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Cultura/cine

Realizan Concurso Internacional de Cortometraje sobre el Amazonas venezolano

La asociación Watunna Venezuela, miembro y representante en Francia de la plataforma cívico independiente Embajadores del Orinoco, convoca al “AMAZINE: Primer Concurso Internacional de Cortometraje Marc de Civrieux 2022” sobre la temática “El Amazonas venezolano en la Actualidad”, cuyas inscripciones podrán realizarse hasta el 14 de septiembre de 2022.

Orientado a apoyar y fomentar el desarrollo de talentos en el ámbito de la creación audiovisual y cinematográfica, el concurso tiene por objeto promover la conservación ambiental y la ayuda a las comunidades indígenas, y está dirigido a personas de cualquier edad y de cualquier nacionalidad. En el caso de que sean menores de edad, en el momento de la inscripción deberán contar con la autorización de su padre/madre o tutor legal, debiendo indicar los datos de éstos en la ficha de inscripción.

Podrán participar cortometrajes realizados a partir del año 2015 hasta la fechalímite de las inscripciones, deberán tener una duración máxima de 15 minutos incluidos los títulos de crédito, y podrán estar grabados con cualquier dispositivo de grabación: cámara de teléfono móvil, cámara fotográfica digital, cámara de acción, tablet, videocámara etc, pudiendo luego, si se desea, editarse con herramientas externas, deberán con una mínima calidad HD para su parcial o total reproducción y proyección.

Asimismo, el creador debe tener todos sus derechos sobre la obra, y cada cortometraje presentado deberá estar subtitulado en inglés, así como también, tener título, autor, guionista, director y todos los derechos de propiedad. Podrán presentarse trabajos tanto de ficción como de animación, documentales o entrevistas narrativas; los formatos de archivo pueden ser MOV, MPEG4, AVI, WMV, MP4; y pueden presentarse un máximo de 2 cortos por concursante.

El jurado, compuesto por Diana Lichy, Kiberly Figueroa, y Bernardo Rotundo, otorgará un premio único de 2.000 Euros, independientemente del número de autores del corto, pudiendo quedar desierto si el jurado así lo decide.

Las inscripciones estarán abiertas hasta el 14 de septiembre de 2022 y deben efectuarse a través de la web del concurso www.watunna.org, rellenando el formulario de inscripción y enviando el cortometraje a través de la misma (es necesario rellenar una solicitud por cada corto presentado). En caso de que el corto a presentar supere los 2 GB deberá ser enviado directamente a la organización del concurso a través de WeTransfer o a través de correo postal a la dirección: Association Watunna Venezuela: 86 Avenue de la Madeleine, Res. Grand Angle, A43, 34070 Montpellier, France.watunnavenezuela@gmail.com. En la Este proyecto cuenta con el apoyo  de la Embajada de Francia en Venezuela, la Asociación Diálogo por Venezuela y las plataformas Embajadores del Orinoco, VenEuropa, Alianza Climática por Venezuela y Radio Arte Venezuela.

En la cartelera venezolana a partir de este jueves 28 de julio “Buena suerte, Leo Grande”: lo que hay detrás de un orgasmo 

Según estadísticas mundiales, el 15% de las mujeres en el mundo jamás ha experimentado un orgasmo. Nancy Stokes, una viuda de 62 años de edad, es una de ellas. Por esa razón contrata un gigoló para “lograr su objetivo”. Y lo que en principio era un servicio sexual termina siendo una gran lección de vida. La dos veces ganadora del Oscar Emma Thompson en uno de los mejores papeles de su carrera, acompañada del joven talento de Daryl McCormac, ambos dirigidos por la australiana Sophie Hyde, quien con esta película entrega su propia historia. La cinta llega este jueves 28 de julio a la cartelera venezolana, gracias a Mundo De Película 

 Los estrenos recientes de Hollywood en pandemia se han destacado por pertenecer, principalmente, a los géneros Ciencia Ficción, Acción, Cine Animado y Terror. Poco se ve en la programación una historia intimista, que no es lo mismo que una comedia romántica. Y es eso lo que, justamente, y en este momento, diferencia al filme “Buena suerte, Leo Grande” del resto de las opciones de la cartelera comercial, que cuenta la intimidad de dos perfectos extraños. La cinta de Searchlight Pictures, dirigida por la australiana Sophie Hyde, llega este jueves 28 de julio de 2022 a las salas de cine en Venezuela, tras un exitoso recorrido internacional y el aval de la crítica (78 puntos sobre 100 en www.metacritic.com y 95% de buenas reseñas en www.rottentomatoes.com).  

En un momento en el que los fanáticos de las grandes sagas esperan con ansias las próximas entregas cinematográficas para atar cabos de un guión y estar a las expectativas del nuevo personaje de moda, aparece esta película que le habla sin tapujos a la pareja y sus roles en la cama. Nos cuenta la historia de Nancy Stokes, una viuda de 62 años, quien, a esa edad, confiesa jamás haber experimentado un orgasmo. Y se propone hacerlo al contratar a un gigoló al que cita en una habitación de hotel para que la ayude a marcar una serie de ítems sexuales, como si se tratase de una lista de mercado. Una tarea que en principio suena hilarante y que luego toma direcciones inesperadas para ambos personajes.  

De manera que, lejos de los grandes efectos del C.G.I o las apariciones de seres sobrenaturales o persecuciones, en “Buena suerte, Leo Grande” hay dos personajes en una recamara desnudando no solo sus cuerpos sino sus verdades. “De esto nunca se ha hablado de esta manera”, comenta enfáticamente su protagonista, Emma Thompson, sobre este filme. Y tiene razón. Quizá no hay otra película de la historia actual del cine que contenga estos niveles de naturalidad en el guión y, por ende, en las interpretaciones. Acá no hay clichés, no hay chistes fáciles ni melodrama y, a pesar de ello, sí hay mucho drama y mucha comedia, finamente hilados. 

Una hora y 37 minutos de duración pasa volando gracias al dinamismo del ritmo narrativo, las convincentes actuaciones y una banda sonora sin desperdicio. Quienes ya la han visto la califican como una joya del cine, cuyo valor radica en lo trascendental de los temas que aborda, que, más allá de lo sexual, son temas recurrentes – y a veces irresolubles- de la condición humana. “Buena suerte, Leo Grande” es una catarsis, un canto optimista, y a la vez realista, de la vida, con seres verdaderos y una Emma Thompson que desnuda todo su talento. Imperdible. 

El 15 de julio podrá ser vista a través de Goliiive

La controversial película Jezabel tendrá un estreno digital  

Se acerca el estreno en las salas de cine del país, de Jezabel -la más reciente película del director Hernán Jabes- Mientras llega el mes de agosto, la película podrá ser vista a partir de HOY 15 de julio y solo por 48 horas, en streaming, a través de Goliiive.

Es la primera vez que una producción venezolana, estrena en formato digital antes de llegar a las salas de cine. Jezabeles sin duda, una de las películas más transgresoras de la historia del cine venezolano y su estreno digital permitirá que los interesados puedan verla, desde cualquier rincón del mundo.  

Jezabel es una historia original del autor Eduardo Sánchez Rugeles (Blue Label, Transilvania, Liubliana, entre otras), que fue coproducida entre Venezuela y México.

La controversial película cuenta con las actuaciones de Gabriel Agüero, Eliane Chipia, Johanna Juliethe, Shakti Maal, Erich Wildpret, María Conchita Alonso, Diana Volpe, Héctor Manrique, César Augusto Cova Burguera. 

Una historia ambientada en lo que podría ser la Venezuela de 2033. Alain recuerda su pasado adolescente junto a Cacá, Loló y Eli, sus amantes. Un pasado lleno de sexo, mentiras y un crimen sin resolver. AG Films, bajo la dirección de Hernán Jabes y la producción de Adrián Geyer, presenta Jezabel, un thriller que habla de una sociedad en decadencia y de una chispa de luz en medio de la oscuridad. 

Luis Chataing, Érika de la Vega, Ana María Simons, Marcel Rasquin, Daniela Alvarado, Elba Escobar, son solo algunos de los nombres de personalidades del  mundo artístico, que han invitado a sus seguidores a ver la película. 

Jezabel será estrenada en las salas de cine del país, el próximo mes de agosto. En Europa, el estreno tuvo lugar en el Barcelona international film festival, festival que reconoció el trabajo de Gabriel Agûero, otorgándole el premio al mejor actor (abril 2022).

Entradas para el lanzamiento en streaming exclusivo, link en: @jezabelfilm

UNA NUEVA PERSPECTIVA DEL VIDEO CONTEMPORANEO EN VENEZUELA

Una selección de obras de videoarte de 28 artistas venezolanos contemporáneos conforman la octava edición del proyecto Aleatorios 2022, que presentará en Caracas la Fundación Govea-Meoz los días 14 y 15 de julio de 2022 a partir de las 5:30 pm, en el espacio de Marya Azzarelli *Curaduría de interiorismo.

Bajo la curaduría de Lourdes Peñaranda y Maria Teresa Govea-Meoz, Aleatorios 2022 convoca a un significativo grupo de artistas que provienen de distintas disciplinas artísticas y que han adoptado el video, las tecnologías emergentes como soportes para poder abordar nuevos planteamientos,  procesos creativos, manteniendo temáticas y conceptos de sus investigaciones previas, según afirman las curadoras en el texto que acompaña la muestra.

“La Aleatoriedad forma parte de nuestra realidad diaria, es algo cotidiano, parte de nuestros relatos, de las pequeñas historias de todos los seres humanos, es esa probabilidad de lo certero. Todo aquello aleatorio puede sugerir cierta ligereza a simple vista, hechos cuyas causas no siguen pautas definidas ni determinadas, pero es aquí precisamente donde se centra el interés de la muestra, donde los resultados no son únicos ni previsibles sino que por el contrario, corresponde a un modelo complejo donde no se conocen a priori todos los parámetros que intervienen”, señalan Peñaranda y Govea-Meoz.

Los 28 artistas que participan en Aleatorios 2022 son: Abraham Araujo, Maria Bilbao·Herrera, Muu Blanco, Iván Candeo, Raúl Cardozo, Mau Ceppi, Camila Curiel, Carlos Enriquez Gonzalez, Luis Gomez R., Marithe Govea-Meoz, José Reinaldo Guédez, Mery Guevara, Corina Lipavsky, Maria Verónica Machado, Tar Majenye, Sabrina Montiel-Soto, Jean Nouel, Thomas Noya, Hugo Palmar, Lourdes Peñaranda, Krlos Reyna, Lorena Riga Monfort, Isabel Ron-Pedrique, Eliseo Solís Mora, V + J . Valentina Izaguirre +Juan Delcan, Vincent + Feria, Ionee Waterhouse, y Elsy Zavarce.

La programación de Aleatorios 2022 abarca dos días de proyecciones y una serie de eventos que se llevarán a cabo en el marco de la exposición.

La agenda del 14 de julio de 2022 se llevará a cabo a partir de las 5:30 pm e incluye Set Sonoro de Manuel Lebón Anzola, Instalación Gustativa “ Una mirada Yekuana” por María Alexandra Ocque, y Proyección  Aleatorios  2022 Caracas

El 15 de julio de 2022 desde las 5:30 pm se ofrecerá la Tertulia “Más allá de la imagen y la sonoridad “ con la participación de Abraham Araujo (Artista Visual), Marya Azzarelli (Curadora de interiorismo y diseñadora de interiores), Maria Teresa Govea Meoz (Curadora, Artista Visual, Directora de la Fundación Govea-Meoz), Jordi Santiago Flores (Investigador, escritor y docente, co-director de Mollusca Art); y un SET sonorO de Bestialo Culapsus Mini Nano Demi: 0-800 Showcase.

