez o Armando Barrios, entre los más de cien representados en la muestra, dan cuenta del papel del coleccionismo como uno de los pilares de las artes visuales, “articula el espacio económico al espacio cultural; asume un conjunto de responsabilidades del mundo y el mercado del arte: la conservación, el enriquecimiento patrimonial, la jerarquización de valores estéticos, así como la promoción y reconocimiento de los creadores: ¿cuál hubiera sido el fin para muchas obras de arte, sin la existencia de los coleccionistas?”, reflexiona Cárdenas.
El valor de coleccionar. Clasicismos y modernismos del arte venezolano es, pues, una exposición de coleccionistas dirigida al público en general. “Esto puede tener un gran interés en las personas porque significa poder apreciar un conjunto de obras singulares que frecuentemente no se pueden ver en los museos porque pertenecen a privados. Pero también es una guía de coleccionismo. Para uno es muy importante ver lo que otros han pensado y cómo llevan sus colecciones. Eso estimula a que sigan coleccionando y a que creen formas de discursos dentro de sus propias colecciones, y a valorar aquellas piezas que aunque comercialmente no tengan un alto valor, tienen un valor histórico, documental que lleve a seguir buscando, investigando, estudiando…”, concluye Odalys Sánchez.
La exposición estará abierta desde el sábado 9 de julio hasta el 30 de septiembre en la Galería de Arte Nacional, ubicada en la avenida México, frente a Puente Brión, La Candelaria, Caracas, en horario de martes a viernes, de 9:00 am a 5:00 pm; sábados, domingos y feriados, de 10:00 am a 5:00 pm.
Obras de Mechidetulio se exponen en la galería Graphicart
Marisela Montes.
Una selección de obras de la artista plástica Mechidetulio, conforman la exposición individual “Ciudad Moderna”, que será inaugurada en Caracas el sábado 9 de julio de 2022 a las 11 am, en la galería Graphicart.
Según expresa la investigadora y crítico de arte, Susana Benko, Mechidetulio ha integrado cualidades de la arquitectura moderna en su manera de pensar y de concebir sus obras. “Es una artista que ama la modernidad. Sentir este atractivo es equivalente a apreciar en profundidad la relación existente que hay entre la arquitectura moderna y el arte abstracto geométrico”.
Mechidetulio es una artista que ama la ciudad de Caracas, o más bien que ama la modernidad venezolana, como afirma Susana Benko en el texto que acompaña la muestra. “Su obra, por lo tanto, ‘respira’ esta modernidad, lo que hace que su abstracción adquiera una connotación muy urbana. Si bien ella tiene amplia experiencia en obras integradas a la arquitectura a través del diseño de murales y pisos, sus pinturas y esculturas son medios plásticos autónomos que mantienen afinidad con aquélla desde el punto de vista de la imagen”.
Con respecto al uso del color por parte de la artista, Benko señala que lo utiliza poco, sólo como acentos puntuales para dar primacía a los matices de negros y grises. “Entonces, es su manera natural de concebir, ver y realizar su trabajo: un contrapunteo de negros -con sus variantes- en contraste con formas blancas o de color. El efecto resultante nos lleva al tema inicial: a recordar las entradas de luz a través de celosías o de los brise-soleil de las fachadas de muchas edificaciones modernas. Semejan puntos de luz que emergen en medio de la oscuridad”.
De igual forma, Benko afirma que las soluciones compositivas en la mayoría de las pinturas y esculturas de Mechidetulio tienen un dinamismo particular. “Éste se da por repetición de figuras geométricas en alto contraste de valor, por cambios en su direccionalidad, alteración en el paralelismo entre las líneas estructurales o bien por la presencia de formas angulares y diagonales. Ello hace que en sus obras se produzca un ritmo interno según estos cambios producidos en su sintaxis (…)”.
Con más de dos décadas de trayectoria artística, Mechidetulio ha exhibido su obra en exposiciones en Venezuela y otros países como Estados Unidos y España. Asimismo, se ha destacado con proyectos como Murales y piso en mosaico vitrificado en Caracas y Madrid, España 2019-2021; Mural en mosaicos para vivienda unifamiliar en Madrid, proyecto de Teresa Sapey + Partners, España, 2018; Mural en mosaicos de 3.23 x 12.98 m para vivienda unifamiliar en Valle Arriba, Sánchez & Sánchez Proyectos (Totón Sánchez), Caracas, Venezuela, 2016; entre otros.
La exposición “Ciudad Moderna” de Mechidetulio estará abierta al público del 9 al 30 de julio de 2022, en la galería Graphicart, ubicada en la avenida Veracruz, Edificio La Hacienda, Planta Baja, Las Mercedes, Caracas. El horario es de martes a viernes de 1 pm a 4 pm, y sábados de 11 am a 2 pm.
Autorretratos de nueve artistas emergentes se exhiben en la Hacienda La Trinidad Parque Cultural
PRÓXIMA se complace en presentar su primer proyecto, una exposición colectiva de arte emergente titulada “AUTORRETRATOS”, que será inaugurada en Caracas el domingo 3 de julio de 2022 a las 12 pm, en el Secadero 3 de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural.
La muestra cuenta con la participación de nueve jóvenes artistas venezolanos, Juan Pablo Ayala, Manuela Benaim, Isabella Benshimol, Cassandra Mayela, Gabriel Pinto, Realenga, Franscisco Schütte, Francisco Tavoni y Manuela Zárate, que, en su propuesta, se cuestionan quiénes son, cómo se perciben a sí mismos y cómo trasciende la identidad bajo los parámetros de una cultura extendida por la diáspora y la globalización, según palabras de Alicia Díaz Eseverri, curadora de la exposición y directora de PRÓXIMA.
“Nueve jóvenes que presentan nueve píldoras, nueve visiones que apuntan hacia el renacer estético de una comunidad que para bien o para mal ha perdido sus fronteras. La diversidad de lenguajes estéticos presentes en la producción artística expuesta permite la creación de diálogos e intercambios entre nueve artistas pertenecientes a una generación donde la adaptabilidad y la fluidez se convierten en herramientas de supervivencia”.
Según explica la curadora, “El desvanecer entre el exterior y el interior del ser conduce la práctica de Benaim, mientras Tavoni se afinca en el estudio de la generación de identidad y afectividad como un proceso que se realiza en lo más íntimo del ser. Ambos utilizan el cuerpo humano como materia prima para su expresión visual. Benaim utiliza la piel como material que traduce en silicón, mientras que el colorismo y la fotografía son los medios predilectos de Tavoni. Pinto retoma códigos tradicionales y ancestrales venezolanos que reinterpreta a través de la fotografía en búsqueda de un arraigo a la identidad venezolana más pura. Por su parte, Realenga, se aleja de lo tradicional para enfocarse en el ahora, mientras lleva la pintura a los confines de la tecnología a través de sus paletas de colores y los tópicos referentes a su investigación. La narrativa social, la cultura de masas, la calle y su sensibilidad por lo marginal informan su investigación sobre la antropología social”.
“Tanto Benshimol como Mayela, desde perspectivas visuales diferentes exploran la intimidad que se forma entre el ser y el apego a prendas de vestir y su interconexión con la mundanidad y la vida cotidiana. Ambas abordan el hecho diaspórico en su obra desde una visión poscolonial y postmodernista. Desde la cerámica Zárate, también utiliza una visión poscolonial compartida e inclusiva, aborda la feminidad y la identificación – o no identificación – con el género. En su exploración más reciente, Zárate expresa cuestiones referentes al poder, sus usos y abusos y su relación con la identidad. Schütte utiliza el concreto como material predilecto para presentar miembros huérfanos de tronco, desamparados, segmentados, heridos y agredidos, que expresan la truncada posibilidad de ser. Por su parte, Ayala se afinca en la palabra. En sus libros, transcribe un legado colonial basado en la explotación de nuestros recursos naturales. Escribe historias de diásporas, de hogares que con el tiempo se han vuelto invisibles”.
El proyecto PRÓXIMA es una iniciativa dirigida por Alicia Díaz Eseverri, que nace en el año 2022 con la intención de reinventar el modelo tradicional y estático de una galería de arte comercial, cuyo modelo expositivo lo caracterizan proyectos curatoriales efímeros, adaptándose a una época que exige la movilidad humana dentro de un mundo caracterizado por la globalización y la inmediatez. Es un laboratorio de experimentación para el arte emergente que habita en el mundo físico y en el mundo virtual.
La exposición AUTORRETRATOS permanecerá abierta al público del 3 al 31 de julio de 2022 en el Secadero 3 del de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, ubicada en la calle Rafael Rangel Sur, urbanización Sorokaima, La Trinidad, Baruta, Caracas. El horario es de martes a domingo de 10:00 am a 5:00 pm
ATLAS INCONCLUSO DE UN PAISAJE EN PROCESO SE EXPONE EN LA GALERÍA ABRA
Una exposición colectiva titulada ATLAS INCONCLUSO DE UN PAISAJE EN PROCESO, será inaugurada el domingo 26 de junio de 2022, a partir de las 11am, en el galpón 9 de la galería ABRA del Centro de Arte Los Galpones.
Este proyecto fue coordinado por Manuel Vásquez-Ortega, Manuela García y Raúl Rodríguez, basándose en Atlas Mnemosyne, teoría desarrollada por el historiador alemán Aby Warburg. Bajo esta premisa, los coordinadores de la muestra organizan un archivo de imágenes referenciales, anónimas y vernáculas que exigen y cuestionan cómo vemos el paisaje más allá de una imagen, de un objeto, de un sonido o un texto, partiendo de aspectos relacionados a su carácter físico, al transcurrir de la historia y a la nostalgia.
La exhibición comprende el paisaje como una construcción humana que se ha transformado a lo largo de los años por situaciones que han complejizado y enriquecido las posibilidades de su estudio. ATLAS INCONCLUSO introduce al público en los vínculos y artificios que como sociedad hemos creado para dar forma a nuestro entorno. Este proyecto nace en el 2021, en un contexto pandémico en el que ver alrededor y compartir a través de encuentros virtuales era una de las pocas actividades permitidas.
En la primera etapa de esta muestra colectiva, participan los artistas: Leonardo Almao, Ángela Bonadies, Hayfer Brea, Ezequiel Carías, Eddy Chacón, Costanza De Rogatis, Vilena Figueira, Edwin García, Manuel Eduardo González, Víctor Julio González, Ángel D. Leiva, Corina Lipavsky, Pedro Medina, Carelyn Mejías, Santiago Méndez, Daniel Mijares, David Molina Molina, Carelimar Moreno, Paola Nava, Gabriel Pinto, Luis Romero, Eliseo Solís Mora, Analy Trejo, Rodrigo Urbina, Malu Valerio, Eduardo Vargas Rico y Julia Zurilla.
ATLAS INCONCLUSO DE UN PAISAJE EN PROCESO encuentra en el galpón 9 de la galería Abra un lugar para la exposición tangible de este proceso de diálogo entre artistas. Desde el domingo 26 de junio, hasta el domingo 17 de julio de 2022, se exhibirá una primera etapa, conformada por obras enmarcadas en las nociones de tradición, desierto, mar y temperatura.
Los artistas venezolanos, en y fuera del país, reflexionan sobre un paisaje contemporáneo que se transforma a medida se desplaza, con el objetivo de establecer un diálogo temporal hecho a partir de intervalos entre la arraigada tradición artística del paisaje en Venezuela y un presente desterritorializado en continuo conflicto.
ATLAS INCONCLUSO DE UN PAISAJE EN PROCESO es un proyecto impulsado por el Goethe Institut Caracas y apoyado por Espacio Proyecto Libertad y Tráfico Visual. Esta primera muestra colectiva del proyecto podrá visitarse hasta el domingo 17 de julio de 2022 en el galpón 9 del Centro de Arte Los Galpones. La galería está abierta al público de martes a viernes desde las 9am hasta las 5pm, sábados y domingos desde las 11am hasta las 4pm.
La Embajada de España en Venezuela inaugura la exposición fotográfica «Memoria de la migración española» en Barquisimeto La exhibición se mantendrá abierta al público hasta el próximo 25 de junio
La Embajada de España en Venezuela inauguró este viernes 10 de junio la exposición fotográfica “Memoria de la emigración española”, en el Hogar Canario Larense de Barquisimeto, estado Lara.
El acto estuvo a cargo del encargado de negocios de la Embajada de España, Ramón Santos; el presidente del Hogar Canario Larense, José Luis Rodríguez, y Alejo Hernández, en representación de la colectividad canaria en Venezuela.
Asistieron, también, autoridades regionales y locales, así como una muestra de la comunidad hispano-venezolana que vive en Lara.
Ramón Santos calificó a la migración de “movimiento permanente”, que ha formado a España como país y le ha dado identidad. “Lo que somos hoy los españoles fue moldeado en gran parte por los que se fueron y por cómo esa ausencia interior y sus acciones en América, han conformado nuestro ser actual”, agregó.
