QUEENMAKER
Un K-Drama cargado de política, poder, intriga y justicia.
@mariamkrasner
Las producciones coreanas no dejan de sorprender y atrapar con sus series y películas, esta vez le toca el turno al excelente drama político:Queenmaker, encabezando las diez listas mundiales de Netflix con 15,87 millones de horas de reproducción en los primeros tres días después de su lanzamiento.
Este k-drama de 11 episodios está escrito por Moon Ji-young, y dirigido por Oh Jin-seok, gira en un mundo de campañas políticas, poder económico, estrategias, intriga y justicia. Solo la presentación donde un zapato rojo de tacones de aguja de 12 centímetros de altura choca con un tablero de ajedrez fracturando todas las piezas nos hace sospechar que los roles femeninos juegan un papel clave dentro de la historia. Dos mujeres que ven la vida de forma completamente diferentes, una como asesora de imagen y estrategia y la otra defensora de los derechos humanos se ven obligadas a unirse para destapar un entramado de corrupción política y poder económico.
Hwang Do-hee (Kim Hee-ae) es una hábil asesora de imagen directora de la oficina de planificación estratégica de Eunseong Group, una de las principales corporaciones empresariales de Corea. Do-hee es especialista en manipular la opinión pública, analizar los gestos, crear titulares, relacionarse con los medios, manejar las crisis que se presentan y neutralizar todas las debilidades. Hasta que un grave suceso que involucra a Baek Jae-min (Ryu Soo-young), yerno de la presidenta Son jefa de la familia Eun, quien tras atacar sexualmente a su asistente hace que la joven se suicide y Do-hee comienza a cuestionarse y es obligada a dejar el cargo.
Aquí entra la abogada de derechos laborales Oh Seung Sook llamada «rinoceronte loco». una autoproclamada señora de la Justicia de Corea, presidenta de la Asociación de Mujeres Trabajadoras, luchadora por los Derechos Humanos de Mujeres Coreanas y popular YouTuber quien en el pasado se ha enfrentado a Hwang Do-hee. Pero la búsqueda de justicia y buscando un cambio para Seúl, acepta la ayuda de «Queenmaker» (Hwang Do Hee) quien está decidida a convertirla en la alcaldesa de Seúl y enfrentarse al otro candidato, Baek Jae-min.
Do Hee enfocara todo su talento en detener la carrera política de Jae-min, sacar a la luz la corrupción de EunseongGroup y vengarse de la empresaria Son a través de la campaña de Oh Kyung-sook.
Queenmaker no está basada en una historia real, a mí me atrapo desde el primer minuto (tal vez por mi trabajo como asesor de imagen y estrategia) me fascino y ligada al mundo de las corporaciones y las campañas políticas aún más interesante, con unos guiones agiles y tremendas actuaciones de todo el elenco.
LA DIPLOMÁTICA
Un thriller cargado de tensiones políticas
@mariamkrasner
Es un seriado del género de comedia política, que se mueve entre la seriedad de los conflictos políticos y las negociaciones internacionales con sus toques delirantes de comedia. Esta es una de las virtudes de esta propuesta de ficción que nos recuerda a estupendas series como West Wing, House of Card, Scandall, The Good Wife o Homeland.
Y no es para menos, cuando vemos que La Diplomática fue creada por la escritora Debora Cahn, quien ha participado en las series más importantes de la televisión y ha sido parte del equipo de guionistas de Aaron Sorkin (Ala oeste de la Casa Blanca) y de la gran Shonda Rhimes en unas cuantas temporadas de Grey’s Anatomy.
De esa experiencia y del propio talento de Cahn se aprecia (y agradece) la forma como cuenta este relato político, cargado de excelentes guiones e insuperables actuaciones. La Diplomática es una historia llena de conflictos políticos, con un buen ritmo donde se aprovechan diferentes tramas, para llevarnos de la mano a una historia que, sin dejar la seriedad y gravedad de los problemas de la política exterior, también tiene su buena dosis de humor y romance.