Aleatorios 2022 será presentado por la Fundación Govea-Meoz, gracias a la alianza y  patrocinio del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia MACZUL, Marya Azzarelli, Neos, Espacio Articulado, Consorcio Desarrollo y Justicia.

La cita es para los días 14 y 15 de julio de 2022 a partir de las 5:30 pm, en el espacio de Marya Azzarelli *Curaduría de interiorismo, ubicado al final de la calle California, Edificio San Carlos, oficina 05, urbanización Las Mercedes, Caracas.

Un “Invictus” Venezolano se lleva el Communicator Award 2022

La adaptación en Español producida por Ciudad Gótica FILMS se inspiró en el poema que Nelson Mandela solía recitar para reanimarse durante sus 27 años de prisión política. 

La Academia de Artes Visuales e Interactivas (AIVA) en Estados Unidos ha reconocido a Antonio D. Espejo con el prestigioso premio Communicator Award por la adaptación   “Invictus”. 

            El trabajo audiovisual de dos minutos 46 segundos fue distinguido en la categoría “Mejor Video Motivacional” en una reñida contienda en la que han sido reconocidos algunos de los más importantes creadores audiovisuales en Estados Unidos. 

            “Más que un poema, este es un canto universal de resiliencia. Espero que mis humildes pinceladas a ese gran texto compuesto hace más de un siglo ayuden a alivianar las cargas a quien lo necesite”, afirmó Espejo quien reside en Nueva York desde 2014. 

            Los premios Communicator Awards en Estados Unidos reconocen la excelencia creativa de los profesionales de la Comunicación desde hace 28 años. Reconocidas marcas como The Walt Disney Company, Microsoft, T-Mobile, Pepsico y la Revista Forbes han sido distinguidas en ediciones anteriores. 

            La Academia de Artes Visuales e Interactivas (AIVA) con sede en la Gran Manzana recibe unas cuatro mil nominaciones cada año. El jurado Busca reconocer todas aquellas campañas publicitarias y de relaciones públicas en las que resaltan la innovación y la creatividad en el difícil arte de emocionar y entretener a las audiencias en la era digital. 

Premiado por segunda vez

            Espejo viene de ser reconocido el año pasado con el mismo premio por otra adaptación que produjo inspirada en el soneto “Azul” del poeta Venezolano Cruz Salmerón Acosta.  Tanto “Invictus” como “Azul”, del escritor de Araya, lograron cautivar al jurado de la Academia no solo desde el valor estético de estas piezas audiovisuales sino desde la lucha personal de los autores de ambos textos quienes lucharon toda su vida para sobreponerse a sus dolencias físicas y emocionales. 

Antonio Espejo

Resiliencia hecha poema

            “Invictus” es el más famoso poema del escritor británico William Ernest Henley  (1849-1903) compuesto luego de que le amputaran su pierna izquierda por complicaciones con una tuberculosis diagnosticada a la corta edad de 12 años. 

            El célebre poema de la era Victoriana fue compuesto en 1875 y sus versos relatan el propio canto de resiliencia del autor ante una enfermedad que ya había invadido sus huesos. Henley falleció de tuberculosis el 11 de Julio de 1903 a los 53 años. 

            El líder anti-apartheid, Nelson Mandela, solía recitar ese mismo texto para sobreponerse a la injusta cadena perpetua a la que fue condenado el 12 de junio de 1964 por delitos de traición y sabotaje al gobierno de supremacía blanca. 

Acerca de Antonio D. Espejo 

            Espejo es un periodista y realizador audiovisual egresado de la Universidad Central de Venezuela con una maestría en Relaciones Públicas de Hofstra University en Nueva York. Espejo es también un voice-over en Español con cuatro nominaciones a los Voce Arts Awards en Estados Unidos como “Mejor Narrador en Español”. Antonio D. Espejo es el fundador de Ciudad Gótica FILMS, una productora audiovisual creadora de contenidos para la web.

Estrena el 05 de agosto en cines, gracias a la distribución de Mundo D Película  “Hijos de la tierra”, la obra cumbre de Jacobo Penzo

El surgimiento de la industria petrolera en un país campesino que se movilizó para protagonizar la mayor transformación social y económica del siglo XX. La obra cumbre de Jacobo Penzo, con Daniel Alvarado encabezando el elenco.

“Hijos de la tierra” es una película histórica venezolana que narra el éxodo campesino hacia el estado Zulia a principios de los años 20, cuando se creía que estaba empezando a salir “oro negro” de la tierra, la primera etapa antes del descubrimiento que cambió el rumbo histórico y económico de Venezuela; el petróleo.

Escrita, dirigida y producida por el legendario cineasta venezolano Jacobo Penzo (La casa de agua, entre otras) y con un grandioso elenco encabezado por el recordado Daniel Alvarado (Macu, la mujer del policía; entre otros), esta película significa la obra cumbre de un ensamble de experimentados profesionales del cine venezolano que pretendieron hacer “un viaje al pasado”, cuando en diciembre de 1922 ocurrió el reventón de Barroso 2 y los ojos del mundo se centraron en Venezuela, confirmándose el potencial petrolífero del país; un acontecimiento que cambió para bien (o para mal) el contexto social de la población.

El Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), la Fundación Villa del Cine, Xenon Films, Ibermedia, Producen Bolivia y Producciones Arsenal hicieron realidad “Hijos de la tierra”, un sueño que Jacobo Penzo estuvo escribiendo durante 20 años, con el fin de representar en la gran pantalla ese momento determinante en la historia de Venezuela.

Destaca en los valores de realización, culturales y artísticos

Es importante destacar que el tema petrolero ha sido poco tratado en Venezuela a nivel audiovisual, salvo algunas pocas películas, documentales y telenovelas, sin embargo, “Hijos de la tierra” resalta en los valores de realización, artísticos y culturales para reflexionar acerca de uno de los recursos minerales más importantes en la historia del país con las más grandes riquezas naturales del mundo.

Jacobo Penzo dejó su cariño, su visión, su compromiso como cineasta y como escritor, a través de una hermosa película que narra el surgimiento de la industria petrolera en un país campesino que se movilizó para protagonizar la mayor transformación social y económica del siglo XX.

“Hijos de la tierra” se estrenará en las carteleras venezolanas el viernes 05 de agosto, en todo el territorio nacional, gracias a la distribución de Mundo D Película y su campaña de lanzamiento diseñada por Magia del Cine.

Fare Cinema premió a cuatro jóvenes realizadores venezolanos

Joseth Emmanuel Amarista Mora, autor de La Cruz del Cacao, ganó el primer lugar del certamen dedicado a la inmigración italiana. Israel Pérez Araque, realizador de Sangre y Luis Abraham Suárez Castillo, director de Semblanzas de Campilongo, se llevaron el segundo y tercer premio, respectivamente. Con el corto Los amores de mi Nonna, Eros Zinatelli fue galardonado en la categoría “Jóvenes Talentos”, creada para chicos de 14 a 18 años de edad. El jurado evaluador también otorgó tres menciones especiales

La III edición del Concurso de Cortometrajes “Fare Cinema – El Inmigrante Italiano” galardonó el esfuerzo de cuatro jóvenes artistas venezolanos y otorgó tres menciones especiales, durante el acto de premiación de este certamen celebrado el pasado sábado 4 de junio, en una sala desbordada por el público en el Trasnocho Cultural, de Caracas. Con esta ceremonia dedicada a honrar el trabajo de la industria cinematográfica nacional, finalizaron las actividades conmemorativas por los 76 años de la República italiana.

Este concurso del Ministerio italiano de Relaciones Exteriores y de Cooperación Internacional, es organizado por la Embajada de Italia en Venezuela, el Consulado General de Italia en Caracas, el Consulado de Italia en Maracaibo, el Instituto Italiano de Cultura de Caracas, el Comité de los Italianos residentes en el Exterior (COM.IT.ES), la Italian Trade Agency (ITA), la Cámara de Comercio Venezolano-Italiana (Cavenit), la Società Dante Alighieri de Maracay y el Trasnocho Cultural.

Creado en el año 2020, Fare Cinema es un certamen que tiene como objetivo rescatar la memoria de los italianos en Venezuela, mediante la difusión de los valores de la cultura italiana, la importancia del legado de los primeros inmigrantes y su incidencia en el desarrollo del país. Este año, el concurso se propuso resaltar «La cultura italiana en la realidad venezolana: arte, cocina y ciencia”, logrando sumar a la competencia 32 producciones inéditas de 14 estados del país. 

Al inaugurar la ceremonia de premiación, el Encargado de Negocios de Italia en Caracas, Placido Vigo, recordó que en cada oportunidad Fare Cinema estimula la creación artística, para que cada persona que tiene una historia guardada “en su corazón, pueda mostrarla en la gran pantalla y hacerla viajar por el mundo. Estoy conmovido de que las personas sigan interesadas y participando en el certamen. Creo que esta sea la mejor manera de valorar a tantos italianos que quieren a Venezuela y que la consideran su propio país”. 

Con la entrega de premios de este concurso cinematográfico culminaron las actividades conmemorativas de la Festa della Repubblica italiana, que cada 2 de junio recuerda el histórico referéndum en el que los ciudadanos italianos, tras la caída del Fascismo, acudieron a las urnas y decidieron para su país una nueva forma de organización del Estado. En Venezuela, las celebraciones también incluyeron conciertos con agrupaciones del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela. 

GANADORES

El jurado calificador de la III edición del Concurso de Cortometrajes “Fare Cinema – El Inmigrante Italiano” estuvo integrado por miembros del Sistema Italia en Venezuela, cineastas y críticos de cine, quienes examinaron meticulosamente las 32 producciones inscritas para seleccionar a los creadores que se atribuyeron los tres primeros lugares y al ganador de la categoría Jóvenes Talentos (de 14 a 18 años de edad), además de acordar la entrega de tres menciones especiales. 

El premio al Mejor Audiovisual “El inmigrante italiano” fue para Joseth Emmanuel Amarista Mora, por el cortometraje La Cruz del Cacao. De acuerdo con el veredicto del jurado, este cortometraje logró “transmitir la extraordinaria personalidad de la maestra chocolatera María Fernanda Di Giacobbe, en quien late la fusión de lo italiano y lo criollo venezolano, a través de su historia personal, narrada con maestría, acompañada de la observación de la cámara que transmite emoción, pasión, alegría y la picardía que la caracterizan, con una fotografía y edición excelentes”.  

Visiblemente conmovido por recibir su premio de 3.000 US$, otorgado por la Embajada de Italia y el Instituto Italiano de Cultura de Caracas, Amarista Mora contó que su audiovisual “habla del amor por el país, del respeto por el trabajo, de cariño y entusiasmo. Cuando nos propusimos hacer este corto, tuve que ser muy valiente, porque siendo de Puerto Ordaz, alcanzar a una personalidad que no es inalcanzable, pero que tiene muchos compromisos” es difícil y “si no hubiese sido por ella”, María Fernanda Di Giacobbe, “no lo hubiese logrado”. 

El ganador del Segundo Lugar resultó ser Israel Pérez Araque, autor de Sangre, una obra que desvela “los vasos comunicantes entre un abuelo italiano que nunca conoció y su nieto venezolano que transmite sus vivencias, a través de un relato poético – fílmico sensible y personal, que evoca y cautiva por su originalidad”, detalla el fallo. 

Cavenit y el COM.IT.ES patrocinaron este galardón dotado con  2.000 US$ para el joven director de Maracay quien, con la voz entrecortada por la emoción,  insistió en que todavía hay “muchísimas historias por contar, lo que hay que buscar la manera. Estoy muy agradecido”. 