Señaló que para la emigración han jugado un papel clave las asociaciones o centros hispanos, “creados por los propios emigrantes antes de que empezaran a recibir apoyos del gobierno español para ayudar a la inserción laboral de los que iban llegando y se fundaron en lazos familiares y de países” y que hoy en día “simbolizan la fusión de lo español y lo venezolano, esa alma doble que tributa lealtad al pueblo de acogida sin olvidar sus orígenes españoles”.
El Encargado de Negocios de la Embajada de España recordó que cerca de 2 millones de españoles viven en otros países, la mitad de ellos en América Latina, a los que se le quiere garantizar “el pleno ejercicio de sus derechos como ciudadanos”.
La exhibición “Memoria de la emigración española” está compuesta por 70 fotos que muestran las etapas del proceso de emigración española durante finales del siglo XIX hasta finales del siglo XX tanto a Europa como a América Latina y, en especial, las emociones de aquellos que se marcharon, así como su aportación económica, social y cultural a los diferentes países en los que se asentaron.
Asimismo, la muestra nos permite recordar una parte fundamental de la historia de España y preservar su legado en nuestra identidad colectiva.
La exposición estará abierta al público desde el sábado 11 de junio hasta el próximo 25 de junio en el Hogar Canario Larense. El horario de visita es de lunes a viernes, de 8am a 5pm, y los sábados, de 8am a 3pm.
Hogar Canario Larense. Av. La Salle, con Av. Las Industrias, Barquisimeto, Estado Lara. IG @hogarcanariolarense1
Galería ABRA presenta exposición de Lucía Vera
El domingo 12 de junio de 2022, a partir de las 11am, la galería ABRA del Centro de Arte Los Galpones inaugurará en su galpón 6 la primera exposición individual en Venezuela de la artista Lucía Vera, titulada SABOVEO.
La exhibición reúne una producción de obras que abarca alrededor de 10 años de trabajo y que está compuesta por 23 pinturas. Este tiempo le ha permitido redescubrir sus lienzos y encontrar en ellos coincidencias que revelan su proceso y su necesidad creativa.
“Pinto por curiosidad. Es mi forma de entender”, declara la artista. El proceso de convertir sus ideas en imágenes le permite a Vera desentramar el rasgo complejo y profundo inherente a su identidad y su cultura.
En SABOVEO, Lucía Vera presenta al espectador elementos que evocan sensaciones corpóreas abstractas. Las formas que aparecen en sus lienzos invitan al público a reconectar con la noción de individualidad y totalidad, belleza y fealdad, así como les permite reconectarse con la experiencia vital.
En clave de humor, y mediante distintas técnicas, colores y texturas, Vera juega con volúmenes y planos para deconstruir el cuerpo. De ahí que el investigador Carlos E. Palacios en el texto de sala vincule sus obras con la risa antropomórfica.
La muestra individual SABOVEO de Lucía Vera podrá visitarse desde el 12 de junio hasta el 11 de septiembre de 2022, en el galpón 6 del Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. La galería está abierta al público de martes a viernes desde las 9 am hasta las 5 pm, sábados y domingos desde las 11 am hasta las 4 pm.
El arte también suma posibilidades
Leslie Gabaldón expone en Miami junto Chritina Pettersson y Nina Surel trabajos fotográficos que plantean interrogantes
La fotógrafa y artista visual venezolano-estadounidense Leslie Gabaldón, participa en la exposición colectiva A Sum of Possibilities (Una Suma de Posibilidades), que inaugurará en la galería de arte Dot Fiftyone Gallery, Miami,el 9 de junio de 2022, bajo la curaduría de Verónica Flom.
La muestra –que también incluye obras de las artistas Christina Pettersson (Suecia) y Nina Surel (Argentina)– gira en torno a las interrogantes ¿Qué hay detrás de lo meramente visible? ¿Cuál es la memoria escondida en el paisaje, en los árboles, en nuestros cuerpos?, según se explica en el texto de presentación.
Leslie Gabaldon presenta la serie de fotografías titulada “Locus”, realizada durante los últimos 6 años en Gulf Hammock, zona pantanosa ubicada al oeste de los bosques de Ocala, a lo largo de la costa del Golfo de México en el estado de Florida. La artista afirma que la serie ha sido un trabajo continuo, idea que comenzó a explorar en 2017, cuando visitó el bosque por primera vez, lo que continuó haciendo cada año, siendo la última vez a principios de enero de 2022.
En tal sentido, la curadora Verónica Flom, señala que Leslie Gabaldon realiza una investigación de campo sobre el bosque. “Sus fotografías invitan a una reflexión sobre el paso del tiempo, la naturaleza y nuestra percepción de ellos. En estas imágenes, la mirada del artista aparece caminando, tomando notas visuales, llevando una bitácora de un viaje en el tiempo. Es como si fuera una arqueóloga de un mundo perdido. Hay una verdadera emoción ante la inmensidad del paisaje. Pero al mismo tiempo, ese paisaje contrasta con la permanencia en nuestro actual mundo más digital y la tangibilidad de las cosas que hemos dejado escapar”, indica la curadora.
Por su parte, Leslie Gabaldon asegura que lo que más le cautivó del lugar fue “la ausencia casi total de la mano del hombre. Estar en la presencia de árboles inmensos, imposibles de contabilizar a simple vista. El silencio humano y la voz del viento. Percibir mi vulnerabilidad dentro de un mundo que a la vez es un refugio. En el bosque no estoy a merced del acecho urbano del cual estoy acostumbrada a defenderme, sino al miedo mismo que siento ante algo tan desconocido”.
Leslie Gabaldon nació en Venezuela y vive en Miami, Florida. Las ideas de Gabaldón provienen de conceptos de memoria sociológica y temas interculturales en el mundo contemporáneo, incluyendo la vida, la sostenibilidad y el cambio climático. Su práctica fotográfica está en la intersección de nuestro paisaje natural y el reino digital cada vez más dominante en el que existimos. Sus visitas habituales para descubrir el paisaje siempre cambiante dentro de los humedales y los bosques de Florida se representan en su obra más reciente. Con más de 20 años en la profesión, su trabajo ha sido exhibido en Shanghai, Argentina, Colombia, así como en el Naples Museum of Art, Coral Gables Museum of Art y numerosas ferias internacionales de arte y exposiciones individuales en la Galería Dot Fiftyone, Miami.
La serie de fotografías “Locus” de Leslie Gabaldon podrá ser apreciada en la exposición A Sum of Possibilities que se estará presentando hasta el 4 de agosto de 2022 en la galería Dot Fiftyone Gallery, 7269 NE 4th Avenue, suite 103. Miami FL 33138, Estados Unidos.
Paúl Amundarain nos conecta con el presente
El artista plástico venezolano revela su madurez en una exposición donde el arte vuelve a mostrar su conexión con la realidad
Mayte Navarro
Pintur(A)política es el título de la exposición que acaba de inaugurar en Caracas Paul Amundaraín, residenciado desde hace unos años en el exterior, y ahora nos muestra como no le ha dado la espalda a Venezuela.
En las salas de Cerquone Gallery Caracas se reúne esta exposición cuyas obras están conectadas al presente y donde el movimiento es un fiel reflejo de unos tiempos donde nada parece quedar estático. Formas que evocan el cinetismo, que el artista trabaja desde otras perspectivas pero que sigue siendo un motivo dentro del arte venezolano. También encontramos imágenes conocidas de la ciudad que aparecen y desaparecen, que indican que el artista no puede obviar las realidades y por ello evoca el modernismo a través de un trabajo donde lo onírico es solo una excusa para reiterar la presencia de esa realidad.
Entre las obras seleccionadas se encuentran pinturas de pequeño y gran formato en acrílico sobre tela, trabajos de la serie Barriers en serigrafía y acero inoxidable, obras sobre papel y terciopelo, impresiones lenticulares y esculturas en hierro de la serie Multiple Realities, conjunto que se distingue por su audacia técnica y depurada elaboración, al mismo tiempo nos encontramos ante un discurso rico en materiales.
Amundaraín se muestra atento a como interactuar con la realidad y en su obra no se cierra a su propia visión, sino que deja una ventana abierta para incorporar al espectador a este trabajo, lo que podría catalogarse también como un ejercicio de libertad.
El título, Pintura (A)Politica es una ironía, porque Paul Amundaraín se acerca al arte sin miedo pero al mismo tiempo establece un contraste porque quiere mostrar algo nuevo, si enmarcarse en normas preestablecidas. De esta manera dibuja a un país que se debate entre asumir posiciones y alejarse de la realidad.
Paul Amundaraín estudió arquitectura en la Universidad Central de Venezuela y actualmente desarrolla su trabajo entre Caracas, Miami y México, ciudad donde ha encontrado estímulos muy especiales para la creación. Su obra ha desfilado por muestras individuales y colectivas en galerías, museos y ferias de arte de Venezuela, Latinoamérica, Europa y los Estados Unidos.
Actualmente trabaja en la creación de un mural de grandes dimensiones que podrá verse en Wynwood durante el próximo Art Basel. Su trabajo está presente en colecciones privadas y se han incorporado a espacios arquitectónicos de Miami.
Para Walter Cerquone, fundador y director de la galería, la exposición de Paul Amundaraín constituye un reimpulso, ahora enriquecido por la experiencia adquirida en la escena internacional.
Cerquone constituye un espacio que está marcado por el propio crecimiento de sus socios, que van madurando en su relación con el arte, uno como gestor cultural y el otro como artista. También representa el trabajo de las nuevas generaciones que no se circunscribe a límites geográficos, sino que está enmarcado por un sentido universal que encuentra su apoyo e impulso en las nuevas tecnologías.
Cerquone incluye también un selecto grupo de artistas españoles que se presentarán en Caracas a lo largo de 2022, una vez concluida la muestra de Amundaraín, cuya clausura se ha pautada para el mes de julio.
Cerquone Gallery se encuentra en la avenida San Felipe, La Castellana, Chacao. Abierta de martes a domingo de 11:00 a.m. 5: 00 p.m. La sede en Madrid está ubicada en López de Hoyos.
Nace El MUC movimiento urbano para impulsar el arte cerámico en Caracas
La escena cultural del país le da la bienvenida a El MUC (El Movimiento Urbano de Cerámica de Caracas), un nuevo conglomerado de artistas y de acciones artísticas urbanas en torno a la cerámica, que ofrecerá el 21 de mayo de 2022, de 10 am a 6 pm, un primer encuentro en los espacios abiertos del taller de Acción Cerámica, en la urbanización El Peñón, para el disfrute de este arte del fuego.
La primera campanada la dieron los talleres Volviendo a la Tierra y Acción Cerámica, ambos estudios con sede en Caracas que no solo mantienen los hornos encendidos con sus producciones artísticas de alta factura, sino que capacitan a nuevas generaciones de ceramistas con programas completos de formación.
Con el interés de generar un nuevo intercambio colaborativo entre artistas donde se evidencie la vigencia del trabajo cerámico y su relación con la ciudad, los organizadores del MUC recibieron un sí rotundo por parte de quince talleres de cerámica activos en Caracas, los cuales se darán cita el 21 de mayo.
Los artistas que participan en la primera edición de El MUC son: Andreína Rodríguez Seijas, Laura Ruiz, César Valbuena y Daniel Guerra (@accionceramicaccs). Cecilia Guevara (@c_dospuntos), Celeste Carvajal (@celeste.carvajal), Josselin Chalbaud y Christian Fontana (@designcorteza). Gretchen Bethke (@gretchenkeramika), Ivoly Noguera (@central_dada), Lucia Guinand (@lalula_), María Angélica Parra (@vasijas.vibrantes), Miguelángel Mruetter (@mruetter_ceramics), Mireya Salazar, María Raquel Ferrer (@spectabilis.shop), Stefania Lovera (@stefi.om), Verónica Petersen (@petersenvstudio_ceramics), Vinia Winckelmann (@viniawinckelmann), Fanny Zambrano y Ana Rodríguez (@volviendoalatierra.studio).
En este primer encuentro, los artistas del MUC le rendirán homenaje a la artista venezolana Noemí Márquez, Premio Nacional de las Artes del Fuego (1998), quien ha sido reconocida por su extraordinario y sostenido desempeño artístico durante más de cincuenta años de carrera. La valenciana ha merecido muchos reconocimientos nacionales e internacionales y la admiración de los amantes de la cerámica por su devoción a la tierra a través de su poética en obras de gran formato. Un reto que dará como resultado el acercamiento de los ceramistas del MUC al trabajo de Noemí y que podrá ser disfrutado por todos los asistentes.
También, cada taller de cerámica tendrá un espacio expositivo a cielo abierto, creando un circuito cerámico donde el visitante podrá apreciar y adquirir piezas hechas a mano, decorativas y utilitarias. Además, habrá acciones participativas para el público asistente: charlas con expertos, demostraciones en vivo de artistas del torno y un aula abierta para niños, donde podrán aprender y disfrutar de actividades lúdicas con el barro.