Kate Wyler (Keri Russell) es una experta en política y relaciones internacionales quien está a punto de convertirse en embajadora de Afganistán con la ayuda de su esposo, Hal (Rufus Sewell), quien era un embajador clave de los Estados Unidos hasta que su reputación y forma de ser lo convierte en una piedra para el zapato del presidente de los Estados Unidos. Sin embargo, Wyler es obligada a asumir el puesto de embajadora de los Estados Unidos en el Reino Unido después de un ataque a un buque militar británico en el Mediterráneo. El ataque desencadenara un posible conflicto bélico que debe ser evitado investigando quien está detrás de dicho acto.
En la investigación Kate cuenta con el apoyo del ministro de exteriores Dennison (David Gyasi), juntos deben manejar al primer ministro Trowbridge (Rory Kinnear), un individuo inseguro, que le encanta anunciar promesa y estar pendiente de los titulares de la prensa. También destacan las actuaciones de Ato Essandoh como Stuart mano derecha de la embajadora Wyler en suelo británico y Ali Ahn como Eidra Graham, la jefa de la CIA en su unidad en Londres.
Son muchos los aspectos a destacar en el guion de La Diplomática, escrito como ya dijimos con aguda inteligencia y conocimiento sobre las vicisitudes de la diplomacia internacional, también la trama tiene diálogos agiles y la tensión muy bien equilibrada con unos personajes que más allá de sus roles políticos, se mueven desde lo humano, sus sentimientos y forma de ser.
Esto se nota en la constante crisis del matrimonio Wyler, en la posición de Hal egocéntrico y carismático a quien no le es nada fácil asumir el rol de segundo plano o de la propia embajadora que detesta usar tacones, vestidos y asistir a recepciones de gala.
La Diplomática también nos enseña una política donde prevalece el privilegio masculino, las tensiones que surgen con el poder femenino, la intimidad de las parejas y el juego entre el entendimiento o el sentimentalismo. La Diplomática, es una gran serie, tal vez por ciertos momentos da muchas vueltas sobre un mismo tema, pero la agilidad de su guion, el carisma en general de todos sus personajes y el final impactante nos deja la esperanza que se trata de una serie pensada para seguir por varias temporadas. Ya Netflix anunció la renovación para la temporada 2 de La Diplomática en donde queda mucha tela que cortar.
Hambre (Hunger)
El culto a un chef y la barbarie del ser humano a través de un restaurante de lujo
@mariamkrasner
Netflix nos trae esta ficción tailandesa dirigida por Sitisiri Mongkolsiri sobre el guion de Kongdej Jaturanrasmee. Una excelente crítica social que se apoya en el mundo gastronómico de la alta cocina, para burlarse del consumismo, la moda de algunos chef y la marca de determinados restaurantes.
La historia se centra en Aoy una cocinera con un don especial, que se ocupa de la cocina del restaurante de la familia, un sitio de comida callejera de venta de fideos tradicionales en un barrio humilde de Bangkok. Se le presenta la gran oportunidad de entrar a trabajar en Hunger un restaurante de lujo liderizado por el número uno de Tailandia el famoso chef Paul. Un sujeto que no solo es reconocido por sus extravagantes propuestas gastronómica, sino por su mal carácter y forma violenta de relacionarse con su equipo de trabajo.
Hambre nos enseña un retrato de la cocina de alta gama, las tensiones, la competencia de talento a toda costa y sobre toda nos muestra una sociedad que convierte al chef Paul en casi un Dios sin importar lo que prepara y cómo lo prepara. Una clase social que puede pagar los servicios de catering de Hambre, un estrato social que cae en la barbarie, en el consumismo y en la bajeza absoluta del ser humano, solo por lucir frente a sus amigos e invitados, la posibilidad de tener al chef Paul en sus reuniones privadas.
Asi Mongkolsiri apoya su historia para abordar temas sobre el poder, la lucha de clases sociales, la diferencia de estratos y el manejo de las influencias. En una sociedad de políticos, militares, artistas, empresarios e influencer que representan esa elite tailandesa.