Por otra parte, Cavenit y la Sociedad Dante Alighieri de Maracay galardonaron a Luis Abraham Suárez Castillo, por su cortometraje Semblanzas de Campilongo. El jurado consideró que este documental filmado en el estado Guárico merecía el Tercer Lugar, “por su capacidad de reflejar el progreso y el desarrollo de una ciudad y su geografía circundante, gracias a la influencia del trabajo y la acción de ciudadanos italianos y su capacidad de asimilarse armónicamente a su nuevo entorno venezolano, en imágenes del presente y del pasado”. 

Suárez Castillo, quien recibió una recompensa de 1.000 US$, celebró que su recién creada productora audiovisual –fundada precisamente para contar historias de los llanos venezolanos-, se estrenó por la puerta grande con este tributo a la comunidad italiana de Calabozo. 

PROMESA JUVENIL

En esta tercera edición de Fare Cinema, el jurado otorgó el premio de la categoría “Jóvenes Talentos” a Eros Zinatelli, de 18 años de edad, estudiante de 5to año del Colegio Simón Bolívar y Giuseppe Garibaldi, de Caracas, por su cortometraje Los amores de mi Nonna. El documental mereció este reconocimiento “por la frescura de su relato y por la excelente utilización de los medios fílmicos” logrando transmitir al espectador el personaje de su abuela y sus emociones.

El Consulado General de Italia en Caracas patrocinó este premio en metálico de 1.000 US$ adjudicado al muchacho que acudió al acto con su nonna Filomena, de 91 años de edad, quien emocionó  a los asistentes al interpretar una tonada italiana a capella. Eros Zinatelli agradeció el apoyo que le prestaron en su colegio para realizar su producción y la paciencia de abuela para participar en el cortometraje.  

“Fue difícil resumir 91 años de vida en 8 minutos, pero valió la pena el tiempo que le dediqué. Este es un hermoso recuerdo que tendré de mi nonna el día que no esté presente con nosotros. Gracias”, aseveró.  

MENCIONES ESPECIALES

El jurado acordó entregar tres menciones especiales. La primera fue para Método y Fe, del cineasta y periodista, Jonathan Reverón, quien presentó una “excelente síntesis de los valores fundamentales de un venezolano de ascendencia italiana”, el maestro José Antonio Abreu Anselmi, el fundador del Sistema Nacional de Orquestas, una obra social que ha “dejado profundas huellas en nuestro país y en el mundo”. 

Otra mención especial fue para el cortometraje Italianófilo, del director Rodrigo Michelangeli, que con excelencia artística “retrata con agudeza y sensibilidad” parte de la obra fotográfica de José Ignacio Briceño, quien capturó con un alto “sentido estético la idiosincrasia y el modo de vivir urbano de los italianos, acompañado de un texto que transmite una comprensión profunda” del país europeo y su cultura.

Finalmente, Gonzalo Maduro Álvarez, realizador Las aguas vuelven, se llevó un diploma de honor por una producción que con “armonía y profundidad” realza en la gran pantalla el valor universal de la familia “en el ir y venir de las migraciones pasadas y actuales y los sentimientos que despierta en los migrantes”. 

PARA VER

Aunque durante la ceremonia estaban previstos los estrenos de las obras galardonadas, una interrupción imprevista del servicio eléctrico impidió las proyecciones. No obstante, el Embajador Placido Vigo invitó a visitar el sitio www.farecinemavenezuela.com, donde se pueden ver los 102 cortometrajes inscritos en las tres ediciones del certamen.

Las producciones están organizadas en el portal de acuerdo a cada edición de la competencia, por géneros (documental, animación o ficción) y por los galardones recibidos. Entre los cortos disponibles, el jefe de la misión diplomática italiana destacó el cortometraje de ficción Trámite de Admisión, de Tulio Cavalli y el audiovisual Me llamaban Pietro, del director Pedro Mercado, ganadores de la primera edición que igualmente han sido reconocidos en el Do Ut Des Film Festival 2021, celebrado en Toscana. 

UN FESTIVAL QUE CRECE

Fare Cinema regresará con una nueva edición en 2023. El Cónsul general de Italia en Caracas, Nicola Occhipinti, espera que el próximo año aumente el número de participantes: “Este año logramos cinco producciones en la categoría “Jóvenes Talentos”. Recorrimos muchas escuelas para promover el certamen e invitar a los jóvenes. El próximo año esperamos tener más producciones”.

Mariano Palazzo, Presidente de la Società Dante Alighieri de Maracay, destacó la proyección de esta competencia a escala nacional, que ya ha contado con obras provenientes de 18 estados de Venezuela, lo que ha permitido galardonar a realizadores de diferentes regiones del país. “Pero lo más importante de esta masificación del concurso en el territorio nacional, es que se ha rescatado y ha sacado del anonimato historias de cómo la colectividad italiana se sembró en Venezuela”, afirmó.

Del mismo modo, el presidente del COM.IT.ES, Carlos Villino, dijo que el concurso ha logrado realzar el acervo histórico de los italianos que “vinieron con su maleta de cartón y un mundo de sueños a Venezuela”, ayudando a comprender el pasado, por qué migraron, qué tuvieron que hacer y “por qué ahora nosotros somos como somos y llevamos la identidad y la italianidad como un valor bien presente en el país”. 

La presidenta de Cavenit, Lidia Bruttini, resaltó la trascendencia del certamen para los más jóvenes, que desde la creación audiovisual se conectan con sus antepasados y sus tradiciones. Esta iniciativa también le “abre el futuro” a las nuevas generaciones en la industria cinematográfica. 

 “Las historias de Fare Cinema son todas maravillosas, son capaces de emocionarnos. Estas son historias de resistencia, de lucha, de dejar un país y de iniciar una vida en otro”. También “emociona que con una simple cámara de teléfono se puedan rescatar estas historias. Aunque la técnica no sea la más adecuada, sin duda el mensaje trasciende más allá. Es justo eso lo que queremos”, puntualizó José Pisano, Director General de Trasnocho Cultural, crítico y director general de Cinematográfica Blancica. 

Fare Cinema también es posible gracias al apoyo de instituciones como Italian Trade Agency (ITA), una aliada comprometida con el país non sólo en el área comercial sino también con la cultura y el bienestar de la comunidad, decidida a apoyar con su patrocinio iniciativas como este certamen.

El festival de Cine Francés en Venezuela llega a su edición 36 

Mayte Navarro

El Festival de Cine Francés enarbola la bandera de ser el más antiguo festival no sólo de Venezuela sino del nuevo continente, creado y patrocinado por la Embajada de Francia, llega en 2022 a su edición número 36 en nuestro país, es decir que son más de tres décadas permitiendo que los venezolanos se acerquen al arte cinematográfico francés, que además de excelentes historias y magistrales actuaciones también presenta cintas con un contenido social y otras más divertidas pero nada superfluas.

José Pisano, Romain Nadal, embajador de Francia_ y Patrick Riba

Este años se extenderá hasta el 8 de junio y se ha convertido en un acto de celebración de allí que se ha llamado Le cinema c’est la vie, es decir celebrar la vida a través del séptimo arte, y el motivo no es otro que el poder disfrutar nuevamente de la gran pantalla, aunque la versión digital no se abandona ya que está a disposición del público de toda Venezuela y de aquellos capitalinos que prefieren la seguridad de su hogar o que por alguna otra razón no pueden llegar hasta las salas del Trasnocho Cultural, ubicadas en el Paseo Las Mercedes.

En esta edición se proyectan 17 películas que han sido premiadas, con grandes actores y directores. Tanto por sus temas como por sus formas de expresión artística, estas producciones marcan pauta y escriben la historia de un nuevo cine más dinámico y multicultural. 

La tarde inaugural contó con la presencia del embajador de Francia, Romain Nadal, quien con su entusiasmo característico explicó la importancia cultural del Festival, que también fortalece las  relaciones bilaterales pues acerca Venezuela a las costumbres, tradiciones y vida de las comunidades galas.

También subrayó que el cine es un instrumento para fomentar la paz y la convivencia, pues en estos films se enaltecen los derechos humanos. Para la apertura se seleccionaron dos títulos, uno de fue Déliciux, un film histórico donde la gastronomía se desarrolla no desde el punto de vista de servir una mesa, sino que se vincula al derecho del hombre a alimentarse, lo que da paso a la apertura del primer restaurante de Francia.

Douglas Palumbo, Maria Helena Freitas y Alberto de Santa Anna Machado

El otro film seleccionado para la noche de apertura fue Adieu Les Coins, una cinta ganadora de siete premios Cesar, incluyendo mejor película y mejor director, además de ser finalista en los premios Goya como mejor película europea.

Los títulos que conforman la oferta del 36 Festival de Cine Francés de 2022, además de los anteriores son: Vacaciones contigo… y mi mujer, ¡Ala abordaje!, French Tech, Song Express, Las ilusiones perdidas, Eugenie Grandet, Albastros, Red Soil, Médico de noche, Al límite, Las cosas que decimos Las cosas que hacemos, Frágil, Municipales y El secreto de Vicky

Además de Caracas, también disfrutarán del Festival Maracaibo, Puerto La Cruz, Barquisimeto y Maracay. Mayor información la pueden obtener visitando sus redes sociales @embafrancia y  @cinefrances en Twitter; @embafrancia y @cine_frances Instagram                                

El Evento [RE]Discover Venezuela celebró la presencia del país en Cannes

El jueves 19 de mayo se llevó a cabo la celebración del opening del Venezuela Film Hub (VFH), con el evento [RE]Discover Venezuela de The Visionist Advisers, que resaltó la presencia del país en Cannes 2022.

La inauguración en el Restaurant La Plage de Cannes, estuvo a cargo de la directora de orquesta venezolana, Glass Marcano, quien conquistó Francia con el concurso de mujeres directoras. También contó con la actuación de DJ Hazhe y David Rondon.

La sorpresa de la tarde fue la asistencia al evento del actor venezolano Edgar Ramírez, quien aceptó entusiasta la invitación a esta iniciativa ideada por Valeska Hernandez y su agencia creativa The Visionist Advisers. Edgar Ramírez es parte del jurado oficial “Un Certain Regard” del  Festival de Cannes, 2022. 

Al cóctel se presentaron grandes figuras del mundo cinematográfico incluyendo directores, productores y distribuidores internacionales. Además, contó con la presencia de actores venezolanos de renombre como Ira Fronten, Irene Esser, Alejandro Nones, Iván Sánchez y el también productor Agustín Segnini.

“El VFH es una ventana alternativa dedicada a la [RE]Proyección de Venezuela, que promueve el talento y el potencial del país, a través del séptimo arte”, señaló Valeska Hernández.

EL STAND DEL VFH

Por primera vez Venezuela cuenta con un stand privado en el Marché du Film del festival de Cannes. El stand del Venezuela Film Hub se encuentra ubicado en el pasillo principal del Palais des Festivals, el área de mayor tráfico de asistencia en las instalaciones del Marché du Film, donde se encuentran los patrocinantes oficiales del Festival.

Desde el Stand del VFH, cineastas, participantes e invitados presentan sus proyectos a expertos de la industria, espacio que estará abierto hasta el proximo jueves 25 de mayo.

El VFH es una iniciativa privada financiada por The Visionist Advisers (TVA) e inspirada en El método [RE]Concept, creado por TVA y Valeska Hernández.

El “Encuentro Mágico 2022” superó las expectativas

Cineastas, realizadores, productores y actores del cine venezolano promocionaron sus nuevos proyectos, difundieron sus trabajos audiovisuales y presentaron sus nuevas iniciativas, a través de una convención que contó con presentaciones musicales, un show de magia, stand up comedy y transmisiones exclusivas.