El primer encuentro de El MUC tendrá lugar el 21 de mayo de 2022, de 10 am a 6 pm, en el taller de Acción Cerámica, ubicado en calle La Ceiba, casa #18, El Peñón (antes del Caracas Sport Club), Caracas. Habrá música en vivo y un área de comida con propuestas criollas saludables. La sede del evento es de fácil acceso, con seguridad y comodidad para estacionar. Este evento cuenta con el patrocinio de @ venceramica, @ecofiltrovenezuela, @somossimbi y @openhause2art.
Tiempo presente ganó la primera edición del Premio Luis Ángel Duque
Esta convocatoria se traduce como un esfuerzo para revitalizar las artes plásticas en Venezuela, siendo Dinora Pérez-Morillo la autora galardonada
Mayte Navarro
El jurado del I Premio de Arte Contemporáneo Luis Ángel Duque conformado por María Luz Cárdenas, Gabriela Rangel, Fernando Eseverri, Adriana Meneses, Víctor Guédez y Caresse Lansberg dio a conocer los cuatro artistas ganadores y a los merecedores de las menciones especiales.
Entre los ganadores figura Dianora Pérez-Montilla, quien se hizo con el primer premio gracias su obra Tiempo presente, donde la artista crea papel a partir de las fibras de camisas militares. Para María Luz Cárdenas, crítica de arte e integrante del jurado, la obra resulta interesantísima porque indica la crisis, implica el poder ejercido desde el terror y muestra como el papel también refleja la cultura de un país.
Pérez Montilla obtuvo una residencia de artista por tres meses en los talleres de Venezuelan American Endowment for the Arts (VAEA), New Rochelle, NY, EE. UU.
Al segundo premio le corresponde una residencia de artista por tres meses en los talleres de la Escuela Internacional de Arte y Diseño Chavón en República Dominicana y recayó en María Virginia Pineda con su obra Cuadros de la naturaleza: Los llanos, los andes, donde presenta fragmentos de los diarios de Ferdinand Bellerman y Auguste Morrisot para reforzar la fuerza conceptual de la escritura en la descripción del territorio, también muestra la mirada del foráneo ante un territorio que creemos conocer.
En tercer premio cuenta con dos ganadores, Raúl Herrera, quien, de acuerdo a las propias palabras de Luz María Cárdenas, integrante del jurado, presentó una obra que narra los cambios en el imaginario del territorio y las transformaciones de la geografía social, que el artista tituló Crónicas de otros paisajes, y Azalia Licón, la otra ganadora, quien presentó en este salón Los contrasentidos de un río, que se enmarca dentro del segmento denominado Tránsitos Urbanos. Licón explora en su trabajo temas vinculados con la ciudad, lo político, la memoria histórica, la violencia y la muerte, utilizando la fotografía documental y otros medios visuales.
Como recompensa ambos artistas y de manera individual, se presentarán en la galería GBG Arts, Raúl Herrera, mientras que Azalia Licón tendrá esa misma oportunidad, pero en Beatriz Gil Galería.
Las menciones especiales fueron para Eduardo Vargas Rico con su obra Arqueologías para la introducción cartográficas al atlas de Venezuela; Siul Rasse con Susceptibilidad final; Onai Quiñonez y 1 (Potrero) x 1 (Vaca); Constantine Loyd y Ningún árbol fue lastimado en la realización de esta obra; y para cerrar estos reconocimientos, Santiago Méndez y su obra Mercurio Orinoco, cuyo título no requiere de más explicaciones.
De acuerdo a las declaraciones de la Fundación Cultural Estilo, el Premio de Arte Contemporáneo Luis Ángel Duque contó con una interesante participación de artistas y, lo más destacado es, que todos cumplieron con los requisitos de calidad conceptual y ejecución técnica exigidos en las bases del premio.
Esta muestra se exhibe en la Galería Freites, avenida Orinoco Las Mercedes.
La geometría de Alessandro Del Vecchio se exhibe en la galería Graphicart
Una exposición del artista plástico y arquitecto Alessandro Del Vecchio, será inaugurada en Caracas bajo el título “Geometría del color”, el sábado 14 de mayo de 2022 a las 11 am, en la galería Graphicart.
La creación de patrones de formas y de color es un distintivo en la obra de Alessandro del Vecchio, según afirma la curadora, investigadora y crítico de arte Susana Benko, en el texto que acompaña la muestra.
De acuerdo a Susana Benko, en el caso de Del Vecchio, ser artista implica estar atento a las formas y a la belleza, y ser arquitecto le permite establecer una relación con el espacio con mayor dominio y concreción, lo cual, sumado al uso de la tecnología digital, “no sólo le facilita el diseño paramétrico de las formas y la concepción de áreas o módulos siguiendo el diagrama de Voronoi, sino que gracias a determinados programas de computación que el artista utiliza, la producción material de las obras culmina con una imperturbable precisión: cortes con láser para las piezas en acrílico; plasma para las obras en metal”.
“Gracias al diseño paramétrico, Alessandro puede variar o alterar de manera ilimitada formas geométricas concebidas con antelación. Estas formas, creadas originalmente por medio de puntos, conforman áreas —celdas— relacionadas entre sí (aquí el diagrama de Voronoi) y el resultado material de ello da pie tanto a la malla o red en primer plano, como al grupo de celdas representadas en el soporte posterior. Ambos elementos mantienen las formas pre-establecidas, sólo que la malla cobra autonomía cuando quedan celdas vacías, sin soporte detrás de color, que hacen variar la composición final”.
Para Susana Benko, “La connotación orgánica está presente en estas obras. Las formas parecen generar ‘grupos de células’, percepción que no se disocia de una observación casi científica de la naturaleza. Tienen además carácter generativo y son factibles a ser multiplicadas al infinito… Se trata de una obra que sintetiza una relación casi indisoluble entre naturaleza y abstracción”.
La exposición “Geometría del color” de Alesandro Del Vecchio permanecerá en exhibición hasta el 4 de junio de 2022, en la galería Graphicart, ubicada en la avenida Veracruz, Edificio La Hacienda, Planta Baja, Las Mercedes, Caracas. El horario es de martes a viernes de 1 pm a 4 pm, y sábados de 11 am a 2 pm.
Exposición de Jesús Guerrero recaudará fondos para Fundana y SenosAyuda
Mayte Navarro
En los espacios de la galería del hotel Tamanaco se están exponiendo, hasta el 10 de agosto de 2022, obras del artista plástico Jesús Guerrero, una muestra que presentan Banesco y ArtesanoGroup. Quienes adquieran estas piezas estarán contribuyendo con dos organizaciones de dilatada trayectoria y que se dirigen sus acciones hacia la educación y la salud: SenosAyuda y Fundana.
Jesús Guerrero: pasado y presente en la obra de un excepcional artista reúne piezas de este creador nacido en Tovar, estado Mérida, en 1965. Su formación está vinculada a las artes gráficas, de allí que el color y la forma adquieran una dimensión que supera lo que resulta obvio para el ojo del espectador y, como lo señala Adolfo Wilson en la presentación, Guerrero ha mirado la pintura desde todos sus ángulos, por lo que ha estudiado el renacimiento, paradigmas de la expresión plástica contemporánea y el arte moderno.
“En sus trabajos más recientes pareciera introducir en el campo pictórico la impronta y algunos efectos plásticos propios de la expresión serigráfica: se trata de creaciones donde los planos son aplicados con pigmentos muy diluidos que dejan respirar la tela, apreciar su textura y lo que es irregular, casual y accidental se transforman en elementos expresivos”, explica Wilson.
Estas palabras también nos recuerdan la formación profesional del artista, ya que formó parte del Taller de Arte Elbano Méndez Osuna, en Mérida; y del Centro de Enseñanza Gráficas de Caracas.
Cabe destacar que una de las obras expuestas pertenece a la colección privada de Banesco. Al hacer referencia a la exposición, Rosamaría Atencio, vicepresidenta de Comunicaciones y RSE de la citada entidad bancaria, señala: “Estas obras recorren el trabajo plástico de Guerrero a lo largo de su vida. Hoy no está con nosotros en Venezuela, pero quien venga a la exhibición podrá ver los diferentes aspectos de su evolución.
Por otra parte también refleja el compromiso social del artista, cuya infancia e inicios de su adolescencia se desenvolvió en condiciones de precariedad, algo que destaca Julieta Centeno, presidenta de la Fundación ArtesanoGroup.
Las más recientes exposiciones de Guerrero tuvieron como escenario Madrid. “Encuentros cercanos y no tantos” se presentó en el Cruz Bajo Arte Contemporáneo, “Escenarios abstractos” en el Sensabell Plastic Surgery de Valencia; “Puntadas, telas y papeles de Madrid” en el Cesta República en Madrid. En cuanto a reconocimientos, tiene en su haber el Premio AICA a la mejor exposición individual en Caracas, Premio Arturo Michelena y el Premio único de la V Bienal de Artes Visuales Christian Dior, entre otros.
Free Color narra lo inseparable del arte y la vida
Este film de Alberto Arvelo trae a la gran pantalla la obra y la obsesión del maestro Carlos Cruz-Diez, lograr la obra imposible
Mayte Navarro
Una buena noticia alegra tanto a los amantes del arte como a los del buen cine. El 21 de abril se estrenará en varios cines de Venezuela el film de Alberto Arvelo, Free Color, la fascinante historia de Carlos Cruz-Diez, donde narra la obsesión del artista venezolano radicado en París, liberar al color de todo soporte y toda forma. La película, que se estrenó mundialmente hace dos años llega al país a través de Mundo de película, empresa que se encargará de su distribución.
En este recorrido cinematográfico, que además de mostrar un proceso creativo, constituye un homenaje a uno de los grandes talentos nacionales, acompañan al maestro Cruz Diez el actor Edgar Ramírez, en el rol de interlocutor en esta búsqueda; su nieto Gabo Cruz, director de la Cruz-Diez Art Foundation en Houston; y científicos de CalTech, uno de los mejores institutos de ciencia y tecnología de Estados Unidos.
El ejercicio narrativo se acompaña de la música que para este film compusieron Gustavo Dudamel, Devendra Banhart, Álvaro Paiva-Bimbo, Nascuy Linares y Sebastián Arvelo. La fotografía de John Márquez muestra lo más emblemático en la obra del maestro y sirve para subrayar que para un creador la edad no resta vitalidad ni entusiasmo, pues cuando se llevó a cabo este rodaje Cruz Diez ya sumaba 94 años y su entusiasmo y afán de descubrir, aprender y enseñar se encontraban intactos.
Karibanna Content (Estados Unidos), Hapax (Francia) y Tres Cinematografía (Venezuela) son las casas productoras que hicieron realidad Free Color, basados en una idea original de Jorge Cruz, hijo del artista, quien había visualizado este documental mucho antes de que se convirtiera en rodaje.
Al referirse a este trabajo, Alberto Arvelo subraya lo complicado que resultó por tratarse de un personaje de las dimensiones de Cruz Diez porque más allá de lo biográfico y del testimonio de un trabajo también está su contenido filosófico, lo que exige una puesta en escena profunda. Arvelo señala: “Haberlo tenido como protagonista fue un regalo de la vida. Convivir con un hombre de su sabiduría, de su profanidad, de su experiencia y de su humor, solo puede ser definido como una bendición”.
Gabo Cruz, nieto del artista y productor ejecutivo del documental explicó: “Nuestra vida en familia siempre ha sido una gran producción, una sumatoria de esfuerzos para acompañar de la mejor manera la aventura creativa del abuelo. Y la producción de esta película fue lo más cercano a lo que nosotros vivíamos en el taller: un equipo coordinado y apasionado que siempre buscó ejecutar una idea artística”.
Reveladoras son las palabras del autor del guión, Leonardo Henríquez, quien subraya: “Cruz-Diez era como su obra, un hombre cinético, moviente, de una honestidad intelectual vertical. Y documentar a un personaje tan exuberante es la gloria del guionista. Pero fue nuestro descubrimiento de su obsesión por liberar el color del soporte lo que definió el curso de la narrativa, esa búsqueda de ‘la obra imposible’”.
Este documental tuvo como escenarios Panamá y París. El maestro Carlos Cruz Diez falleció en la capital francesa en 2019, cuando tenía 96 años. Además de su enorme obra, regada por todo el mundo, también dejó un libro Vivir en arte: Recuerdos de lo que me acuerdo donde expresa que “el arte y la vida no se pueden separar porque son una y la misma cosa». Free Color, la fascinante historia de Carlos Cruz-Diez, viene a ratificar esa frase.
Proximamente se anunciarán las salas donde se proyectará este film que habla sobre un venezolano universal e inolvidable.