Durante toda la película tuve en mente el film El Menú (Ralph Fiennes y Anya Taylor Joy), ambas propuestas giran sobre hombres ambiciosos y egocéntricos y la crítica social frente a los “conocedores” gastronómicos. Al frente del reparto están como Aoy la actriz Chutimon Chuengcharoensukying y Nopachai Jayanama como el chef Paul. Ambos actores brillan en este thriller culinario, con momentos tensos donde el ritmo de la cocina, la preparación y el montaje de los platos acompañados de unos primeros planos hacen sobresalir los platos de la pantalla y le dan una velocidad particular a la trama.
La crítica social se retrata a través de la comida, su significado para las distintas clases sociales tailandesas: alimentos caros, porciones pequeñas y presentaciones extravagantes y minimalistas, en contra posición a las escenas de los barrios de Bangkok donde los fideos son el plato favorito que representan la seguridad del hogar y la familia.
Cene antes de ver la película, recuerde que está invitado a ser comensal del Restaurante Hunger (Hambre) de la mano del Chef Paul.
UN PLAN IRRESISTIBLE (IRRESISTIBLE)
La sátira de la política norteamericana
@mariamkrasner
Un Plan Irresistible es una sátira del director/guionista Jon Stewart, recordado por su trabajo como conductor televisivo y escritor del talk show The Daily Show, que fue su gran escuela para conocer todos los entre telones tanto de los Demócratas como de los Republicanos y en general de toda la política estadounidense, así como de tantos temas que abordo durante los 15 años como host del programa.
En la película nos retrata un sistema político americano caracterizado por consultores, candidatos, partidos políticos, colegios electorales, medios, influencia tecnología, donantes y por último electores. Tal vez Stewart nos trata de mostrar en 1 hora 42 minutos su posición personal frente al tema y en ciertos momentos se siente que se le va de las manos. Acercándose a una sátira sobre la elección de la Alcaldía en Deerlaken un pequeño pueblo de Wisconsin. No es fácil llevar la realidad a la ficción y menos en formato de comedia audiovisual a pesar del conocimiento que se tenga al abordar determinados puntos de vista. Sin embargo, Stewart nos sorprende con el giro final de la película.
Irresistible a modo de sátira nos acerca a una historia donde el partido Demócrata intenta conectar y recuperar el voto de la gente común. Aquí entra en acción Gary Zimmer un estratega político de la campaña de Hillary Clinton que después de la derrota contra Trump decide recuperar ese terreno perdido. Zimmer (protagonizado por el comediante Steve Carell), ve en YouTube un “video viral” en donde el coronel Jack Hastings (Chris Cooper), un militar retirado de un pueblito de Wisconsin está dando unos argumentos progresistas frente a una propuesta del gobierno local contra los inmigrantes. Zimmer hará todo lo posible para que Hastings se presente como candidato para alcalde y convertirlo en la cara visible de un partido que quiere conectar con las clases populares. Un candidato sin carisma, poco comunicativo y sin experiencia política. Pero no solo Zimmer tiene intereses enDeerlaken, también la estratega republicana Faith Brewster (protagonizada por Rose Byrne), tratará de hacerle la vida imposible a Zimmer y ganarle las elecciones.
De esta manera unas elecciones por la alcaldía en un lugar desconocido adquiere unas dimensiones particulares que se transforma casi en unas elecciones de nivel nacional, donde se involucran: consultores, estrategas, call center, equipos de ayudantes de campaña, el uso de tecnología sofisticada, recaudaciones de fondos privados, eventos públicos, respaldos de renombre, asesoría de imagen, clases de comunicación verbal y no verbal, investigación de mercado, grupos de sondeo micro dirigidos, comités de acción política, cobertura en los medios, lobby y una inversión millonaria para ganar. Todo este tecnicismo viene a traer el caos, a un hasta ahora “supuesto” tranquilo lugar.