            La programación contó con más de 12 de horas de transmisión continua cada día, mediante la cual cineastas, realizadores, productores y actores del cine venezolano ajustaron sus agendas para participar en un evento donde promocionaron sus nuevos proyectos, difundieron sus trabajos audiovisuales y presentaron sus nuevas iniciativas.

El destacado director Alejandro Hidalgo (“La casa del fin de los tiempos” y “El exorcismo de Dios”) aprovechó este espacio para compartir sus experiencias en el ámbito internacional, mientras que Luis Carlos Hueck (“Papita, Maní, Tostón”) conversó acerca de su próxima película titulada “Vuelve a la vida”, un drama basado en su propia experiencia. Entre tanto, Édgar Rocca (“El peor hombre del mundo” e “Infieles”) anunció detalles acerca de su obra “Tres son multitud, cuatro un desastre”, próxima a estrenarse en salas cinematográficas.

Por su parte, el consolidado Carlos Malavé (“Solteras Indisponibles”, “Blindado”, entre otros) y el maestro Pablo de la Barra (“Aventurera”, “La Ley”, entre otros), conversaron acerca de sus próximos largometrajes “One Way” y “Los Herederos”, respectivamente. La actriz, productora y directora Marialejandra Martin también conversó acerca de su próximo proyecto cinematográfico, mientras que Efterpi Charalambidis, realizadora del exitoso primer estreno venezolano del año “¡Qué buena broma, Bromelia!” fue otra de las invitadas de lujo a compartir sus aspiraciones internacionales con este título que se ha mantenido durante semanas en la cartelera nacional.

Por otra parte actores venezolanos de la talla de Laureano Olivarez, quien cuenta con más 28 largometrajes y 13 protagónicos en su filmografía, estrenó por primera vez en Venezuela su ópera prima como director “El último día”; Karina Velásquez, actriz y modelo internacional; Irving Coronel; actor de trayectoria en cine, teatro y televisión, quien anunció en primicia que rodará una película en Colombia a partir de julio; y Vicente Peña; el popular “Mueldemuslo” de “Papita, Maní, Tostón”, conversaron acerca de su participación en largometrajes que se estrenarán este año, de los cuales se pueden destacar “La jaula”, considerada por muchos como la película venezolana pionera de ciencia-ficción, “Mi muñequita linda”, última película del legendario Román Chalbauld y la comedia romántica “Un cupido sin puntería”.

A su vez, desde México se conectaron en exclusiva para el “Encuentro Mágico 2022” las talentosas actrices María Antonieta Hidalgo, protagonista de la reconocida película “Dos Otoños en París” y miembro del elenco de la recientemente estrenada “El exorcismo de Dios”; así como también Sharon Del Sirius, quien repitió su participación en la nueva edición para detallar como la está “rompiendo” en este 2022 con 3 películas filmadas en apenas 4 meses.

Pero esta convención digital cinematográfica también abrió un espacio para escuchar las voces de aquellos profesionales que hacen magia detrás de las cámaras venezolanas y que, a pesar de no estar acostumbrados a las entrevistas, merecen su justo valor y reconocimiento por parte de una industria a la que le han aportado tanto, se presentaron en este espacio  la scriptgirl y asistente de dirección Laura Goldberg, quien con más 65 largometrajes en su haber y 35 años de experiencia profesional, ha sido la responsable de la continuidad en el montaje de aplaudidas obras cinematográficas como “La distancia más larga” (2013), “Elipsis” (2006), “Manuela Sáenz” (2000), entre otros.

El camarografo Julio César Castro, el popular “Moñoño”, quien compartió sus anécdotas y experiencias en más de 70 largometrajes filmados por el lente de su cámara.

 “Encuentro Mágico 2022” también ofreció un segmento al sector institucional, en el que participaron Karina Gómez de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Venezuela (ACACV), el Foro del Cine Venezolano; representado por los productores ejecutivos José Ernesto Martínez, Henry Páez e Iván Zambrano; la Organización Venezolana de Mujeres Cineastas (JEVAS); con la participación de la productora Katiuska Castillo; así como Fania Castillo, presidente de la Fundación Cultural Bordes, que se encarga de organizar importantes Festivales en la región Andina. 

Finalmente los venezolanos en el exterior tuvieron su momento especial gracias a las intervenciones de las documentalistas ganadoras del Emmy Kristy Espinoza y Yulma García, la ingeniera de sonido con experiencia en más de 20 producciones internacionales, Rebeca Lindenfeld, desde Madrid; y el destacado cortometrajista Vadim Lasca, reconocido por su asombroso trabajo también en la industria de la publicidad y el ámbito musical, donde ha llegado a grabar videoclips con reconocidos artistas como Pedro Capó.

Esta importante propuesta para la promoción del cine venezolano contó además con destacados invitados internacionales como el actor mexicano Mario Filio, voz para Latinoamérica de icónicos personajes como Obi Wan Kenobi. Leisha Medina, voice over de “Magia del Cine Radio” y voz para Latinoamérica de Dora la Exploradora, quien interpretó de manera magistral los temas “Beauty and the Beast” y “Skyfall”, de James Bond.En el encuentro entre los críticos de cine participaron Frank Black y Luis Bond y la comentarista mexicana Tania Medina. Todas las actividades fueron acompañadas por algunos espacios musicales con  la participación de Aimeth Landaeta, Bárbara Ramírez, Jessica Valbuena y el cantante tenor David Rizzo, quienes ofrecieron un repertorio que hizo viajar a los espectadores desde “El fantasma de la Ópera” hasta los clásicos de Disney, pasando por el “Titanic”, “Shallow” y las magistrales interpretaciones de los temas “Tonight” y “Somewhere” pertenecientes al soundtrack del maravilloso musical hollywoodense “West Side Story”, ganadora del Óscar a la “Mejor Película” en el año 1961, cuyo remake estuvo nominado este año a los Premios de la Academia. 

Show de magia , entrevistas a personajes como Diana Patricia “La Macarena”, la presentación de cortometrajes galardonados internacionalmente, teatro, y ciclos especiales colocaron el broche de oro a esta actividad. 

Venezuela se [RE] Proyecta en Cannes 

La participación de cineastas para el Venezuela Film Hub se extiende hasta el 11 de abril e incluye secciones de largometrajes y cortometrajes.

Venezuela Film Hub (VFH) extiende su período de inscripción hasta el 11 de abril para los cineastas venezolanos dentro y fuera del país que quieran participar y asistir con sus proyectos de largometrajes / cortometrajes a la próxima edición del Marché du Film este próximo mes de mayo,  en Cannes.

El Venezuela Film Hub (VFH) actuará como plataforma para el posicionamiento en el centro de negocios más importante para la industria fílmica internacional. El VFH fue fundado por la agencia global The Visionist Advisers (TVA), un proyecto dedicado a la [RE]Proyección de Venezuela. 

Los cineastas que postulen a esta iniciativa serán parte del catálogo oficial – impreso y digital – de cineastas venezolanos que presentará el VFH en Cannes. El jurado seleccionará a los proyectos y películas que formarán parte del stand de VFH en el Marché du Film, anunciará los resultados el próximo 18 de abril de 2022 en la página web del VFH, medios y redes sociales.

Se le ofrecerá una acreditación a un representante de cada proyecto y película seleccionada para que pueda asistir al Festival de Cannes y formar parte de la delegación de VFH en el Marché du Film. Además, estos cineastas podrán participar en un programa personalizado de actividades organizado por el equipo de VFH que incluye sesiones “1 to 1”, proyecciones de WIP, asesorías con “script doctors” y encuentros con coproductores, vendedores y seleccionadores de festivales.

El VFH premiará a uno de los proyectos seleccionados (WIP o película terminada), y cubrirá los gastos de traslado y alojamiento de uno de sus representantes.

Los proyectos  deben tener al menos un vínculo con Venezuela (ya sea la historia, tema, locación o la nacionalidad venezolana del director, productor, o guionista) y deben presentarse en español e inglés. Los reglamentos e inscripción se realizarán desde la página web (www.venezuelafilmhub.com), en donde deberá proporcionar los documentos solicitados para formalizar su participación.

Además, hasta el 15 de abril, VFH estará recibiendo cortometrajes venezolanos que se hayan terminado en el último año y que no hayan iniciado su ruta de festivales. Los cortometrajes seleccionados se promocionarán en el stand y en el catálogo de VFH.

Podrán participar en esta convocatoria:

●         Largometrajes (ficción o documental) en etapa de desarrollo o postproducción («Work-in-progress»).

●         Largometrajes terminados a partir del 1 de enero de 2021, que no se hayan comercializado.

●         Distribuidores y vendedores internacionales con largometrajes venezolanos.

●         Guiones de largometraje (ficción) con una primera versión.

●         Cortometrajes venezolanos terminados en el último año.

Valeska Hernández y su agencia creativa, The Visionist Advisers (TVA), que desarrolla proyectos de posicionamiento internacional desde sus sedes en Nueva York y París – reconocidos por Forbes recientemente – fundaron en 2021 la iniciativa privada Venezuela Film Hub (VFH), junto a cineastas e instituciones de la industria cinematográfica internacional.  El VFH tiene como objetivo principal el [RE]Concept de Venezuela ante el mundo, en el marco del Festival de Cannes 2022. 

El equipo del VFH está conformado por Atahualpa Lichy, Diana Lichy, Miguel Ignacio Rodríguez, Joanna Nelson, Ernesto Sansur, Irene Esser, entre otros; y cuenta con el apoyo de la Embajada de Francia en Venezuela y Bolivar Films. 

Dentro de su Comité de Honor se encuentran figuras de la talla de Margot Benacerraf, Mariana Rondón, Margarita Cadenas, Rodolfo Cova, Luis Alberto Lamata, Alberto Arvelo, Marcel Rasquin, Antonio Llerandi, Prakriti Maduro, Joseph Novoa, Malena Roncayolo, Thaelman Urgelles.

La inauguración oficial del VFH se llevará a cabo el 19 de mayo con un evento especial “[RE]Discover Venezuela” para resaltar la presencia del talento venezolano en el festival y marcas venezolanas en el mercado internacional. La música en el opening del evento especial estará a cargo de Glass Marcano, la joven venezolana promesa de la música clásica que conquistó Francia con su talento extraordinario. El Venezuela Film Hub (VFH) cuenta con colaboraciones de artistas venezolanos reconocidos como Juan Gerstl, entre otros.

Bodas de plata del Circuito Gran Cine

Esta organización ha hecho del séptimo arte un instrumento de cambio para la sociedad venezolana y ha centrado su trabajo entre los jóvenes y los sectores populares.

Mayte Navarro

El Circuito Gran Cine celebra sus 25 años y lo hace promoviendo una campaña de recaudación de fondos que permitirá a esta ONG mantener y ampliar sus programas educativos y sociales que desarrolla en todo el territorio nacional.

Carmen González hizo énfasis en el trabajo de creación colectiva.

 Para continuar con sus planes ha lanzado un plan de recaudación de fondos que se realizará a través de las cuentas bancarias en Venezuela y el sitio web Indiegogo, que opera en 235 países, destinado al micromecenazgo para proyectos creativos, además de la plataforma PayPal. La campaña ya se inició  y tiene como meta alcanzar la suma de 25.000 euros. 

Los interesados en colaborar pueden hacerlo por Indiegogo a través del siguiente enlace     https://www.indiegogo.com/projects/25-anos-circuito-gran-cine/x/27423204#/  

Regresando a la celebración, ésta se inició con una rueda de prensa que contó con la presencia de Bernardo Rotundo, presidente del Circuito Gran Cine; y María Helena De Freitas, directora general, quienes informaron sobre logros y programas desarrollados durante este tiempo y donde se ha puesto énfasis en promover los derechos humanos y los principio democráticos a través de la proyección de películas comprometidas,  programas de formación y llevando el cine a todos los sectores de la población venezolana.