El Salón Nacional de la Coexistencia premia la creatividad reflexiva del diseño gráfico, la fotografía y la ilustración
En el certamen pueden inscribirse venezolanos mayores de edad, radicados o no en el país, que participen a través de propuestas inéditas que reflejen el concepto de coexistencia. El ganador de cada categoría recibirá un premio único de 500 dólares y el jurado podrá seleccionar también otras obras a las que se le reconozcan cualidades sobresalientes
El 13° Salón Nacional de la Coexistencia (SNC) abre su convocatoria para que entusiastas, estudiantes y profesionales del diseño gráfico, la fotografía y la ilustración participen con reflexiones sobre los caminos para la convivencia pacífica y el respeto a los diferentes, el derecho a la igualdad y a la justicia, así como el valor de proteger o defender a quienes no pueden hacerlo por sí mismos. El certamen organizado desde hace más de una década por la organización sin fines de lucro, Espacio Anna Frank, recibirá las obras desde este martes 29 de marzo hasta el próximo 3 de julio.
Esta nueva edición del concurso tiene como tema los «caminos para la coexistencia», asumiendo que la ansiada coexistencia es consecuencia de pequeños actos conscientes, que se hacen cotidianos y que son el resultado de combinar el lenguaje en todas sus formas con acciones concretas que incluyan al otro con sus singularidades y diferencias. Estas acciones que por lo general permanecen difuminadas en realidades inhumanas confirma la necesidad de un mayor compromiso, especialmente de quienes tienen el don de comunicar con impacto mediante el arte y la palabra.
A lo largo de sus 13 ediciones, el Salón Nacional de la Coexistencia ha recibido propuestas de más de dos mil participantes, consolidándose como un proyecto educativo, artístico, social y humano. Podrán inscribirse en el SNC2022, venezolanos mayores de edad, radicados o no en el país, que participan a través de propuestas inéditas que reflejan el concepto de coexistencia. Los concursantes podrán participar simultáneamente en diversas categorías si así lo desean. El ganador de cada categoría recibirá un premio único de 500 dólares y el jurado podrá seleccionar también otras obras a las que se le reconozcan cualidades sobresalientes.
La coordinadora del SNC 2022, Lety Tovar, espera que en esta nueva edición los participantes presenten propuestas con “creatividad, diversidad y en las que la experiencia de la sociedad se vea reflejada en cada una de las piezas que serán expuestas en distintos lugares”.
Las obras que participan en este concurso pasan a ser parte del SNC, que exhibe las piezas inscritas en su Museo Virtual respetando siempre la autoría de los participantes. Asimismo, el equipo organizador se encarga de realizar muestras itinerantes en instituciones educativas, centros comerciales, galerías de arte, entre otros espacios.
Las obras ganadoras y seleccionadas en cada edición del salón además de ser expuestas en diferentes lugares también son utilizadas para ilustrar publicaciones del Espacio Anna Frank como agendas, convocatorias y otros materiales impresos o digitales.
EL JURADO CALIFICADOR
Esta 13° edición del SNC, contará con un reconocido jurado para evaluar las diferentes propuestas. En la categoría Ilustración, el equipo evaluador estará formado por la promotora cultural Lía Di Lucca, el artista plástico Leonardo Moleiro y Juan Luis Landaeta, artista visual, escritor y compositor.
En la categoría Fotografía, la terna calificadora estará integrada por la investigadora de Comunicación y profesora universitaria Johanna Pérez Daza, el artista multidisciplinario Alexander Apóstol y por Wilson Prada, fotógrafo y curador.
Los destacados diseñadores Pedro Quintero y Eduardo Chumaceiro, junto a la diseñadora y fotógrafa Kataliñ Alava (Kachale) serán los integrantes del jurado de la categoría Diseño Gráfico.
Durante la recepción de obras, específicamente del 4 al 11 de abril, estará abierto el período de consulta, en el que los participantes podrán obtener respuestas a sus preguntas y aclarar dudas mediante el correo electrónico concurso@espacioannafrank.org.
Los jurados de cada categoría deliberarán durante el mes de agosto y los veredictos se darán a conocer a partir del lunes 29 de agosto de 2022. El acto de premiación e inauguración de la exposición de las piezas ganadoras y seleccionadas serán en septiembre, justamente durante la celebración del Mes de la Coexistencia.
UN POCO MÁS
Al igual que en ediciones anteriores, las bases del concurso se encuentran publicadas en http://www.espacioannafrank.org, en ellas encontrarán todo lo requerido para participar. En simultaneo, el Salón brindará una serie de actividades para las personas interesadas y que estarán relacionadas con el concurso como conversatorios o transmisiones en vivo por Instagram con artistas y miembros del jurado, así como la inauguración de muestras itinerantes, recorridos por el Museo Virtual y una caminata fotográfica.
Asimismo, se contempla la presentación de la publicación Procesos creativos 2020, un desplegable producido por el Espacio Anna Frank, que recoge las voces de 20 artistas que comparten justamente sus procesos de creación.
“Esperamos que esta publicación sirva de inspiración a quienes quieran participar en el Salón”, acotó Tovar.
Toda la información necesaria para inscribirse en el concurso está disponible en el portal http://www.espacioannafrank.org. Para conectarse y estar al tanto con todos los detalles del 13º Salón Nacional de la Coexistencia se pueden seguir las redes sociales oficiales. En Twitter, @EspacioAF y en Instagram, @espacioannafrank.
El arte se solidariza con los laicos de Venezuela
Este domingo, a partir de las 11:00 am, la casa de subastas Odalys realizará, en el Salón Zafiro, del Hotel Eurobuilding de Caracas, dos pujas en vivo; la primera de ellas busca apoyar los programas de acción social del Consejo Nacional de Laicos de Venezuela
Tras el éxito obtenido en noviembre del año pasado con la puja organizada a beneficio del Dividendo Voluntario para la Comunidad, la casa de subastas Odalys, consciente de su responsabilidad social, realizará este domingo 27 de marzo de 2022, a partir de las 11:00 am, su puja 295 a beneficio del Consejo Nacional de Laicos de Venezuela, asociación civil sin fines de lucro fundada en 1992 que busca renovar la fe en la sociedad, así como promover virtudes y valores positivos.
La puja se realizará en forma presencial en el Salón Zafiro del Hotel Eurobuilding, ubicado en la Av. La Guairita con calle Auyantepuy, de la urbanización Chuao, en Caracas. En ella se ofrecerán 97 lotes de obras representativas del arte moderno y contemporáneo, nacional e internacional.
Los coleccionistas, veteranos y noveles, así como los amantes del arte podrán adquirir, con el martillo de Odalys Sánchez, obras de artistas como Jacobo Borges, Francisco Bugallo, Sigfredo Chacón, Carlos Cruz-Diez, Jason Galarraga, Graziano Gasparini, Julio Le Parc, Edgar Negret, Mercedes Pardo, Jesús Rafael Soto, Abigaíl Varela, Antoni Tàpies, Oswaldo Vigas y Cornelis Zitman, entre otros.
Las obras estarán expuestas en la galería Odalys hasta el sábado 26, en horario de 9:30 am a 1:00 pm, y de 2:00 a 5:00 pm.
El catálogo está disponible para su consulta en el siguiente enlace: https://odalys.com/odalys/auction-pdf/odalys_cat_295.pdf.
No es una, sino dos
Inmediatamente concluya la subasta número 295, se dará inicio a la puja 296, con 133 lotes del mejor arte moderno y contemporáneo de creadores venezolanos e internacionales, entre los que figuran Ricardo Benaím, Salvador Dalí, Oswaldo Guayasamín, Francisco Hung, Pablo Picasso, Luisa Richter, Miguel von Dangel, Andy Warhol y muchos más.
Las obras de esta puja también se exhiben en la galería Odalys y los interesados en participar en ella pueden desde ya estudiar el catálogo para hacer la selección de las piezas de su interés.
En este link se muestran todos los lotes: https://odalys.com/odalys/auction-pdf/odalys_cat_296.pdf.
Galería ABRA inaugura exposiciones individuales de Dulce Gómez y Carelyn Mejías
El domingo 20 de marzo de 2022, a partir de las 11 a.m., el público caraqueño podrá disfrutar dos nuevas exposiciones en los espacios de la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones. En el galpón 6 se inaugura AZUL, ROSA Y SIENA, una individual en la que la artista Dulce Gómez reúne una serie de obras en las que reflexiona sobre el hecho pictórico y los factores que intervienen su código visual. A su vez, en el galpón 9 se presenta, bajo el título ESTADO DE ALOJAMIENTO. ARCHIVO, la muestra individual de la artista Carelyn Mejías. La joven artista venezolana exhibirá un conjunto de obras audiovisuales que, en un ejercicio de memoria personal, buscan abrir diálogos sobre la complejidad en torno a la fabricación de vínculos y sus representaciones; al cuerpo materno como soporte en su rol dentro y fuera de las artes; y a las posibilidades de creación a partir del archivo.
AZUL, ROSA Y SIENA
Desde los inicios de su carrera, Dulce Gómez se interesó por la pintura, el ensamblaje y la instalación. La pintura le ha permitido crear un código propio y establecer conexiones entre las formas de los objetos y el registro de su pensamiento plástico. Sus obras, que parten de elementos desgastados o restos de procesos de restauración encontrados, devienen en abstracciones que apenas dejan entrever la reminiscencia de las formas que las originaron.
En AZUL, ROSA Y SIENA, Gómez reúne en sala un conjunto de lienzos pintados entre 2020 y 2022 en los que se evidencia un código visual encriptado durante el proceso de creación. Guiada por la intuición y el azar, Gómez entreteje trazos y planos de colores para crear una realidad única.Entre las capas de transparencias y aguadas, subyace la materialidad que se diluye en la sorpresa del hallazgo que conlleva la experiencia pictórica.
La artista nos plantea un análisis del acto de pintar, una reflexión sobre la apariencia, la presencia y la transparencia. En este sentido, Gómez investiga sobre la función de la imagen que parte de la conocida obra Ceci n’estpas une pipe del pintor belga René Magritte. Asimismo, hace una relectura del ensayo escrito por Michel Foucault sobre la obra de Magritte, y sobre la propuesta del filósofo Gilles Deleuze ante la tensión entre el hecho y su semejanza. Por otra parte, la artista revisa la cronología del arte digital y las ideas en torno a la desmaterialización del arte como estímulo; entre lo que se ve directamente en una pintura y lo que se ve en la pantalla de un dispositivo en la versión de un NFT.
Para Gómez, a la hora de crear, el pintor medita sobre ‘…las influencias, sus dudas y temores y el acto de pintar en tiempo real, derribar las coordenadas visuales, abolir la relación mano-ojo para que surja un hecho nuevo’.
ESTADO DE ALOJAMIENTO. ARCHIVO
La joven artista Carelyn Mejías ha usado la fotografía vernácula, desde los inicios de su trayectoria, como alegoría del afecto a partir del que es posible establecer una reorganización simbólica de su jerarquía familiar. Tras su migración en el 2018, Mejías construye nuevas narrativas, en las que dialoga desde su cuerpo con la reconstrucción, la metáfora y lo poético. La fotografía doméstica no funge entonces solo como vehículo de las emociones, sino que se transforma en una entidad simbólica que le permite representar y reemplazar cuerpos (in)tangibles.
Mejías parte de lo autobiográfico para generar imágenes en las que expresa sus preocupaciones por el archivo, el olvido, las ausencias físicas, la identidad, el desplazamiento, la memoria familiar, la representación de forma afectiva y política, el ámbito íntimo-privado y lo público-social; y más recientemente, la maternidad.
ESTADO DE ALOJAMIENTO. ARCHIVO es un proyecto en el que la artista da espacio a las incógnitas que surgieron en su vida desde que se volvió madre. Entre fotografía, video, libro de artista y fichas-documentos; recoge reflexiones en torno a nociones como el archivo, la maternidad y el arte. Las obras que hacen parte de la muestra evidencian cómo se relaciona de forma corporal con su hijo en función de sus necesidades y las etapas que transita durante su crecimiento. Es mi ejercicio de memoria personal para no olvidarme que puedo y sé hacer algo más que maternar, afirma la artista.
Así pues, Mejías se desprende de su individualidad para alojar –dentro y fuera- una vida y otra. La sobrecogedora experiencia de la maternidad la mueve a cuestionarse cómo seguir desarrollando sus investigaciones y propuestas personales en relación al campo del arte; a cómo generar espacios y tiempos para el quehacer diario artístico en relación a su contexto doméstico y al cuidado de otro cuerpo; y cómo continuar con un hilo investigativo que aborda el archivo, desde lo autobiográfico, después de la maternidad.Y aunque la muestra no tiene la pretensión de remarcar lo solitaria, difícil, dolorosa y hermosa que ha sido su maternidad,advierte Mejías, las tensiones planteadas por la artista en sala se transforman en una invitación a la reflexión en torno al cuerpo materno, dentro y fuera de las artes. Las exposiciones “AZUL, ROSA Y SIENA” y “ESTADO DE ALOJAMIENTO. ARCHIVO” se estarán presentando desde el 20 de marzo hasta el 05 de junio de 2022, en los galpones 6 y 9, respectivamente, de la galería de arte contemporáneo ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm, sábados y domingos de 11:00 am a 4:00 pm
Los tepuyes en Madrid.