Todo el trabajo del gran equipo nacional no termina de enganchar con los electores locales. Los tratan a su espalda como unos “pueblerinos’ usados para alcanzar el poder. Con unos consultores cuyos egos e historia personal está por encima de los candidatos. Tal vez sean los “pueblerinos” los más inteligentes en esta historia.
Para estructurar e introducir el guion, Stewart se documentó viendo películas sobre políticos noveles, como el trabajo de Frank Capra, Caballero sin espada (1939) y el film de Michael Ritchie El candidato (1972). Así decidió que la película comenzara con el discurso del coronel Jack Hastings, en esa escena inicial hace un guiño al discurso del clásico de Capra, donde el personaje protagonizado por Jimmy Stewart hace un llamado apasionadamente a los valores americanos de la libertad y la justicia hasta casi desplomarse en el Senado.
Todos los temas que aborda Irresistible hacen que la trama se complique. Sin embargo, si son temas que a uno le interesa (como mi caso) es una alternativa que se puede ver, con buenos actores que entran perfectos en sus personajes y como les adelante con un giro inesperado.
El MH370: EL AVIÓN QUE DESAPARECIÓ SIN DEJAR RASTROS
@mariamkrasner
El pasado 8 de marzo se cumplieron nueve años de la desaparición del vuelo MH370 de Malaysia Airlines con 239 personas a bordo, convirtiéndose en un cangrejo para la historia de la aviación comercial. En tres capítulos con sugestivos títulos de: el piloto, el secuestro y la intercepción, Netflix estrenó una miniserie documental bajo la dirección de Louise Malkinson, donde destacan tres teorías apoyadas en “hipótesis de expertos”. En el documental tenemos la oportunidad de ver los testimonios de familiares, autoridades, voceros de las búsquedas, periodistas, expertos, investigadores y aficionados, quienes intentan descifrar lo que pudo haber sucedido aquella noche.
El 8 de marzo de 2014, el vuelo MH370 despegó a las 12:42 a.m. hora local de Kuala Lumpur. El vuelo Boeing 777de Malaysia Airlines que duraba cinco horas aterrizaría en el Aeropuerto Internacional de Beijing cerca de las 06:30 a.m. A las 01:21 de la madrugada minutos antes de pasar al control al territorio vietnamita el piloto Zaharie Ahmad Shah contactó con la base de Malasia: “Malaysia 370 contacta con Ho Chi Minh 120, buenas noches”. “Buenas noches, Malaysia 370″, respondió el controlador desde la torre. Segundos después el avión desapareció del radar, esa fue la última vez que se supo de las 239 personas entre tripulantes y pasajeros que viajaban en el MH370.
Inmediatamente se activaron las operaciones de lo que hasta hoy es considerada una de las búsquedas más exhaustiva de la aviación comercial. El Gobierno de Malasia coordinó el operativo e inició una investigación llena de irregularidades, descoordinación y falta de respuesta a los familiares, medios y al resto del mundo. En paralelo el Gobierno de Australia apoyó en las labores de búsqueda y rescate, todos los intentos fallidos.
Las sombras de distintas causas de esta desaparición han estado presentes en este misterio. Teorías en las que se apoyan cada uno de los capítulos del documental: un posible asesinato en masa donde supuestamente el piloto de la aeronave, el capitán Zaharie Ahmad Shah quería provocar un suicidio y en consecuencia un asesinato en masa. Por otra parte, está la teoría conspirativa de un secuestro organizado por personas de alto nivel del gobierno ruso. Y la tercera, la de una misteriosa carga que llevaba la nave hacia China y que no era conveniente para el Gobierno de los Estados Unidos por lo tanto un posible misil intercepto al MH370.
A esto se le añade que el Gobierno de Malasia supo en todo momento que el vuelo MH370 dejó su ruta y se dirigió a Vietnam en lugar de continuar al norte hacia su destino final en Beijing. Este desvió fue confirmado por la empresa privada de satélites británica Inmarsat. Este cambio de ruta origino que la búsqueda inicial no estuviera clara. Al conocer los datos del cambio de ruta, se tuvo una idea aproximada de dónde posiblemente se estrelló la aeronave, por el sur del Océano Índico y la posterior recuperación de algunas de sus partes en las islas de Reunión y Madagascar por un investigador independiente del caso.