En esta oportunidad hubo varios invitados especiales, quienes a través de sus testimonios mostraron como el trabajo de Gran Cine ha tenido efectos positivos entre quienes se han beneficiado con esta labor, que también ha contado con el apoyo de alcaldías y varias embajadas, lo que ha hecho posible el desarrollo de los festivales de cine de diversos países.

Marisabel Lares y Gerardo Chacón hicieron referencia a Cine Club Los Dos Caminos

Las  actividades que se beneficiarán con las donaciones son  Fábrica de Cine, Cine con propósito, Gran cine móvil y Red audivisual.

La Fábrica de Cine son talleres destinados a jóvenes, donde se les enseña a hacer cine y, como lo testimoniaron  de manera entusiasta Paola Camacho y Mariana Pietrini, es una taller donde no sólo se toma en cuenta la capacitación sino que les inyecta un entusiasmo especial para continuar progresando profesionalmente, mientras se les brinda herramientas para expresarse. En los cinco años de ejecución han sensibilizado a más de 4.000 jóvenes y se han realizado 34 cortometrajes.

En 2021 se inició el proyecto de Cine con propósito para impulsar el desarrollo de la organización social a través de centros comunitarios que van a trabajar de manera asociada en una red institucional. Participan los jóvenes y se hace énfasis en llegar a mujeres y personas con discapacidad. Se han beneficiado con esta iniciativa comunidades de los municipios Baruta, Chacao, Libertador y Sucre, de la Gran Caracas.

Paola Camacho y Mariana Pietrini hablaron de la calidad de los talleres de cine.

Carmen Gónzález  explicó su experiencia a través de Asosaber, transmitiendo como esta actividad ha repercutido en la creación colectiva.

En cuanto al Gran cine móvil, desde 2005 proyecta películas de arte y ensayo al aire libre de manera gratuita, para ello el Circuito Gran Cine cuenta con una gran pantalla inflable. Esta iniciativa para el desarrollo social, educativo y cultural del ciudadano ha alcanzado unas 3.000 proyecciones en plazas, caseríos y grandes espacios en todo el territorio nacional, incluyendo comunidades indígenas.

Por último, se mencionó el programa de Red Audiovisual, vinculado con organizaciones y líderes sociales. Aquí el cine deja de ser un mero espectáculo para ser una vía que expresa ideas y pensamientos para promover principios y valores, totalmente independiente de lo político. Una de sus herramientas son los cines clubes locales que tienen a su disposición unos 3.000 títulos.

Para dar fe de los importante de este programa, Nelson Brizuela del Cine Club Afinque de Marín; Marisabel Lares y Gerardo Chacón del Cine Club Los Dos Caminos, conversaron sobre esa experiencia y como ha enriquecido a sus comunidades.

Para obtener mayor información sobre Gran Cine y sus actividades están las redes sociales Instagram y Twitter @gran_cine Facebook y Canal de YouTube  Circuito Gran Cine

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cultura teatro

Paradís: donde recordar el pasado es vivir

Gabriela Márquez

“Aunque soy un emigrante, jamás en la vida, yo podré olvidarte”.

2 de enero del año 1955. Esa es la fecha en la que nos sitúa la obra “Paradís”, escrita y dirigida por el actor, dramaturgo y director de teatro Javier Vidal. Con una Mención Honorífica del tercer concurso de Dramaturgia del Trasnocho Cultural, esta pieza teatral significa un viaje al pasado de una Venezuela que recibió a una gran cantidad de emigrantes españoles, italianos y portugueses que buscaban su “paraíso”.

“Paradís” nos narra la historia de Libertario (Tario), Rosé, Rocío y Jaume cuando llegan al puerto de La Guaria en 1955. Un relato íntimo que forma parte de la vida real de Javier Vidal y su familia, en el cual retrata la figura del emigrante y las primeras impresiones que tienen al llegar a Venezuela.

Protagonizada por Jan Vidal quien interpreta a su tío Libertario, Josette Vidal interpretando a su abuela “la iaia Rocío”, Theylor Plaza como Jaume, el padre de Javier Vidal, y Claudia Rojas la tía del director; cada uno de ellos representando a muchos de los emigrantes que vinieron a estas tierras en busca de un mejor futuro, de trabajar y de progresar. Sin embargo, se toparon con la dictadura de Marcos Pérez Jiménez y a lo largo de la historia podemos ver la manera en la que los personajes van descubriendo poco a poco cómo estaba el país en aquel entonces.

“Paradís” es una obra que, a través de los diálogos de los personajes, los vestuarios, el acompañamiento musical y el juego de luces en la iluminación, lleva al público a aquella Venezuela cálida que arropó en su momento a muchas personas que en medio de la búsqueda del paraíso y de su futuro, también hicieron país. La obra presenta elementos escenográficos acordes y característicos de esa época. En el escenario podemos apreciar una radio que transmite las noticias políticas y los acontecimientos culturales que suceden durante esos años, haciendo más auténtico el montaje teatral. 

En lo personal, es una obra con la que conecté desde el inicio hasta el final y con muchas de sus líneas debido al tema de la migración. Es un tema tan sensible y la forma en cómo es tratado en la pieza resulta aún más conmovedor. Mis abuelos y abuelas, tanto por parte paterna como parte materna fueron emigrantes, llegaron a Venezuela precisamente en esa época y como los personajes en la historia ellos también buscaban el paraíso y progresar en sus vidas. Esta obra me hizo recordar a mi familia, a las vivencias que tuve con ellos cuando era pequeña y a las tardes que pasaba en sus casas mientras me contaban sus experiencias y todo lo que atravesaron para llegar hasta acá.

“Paradís” es una pieza teatral sumamente valiosa porque toca un tema muy latente y vigente actualmente. En Venezuela cada vez son más las personas que migran a otros países en busca de un futuro diferente, por ello resulta muy sencillo conectar y sentir esta obra porque podemos recordar a todos esos amigos, familiares o conocidos que han migrado. Este montaje es una representación conmovedora, sensible, genuina y especial de ese grupo grande de emigrantes que estaban en la esperanzadora búsqueda del paraíso en Venezuela. Es una obra que nos recuerda que no importa si estamos lejos del país que nos vio nacer porque siempre perteneceremos a él, pero también, aunque estemos lejos de nuestras raíces, otro lugar puede convertirse en nuestro hogar y nuestro nuevo porvenir.

César y Cleopatra: un espectáculo en todo su esplendor

Gabriela Márquez

Tras seis temporadas en Broadway y dos adaptaciones al cine, se presentó en la Sala  Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño “César y Cleopatra”, una comedia dramática escrita por el dramaturgo inglés George Bernard Shaw, y presentada bajo la dirección y versión de José Tomás Angola y Elizabeth Yrausquín de Postalian.

Desde que se abre el telón el público se transporta a Egipto específicamente en el año 48 a.C., junto al dios Ra interpretado con una actuación magnífica por Aroldo Betancourt. Mediante este personaje omnipotente y majestuoso empezamos a adentrarnos en la historia de la reina de Egipto y el estratega, político orador y prosista romano, cada uno protagonizados por Silvia De Abreu y José Tomás Angola, respectivamente. Este gran relato que forma parte del imaginario histórico y cultural nos muestra a una Cleopatra de 18 años de edad muy ingenua pero cuando conoce a César poco a poco logra descubrirse a sí misma y revelar sus verdaderos deseos.

Llevar a cabo el montaje de esta obra sin duda, es un reto enorme por todo lo que implica. Es una producción que ha sido representada con éxito a lo largo del tiempo en diferentes formatos y se ha convertido en una historia que muchas personas atesoran y les apasiona. Este montaje teatral cuenta con más de veinte actores en escena, un cuerpo de baile, una orquesta musical y todo un equipo de producción, todos ellos responsables de mantener el ritmo durante casi dos horas y media en las que el público se emociona, se ríe, se sorprende y hasta se conmueve.

La escenografía y los elementos de iluminación juegan un papel fundamental en la obra. Son aspectos esenciales para que el público sienta que está en ese periodo de la historia de Egipto. Desde la gran Esfinge, hasta cada uno de los elementos de los palacios en los que están los protagonistas, resultan muy auténticos y permiten que el espectador conecte aún más con la historia. Esta pieza teatral cuenta con la música original de Alfonso López Chollet, quien dirigió en vivo a la Orquesta Sinfónica Venezuela y también en escena estuvo el músico electrónico Miguel Ángel Noya. La música también es primordial en esta pieza, ya que le da un sentido firme a las acciones, a los cantos, a los bailes y a los diálogos de los personajes, haciendo que en el ambiente se viva la esencia de esas tierras.

Las actuaciones de los protagonistas César y Cleopatra son impecables. Con un toque de comedia, drama y pasión, ambos nos relatan el amor que sienten uno al otro y también las diferentes maneras de cómo va creciendo en ellos el deseo por el poder. Pero no solo estos personajes brillan en el escenario, sin duda, cada uno de los actores y actrices que aparecen en escena brillan con luz propia y marcan una huella importante en la historia que se relata. Acompañado de estos personajes, se encuentra el vestuario que cada uno tiene. Este elemento fue una de las cosas que más me impresionó de esta pieza teatral porque estaba muy bien estudiado y medido para que las representaciones fuesen increíblemente genuinas y acertadas. El vestuario de cada uno de los personajes es también otro aspecto que vale la pena resaltar de este montaje que no dejó pasar ningún detalle.

“César y Cleopatra” es todo un espectáculo en sí mismo. Durante toda la obra hay elementos que mantienen atentos y cautivados al público. Es una pieza que nos va mostrando mediante la comedia y el drama aspectos que hoy en día se mantienen vigentes: la codicia, el deseo, las ansias por el poder, las pasiones humanas, los errores y la libertad, mediante estos aspectos el espectador puede llevarse sus propias impresiones e ideas. Esta pieza teatral nos permite adentrarnos en diferentes episodios históricos que invitan a descubrir momentos de gran importancia en la historia de la humanidad e incluso, a reflexionar sobre estos aspectos que podemos visualizar en la sociedad actual.

Cuéntame polaco: una obra que nos lleva al origen de la narración oral

Gabriela Márquez

Con la premisa: ¿a quién no le gusta que les relaten un cuento? Se presentó en las tablas del Centro Cultural Chacao, la obra de teatro “Cuéntame polaco” como parte de la Muestra de Dramaturgia Contemporánea Europea, en donde participaron España, Francia y Polonia. Inspirada en textos de Wislawa Szymboraska y Józef Ignacy Kraszewski, este montaje teatral representa la historia de la narración oral a lo largo del tiempo.

“Cuéntame polaco” está dirigida y producida por Daniela Vielman, el diseño escénico está a cargo de Marisela Ramírez, la iluminación por Anny Castellanos, la logística por Massimo Caroli y la asistencia general Johana Rojas. El elenco de esta obra está conformado por Rosario Arévalo Meza, Valentina Vielma y Maru Bracho.

La narración oral es tan antigua como la humanidad misma, se dice que la tradición de narrar surge desde la época de las cavernas cuando las tribus primitivas se reunían alrededor de las fogatas para escuchar los mitos, leyendas y anécdotas religiosas, de descubrimiento o de la cacería. Posteriormente los relatos tuvieron como característica un contenido épico en donde la figura del héroe era el protagonista en distintos escenarios de guerras, hazañas y batallas.