Alejandra Rodríguez
Unas mesetas de cortes abruptos, paredes verticales y cimas casi planas forman parte de nuestra geografía. Los tepuyes son sagrados porque su nombre significa “montaña” ó “morada de los dioses”. En Venezuela tenemos más de 50 y tienen una antigüedad mayor a los 1.700 millones de años.
Yo soy Alejandra Rodríguez y tengo el placer de representar a Venezuela en el exterior, me encanta transmitir la belleza de nuestro país y por eso hoy les vengo a hablar de tepuyes, a pesar de que nuestro país atraviesa una etapa difícil en su historia, somos un país con muchos más privilegios y bendiciones que están por encima de esos problemas que se saben en el mundo. Dejando a un lado los problemas políticos, los problemas sociales y de pobreza debemos sentirnos orgullosos de los lugares maravillosos y de lo sencillo, humildes y encantandores de los venezolanos.
Yo cada vez que tengo oportunidad de visitar mi país regreso más enamorada de Venezuela y aunque llevo muchos años viviendo fuera de nuestro país, cada día me siento más orgullosa de haber nacido en Venezuela.
Ahora tuve la oportunidad de visitar en Madrid en Casa de América, muy cerca de la puerta de Alcalá la exposición que abrió el artista Rodolfo Gerstl llamada “Piel de Tepuy”, en la que muestra sus visiones de Canaima. Yo quiero invitar a todos los que tengan oportunidad a que pasen a visitar esta exposicion y sientan lo que yo sentí: orgullo, ganas de volver a Canaima, el deseo de experimentar de nuevo lo que se siente cuando estás allí , la fuerza del Salto Angel, los paisajes y la naturaleza con la que te puedes conectar estando allí de una manera única.
Esta exposición está conformada por fotografías realizadas entre 2015 y 2019 por este profesional de la imagen nacido en Caracas quien ha logrado jugar con las variaciones que propicia el clima cambiante sobre el paisaje de un lugar que no tiene comparación alguna en el mundo.
La exposición estará abierta hasta el el 14 de mayo. No se la pierdan!
El artista venezolano Pablo Griss expone su obra en Berlín
Una exposición del artista venezolano Pablo Griss fue inaugurada recientemente en la galería Luisa Catucci Galerie de Berlín bajo el título Intervention, con una selección de sus pinturas más recientes, que podrán ser apreciadas hasta el 01 de mayo de 2022.
La muestra incluye dos obras de gran formato de la serie Intervention, una obra de 4 metros de la serie BlackGold, varias piezas de la serie intervention / color margnetic continuum, asi como una introducción a sus exploraciones pictóricas más recientes a las cuales llama Diagramas para intervención en un campo de color.
La obra de Pablo Griss se define como geometría abstracta. A pesar de la inevitable influencia del arte cinético en su obra, es posible descifrar su intención más allá de generar un efecto óptico. Griss es un pintor para quien el uso cuidadoso de los materiales es fundamental. Utiliza pigmentos de alta pureza sobre lino belga y cada obra lleva decenas de capas para lograr la saturación óptima. La técnica del Hard-edge en la que la separación entre dos areas de color plano esta definida con altisima presición generando una vibración visual se aprecia en la serie INTERVENTION de Pablo Griss como una de sus características principales. Sin embargo para Griss, su pintura trasciende lo visual en busca de lo poético, su obra nos invita a la introspección y reflexionar acerca de todo aquello que no podemos ver pero sí percibir.
Según sus propias palabras, Pablo Griss explora a través de la pintura las posibilidades visuales de la energía y sus características: campos magnéticos, radiación, resonancia, corrientes y ondas electromagnéticas. “Me interesa cómo estos fenómenos físicos conectan con algunas de mis reflexiones existenciales; si miramos de cerca, la mayor parte de nuestro comportamiento se lleva a cabo como estos incidentes”.
Para Pablo Griss, en su obra “la repetición y la simetría se sintetizan en la retina y se muestran en la superficie del cuadro; como la imagen de un ‘campo magnético’: vibraciones que más allá de los puros efectos visuales son en sí mismas el fenómeno”.
“Emprendo la geometría con el cuidado de no caer en el ‘manierismo gráfico’, mi interés se centra en los valores que se pueden comunicar y trascender poéticamente a través de la pintura. Mi pintura es una fuerte presencia que no ofrece ninguna narrativa literal o conceptual. Mi obra no se resuelve en su superficie, abarca mucho más. Sí, es una superficie bidimensional, pero tiene la capacidad de llevar a su observador a otros planos no ordinarios fuera de la realidad conocida y es ahí donde la pintura muestra su mayor valor: cuando transforma desde dentro”, señala Pablo Griss.
Por su parte el artista Matias Krahn, Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (España) , considera que Pablo Griss es un pintor-pintor, de aquellos que nace de la pintura, se revuelva en ella, vive para ella y por ella. “Como todo artista que busca, Pablo Griss se reconoce a sí mismo en el flujo de la vida, por lo que no tiene miedo a investigar y a indagar en nuevos y desconocidos territorios. Es así como ha llegado a crear un cuerpo de trabajo sin concesiones a la anécdota, una pintura que habla de los terrenos fronterizos de la conciencia humana, del lugar en el que explota la realidad y se desdibuja para dejar paso a otras dimensiones menos comprensibles y cómodas”.
Pablo Griss, nació en Caracas, Venezuela en mayo de 1971. Graduado de la Universidad de Columbia en Nueva York, se ha dedicado por completo a su carrera artística de manera profesional. Desde 2015 vive y trabaja en Berlín, sus obras son exhibidas constantemente en exposiciones colectivas e individuales en Estados Unidos, Europa y América Latina. Su obra tiene influencia de artistas como Peter Halley, Agnes Martin, Frank Stella, Daniel Buren, Sol Lewitt, Donald Judd y Josef Albers. En 2013, las primeras obras de su serie Intervention se presentaron por primera vez durante ArtBo ’13 compartiendo espacio de exhibición con el conocido artista de Neo-Geo Peter Halley; Durante esta feria de arte, su trabajo apareció como portada de la versión digital de la revista especializada Art in America. En 2014, su obra se incluyó en ‘100 Painters of Tomorrow’ escrito por Kurt Beers y publicado por Thames & Hudson.
La exposición Intervention de Pablo Griss estará abierta al público hasta el 01 de mayo de 2022 en Luisa Catucci Galerie, ubicada en Allerstr. 38, 12049 Berlín, Alemania.
Muestra colectiva de 50 artistas contemporáneos toma los espacios de La Caja del Centro Cultural Chacao
Una exposición titulada “Variables Inesperadas” presentarán El Comité y la Fundación Govea-Meoz a partir del viernes 11 de marzo de 2022 a las 4 pm, en La Caja del Centro Cultural Chacao, con la museografía de Luis E. Ruiz y la curaduría de Maria Teresa Govea-Meoz y Lourdes Peñaranda.
La muestra reúne una selección de obras de un grupo de 50 artistas contemporáneos e incluye diversas disciplinas como la cerámica, fotografía, collage, pintura, escultura, arte sonoro, instalación gustativa, performances y multimedia (Video, Software art, NFT, Net art, Gif, Animación).
Entre los artistas que participan en esta exposición se incluyen: Noemí Márquez, Samuel Baroni, Valerie Brathwaite, Abraham Araujo, Adriano Russell, Anghy Rondón García, Arturo Quintero, Camila Curiel, Carlos Enriquez-Gonzalez, Claudia Ammirata, De:on, Diana Carvallo, Elena Saraceni, Elsy Zavarce, Enmanuel Mastroianni, Federico Blank, Flama, Gioconda Berríos, Giovanni Paseri, Guiomar Gamero, Ionee Waterhouse, Isabel Ron-Pedrique, Jean Nouel, Jonathan Lara, Jorge Domínguez Dubuc, Juan Henríquez, Leizer Oliveros, Lisu Vega, Lourdes Peñaranda, Luis Gómez R, Manuel Lebón, Magaly Otaola, Maria Bilbao·Herrera, María Gabriela Parra, Maria Verónica Machado, Marithe Govea-Meoz, Mauricio Ceppi, Mery Guevara, Mónica Trejo, Muu Blanco, Pablo Haiek, Rafael Castillo Zapata, Raúl Cardozo, Sabrina Montiel-Soto, Salvador Guida, Sesk, Tutty García, V+J Valentina Izaguirre + Juan Delcan, Yuri Liscano.
“En la metodología clásica de las ciencias, las Variables Inesperadas son el resultado de las hipótesis sobre la estructura del mito y el imaginario, son explicativas del origen de una construcción mental acerca de la realidad expresada por el lenguaje. Es así, de algún modo, un paradigma de conocimiento. Un modo de responder a la incertidumbre de lo ignorado. Las variables son un símbolo y una representación, por lo tanto, una abstracción que adquiere un valor no constante”, según afirman Maria Teresa Govea-Meoz y Lourdes Peñaranda en el texto que acompaña la muestra.
En palabras de las curadoras, la exposición “propone un diálogo con el entorno, con factores externos que convergen y determinan ámbitos de relación susceptibles a la continua transformación de las experiencias, potenciando y accionando comunicativamente la tarea de manifestarse. Es una invitación a detenerse para poder contemplar las diferentes cosmovisiones, de estos 50 artistas, constituyendo las visiones que la muestra plantea, la tarea de transformar la mirada para un hacer creativo, claves para la comprensión de la realidad desde la perspectiva del artista contemporáneo, el arte es medio activo para propagar las identidades a través de la materia que se convierte en soporte de experiencias universales”
“Variables Inesperadas” será inaugurada el 11 de marzo a las 4 pm, y permanecerá en exhibición hasta el 07 de mayo de 2022 en La Caja del Centro Cultural Chacao, en la Avenida Tamanaco, El Rosal, Caracas; en horario de jueves a domingo de 11 am a 4 pm; y podrá ser apreciada también de manera virtual a través de las cuentas de Instagram @fundaciongoveameoz y @elcomite9. Esta exposición cuenta con el patrocinio y la alianza estratégica de Wendy & Raul Meoz, Alief, Teletour, Espacio Articulado, Canal Gallery Space Art, Alterno, Jojoto Producciones y Amaranto
Cabe destacar que en el marco de la inauguración de la exposición, se presentará la “EXPERIENCIA VISUAL SONORA” el 11 de marzo de 2022 a las 7 pm, muestra que reunirá exponentes del arte audiovisual y la música electrónica en una producción conjunta de El Comité, La Fundación Govea Meoz y Xpace.
Exposición «Miradas de agua»
Seis mujeres muestran sus trabajos en torno al agua y la imaginación
Una exposición titulada “Miradas de agua”, se exhibe actualmente en la galería Imago Art in Action de Coral Gables, donde se reúne el trabajo que seis artistas ―Claudia Cebrian, Lara Di Cione, Sofía Maldonado, Daniela Quilici, Carmen Smith y Toña Vegas― han llevado a cabo en torno al agua y la imaginación.
La muestra cuenta con la curaduría de Katherine Chacón, quien se basó en las ideas que el filósofo francés Gastón Bachelard expone en su célebre libro El agua y los sueños, para indagar en las fuerzas arquetípicas del agua, y sus cualidades, como fuente del imaginario poético, en el entendido de que la imagen artística es, también, un campo soluble que refleja lo mutable e indefinido.
“Aunque el conjunto es diverso en lenguajes, modalidades y técnicas, estas creadoras comparten prácticas en la que el foco conceptual se desliza hacia lo subjetivo, al integrar la intuición, la emoción y la mirada interior, permitiendo la aparición sugerente, casi metafórica, de la imagen. En estos trabajos hemos querido ver el fluir de esa “fisiología del agua onírica” propuesta por Bachelard, entendiendo que la imagen artística es, también, un campo soluble que bien puede reflejar aquello que en nosotros es mutable e indefinido”, afirma Katherine Chacón en el texto que acompaña la exposición..
La fotografía de Claudia Cebrian (Buenos Aires, Argentina) se instala al borde de lo onírico. Eludiendo la radicalidad surrealista, pero sosteniendo la fuerza de lo enigmático, Cebrian crea imágenes donde la naturaleza y lo femenino convergen en misteriosas relaciones. La artista, que estudió Publicidad y Fotografía en Buenos Aires, se radicó en Miami en 2021 continuando con su formación y participando en diversas exhibiciones. Su trabajo ha recibido varios reconocimientos entre los que destaca la mención honorífica obtenida en 2020 en L.A. Photo Curator: Global Photography Awards.
Lara Di Cione (Caracas, Venezuela) muestra sus Nadadores, serie que emprendió por el interés que le suscitaron las deformaciones que el agua produce en la percepción de los cuerpos sumergidos. Para realizarlos, toma fotografías de personas en el momento en que se zambullen y nadan en una piscina, en un proceso que le permite confrontar lo bello/conocido y lo deforme/inédito. Di Cione es artista plástico, restauradora, historiadora del arte y docente. Estudió Restauración de obras de arte en Italia. Es Licenciada en Artes Plásticas de la Universidad Central de Venezuela.