Hoy en día se desconoce con certeza cual fue en realidad la última trayectoria del avión, su ubicación, localización de la “caja negra” y el paradero de los cuerpos de los 239 tripulantes. A pesar de que el documental puede dejar la sensación de más dudas que respuestas, es un acercamiento interesante a este gran misterio.
Inestable (Unstable)
La nueva serie de Netflix sobre un errático y excéntrico genio de la biotecnología.
@mariamkrasner
Una comedia inteligente y sin pretensiones que gira sobre la relación de padre – hijo protagonizada y producida por Rob y John Owen Lowe (padre e hijo en la vida real) quienes se enfrentan a la Junta Directiva de la empresa Dragon, creada por un excéntrico y narcisista genio de la biotecnología Ellis Dragon (Lowe), quien después del fallecimiento de su esposa pierde todo interés y concentración dejando sus investigaciones a un lado. Con la ayuda de su tímido hijo Jackson Dragon (John Owen Lowe) y de otros miembros del laboratorio intentaran salvar el negocio familiar a pesar del comportamiento inestable de Ellis.
Anna, la directora financiera de Dragon que ha mantenido la empresa a flote durante el colapso emocional de Ellis, decide buscar a Jackson un joven también científico y pragmático quien decidió mudarse a New York y dedicarse a la flauta como escape de la sombra de su padre.
Uno de los valores de la serie, es el desarrollo del perfil de cada uno de los personajes y su presencia en los capítulos de esta inteligente y a la vez ligera comedia. Malcolm (un amigo de la infancia de Jackson) Luna Castillo (una tímida científica enamorada de Jackson) y Ruby (una científica extrovertida y amistosa) quienes trabajan juntas en el proyecto de carbono a hormigón de Ellis.
Entre las locuras de Ellis, está la ocurrencia de secuestrar al psiquiatra que la Junta Directiva contrata para ayudarlo y tenerlo en el sótano de su casa. Pero lejos a lo que pensamos de un secuestro, este par ven televisión juntos, comen helado, andan en batas, hacen apuestas y no se quieren separar. Pero esto es solo un pequeño detalle de las complicaciones en la vida del excéntrico científico. Quien se tiene que enfrentar junto a su equipo de confianza a los mellizos TJ y Chaz, los antagonistas quienes siempre están en el centro de las más inusuales situaciones.
En una entrevista, sobre cómo se les ocurrió la idea para esta serie de comedia Rob Lowe comento: «John Owen estaba troleándome en mi cuenta de Instagram. Tenemos una broma juntos y ninguno de los dos pensó nada al respecto. Era algo que hacíamos para hacernos reír y la gente empezó a darse cuenta y gusto tanto que John Owen y yo no podíamos hacer una entrevista sin que la gente nos preguntara por esa relación” «Los dos empezamos a pensar en lo que podría ser una serie, se trata de una historia ficticia donde interpreto una versión exagerada de mí mismo. Dedicamos mucho tiempo a pensar en los elementos básicos de nuestra relación y luego diseñamos personajes ficticios a su alrededor».
Inestable es una serie ideal para maratón de fin de semana, son solo 8 capítulos de 30 minutos, el final de la primera temporada deja las puertas abiertas para una posible segunda entrega por parte de Netflix.
JOHNNY
@mariamkrasner
La película está dirigida por el polaco Daniel Jaroszek, es un biopic basado en la vida del padre Jan Kaczkowski (1977 – 2016) un sacerdote muy especial y yo diría poco convencional. Católico romano polaco, fue doctor en ciencias teológicas, bioeticista, organizador, motivador, impulsor y director del Puck Hospice. Protagonizada por los reconocidos actores polacos Dawid Ogrodnik (Ida, de Paweł Pawlikowski) y Piotr Trojan (25 años de inocencia el caso de Tomek Komenda)
En estas noches gracias al streaming descubrí al padre Kaczkowski, esos personajes que no pasan desapercibidos y que sientes que a partir de ese momento su historia siempre estará contigo. La manera como se enfrenta desde joven a todas las adversidades físicas y religiosas. Su forma de entender el miedo. De ayudar a los otros y de tener claro el significado de las segundas oportunidades. Esa capacidad de sacar lo mejor del otro, sus conductas y habilidades. De eso se trata esta película, es un conmovedora historia sobre las segundas oportunidades.