Estos son algunos de los temas que se representan en Cuéntame polaco, una pieza teatral llena de aprendizaje y cultura que nos va relatando cómo era la narración oral y la tradición en Polonia y Europa desde la Edad Media. De una manera divertida y aleccionadora, las tres actrices de esta obra dan a conocer la figura del juglar, el cual era un artista que iba de pueblo en pueblo para ofrecer un espectáculo con el propósito de ofrecer entretenimiento en las fiestas de los reyes y nobles a cambio de dinero o comida. Además, nos enseñan el surgimiento del libro tal como lo conocemos hoy en día, pasando por las diferentes corrientes literarias como el Romanticismo y el Realismo, hasta la actualidad.

Mientras se va contando toda esta historia, se presenta un elemento diferenciador y es que se pueden escuchar textos de la autora polaca Wislawa Szymboraska quien es Premio Nobel, y también textos del reconocido escritor Józef Ignacy Kraszewski. La obra está dirigida de una manera entretenida y diferente para el público, ya que invita tanto a niños, jóvenes y adultos a involucrarse y a disfrutar de los cuentos narrados de manera oral.

La pieza teatral cuenta con una puesta en escena que sitúa al espectador en diferentes épocas. También gracias al juego de la iluminación y la escenografía el espectador puede trasladarse a cada una de las historias que narran las actrices de la obra, las cuales realizan una formidable actuación. Es una pieza teatral que nos recuerda la esencia de un espectáculo de cuentacuentos y nos muestra de una manera dinámica la evolución del arte de narrar hasta como lo conocemos hoy en día.

Cuéntame polaco, tiene un punto de valor muy importante: el aprendizaje y el sentido aleccionador mediante los cuentos y la narración oral. Nos enseña que, aunque pareciera una tradición olvidada, siempre se puede regresar a ella y de alguna u otra manera, solemos narrar historias en nuestra vida diaria.

La Ternura: una obra donde el deseo de amar se representa con una gran sensibilidad y esperanza

Gabriela Márquez

“Que sus días siempre tengan la compañía de la ternura”

Una reina, dos princesas y tres leñadores son los protagonistas de la obra de teatro “La Ternura”, una comedia romántica escrita por el dramaturgo Alfredo Sanzol que llegó a las tablas del Trasnocho Cultural bajo la dirección de Basilio Álvarez, director, actor y fundador del grupo teatral Skena. 

Inspirada en las comedias de William Shakespeare, “La Ternura” cuenta la historia de una reina y sus dos hijas que deciden huir de la obligación a casarse en matrimonio y que están cansadas de la opresión de un mundo regido por hombres. Estos motivos son suficientes para que tengan el deseo de no toparse nunca más en sus vidas con uno de ellos. Sin embargo, los planes de la reina no salen tal como lo esperado, ya que eligen una isla que consideraban desierta pero que en realidad está habitada por un leñador y sus dos hijos quienes huyeron a ese lugar para jamás volver a ver a una mujer.

La pieza teatral dirigida por Basilio Álvarez, cuenta con los actores Marcos Moreno, Daniel Rodríguez y Guido Villamizar, y las actrices Carmen Terife, Ani Lozada e Ivanna Cordido. Precisamente me gustaría comenzar hablando de la magnífica dirección y las actuaciones que podemos disfrutar en esta obra. La Reina Esmeralda, el Leñador Marrón, la Princesa Rubí, el Leñador Verdemar, la Princesa Salmón y el Leñador Azulcielo, son personajes conmovedores y entrañables, y gracias a las increíbles y divertidas interpretaciones de estos actores logran llevar al público a un espacio lleno de amor con sus diálogos desbordados de ternura, atrevimientos y risas, que hacen que permanezcan en nuestros corazones por siempre. 

Desde que se abre el telón la escenografía de “La Ternura” te atrapa y te mantiene hipnotizado en un bosque enorme, en una selva desamparada con un volcán a punto de hacer erupción, en una isla donde todo pareciera ser posible. Los elementos ubicados en el escenario llevados de la mano con la iluminación generan una atmósfera que despierta todos los sentidos y trasladan a una época muy lejana. Los vestuarios de cada uno de los personajes son espectaculares e impecables, mediante estos aspectos también permiten que el público se involucre aún más en la historia. 

El deseo de amar y la necesidad de proteger del daño que puede producir el amor, son de los temas principales que engloba esta obra. Por un lado, presenciamos como la reina y el leñador hacen hasta lo imposible para cuidar a sus hijos de todos los peligros que pudiesen enfrentar en el mundo. Magia, maldades, problemas, discusiones, juegos y giros sorprendentes, son algunos de los elementos de los que se valen estos personajes para evitar sufrimientos en los que más aman. A pesar de ello esto no resulta suficiente porque comprenden que por más que intenten evitarles pesares es muy difícil que no suceda en algún momento y aceptan que forma parte de la ley de la vida dejar que los hijos recorran sus propios viajes y aprendan a ser fuertes ante las situaciones más complejas. 

Por otro lado, mediante los personajes de las princesas y los hijos del leñador podemos sentir sus profundos deseos de amar a otros sin importar los obstáculos y también las necesidades que tienen de saber cómo se siente un abrazo, una caricia, un beso, una sonrisa o un simple gesto de cariño. Esto hace que los personajes muestren su lado más tierno y vulnerable mientras abren su corazón para expresar sus emociones y sentimientos con mucha valentía y esperanza. 

“La Ternura” nos muestra cómo el amor puede ser capaz de romper con las barreras que se interpongan en el camino. Mediante esta comedia romántica en donde las risas y la sensibilidad están más que aseguradas, sus personajes nos envuelven en un ambiente en el cual, en lo particular, logró empaparme de mucha ternura, calidez y alegría. Esta pieza nos invita a reflexionar sobre los aspectos esenciales de la vida, sobre cómo estamos siendo tratados y cómo tratamos a los demás, qué estamos haciendo para luchar por lo que realmente deseamos y qué somos capaces de hacer para alcanzar nuestros sueños. Una obra que sin duda cura el alma con toda la ternura que tiene entre sus líneas y que nos dice que: cuando hay amor cualquier cosa es posible.  

No puede perderse la oportunidad de disfrutar esta obra en el Teatro Trasnocho Cultural los días viernes y sábados a las 4:30 p.m., y los domingos a las 4:00 p.m.

Tus montes, mis versos: un homenaje a las artistas del grupo “Las Sinsombrero”

Gabriela Márquez

Como parte de la Muestra de Dramaturgia Contemporánea Europea en donde se agrupan España, Francia y Polonia, la obra de teatro española “Tus momentos, mis versos” se presentó en las tablas del Centro Cultural BOD. El grupo llamado “Las sinsombrero” conformado por mujeres artistas españolas, hace referencia a la acción de quitarse el sombrero que realizaron Maruja Mallo, Margarita Manso, Salvador Dalí y Federico García Lorca en la Puerta del Sol de Madrid como símbolo de protesta.

“Tus montes, mis versos”, es una obra de teatro escrita por el dramaturgo español Marco Magoa y en Venezuela estuvo bajo la dirección de Shonny Romero y la producción ejecutiva de Dionisíacas Producciones. El elenco de esta pieza teatral está conformado por los actores y actrices: María Alessandra Morillo, Francesca Abrusci, Jennifer Chacón, Humberto Toro, María Gabriela Carpio, Arminio Borjas, Daniela Ruggiero, Zulernes Rodríguez, Joyme Salinas, Andrea Andreoni, Kerly Da Silva. 

Esta pieza teatral nos relata la vida de tres mujeres que son dueñas de una floristería que se encuentra en crisis, ya que la exportación de flores no está generando tantas ventas como ellas quisieran. Además de este problema, cada una se encuentra lidiando con sus conflictos personales que las pondrán a prueba durante toda la obra y les harán cuestionar sus futuros. Pero eso no es todo, la pieza tiene como eje central la poesía de las mujeres que pertenecieron a este grupo renegado y olvidado de la generación del 27.

La pieza teatral cuenta con una escenografía, iluminación, coreografías y acompañamiento musical fascinante que permite que el espectador se conmueva con la historia. Es una obra poética en la cual los versos se desbordan en cada escena, causando que el espectador poco a poco descubra los trabajos artísticos de estas mujeres del siglo XX. “Las Sinsombrero” fueron un grupo que jugaron un papel de gran relevancia debido a que estas reivindicaron de alguna manera su figura como intelectual y cultural en una sociedad en donde el camino para las mujeres estuvo lleno de dificultades al no ser reconocido y rechazado su talento.

“Tus montes, mis versos”, es una obra estremecedora y cautivadora cuando pensamos a profundidad lo que nos quiere decir entre sus líneas, pues mediante los versos de diversas mujeres las protagonistas de la historia logran superar los obstáculos, encontrarse a sí mismas y reflexionar sobre sus propias vidas. A través de la poesía de Las Sinsombrero estas tres mujeres muestran sus lados más vulnerables y frágiles, pero también logran descubrir la fuerza auténtica que les une y gracias a ello deciden continuar intentándolo y no rendirse.

Silencio, vengo a pedir: una sátira sobre diferentes miradas de la sociedad

Gabriela Márquez

Pintoresca, satírica, caricaturesca, irónica y poética, son algunas de las palabras que pueden describir la obra “Silencio, vengo a pedir”. Durante dos horas este espectáculo del grupo teatral La Caja de Fósforos se encarga de sorprender, causar risas y también reflexión en el público sobre lo que se plantea en la puesta en escena.

“Silencio, vengo a pedir” es una pieza compuesta por seis escenas con textos de escritores del Siglo de Oro Español, como Miguel de Cervantes, Luis Quiñones de Benavente, Lope de Rueda, y el dramaturgo colombiano Luis Vargas Tejada. Además, está inspirada en la obra artística del pintor neerlandés El Bosco. 

La pieza teatral dirigida por Orlando Arocha, cuenta con actores y actrices de talla profesional que son los responsables de interpretar a diferentes personajes a lo largo de la obra. El elenco está conformado por Nathaly Ordaz, Jesús Miguel Das Merces, Orlando Paredes, Abilio Torres, Antón Figuera, Rafael Carrillo, Larisa González, Margareth Aliendres. También, la pieza cuenta con la participación de los músicos David Vázquez y Luvin Zabala, bajo la dirección musical de Alexander Hudec. 

Este montaje es un viaje por diferentes épocas que por medio de las seis historias breves que se van representado se pueden comprender diversos temas que los personajes expresan en sus diálogos y sus acciones, tal como la lujuria, la libertad, el poder, la infidelidad, el alcoholismo, la codicia, la avaricia, el engaño y la hipocresía. Estas seis piezas ponen en evidencia algunas costumbres, vicios y estereotipos que hoy en día permanecen vigentes en la sociedad, son temas de carácter cotidiano y que a través de ellos el espectador puede sacar sus conclusiones, tener sus propias perspectivas y opiniones sobre cuánto ha evolucionado o cambiado la moral del mundo.

La escenografía y el vestuario son aspectos fundamentales en toda obra de teatro. En esta pieza no es la excepción y todos los elementos juegan un papel primordial. El vestuario realizado por Raquel Ríos está en constante movimiento en cada escena que el espectador disfruta. Los personajes se transforman gracias a los diferentes atuendos que resultan impecables y acordes con el contexto de la obra. Igualmente, los elementos escenográficos que acompañan al elenco adquieren un valor resaltante y esto permite que el espectador se traslade a una época en específico.

Un aspecto que me parece muy valioso y de gran importancia enfatizar son las magníficas actuaciones que presenciamos en la obra y el increíble acompañamiento musical. Los actores y actrices dejan una huella entre cada escena, son personajes que conmueven, que hacen pensar, reír, cuestionarse, y sobre todo que permanecen en la memoria incluso cuando la obra llega a su fin. El elenco y los músicos se convierten en un solo equipo en donde todos se divierten, sufren, lloran, bailan y cantan sin descanso ocasionando un lazo especial con el público.