Sofía Maldonado (San Juan, Puerto Rico) creó su serie Aguas muertas después de que dejara su país de origen para mudarse a España. El viaje y los cambios que éste supuso, vividos en medio de la pandemia del Covid-19, se reflejaron de inmediato en su trabajo, al dejar de lado la “tropicalidad” que lo había caracterizado, para experimentar con los tonos oscuros, el impasto, y la línea de horizonte. Maldonado estudió en la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico y en el Pratt Institute de Nueva York. Ha participado en importantes exposiciones colectivas como la Bienal del Whitney Museum (NY, 2017) y “On Painting” (CAAM, Gran Canarias, 2013).
Las pinturas de Carmen Smith (Jacksonville, FL, EE. UU.) representan escenas solitarias donde la arquitectura adquiere un papel preponderante. Su sintético lenguaje ―que evidencia su tributo a Edward Hooper y Alex Katz, entre otros pintores americanos― crea planos casi abstractos en los que la perspectiva desencadena intensos choques de luces y sombras. Smith Estudió en Escuela de Artes de la Universidad Virginia Commonwealth (Richmond, VA). Hasta el momento ha participado en más de 15 salones de arte, recibiendo el Certificado al Mérito en las ediciones de 2017 y 2018 de la Annual “Paint Me Miami” Art Competition.
La obra de Toña Vegas se origina en un penetrante ejercicio contemplativo. La fotografía es el punto de partida de las series Shizen y Traces, en las que la artista ha querido registrar los trazos secretos que la naturaleza inscribe en el agua. Vegas somete las imágenes fotográficas a alto contraste, lo que deja al descubierto líneas esenciales que luego transfiere, como surcos, al papel pintado de negro y, «en positivo», al pliego blanco. Vegas estudió en Psicología y artes gráficas. Su trabajo ha sido exhibido en ferias de arte internacionales, museos y galerías en Caracas, Maracay, Mérida (Venezuela), Nueva York, Estrasburgo y Miami.
La exposición “Miradas de agua” estará abierta hasta el domingo 8 de mayo de 2022.
LA EXPOSICIÓN LETREROS QUE SE VEN INVITA AL VENEZOLANO A VERSE REFLEJADO
El Trasnocho Cultural invita a disfrutar de las 70 fotografías que componen la exposición Letreros que se ven, instalada en los espacios de la Sala TAC, del complejo cultural ubicado en la urbanización Las Mercedes, en Caracas.
El visitante se encontrará con una muestra fotográfica que, tal como ha señalado la coordinadora de la muestra, Diana Vilera, permite conectar con la realidad que ha rodeado a la mayoría de los venezolanos, quienes pueden verse reflejados en esos carteles, grafitis, anuncios y “pintas” que los cinco fotógrafos partícipes en la actividad recopilaron.
Vilera, quien también es antropóloga y gestora cultural, afirma que Letreros que se ven, realizado por el colectivo fotográfico El Grupo, “es un registro de la sociedad venezolana de los años 70 y 80, un retrato de la época con humor negro y el doble sentido”.
El Grupo estuvo integrado originalmente por los reconocidos fotógrafos Ricardo Armas (Venezuela, 1952) Luis Brito (Venezuela, 1945-2015), Alexis Pérez-Luna (Venezuela, 1949), Vladimir Sersa (Italia, 1946) y Jorge Vall(Cuba, 1949), al que luego se le sumaron Fermín Valladares (Venezuela, 1947) y Sebastián Garrido (España, 1934-Caracas, 2003). Cinco de ellos recibieron el Premio Nacional de Fotografía.
En esta exposición itinerante se presenta el trabajo realizado por Armas, Pérez-Luna, Sersa, Vall y Valladares. Vilera informa que, luego de su montaje en Caracas, se espera que la muestra Letreros que se ven continúe su viaje desde Madrid y Caracas, hacia Miami y al Festival Foco de la Fotografía documental (La Coruña, España).
Letreros que se ven fue reseñada como una de las mejores exposiciones de PhotoEspaña OFF 2021 y en Venezuelacuenta con el apoyo de Seguros Venezuela, Fundación Noa Noa y Fundación Armas Alfonso.
Se estima que la exposición dure abierta al público al menos tres semanas más, antes de continuar su periplo hacia Estados Unidos y España.
SHEROANAWE HAKIHIIWE INVITADO A LA BIENNALE DE ARTE 2022
El artista venezolano Sheroanawe Hakihiiwe fue invitado a la 59ª exhibición de arte de la Biennale di Venezia curada por Cecilia Alemani. “The Milk of Dreams” es el título que recibe la presente edición de la destacada exposición, que se presentará del 23 de abril al 27 de noviembre de 2022 en los Giardini, el Arsenale y otros espacios de la ciudad de Venecia.
La Biennale di Venezia, con 127 años de trayectoria, se centra en su edición número 59 en tres temáticas principales: la representación de los cuerpos y sus metamorfosis; la relación entre individuos y tecnologías; y la conexión entre los cuerpos y la Tierra. Estos son los hilos conductores planteados por la curadora e investigadora italiana Ceciclia Alemani, quien toma el título “Leche del sueño” de un libro escrito por la artista surrealista Leonora Carrington, para llevarnos a un viaje imaginario a través de las metamorfosis del cuerpo y las múltiples definiciones de la humanidad.
En palabras de la curadora: “Muchos artistas visualizan el fin del antropocentrismo, celebrando una nueva comunión con lo no humano, con el mundo animal y con la Tierra; también están desarrollando un sentido de parentesco entre las especies y entre lo orgánico y lo inorgánico, lo animado y lo inanimado. Otros reaccionan a la disolución de sistemas supuestamente universales, redescubriendo formas localizadas de conocimiento y nuevas políticas de identidad. Otros practican lo que la teórica y activista feminista Silvia Federici llama el ‘reencantamiento del mundo’, mezclando tradiciones indígenas con mitologías personales de la misma manera que Leonora Carrington.
Aunque los acontecimientos de los últimos meses han dejado un mundo desgarrado, la exposición ‘Leche del sueño’ trata de imaginar otros modos de convivencia y transformación. Así que a pesar del clima que la forjó, aspira a ser una exposición optimista, que celebra el arte y su capacidad para crear cosmologías alternativas y nuevas condiciones de existencia. Pide a los artistas que no revelen quiénes somos, sino que absorban las preocupaciones y los miedos de este tiempo y nos muestren quiénes y qué podemos llegar a ser”.
El artista venezolano-yanomami Sheroanawe Hakihiiwe presentará en esta oportunidad un conjunto de 15 obras sobre papel que dan cuenta de sus principales inquietudes. Esta selección de monotipos y dibujos, realizados sobre papel de morera y sobre papel de caña estucado, nos acercan a la visión del artista sobre el entorno natural de su comunidad, su relación con los seres vivos (animales y plantas), así como a aspectos vinculados a la cosmogonía y mitología yanomami.
Desde la década de los noventa, Hakihiiwe ha venido desarrollando un trabajo orientado al rescate de la memoria oral de su pueblo.Sus dibujos, en los que prevalece unlenguaje sintético, concreto y sensible; constituyen su única herramienta de resistencia frente al devastador proceso de destrucción de todo lo que conoce. La obra del artista emprende una revisión contemporánea del imaginario yanomami y ofrece una documentación en la que habla simultáneamente desde el orgullo y el miedo a la pérdida de la memoria de su pueblo, del espacio en el que habitan y de sus creencias.
La obra de Hakihiiwe, aunque profundamente íntima y personal, ofrece una posible relectura sobre la condición humana y sobre nuestro lugar en la Tierra. Es así como se incorpora en la presente edición de la Biennale di Venezia, donde podrá ser visitada hasta finales de noviembre de 2022.
Sheroanawe Hakihiiwe es representado a nivel global por la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones en la ciudad de Caracas (Venezuela).
Sobre al artista:
Sheroanawe Hakihiiwe [Sheroana, 1971]
Artista indígena residenciado en Platanal, comunidad yanomami en el Alto Orinoco. Su experiencia en el campo de la creación se inicia en 1992 cuando aprende a elaborar papel artesanal con fibras nativas como el Shiki o la Abaca, bajo la tutela de la artista mexicana Laura Anderson Barbata. Juntos fundaron el proyecto comunitario “Yanomami Owëmamotima” o “El arte yanomami de reproducir papel”. Hakihiiwe ha presentado su trabajo de forma individual en varias oportunidades, en Venezuela expuso en la galería Abra (Puhi Tropao, 2017), en el Museo del Diseño y la Estampa Carlos Cruz Diez (Puhi Tropao, 2017) y en Oficina#1 (Porerimou, 2013 y Oni The pe Komi, 2010). Asimismo, exhibió su trabajo de forma individual en galerías internacionales como Ana Mas Project de Barcelona, España (Watori, 2021), en la galería FDAG. Carpintaria de Brasil (2021) y en la Kunsthalle Lissabon de Portugal (Urihi theri, 2021). También participó en las ferias ARCO de España (2019), Artissima de Italia (2019), ArteBa de Argentina (2019) y ArtBo de Colombia (2017).En el 2012 hizo una publicación en el Center for Books and Paper del Columbia College de Chicago en Estados Unidos. Entre las muestras colectivas que ha integrado, destacan los espacios de la Kunsthalle Wien (“and If I devoted my life to one of its feathers”, 2021), Museo de Denver (“Revision”, 2021) y Lamb gallery (“Off the grid”, 2021); Para Site & Soho House (Garden of six seasons, 2020); la Bienal de Berlín (2019), Le jour des esprits est notre nuit en el Centre Rhénan d’art contemporain (2019), Kupfer Projects (2019); la Bienal de Shanghai (2018), Conjuro de Ríos de la Universidad Nacional de Colombia (2018); la Bienal de Curitiba y la Bienal Internacional de Artes Indígenas Contemporáneas de Conaculta (2012). Fue galardonado con los siguientes premios: Artista de proyección internacional de AICA – Venezuela (2021), beca residencia de Piramidon (2021), Premio Refresh Irinox de Artissima (2019), Illy Sustain Art Prize de ARCO (2019), Primer premio de la Bienal Internacional de Artes Indígenas Contemporáneas de Conaculta (2012) y Libro del año (2000). Sus obras integran colecciones privadas y públicas a nivel mundial. Este año también será parte de la Bienal de Sídney en Australia, de la Kathmandu Triennale en Nepal y de la exposición “Les vivants” de la Fundación Cartier en Francia.
Proyecto expositivo de la galería Odalys se verá en la 59ª Biennale di Venezia
Con la curaduría del teórico y crítico de arte Alfonso de la Torre, “Con las manos crecen los signos – With Hands, Signs Grow”, organizada por la Fundación Odalys (Venezuela) y la Signum Foundation (Polonia) se presentará en el Palazzo Donà
Una niña de ocho años fue la primera que avistó sus bisontes en 1879, y aunque los académicos de la época fueron escépticos ante su autenticidad, fue en los años iniciales del siglo XX cuando se admitió que las pinturas descubiertas de la Cueva de Altamira, en el municipio español de Santillana del Mar, en Cantabria, eran una representación no solo del Arte Paleolítico, sino del arte universal. Su origen, quizás.
De aquel reconocimiento se pasó a la constatación de las interrelaciones entre las pinturas rupestres y expresiones plásticas contemporáneas, vínculos que en España, por ejemplo, se manifestaron en artistas como Picasso, Miró, Tàpies, y Chillida, entre otros, y movimientos como la Escuela de Altamira, El Paso o Los Indalianos.
Y dado que las pinturas de la Cueva de Altamira fueron también una expresión primigenia de arte público, la Fundación Odalys (Venezuela) y la Signum Foundation (Polonia) presentarán como evento colateral en la 59ª Exposición Internacional de Arte. La Biennale di Venezia, el proyecto curatorial Con las manos crecen los signos – With Hands, Signs Grow, que se podrá apreciar del 23 de abril al 27 de noviembre de 2022 en el Palazzo Donà de la Fundación Signum, un palacete del siglo XIV ubicado en San Polo 2177, 30125-Venezia.
La propuesta agrupa los trabajos de cuatro jóvenes artistas que creen en la encarnación de la palabra en los muros, en la resurrección en la pared de las formas hechas signos, y cuyos trabajos representan una invocación a los valores trashumanos que portaban esos signos de la prehistoria como claves de las imágenes: resistencia, petición de un bienestar con el entorno y la naturaleza, encuentro con la animalia o fijación de la personalidad y el cuerpo de quien traza las huellas. Ellos son Ruth Gómez, Nuria Mora, Daniel Muñoz y Sixe Paredes.
Con el apoyo del Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira, adscrito al Ministerio de Cultura y Deporte de España, Con las manos crecen los signos – With Hands, Signs Grow cuenta con la curaduría de Alfonso de la Torre, teórico y crítico de arte que entre 2005 y 2019 dirigió un programa de arte público en el contexto de ARCOmadrid, con la colaboración de Comunidad y Ayuntamiento de Madrid, junto al citado despacho de Cultura y Deporte.