Johnny, también es la historia de Patryk Galewski, un delincuente quien ha sido puesto en libertad condicional, pero debe realizar un voluntariado en el hospicio de enfermos terminales del padre Jan. Galewski quien llega con una actitud de rebeldía y poco positiva, comienza realizando arreglos y de mala gana se va acercando a los enfermos. Poco a poco llega a relacionarse con cada uno de ellos, entiende el significado de hacerles compañía, de jugar ajedrez, de conversar, oírlos y hasta leerles poemas.
Pero la rebeldía de Patryk no es la única preocupación de Jan, con apenas 37 años el sacerdote tiene los meses contados debido a una enfermedad terminal. Pero eso no le quita la alegría, el buen ánimo. Al contrario, lo llena de fuerzas para dar a conocer el centro de atención, su historia se convierte en motivo de esperanza y ejemplo de vida. Asiste a entrevistas, conferencias y conciertos, su particular forma de ser no puede dejar indiferente a ninguno que se acerque a su historia.
El director Jaroszek, de forma directa nos conecta enseguida con una historia conmovedora, que supo aprovechar para no caer en el drama y el fatalismo. Por el contrario, a pesar de ser una película muy conmovedora te deja con una sensación de esperanza y un buen sabor de boca.
Johnny fue la película polaca más exitosa del año pasado, ganó el Premio del Público en el Festival de Cine Polaco de Gdynia y el de mejor actor para Trojan. Al final de la película se cruzan imágenes del verdadero padre Jan Adam Kaczkowski y de Patrick convertido en un chef quien sale al lado de su esposa Aneta y sus dos hijos. Uno de ellos el pequeño Jan en honor al amigo que cambió su vida. Disponible en Netflix, no la deje de ver.
Nuestro bebé elefante (The Elephant Whisperers)
@mariamkrasner
Este documental acaba de ganar la estatuilla del Óscar, como el Mejor Cortometraje Documental en la 95ª edición de los Premios de la Academia.(siendo laprimera producción india en ganar en dicha categoría). 41 minutos fueron suficientes para mostrarnos el vínculo especial que se construye entre un pequeño elefante abandonado y la pareja conformada por dos seres especiales: Bomman y Bellie quienes se convierten en sus cuidadores.
El cortometraje dirigido por Kartiki Gonsalves, contó con la música de Sven Faulconer y con la fotografía a cargo de Anand Bansal, Kartiki Gonsalves, Krish Makhija y Karan Thapliyal. Ambos elementos de principio a fin hacen resaltar los hermosos planos visuales de esta cinta. Gonsalves nos regala una conmovedora historia con unas imágenes y estética visual que hacen de Nuestro bebé elefante un gran trabajo, donde se destaca la belleza natural del Parque Nacional de Medumalai, así como las personas y animales que viven en esta localidad.
Gonsalves nos narra la historia de Bomman y Bellie, una pareja de ancianos de una generación de tribus indígenas llamadas Kattunayakan, que viven en el sur de la India. Ambos pertenecientes a una etnia que vive en la selva y tienen el encargo del gobierno de cuidar a paquidermos de muy temprana edad que han quedado huérfanos. El centro del film gira en torno a Raghu un bebé elefante huérfano y su forma de relacionarse y comunicarse con sus maravillosos cuidadores. Y luego la llegada de la pequeña Ammu para completar esta especial familia.