“Silencio, vengo a pedir”, tiene un tono de realismo muy perceptible entre cada una de sus líneas. A pesar de su estilo pintoresco, satírico, lúdico, burlesco y hasta optimista, la obra nos refleja una intención moralizadora y crítica hacia las deformaciones de la sociedad mediante la malicia y la crueldad de sus personajes. Es una pieza teatral que está más vigente que nunca al representar temas que podemos presenciar diariamente en nuestras vidas. Sin duda, es una obra que permite adentrarse en un ambiente lleno de mucho entretenimiento, en un espacio aparentemente caótico en el cual múltiples cosas están sucediendo a la vez y genera que el espectador se involucre y logre una conexión muy auténtica con las historias que se están representando. 

No se puede perder esta obra de teatro en las tablas del Trasnocho Cultural los días viernes, sábados y domingos a las 6:30 p.m.

Romeo y Julieta: una historia signada por la tragedia, el amor y el odio 

Gabriela Márquez

“Jamás se oyó una historia tan doliente como esta de Julieta y su Romeo”

La historia de amor imposible por excelencia que ha sido fuente de inspiración durante siglos en la literatura, la danza, la música, el arte, la ópera y el cine, tomó las tablas de la Asociación Cultural Humboldt. Por supuesto, nos referimos al clásico teatral “Romeo y Julieta” de William Shakespeare, una obra del dramaturgo, poeta y actor inglés, la cual fue publicada entre los años 1595 a 1597.

Verona es el escenario del conflicto entre dos familias: los Montesco y los Capuleto. Desde el inicio de la obra queda representada la rivalidad que existe entre los miembros de estas estirpes y es precisamente este odio y enfrentamiento lo que desencadenará la pasión desenfrenada y la fuerza voraz del amor entre los dos jóvenes protagonistas. Romeo y Julieta se conocen en una fiesta organizada en la casa de los Capuleto y apenas cruzan sus miradas por primera vez, el amor surge al instante y de forma recíproca.

Esta pieza teatral cuenta con el apoyo de Fospuca y es realizado a beneficio de la Organización Nacional de Trasplante de Venezuela. La obra tiene un equipo extraordinario, en la producción general está Paola Martínez, y el encargado de la dirección y puesta en escena es Federico Pacanins. Igualmente, presenta un texto traducido y versionado por José Tomás Angola, la coreografía de Brixio Bell, la escenografía de Freddy Belisario, los arreglos musicales de Juan Carlos Grisal, la iluminación de Manuel Troconis, el estilismo de David Romero, la dirección de arte y vestuario de Elizabeth Yrausquín de Postalian, la jefatura de prensa de Anakarina Fajardo, la producción de campo, utilería y vestuario de Edisson Spinetti, la fotografía y video de Ygnacio Narea, y la asistencia de producción de Sandra Yajaure. 

Romeo y Julieta es representada con un ritmo impecable y evocador a las pasiones más auténticas y efímeras del ser humano. Además, el elenco está conformado por más de veinte actores en escena, teniendo como figuras principales al actor Theylor Plaza como Romeo y a la actriz Aimeth Landaeta como Julieta. Estos dos actores que se encargan de dar vida a los fieles enamorados de la pieza de Shakespeare, a mí parecer logran transmitir una increíble y fidedigna interpretación del texto del dramaturgo inglés. Sus actuaciones nos permiten sentir cada una de las complicadas emociones que atraviesan estos dos jóvenes a causa de los conflictos de sus familias. Entre algunas de esas emociones que el espectador puede llegar a sentir gracias a las voces y las acciones de los actores, están la angustia, la desesperación, la pasión, el dolor, el sufrimiento, el odio, la resignación y la tristeza.

Esta obra es un gran engranaje, es decir, poco a poco se transforma en un rompecabezas configurado para lograr una pieza teatral que busca mover las fibras y los sentimientos del público. Cada elemento desde la iluminación, la música, el vestuario, la escenografía, los actores y actrices, nos llevan a una Verona y a un contexto específico, y por medio de todos estos aspectos podemos ir desentrañando el sentido de comedia en algunos puntos y de tragedia a lo largo de la trama. 

Romeo y Julieta ha sido representada durante siglos en múltiples formatos y con diferentes versiones, volver a este clásico de la literatura universal es una seña a que tarde o temprano siempre regresamos a los clásicos, a aquellas historias fundadoras que son sumamente valiosas y que perduran a través del tiempo. Romeo y Julieta forma parte de ello, una historia universal que cuanto más creemos que la conocemos siempre que la volvemos a ver, leer o escuchar, descubrimos algo nuevo e inesperado. Esta es una obra que no pasa por indiferente y desapercibida, todo lo contario, es una pieza que causa en el espectador diversas emociones, que genera ruido, reflexiones, que permite encontrarnos y encontrar al otro, que nos hace cuestionarnos y cuestionar la sociedad. Romeo y Julieta es mucho más que la historia de un romance destinado a la tragedia y al desastre, como toda pieza teatral clásica tiene matices y contrastes que nos hacen pensar en sus enseñanzas, entre algunas de ellas como la de ser responsables de nuestros propios actos y a no dejarnos llevar por el odio y los impulsos.

La invitación está abierta para que no se pierda las funciones que quedan de la obra de teatro “Romeo y Julieta” en la Asociación Cultural Humboldt. Sábado 28 de mayo a las 4:00 p.m., y domingo 29 de mayo a las 11:30 a.m.

La cena de los idiotas: una velada que nos enseña la importancia del respeto y la tolerancia

Gabriela Márquez

En una nueva temporada y con un elenco de lujo, el público ya puede disfrutar de la obra “La cena de los idiotas” en las tablas del Trasnocho Cultural. Es una obra de teatro escrita por el dramaturgo, director y guionista francés, Francis Veber, y fue estrenada en el año 1993. Tras su éxito, en 1998 el autor adaptó y dirigió su propia versión cinematográfica de su texto. 

Esta aclamada obra que ha sido representada en diversas partes del mundo, cuenta la historia de un grupo de hombres exitosos que deciden reunirse para cenar todos los días miércoles. Sin embargo, esta cena tiene una particularidad y es que cada uno de ellos invita a quienes consideran idiotas para poder burlarse de ellos y pasar una velada diferente. Esta cena que es una especie de apuesta por ver quién es capaz de encontrar al idiota más extraordinario, se convertirá en un total desastre y en una catástrofe que causará un gran descontrol y muchas sorpresas a lo largo de la trama.

La pieza teatral cuenta con las talentosas actuaciones de Basilio Álvarez, Héctor Manrique, Armando Cabrera, Wilfredo Cisneros, Patty Oliveros y Carlos Arteaga. Además, en la dirección general se encuentra el actor Héctor Manrique, la producción de María José Castro, el vestuario por Eva Ivanyi, la iluminación por José Jiménez y la asistencia de producción Angélica Arteaga. Cabe mencionar que la obra cuenta con una maravillosa escenografía con esculturas de Orlando Campos y pinturas del fallecido caricaturista Pedro León Zapata.

Las risas y el tono de comedia están aseguradas de principio a fin con esta obra. Los diálogos de los personajes y las impecables actuaciones hacen que el público se estremezca de risa y tenga un gran disfrute. Sin embargo, como toda obra de teatro, esta no se queda atrás y nos invita a considerar las enseñanzas que nos dejan entre sus líneas y a pensar siempre más allá de lo que presenciamos.

“La cena de los idiotas” es una obra que divierte y que también conmueve a medida que van sucediendo los acontecimientos y podemos apreciar más la personalidad del personaje del “idiota”. Esta pieza cuestiona el concepto de idiotez y nos expresa mediante sus diálogos sobre cómo muchas veces juzgamos a los demás sin conocerlos, cómo podemos llegar a ser muy duros, egoístas, y también cómo rechazamos la forma de ser de otros.

Esta pieza teatral llena de risas y de mucha diversión, nos señala que el valor de la tolerancia es fundamental en cualquier circunstancia, a que no debemos juzgar y menospreciar a las personas que creamos que sean diferentes de nosotros, y que siempre y sin ninguna excepción, debemos respetar a los demás. 

Una obra que sin duda vale la pena ver y disfrutar. Las funciones son los días viernes y sábados a las 7:00 p.m., y los domingos a las 6:30 p.m.

La Llamada: un canto al amor, la fe y la libertad

Gabriela Márquez

“Cambiar no está mal, ¿no?”

La obra de teatro “La Llamada” aterrizó en los corazones del público de la Concha Acústica de Bello Monte en Caracas. Escrita y dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, es una comedia musical estrenada en el año 2013 en España y gracias a su notable éxito ha estado nueve años en cartelera y cuenta con una gira por más de 30 ciudades, ha sido adaptada en México, Argentina, Chile y República Dominicana, y más de 2 millones de personas han podido disfrutar de este original espectáculo.

Esta obra musical tiene como escenario principal al campamento cristiano de verano “La Brújula”. En este lugar se encuentran dos adolescentes de diecisiete años: María Casado y Susana Romero, unas jóvenes que les encanta el reguetón y sueñan hacerse famosas con él. Estas dos jóvenes han asistido al campamento desde que eran pequeñas, sin embargo, esta vez todo se tornará diferente, pues la primera de ellas empieza a recibir visitas nocturnas de Dios y este acontecimiento será el inicio de una nueva vida.

Paralela a la historia de estas dos amigas, en el campamento se encuentran dos monjas modernas: Sor Bernarda y la hermana Milagros, quienes tienen por lema “La música hace milagros” y esto sin duda, lo van demostrando a lo largo de todo el musical. Esta pieza teatral cuenta con las talentosas actuaciones de Dora Mazzone, La Vero Gómez, Henrys Silva, Cristina Mosquera y Stefany Frade. Además, detrás del montaje se encuentran Ventura Producciones y Sonia Villamizar, bajo la dirección de Guido Villamizar y en la dirección musical Zarik Medina. 

Con una escenografía, vestuario, efectos de iluminación y sonido impecables; La Llamada nos envuelve en canciones de Whitney Houston, letras originales compuestas por Alberto Jiménez, temas del grupo Presuntos Implicados y diversos cantos religiosos. Además de las risas y el tono de comedia que genera en los espectadores los diálogos de cada uno de los personajes, la obra invita a pensar un poco más allá y a notar los verdaderos mensajes que están entre sus líneas. No se trata de una obra de carácter religioso en su totalidad, a mí parecer, es una pieza que nos hace ver que el cambio puede ocurrir cuando menos lo esperamos y cuando ni siquiera lo estábamos buscando, pero es precisamente ese cambio lo que nos puede hacer libres y vivir la vida que siempre habíamos anhelado. 

En la pieza podemos apreciar diferentes perspectivas que hacen señas a que cambiar no está mal, tal como se pregunta María Casado en un punto de la obra. Desde que surgen las apariciones inesperadas de Dios a este personaje, la joven comienza a experimentar emociones complicadas y mucha confusión, dando a lugar a que cuestione sus valores y su futuro. También, el personaje de la novicia Milagros pone en dudas su fe y por miedo, mantiene oprimidos sus deseos reales, sin embargo, este temor es el que le permitirá tomar sus propias decisiones, ser valiente y luchar por lo que en verdad quiere.

Esta pieza teatral representa lo significativa que puede llegar a ser una amistad, los cuestionamientos individuales y la búsqueda de identidad. Es un canto dedicado a la libertad, el amor, la fe, la alegría y la redención. Sus diálogos invitan a no juzgar al otro, a no caer en prejuicios y a que nunca es tarde para cambiar ese aspecto de tu vida con el que te sientes inseguro o insatisfecho. Es una obra que invita a sentir la llamada de todo aquello que el corazón desee y busque alcanzar. Esta pieza teatral nos señala que el cambio no está mal, que siempre habrá un lugar para nosotros, sin importar lo que seamos ni tampoco lo que deseemos. 