Los visitantes a la muestra serán recibidos en el vestíbulo interior del palazzo por una obra múltiple que, a modo de gran ensamblaje de imágenes, evocará la historiografía de la Cueva de Altamira, con imágenes facilitadas por la institución museística de Altamira. Y aunque los cuatro artistas participantes comparten en sus respectivos procesos creativos la relación con la calle, así como el deseo de compartir su visión del mundo a través del arte, cada uno de ellos aporta una visión particular del Arte Paleolítico y su proyección en el presente.
Así, Ruth Gómez (Valladolid, 1976), egresada en Bellas Artes de la Universidad de Salamanca, presenta Caves (Cuevas), serie de dibujos y pinturas inspirados en el arte rupestre y en especial en la Cueva de Altamira, con la intención de adentrarse en el proceso creativo más primitivo y puro.
“Quiero plasmar lo que fue importante para nuestros antepasados: por un lado la naturaleza, la Madre Tierra, a través de paisajes que muestran el entorno, los lugares cercanos a la Cueva de Altamira, y también lo que se vería desde la caverna hacia el exterior (la visión subjetiva del hombre prehistórico); por otro lado los animales, principalmente ciervos, caballos, jabalíes, bisontes y cabras, incluyendo aquí el tema de la fertilidad; y por último, la espiritualidad y los signos abstractos”, dice la artista.
Por su parte, Nuria Mora (Madrid, 1974), artista contemporánea perteneciente a la corriente del PostGraffiti, muestra en Con las manos crecen los signos – With Hands, Signs Grow, XYZ -Trascending Physical Limits, propuesta integrada por distintos lienzos que se van desplegando en los ejes X, Y, Z de la misma manera que se fue descubriendo poco a poco la cueva y en la que el color sirve de excusa para hablar de la evolución del hombre, “desde esa paleta primaria (ocre roja y negra) a la del hombre en la actualidad”, explica.
Arrastrar imagen es el título de la obra que presenta Daniel Muñoz (Cáceres, 1980), con estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Sobre su intervención dice: “Se basa en dos propuestas conceptuales enraizadas en la cualidad del arte como herramienta transformadora del entorno simbólico, físico y social. Por un lado, plantea una serie de ideas en torno al poder de las imágenes para construir el espacio de lo común, y por otro, aborda una serie de cuestiones en torno al actual hiper-acceso a las imágenes revisando ideas y formas enraizadas en el arte parietal”.
Finalmente, Sixe Paredes (Barcelona, 1975), quien empezó su trayectoria artística en el mundo del grafiti a finales de los años 80, expone Futurismo Paleolítico-Protosímbolos, propuesta muralista que, según explica el artista, “parte del instante en el cual los antiguos maestros del paleolítico fueron invocados por las formas de las cavidades de las cuevas. De ese momento en el que se generó un diálogo entre su ser más profundo y el espacio que los rodeaba”.
Con las manos crecen los signos – With Hands, Signs Grow se presentará entre los eventos colaterales de la 59ª Exposición Internacional de Arte. La Biennale di Venezia, del 23 de abril al 27 de noviembre 2022, en el Palazzo Donà de la Signum Foundation, que organiza la muestra junto con la Fundación Odalys, que dirige la galerista venezolana Odalys Sánchez.
Fundación Serpentina presenta exposición de los artistas Jorge Pedro Núñez, Julio Osorio y Luis Mata
La Fundación Serpentina fundada y presidida por Jimmy Belilty, con sede en la isla de Margarita, inaugurará una muestra de su programa de Residencia de Artistas, el 08 de diciembre de 2021 a las 5:30 pm, con una exposición en la que participarán los artistas venezolanos Jorge Pedro Núñez (quien realizó la residencia durante dos meses), Luis Mata y Julio Osorio.
El artista Jorge Pedro Núñez presentará una muestra del trabajo realizado durante su residencia, a la que se acercó sin una idea preconcebida o estudio de lo que iba a ejecutar, lo cual otorga espontaneidad y sorpresa a los elementos utilizados, según explica la curadora Mariana Silva en el texto que acompaña la muestra.
“Cadenas de motocicletas, mecates, alambres desechados, taparas, bloques rotos que en algún momento fueron de gran utilidad y acompañaron el avance industrial de la sociedad, hoy son dejados en medio de las calles siendo en el mejor de los casos invisibles para quienes allí habitan. Esos mismos desechos que algunos no vemos y a otros nos estorban y afean el espacio son tomados, clasificados y re interpretados por Jorge Pedro otorgándoles desde su sensibilidad y estudio, y a través de una nueva “prima Natura” el don de una belleza onírica, levitante que no parece ser de este mundo convirtiéndolos en una poesía visual”, afirma Mariana Silva.
De acuerdo con la curadora, las obras expuestas no solo son una exhibición, sino también el estado de nacimiento de una cantidad de interrogantes para el espectador y quizá hasta para el propio artista, que por el carácter formal e informal de la muestra pueden variar desde las más banales hasta las propias de la existencia.
“Ya la obra en este momento ha pasado por dos transformaciones consientes, pues no podemos saber las otras tantas que sufrió el objeto antes de ser hallado por el artista. Del desecho a la sala expositiva y de la poesía a la filosofía pues adquiere una ontología propia, también denominada OOO ( ontología orientada a los objetos), donde nacen cientos de cuestiones acerca del objeto desde el sujeto pero sin necesidad del segundo ya que es autónoma y congénita”.
Por otro lado, el fotógrafo venezolano Julio Osorio muestra un conjunto de fotografías ejecutadas en 2018 y 2019, en torno a en las que se percibe una semblanza de quien fue y que significa el Dr. José Gregorio Hernández, conocido como “el venerable”.
Según explica Mariana Silva, Julio Osorio presenta su lenguaje a través de la luz y sus formas tomando dos tallas de madera, una con su bata de médico, y otra con su impecable traje negro del icono venezolano por excelencia.
“Si bien es una imagen, una talla de madera, el fotógrafo le imprime a través de los escenarios, el ángulo, la ubicación y la luz una estampa de respeto, armonía y bienestar a cada imagen. Fueron muchas las rutas andadas, la espera por la luz adecuada, el estudio del momento y lugar perfecto para lograr el trabajo que hoy vemos expuesto, es el alma de quien está detrás del lente lo que realmente vemos en la muestra. Detrás de cada foto hay una historia, una reacción de quienes fueron testigos de estas tomas, aflorando las emociones piadosas de la gente sencilla, del pueblo de margarita en quienes dichas tallas y el lente del fotógrafo inspiraban el mismo respeto y piedad que los retablos y pinturas de los templos(…)”
Por su parte, el artista margariteño Luis Mata, utiliza la técnica del óleo sobre tela y exhibe “bucólicas salinas creadas desde un paisaje existente y a la vez etéreo, salinas y sus personajes que develan la belleza del reflejo de miles de granos de arena y sal, que actúan como prismas y proyectores naturales de luz, en una pincelada tan fina como los cúmulos de sal al pasar por los molinillos manuales de ese paisaje multitono rosa ubicado en Pampatar”, tal y como expresa la curadora Mariana Silva en su texto.
En palabras de la curadora “Lírica visual, sepias, rosas arenas tan perfectamente ejecutados que dan la idea de existir en los estados oníricos del ser, placidez, calma y un estado de ensoñación son la sensaciones generadas por estas obras que en su mayoría se nos presentan en pequeños formatos, pues no requieren grandes espacios para trasmitir el mensaje y la inquietud del artista (…) Luis Mata también nos presenta en un grupo de obras, que la abstracción (lejos de lo que se cree) no está separada para nada del paisaje natural; estos trabajos donde franjas de tonalidades diversas, continuas y con figuras reconocibles geométricas yuxtapuestas, siguen siendo las mismas salinas donde se distinguen montañas de sal, personajes y cielos multicolores.”
La Fundación Serpentina es una organización no gubernamental sin fines de lucro, con sede en la isla de Margarita, Venezuela, que se encarga de la promoción y difusión del arte venezolano en todas sus manifestaciones. Tiene dos ámbitos de mayor interés: la residencia para artistas, lo cual consiste en invitar a un artista venezolano o extranjero a que resida, investigue y trabaje en nuestra sede por un periodo de tiempo, y la interacción con la comunidad desde sus inquietudes y necesidades en el quehacer artístico.
La exposición “Residencia de Artistas” se estará presentando desde el 08 de diciembre de 2021 hasta febrero de 2022, en la sede de la Fundación Serpentina, ubicada en la calle Unión, La Asunción, isla de Margarita. Cabe destacar que el acto de inauguración de la muestra contará con palabras del crítico y curador, Bartomeu Mari, quien fue director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y del Museo de Arte de Lima (MALI).
Galería ABRA inaugura muestras individuales de Costanza De Rogatis y Pedro Terán
El sábado 11 de diciembre de 2021 a las 11 am, la galería ABRA del Centro de Arte Los Galpones inaugurará en sus espacios dos exposiciones individuales: una muestra titulada OFRENDA, de la artista Costanza De Rogatis, en el galpón 6; y un proyecto de instalación multimedia titulado AGUA MEDITERRÁNEA – AGUA CARIBE, del artista Pedro Terán, en el galpón 9.
La muestra OFRENDA, de Costanza De Rogatis, reúne una serie de imágenes articuladas en torno a la idea del exvoto: una ofrenda votiva, en agradecimiento a una deidad por un favor recibido. La artista indaga en la relación con su propio cuerpo, continuando así con una tradición visual del cuerpo humano fragmentado.
A raíz de la pandemia, De Rogatis comenzó a vendar su propio cuerpo y vaciarlo en yeso. Experimentar con otros medios le permitió re-pensar su cuerpo, presente y ausente al mismo tiempo, e investigar “la no presencia”. En OFRENDA, De Rogatis compone imágenes involucrando su cuerpo a través de diversos medios: láminas repujadas en metal, fotografías de los moldes, vaciados en yeso, intaglios y una acción para la cámara, que le permiten traducir, registrar y conocer su propia anatomía.
La artista nos presenta en sala un ejercicio de autopercepción, que guía al espectador por un entramado de nociones como la mirada, el autorretrato y la materialidad, el reconocimiento y la sensualización; invitando al público a reflexionar sobre el paralelismo interior entre lo visible y lo invisible, la emoción y la mirada hechas cuerpo.
Por otra parte, en la exposición AGUA MEDITERRÁNEA – AGUA CARIBE, Pedro Terán presenta una instalación multimedia que se inserta en el inestable escenario que constituye nuestra realidad contemporánea. El artista parte de un estado de preocupación ante el impacto global que las actividades del hombre tienen sobre los ecosistemas terrestres; las pugnas de orden militar, ideológico, religioso, étnico y social que afectan a la humanidad; y las migraciones masivas que dan testimonio de nuestro complejo presente.
Pedro Terán presenta sutiles metáforas que embarcan al espectador en un desafiante y aciago navegar. La travesía inicia con un aforismo que envuelve al público en una atmósfera melancólica. El viaje se extiende a través de una proyección de aguas marinas, un código de barra, unos zapatos de goma y un balón desgastados, y culmina en una imagen.
En AGUA MEDITERRÁNEA – AGUA CARIBE, las instalaciones de Terán se confrontan para figurar el movimiento y el reposo. En palabras del artista, “Dibujan la paradoja del querer ser, el arduo deseo de existir en este desafortunado presente”.
Las exposiciones OFRENDA, de la artista Costanza De Rogatis, y AGUA MEDITERRÁNEA – AGUA CARIBE, del artista Pedro Terán, se estarán presentando desde el 11 de diciembre de 2021 hasta marzo del 2022, en los galpones 6 y 9, respectivamente, de la galería de arte contemporáneo ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a viernes de 9:00 a.m a 5:00 p.m, sabados y domingos de 11:00 am a 4:00 pm.
Mayor información puede ser solicitada a través de abracaracas@gmail.com, así como vía @abracaracas en Twitter e Instagram y www.facebook.com/abracaracas por Facebook, o a través del teléfono 0414.2553552
Costanza De Rogatis [Caracas, 1976]
Licenciada en Artes por la Universidad Central de Venezuela (UCV). Fotógrafa profesional diplomada en el Curso Trienal de la Fondazione Studio Marangoni en Florencia, Italia. Como parte de su formación fotográfica ha participado en diversos workshops con reconocidos fotógrafos como Rineke Dikjstra, Arno Minkkinen, Elina Brotherus, Abelardo Morell, y Anna Fox, entre otros. Actualmente realiza estudios de Maestría en Filosofía en la Universidad Simón Bolívar. Ha dictado talleres y charlas, participando como docente en el Diplomado en Arte Contemporáneo Latinoamericano de la Universidad Metropolitana. Ha realizado curadurías de arte venezolano para instituciones como el Museo Alejandro Otero, el Museo Carlos Cruz-Diez, la Sala Mendoza, Fundación Empresas Polar, la Colección Mercantil y el Centro Cultural Chacao.