En dicha aldea todo gira alrededor del cuidado de los elefantes, les enseñan desde niños la importancia de los elefantes para el lugar, la forma de cuidarlos y de quererlos. De generación en generación han vivido así, y son conocidos como “los reyes del bosque”. Los elefantes comparten con sus cuidadores no solo sus rasgos de inteligencia, sino fuertes vínculos sociales, momentos llenos de humor, juegos, sentido de responsabilidad, alegrías y tristezas.
Es un corto inspirador, motivador y aleccionador sobre la importancia de los vínculos afectivos y la responsabilidad en el cuidado por el otro. Una relación sanadora para todas las partes involucradas.
Kartiki Gonsalves directora de la cinta en su discurso de aceptación del Oscar resaltó: “Estoy aquí hoy para hablar por el vínculo sagrado entre nosotros y nuestro mundo natural, por el respeto de las comunidades indígenas y la empatía hacia otros seres vivos con los que compartimos espacio y, finalmente, por la convivencia”
Gonsalves busca construir una plataforma para dar visibilidad a mujeres y tribus indígenas, que se dedican a trabajar por conservar el planeta. A finales de 2018 fundó Earth Spectrum, para aportar nuevas perspectivas e impactar en la comprensión pública más profunda sobre las cuestiones medioambientales y humanitarias. Nuestro bebé elefante ya está disponible en Netflix.
ESPECIAL PREMIOS ÓSCAR
@mariamkrasner
La frase “entre gusto y colores” sin lugar a duda se adapta también al cine, y es lo que vivimos sin sorpresas el pasado domingo 12, en la 95.ª edición de los Óscar transmitida desde el Dolby Theatre de Los Ángeles. Primera vez en la historia de los premios, que la Academia resolvió contratar a una empresa de manejo de crisis, con el fin de monitorear el espectáculo y evitar el daño reputacional que sufrieron. Recordemos el incidente entre Chris Rocky Will Smith y el mal manejo en las respuestas y las acciones por parte de la directiva para hacer frente a la situación.
La noche la abrió el comediante Jimmy Kimmel como anfitrión de la gala, haciendo derroches de su sentido del humor, lenguaje y frases con doble sentido, tomando las riendas y haciendo mención directa de la famosa bofetada: «Queremos que se diviertan, se sientan seguros y, lo que es más importante, queremos que yo me sienta seguro. Si alguien comete un acto de violencia, se le dará un Óscar y un discurso de 19 minutos. Prometido. Si pasa lo que pasó el año pasado, no hagas nada. Como el año pasado. O dale un abrazo al asaltante» Con el mismo tono de acidez, se refirió a la falta de nominación de mujeres como directoras y a las ausencias de James Cameron y Tom Cruise: “Los dos tipos que insistieron en que fuéramos al cine no vinieron al cine”.
Como les dije sin ninguna sorpresa, la película anti-Óscar: Todo a la vez en todas partes (Everything Everywhere All At Once), se llevó un total de siete estatuillas de las once nominaciones. La película ya había ganado dos Globos de Oro, cinco Critics’ Choice Awards (incluyendo Mejor Película) y cuatro Screen Actors Guild Awards. Seguida por la estupenda Sin novedad en el frente (All Quiet On The Western Front) que alcanzó cuatro estatuillas.
Pero si algo tuvo esta ceremonia fueron ejemplos de superación, trabajo y reconocimiento a la constancia. Destacándose la primera vez de muchos nominados y quienes resultaron ganadores: Brendan Fraser (Mejor actor), Michelle Yeoh (Mejor actriz), Ke Huy Quan (Mejor actor de reparto), Jamie Lee Curtis (Mejor actriz de reparto) y la dupla de Dainel Kwan y Daniel Scheinert (Mejor director).
Los cantantes Rahul Sipligunj y Kaala Bhairava hicieron su debut en la ceremonia interpretando «Naatu Naatu», con letras de Chandrabose y música de M.M. Keeravani. «Naatu Naatu» de la película RRR (Rise, Roar, Revolt: “Levantarse, Rugir, Revolución”) se llevó el premio a la mejor canción original, derrotando a dos grandes como Rihanna y Lady Gaga. El tema también ganó el premio a la mejor canción original en los premios Globo de Oro. Y la banda sonora del drama bélico Sin novedad en el frente, del alemán Volker Betelman (conocido en la industria como Hauschka) fue el ganador de esta categoría.