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cultura teatro

Los Influencers mucho más de lo que parece. 

Inés Muñoz Aguirre

Julie Restivo y Javier Vidal forman un binomio creativo inseparable. De ese trabajo continúo nació J Creativa y contra viento y marea han construido una historia importante dentro del teatro venezolano.  Entre sus más recientes trabajos está Los Influencers, un título que es sin duda un guiño a los términos que ha impuesto la moda de las redes sociales, pero que después que ves la obra adquiere otra dimensión.  Te permite entender que la “evolución” de la comunicación en la que se da paso al comentario superficial, a la hipnosis que produce el uso de la imagen, a la compra de seguidores, no podrán opacar jamás a seres como los protagonistas de esta historia: Sofia Imber e Isaac Chocrón, que como bien expresan en algún momento de la obra son y serán siempre los verdaderos “influenciadores” de la opinión pública. En principio no por ser precisamente ellos (que también) , si no por representar a quienes logran la reacción del otro, la opinión y el seguimiento por el conocimiento, liderazgo y carisma que se posee en “vivo y directo”. 

Este texto dramático además tiene la bondad de ubicarnos en un periodo de nuestro país, en el que también existían los “círculos cerrados”, las alianzas entre amigos, la búsqueda de los beneficios que otorgaba el Estado, con una clara diferencia con el presente: la cultura tenía su cuota de importancia (Aunque siempre nos parecía poca) y el talento y la preparación de quienes estaban al frente de las distintas instituciones era indudable. Gente estudiosa, comprometida con lo que hacían y no en balde con un reconocimiento nacional e internacional que acariciaba de tal manera sus egos que se terminaba por construir unos “dioses” que fueron cayendo con el tiempo, destronados por una revolución que pretendía acabar con todo, pero que no ha podido borrar el pasado y lo realizado porque no han podido hacerlo mejor.  Los cascarones vacíos en que se convirtieron las obras de aquel momento son la mejor prueba de la falta de gestión y de objetivos, por no mencionar la falta de conocimiento y preparación. Herramientas fundamentales para alcanzar el éxito.

Es indudable que además de la risa que le produce a los espectadores los desencuentros entre estos dos “titanes” de la cultura, si nos permitimos pensar un poco más allá de lo que vemos y leer las “entrelineas” del texto dramatúrgico el espíritu crítico está presente, en una memoria que además recurre a unos cuantos guiños como el nombrar a personas que en su mayoría son familiares a la audiencia. Referencias que actualizan, familiariza y en algunos casos nos premia con una anécdota en torno al personaje mencionado. 

Las actuaciones como siempre ocurre con estos inigualables actores, impecables. Acudieron al recurso de las caracterizaciones que se nota con mayor evidencia en el personaje de Chocrón.  Julie Restifo logra una Sofía, cuya interpretación nos regala una actitud corporal inconfundible, apoyada en la voz, tan bien lograda que se pueden cerrar los ojos y escuchar con claridad al personaje.  Ambos personajes se descubren y redescubren entre ellos. El espectador también tiene la oportunidad de encontrarse con las inquietudes personales que sirven de plataforma a la obra de Chocrón y a lo que significa hacer un buen periodismo, porque la obra nos cuenta como la Imber hacía entrevistas previas a los que después serían entrevistados en su programa. Periodismo sin debilidades y sin sorpresas. 

Sin duda alguna hay que ver esta obra, no se la pierda porque ya están en las últimas funciones. 

Una fiesta salvaje de Boris Vian, un canto hacia las pasiones humanas

Gabriela Márquez

“La mer  a bercé mon coeur pour la vie” /  

“El mar me ha agitado el corazón de por vida”

La emblemática y conmovedora canción de Charles Trenet, titulada “La mer”, da inicio a la obra teatral “Una fiesta salvaje de Boris Vian” presentada por el director de teatro, productor y crítico musical Federico Pacanins, de la mano de la Embajada de Francia en Venezuela y la Asociación Cultural Humboldt. Asistí a la segunda función de esta magnífica pieza de teatro musical el día domingo 10 de abril a las 11:30 a.m. y terminé con ganas de empaparme de música jazz y de investigar más sobre la vida de este reconocido compositor.

Con delicadeza, Una fiesta salvaje de Boris Vian nos lleva a la década de los años 50 del siglo XX en donde nos retrata la vida de Boris Vian, un compositor, cantante, ingeniero, trompetista, novelista, poeta, periodista y traductor. Este importante representante de la vanguardia musical y literaria francesa post-guerra, realizaba extraordinarios encuentros con su primera esposa Michelle Léglise Vian y precisamente en esta fiesta que presenciamos en la obra, aparecen personajes muy importantes como Ursula Kübler, bailarina y segunda esposa de Vian; el filósofo Jean-Paul Sartre, y la cantante Hildegard Knef, posterior pareja del compositor. Todos estos personajes junto a un músico ciego y un jefe de comedor, convergen en un goce surrealista y eufórico, en una celebración llena de vida, una orquesta inigualable de jazz y en unos exquisitos diálogos que dan un sentido completo a la obra.

El elenco de esta pieza teatral me pareció muy creíble y cada uno de ellos transmitía una esencia auténtica de las personas de aquella época. Gerardo Soto como Boris Vian, Sandra Yajure como Michelle Léglise Vian, Anakarina Fajardo como Ursula Kübler, Edgar Sibada como Jean-Paul Sartre, Paola Martínez como Hildegard Knef, Juan Carlos Grisal como el “ciego”, Edisson Spinetit como el maître; lograron a mí parecer, una sensación de frescura y naturalidad con sus actuaciones, en donde los personajes resultaban cautivadores y tenían una caracterización vocal sumamente pulcra y apropiada para las interpretaciones de las distintas canciones que se pudieron escuchar.

Esta pieza de teatro musical nos traslada a las noches de París gracias a su escenografía, su música, los efectos de iluminación, los vestuarios y el maquillaje de los personajes. Por un lado, la atmósfera que crea la escenografía nos hace movernos hacia una elegante velada, con colores predominantes como el rojo, verde, azul, morado y negro. Y, por otro lado, nos muestran un objeto particular: un “piano coctelero” que va más allá de la imaginación y tiene el poder de contagiar el placer de la diversión en los personajes, incluso en los espectadores. Uno de los aspectos más interesantes que me parece relevante resaltar de la escenografía, fue el uso de una pantalla que mostraba las traducciones de las canciones interpretadas en francés y en inglés, además de traducir los diálogos y enseñar imágenes de la ciudad en esa época, haciendo incluso más auténtica la puesta en escena. Además, pudimos ver una breve parte de la adaptación cinematográfica –interpretada por los mismos autores de la obra- de la novela “Escupiré sobre vuestras tumbas” de Boris Vian.

Sin duda, Una fiesta salvaje de Boris Vian, me trasladó a muchas de las vivencias del protagonista. Un hombre de veladas espectaculares, con la música jazz en cada uno de sus pasos, con su amor por la trompeta, el universo artístico, las letras, las pasiones humanas. Una obra de teatro compleja en la cual hay que estar atento a cada uno de sus palabras para una comprensión máxima y para poder adentrarnos en los años 50, una pieza que trata temas de gran importancia como la libertad y el sentido de la identidad. Una obra de teatro que conquista desde el primer tema musical hasta el último y que resalta el significado de la vida: ser feliz.  

UNA FIESTA SALVAJE DE BORIS VIAN”

El estreno teatral de “Una fiesta salvaje de Boris Vian” llega a la Asociación Cultural Humboldt los próximos 9, 10, 16 y 17 de abril.

Con el apoyo de la Embajada de Francia en Venezuela y la Asociación Cultural Humboldt, Federico Pacanins presenta “Una fiesta salvaje de Boris Vian”, pieza de teatro musical que revive el espíritu artístico y de profunda soltura jazzística del representante de la vanguardia literaria y musical francesa post guerra: Boris Vian.

En la obra, Boris Vian – Gerardo Soto –, famoso, entre otras razones, por organizar veladas inolvidables, se viste de anfitrión para ofrecer una fiesta surrealista que desata el disfrute y el gozo de sus invitados. Junto con su primera esposa, la traductora y poeta Michelle Léglise Vian – Sandra Yajure –, el hombre da la bienvenida a icónicos y curiosos personajes de la talla del filósofo y escritor existencialista Jean-Paul Sartre – Edgar Sibada –; la bailarina, actriz y segunda cónyuge de Boris, Ursula Kübler – Anakarina Fajardo –; la cantante, intérprete y posterior pareja de Vian, Hildergard Knef – Paola Martínez –; un maître – Edisson Spinetti; – y un cantante ciego que anima esta celebración – Juan Carlos Grisal –, recordando a todos la alegría de vivir.

Rodean esta historia el espíritu dionisíaco del baile, los juegos, el poliamor y las notas de jazz, surgidas de una presentación exclusiva de la Boris Vian Jazz Band, con arreglos de Aarón Cabrera y formada por Wilmer Caldera en el contrabajo, Josué Muñoz con la guitarra y la viola, y Edgar González en la trompeta y el corno francés.

Boris Vian – Ville-d’Avray, Hauts-de-Seine, 10 de marzo de 1920 – París, 23 de junio de 1959 – fue un crítico jazzista, compositor, cantante, trompetista, dramaturgo, ingeniero, novelista y poeta francés. En su carrera, escribió teatro, letra y música de canciones, cuentos y novelas, utilizando diversos heterónimos como Vernon Sullivan y Boriso Viana, y los anagramas Baron Visi, Brisavion, Navis Orbi, Bison Ravi, entre otros. 

Conmemorando los 102 años del nacimiento de este polímata francés y mediante la comedia de lo absurdo e irónico, “Una fiesta salvaje de Boris Vian” confronta temas como la libertad y el libertinaje, el humanismo y el patriotismo, la literatura y la música, el caos y el orden.

Vian estudió Ingeniería, carrera que ejerció para, luego, dedicarse con holgura a sus actividades de artista: fiestas, jazz, noche, chicas, amistades intelectuales de todo tipo, alter egos, crítica musical y novelas, siendo la más famosa y controversial “Escupiré sobre vuestras tumbas”, de la cual vendió los derechos para una adaptación cinematográfica. Aunque inicialmente estuvo encargado del guion, tras diversas peleas con la productora, el director y el guionista, Boris quedó fuera del proyecto y asistió de incógnito al preestreno de la película en el cine Le Petit Marbeuf, cerca de los Campos Elíseos, donde falleció de un infarto que sufrió durante la proyección.

El montaje cuenta con la asistencia de dirección de Paola Martínez, la producción general de Edisson Spinetti, la iluminación de Manuel Troconis, el coaching lingüístico de Hernán Rosas, las proyecciones de Jessika Dragnic y la dirección escénica y el libreto de Federico Pacanins.

Apoyada en la acción cultural, la Embajada de Francia en Venezuela contribuye con la promoción y el brillo de Francia, impulsando el diálogo y el intercambio con culturas extranjeras. Por su parte, la Asociación Cultural Humboldt nació en 1949 con el objetivo de difundir y fomentar nacional e internacionalmente las culturas venezolana y germánica, en sus aspectos científicos, literarios, artísticos y lingüísticos.

“Una fiesta salvaje de Boris Vian” se estrenará con todas las medidas de bioseguridad en el teatro de la Asociación Cultural Humboldt en abril: sábados 9 y 16 a las 4 P.M., y domingos 10 y 17 a las 11:30 A.M. 

Las entradas pueden ser adquiridas en las taquillas del teatro y por el correo electrónico infoasohumboldt@gmail.com.