Su trabajo ha sido exhibido en diversas exposiciones colectivas en Venezuela y Europa y publicado en la revista OjodePez, Rearviewmirror Magazine, Latphotomagazine, entre otros. Asimismo, ha escrito textos para el Archivo de Fotografía Urbana, la Fundación Cisneros y ArtNexus. Desarrolla su trabajo fotográfico de modo independiente. En 2016 presentó su primera muestra individual, Puente, en los espacios de la galería de fotografía Tres y 3, al año siguiente, muestra su trabajo en ABRA, Aquí. Período de prueba. En el 2019 exhibió Aquí. Despliegue. en Beatriz Gil Galería.
Pedro Terán [Barcelona, 1943]
Estudia en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas en Caracas, la Academia de Bellas Artes de Roma y la Film School de Londres. Fue docente en la EAVCR durante varias décadas. En 1984 funda el Taller Metropolitano de Arte de Artes Visuales ante la ausencia de espacios para los nuevos lenguajes. Inicia sus actividades expositivas en Salón Pez Dorado en Caracas en 1964. En 1969 expone en la Galería R en Malmo, Suecia. En 1975-76 realiza sus exposiciones Cuerpo de Exposición en el Ateneo de Caracas y Blancas Paredes en Museo de Bellas Artes de Caracas. En la legendaria galería ArnolfiniGallery de Bristol en Inglaterra exhibe en 1979 su serie Polagrams. A su regreso a Caracas en 1983 expone Dorado en el Espacio Alterno de la GAN; Esculturaleza, en 1986 en el Museo de Arte La Rinconada y en 1989 Piedras de Canto Magia en la Galería Sotavento. En los noventas expone Uninverso de Manoa en la GAN, Territorios de lo ilusorio y lo real en el MBA en Caracas y Reino de Manoa en la galería Imago en La Habana, Cuba. En 1997 expone en el Museo de Las Américas en San Juan, Puerto Rico y en el Museo de Arte Alejandro Otero en Caracas. En 2008 presenta en la Casa de la Cultura Omar Carreño, La Asunción; en el Centro de Arte Lía Bermúdez, Maracaibo y en Periférico Caracas/Arte Contemporáneo Las Casas de Oro. En 2012 Henrique Faría Fine Art, New York realiza su exposición: Pedro Terán –Works fromthe 70s. En 2015 presenta en la Sala TAC en Caracas: Musa-Papeles Oterianos. En 2016 exhibe Postdata: Es arte, en el Instituto de Visión en Bogotá, Colombia. En 2017 realiza ArchivoAbierto Pedro Terán, en la galería ABRA en Caracas, Venezuela. Su más reciente individual El emigrante de Manoa, la realiza en la galería Federico Luger en Milano en 2019.
Ha exhibido colectivamente en numerosas exposiciones desde 1966 hasta la fecha en Venezuela, Escocia, Inglaterra, Colombia, Cuba, Brasil, Francia. Está representado en colecciones privadas y museos nacionales e internacionales. Su trabajo fue reconocido con el segundo premio de TheMultipleCompetition, IkonGallery, Birmingham, Inglaterra en 1969 y el Premio Arte No–Objetual, Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia en 1981. En 1992 obtiene Primer Premio Sección Tridimensional en Primer Salón Nacional de Artes Visuales en el Museo Alejandro Otero. En 1993 obtiene el Primer Premio en la VI Bienal Nacional de Escultura Francisco Narváez.
La obra del artista multidisciplinario Joaquín Salim llega al Centro de Arte Los Galpones
Un conjunto de obras bidimensionales, una pieza de video arte y una instalación, conforman la primera exposición individual en Caracas del artista venezolano Joaquín Salim, la cual se presentará con el título “Déficit de atención” a partir del 04 de diciembre de 2021 en el galpón 17 del Centro de Arte Los Galpones, bajo la curaduría de Gabriel Guevara Jurado.
El concepto que Joaquín Salim desarrolla para la exposición “Déficit de atención”, como su nombre lo indica, “es la premisa conceptual que desde niño este artista enfrentaba en su concentración hacia otros factores no estructurados dentro de la realidad cotidiana que le atraían y lo llevaban a expresarse por medio del dibujo y el color como fuente de manifestación permanente donde colocaba su verdadero interés”, según explica el curador Gabriel Guevara Jurado en el texto que acompaña la muestra.
Partiendo de la intuición y la dispersión de objetos encontrados en la vida diaria y una vez seleccionados en el taller, el artista Joaquín Salim arma las obras, utilizando el proceso publicitario/digital, y de ese material a gran escala construye sus ensamblajes sobre tablas de madera, interviniéndolos con otros medios como grafito, acrílicos, tintas, entre otros, lo cual le permite conectar elementos visuales que “generan metáforas del lenguaje en la reunión de los diversos alfabetos que constituyen su obra”, tal y como afirma el curador.
Salim estructura sus collages con páginas de libros antiguos, etiquetas farmacéuticas, precios, envoltorios, boletos, detalles impresos de consumo masivo, los cuales le brindan la sumatoria reflexiva en donde su trabajo artístico está inmerso y a la vez se desprende de su trabajo publicitario. Siendo uno de los principales directores creativos en importantes agencias en los Estados Unidos, este joven creador “utiliza estos códigos no al servicio de lo comercial sino al proceso reflexivo de lo humano en los campos de la violencia, la fuerza, la esperanza y la historia”.
Creador multifacético que ha pasado por la música, el dibujo, la fotografía, la moda y el cine, Joaquín Salim –como expresa el curador– “es un artista integral que quiere abordar el significado múltiple del lenguaje, enfrenta una reflexión del mecanismo de la autocrítica proceso de gran madurez en el cual se desprende una sensibilidad notable, la técnica del collage y la apropiación se nutren al fotografiar su propia obra para luego imprimirla en un nuevo tamaño amplificado y llevarla a otra escala, generando una diversa jerarquía visual que luego de mutilar esa propia imagen impresa la interviene ofreciendo otro nuevo proceso del lenguaje que en sí mismo reprocha y revierte de su significado original, en fin se crea, transforma y genera otra obra de su propia obra, descontextualizando su propio lenguaje, allí está el aporte de su trabajo (…)”.
Residenciado en Nueva York (Estados Unidos), Joaquín Salim es un artista multidisciplinario que durante su trayectoria ha expuesto su obra en varios países como Venezuela, Estados Unidos, Portugal, Hungría y España. También es Director Creativo ganador de los premios de publicidad más importantes de la industria, incluyendo 6 leones de Cannes. En 2017 hizo una colaboración con el diseñador de modas Ángel Sánchez que fue expuesta en la pasarela de Miami Fashion Week, y otra colaboración para Bombay Saphire donde presentó un mural en Nueva York junto a un grupo de reconocidos artistas contemporáneos. En 2019 creó el arte del disco “The Last Word” de la banda estadounidense The O’Jays, además durante la pandemia dirigió varios videos musicales para las bandas venezolanas Arawato y La Vida Bohéme, y otro para Ava Casas. Actualmente está participando en el evento “35 Celebrando Ángel Sánchez” organizado por Latam Freedom & Development Foundation y Ángel Sánchez, al que donó una obra que será subastada para recaudar fondos para la fundación.
La exposición “Déficit de atención” del artista Joaquín Salim se estará exhibiendo desde el 04 de diciembre de 2021 hasta enero de 2022, en el galpón 17 del Centro de Arte Los Galpones, ubicado en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a sábados de 11:00am a 6:00p.m y domingos de 11:00 a 4:00 p.m.
Redes: @joaquinsalim Web: http://www.jsalim.art
Muestra retrospectiva de Francisco Narváez presenta la galería venezolana Ascaso Gallery en Miami
Una exposición retrospectiva del escultor venezolano Francisco Narváez, inaugurará Ascaso Gallery en Miami el jueves 02 de diciembre de 2021 a las 6 pm, bajo el título “NARVÁEZ The Sculptor”, con una selección de más de 150 obras, entre esculturas, pinturas, bocetos y maquetas en diferentes formatos, técnicas y materiales, con la curaduría de María Edilia de Salas, museografía de Alejandro Stein, y textos de Adriana Meneses para el catálogo.
Presentada por Ascaso Galley en colaboración con la Fundación Francisco Narváez, la exposición“NARVÁEZ The Sculptor” (NARVÁEZ El Escultor) ofrece la oportunidad de apreciar la obra de uno de los escultores más relevantes de Venezuela, a través de una muestra que exhibe tres de las etapas más importantes del artista, como son La Figurativa, Las Formas Nuevas y El Volumen, según explica María Edilia de Salas, curadora de este proyecto expositivo.
De acuerdo con María Edilia de Salas, en La Figurativa (1925-1950) Narváez desarrolla las escenas de recolección de frutas, paisajes impregnados de color y personajes con características mestizas. De esta etapa destaca su producción a escala monumental en Venezuela, representada en los proyectos urbanos: Plaza Parque Carabobo (1932), sede del Colegio de Ingenieros de Venezuela y la Plaza O’Leary (1945); así como también, su participación en París (1930-1931) en el “Salón de Artistas Franceses”, El Grand Palais, en “El Salón de los Independientes“ con una pintura en óleo titulada “la escuela” y un retrato; y su participación en “La Feria Mundial de New York” en el año 1939 con cinco tallas en madera representando las riquezas naturales de su país, El Cacao, El Café, Las Frutas, Las Perlas y El Petróleo
En la segunda etapa, Las Formas Nuevas (1950-1970), Francisco Narváez desdibuja los detalles, estilizado las formas, y entre los proyectos públicos en los que participó durante este periodo destaca el de la Ciudad Universitaria de Caracas, llamado por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva en donde realizó 13 obras monumentales; además de la obra monumental tallada en madera de 2.70 mts ubicada en la Basílica de Santuario de Nazaret en Israel.
En la última etapa, a la que la curadora denomina Volúmenes, el artista trabaja “piedra sobre piedra, grandes bloques abiertos o cerrados, desbastados y colocados unos encima de otros, apropiándose del espacio, juega mezclando diferentes materiales como el bronce y el cromo, igualmente experimenta con el arte de la multiplicación a través de la técnica de la serigrafía”. En este período Narváez realiza varias obras de carácter monumental para el Metro de Caracas, Boulevard del Cafetal y en la isla de Margarita; participa en diversas exposiciones internacionales; y se inaugura el Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez en Porlamar, Venezuela, donde dona alrededor de 59 piezas.
Para la curadora María Edilia de Salas, el recorrido nos lleva a una lectura integral en donde cada estación muestra cómo Narváez exploró con gran oficio planteamientos plásticos desde la figuración hasta la abstracción, en las diferentes técnicas, materiales y formatos; además de mostrar el proceso creativo, a través de su obra pictórica, mostrando de nuevo. las diversas técnicas y soportes, tales como el boceto, los óleos, estucos y serigrafías, mostrando igualmente la diversidad de formas de expresión. “La finalidad es que el espectador conozca la importancia del volumen en Narváez incluso en la pintura”
Por su parte, Adriana Meneses señala en los textos del catálogo de la muestra, que “Uno de los aspectos más importantes que podemos ver en esta gran retrospectiva que nos ofrece la Galería Ascaso en su nueva sede en Miami, es cómo Francisco Narváez desarrolla su producción con cada uno de los materiales que le son comunes: piedra, madera, bronce, y en cada uno de los medios que escogió para expresarse: pintura, escultura, dibujo. Como exhibición, no solo es una oportunidad única para disfrutar de toda su producción artística, sino un recorrido didáctico de uno de los grandes maestros de Venezuela, que tuvo la dicha de crear prácticamente durante toda su existencia”.
Nacido en Porlamar (Estado Nueva Esparta) en 1905 y fallecido en Caracas en 1982, Francisco Narváez desarrolló una amplia trayectoria artística a lo largo de más de cincuenta años, creando por primera vez en el país un lenguaje escultórico propio, asociado a las raíces nacionales, exaltando y valorando además la belleza de sus elementos étnicos. Realizó diversas obras para la Ciudad Universitaria de Caracas, así como también, la fuente de Parque Carabobo, la fuente “Las Toninas” ubicada en la Plaza O’Leary de El Silencio, la escultura ecuestre del general Rafael Urdaneta ubicada en la plaza La Candelaria, la escultura “Armonía de Volúmenes y Espacio” realizada para la C.A. Metro de Caracas, entre otras. Exhibió su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, Estados Unidos, España, Italia y Francia, entre otros países.
Cabe destacar, que en el estado de la Florida, en San Agustine, se encuentra la obra Busto de José Maria Vargas, de Francisco Narváez, en Los Jardines de la Escuela de Madera más antigua de los Estados Unidos, en la calle Saint George, específicamente en The Grove of Educators of the Americas, la cual fue donada por el Gobierno de Venezuela en 1948.
La exposición retrospectiva “NARVÁEZ The Sculptor” se estará presentando desde el 02 de diciembre de 2021 hasta el 29 de enero de 2022, en Ascaso Gallery, 1325 NE 1st Ave. Miami, Florida, Estados Unidos. Telf. +1 (305) 5719410