Y era de esperarse que la magnífica Pinocho de Guillermo del Toro, fue la ganadora como mejor película de animación. De esta forma el director mexicano obtiene su tercera estatuilla durante su carrera (El laberinto del fauno y La forma del agua).
No podemos finalizar este recorrido por la 95.ª edición de los Óscar sin mencionar el nostálgico ‘in memoriam’ (siempre uno de mis segmentos más esperados) presentado por un emocionado John Travolta, quien haciendo referencia a una línea de la canción de Olivia Newton-John de Grease «desesperadamente dedicados a ti» le dio pasó al cantante Lenny Kravitz interpretando «Calling All Angels». (Precisamente Newton-John abrió la galería de celebridades fallecidas).
De una gala de un poco más de 3 horas de duración es mucho lo que queda por mencionar y como les dije: entre gusto y colores…. Fin.
The Whale (La Ballena)
@mariamkrasner
La Ballena es la historia de Charlie, un profesor de inglés quien sufre de obesidad mórbida y en consecuencia vive aislado del mundo en su pequeña casa. Charlie abandona a su esposa y a su hija de 8 años, al conocer a su verdadero amor. Tras la muerte de Alan su pareja, canaliza el dolor, la ira y la soledad en la comida, llegando a pesar 270 kilos. Con una salud comprometida, y al saber que sus días están contados busca reencontrarse con Ellie su hija. La computadora es su forma de dar clases, ganarse la vida y estar conectado con sus alumnos. Pero eso sí, siempre con la cámara apagada.
Eso es en pocas palabras el recorrido muy superficial de esta película. Donde van transcurriendo los minutos y uno como espectador se siente incómodo, abrumado y a la vez comienzas a sentir una empatía con el personaje.
The Whale está basada en la obra de teatro homónima (2011) del escritor Samuel D. Hunter, también guionista de la película. En varias entrevistas a manifestado que trata de su propia lucha de joven con la gordura, sus vivencias con la iglesia evangélica y de sus experiencias al enfrentar su preferencia sexual. Sin llegar a ser una película autobiográfica, está inspirada en momentos muy concretos de la vida de Hunter.
La película esta dirigía por Darren Aronofsky (Requiem por un sueño, el Cisne Negro, Madre) y protagonizada de manera excepcional por Brendan Fraser en la piel de Charly (quien uso prótesis corporal para alcanzar los 270 kilos) Junto a: Sadie Sink como Ellie Sarsfield la problemática hija adolescente de 17 años, quien está bajo la custodia de su madre Mary, interpretada por Samantha Morton. Ty Simpkins es Thomas, un misionero cristiano que visita con frecuencia a Charlie para “ayudar a curarlo espiritualmente” y por último tenemos a Hong Chau interpretando poderosamente a Liz, la mejor amiga de Charlie, hermana de Alan y quien se desempeña como su desesperada y agotada enfermera personal.
Sin llegar a estar en el subgénero cinematográfico del horror corporal (body horror), la Ballena es un psicodrama que parte desde la enfermedad por obesidad de un ser humano. En muchas escenas llega a ser grotesco a la vista y también al sentimiento que te despierta el personaje. Eso ha llevado a una crítica polarizada entre quienes les fascinan o la rechazan, pero es una película que no te deja indiferente.
Aronofsky pone énfasis en temas de la vida real. Desde la sexualidad, la depresión, la religión, la familia, las adicciones, el amor, el sacrificio, el odio y hasta la amistad, son ejes de este drama sobre la autodestrucción. Charlie es una metáfora de Moby Dick (Herman Melville) “Dentro de la ballena hay una voz todavía pequeña de calma». La mirada, su tono de voz, el sudor, sus movimientos y su respiración entre cortada, son detalles que llenan la pantalla y acompañan la esencia del desespero del personaje.
Fraser ha sido nominado a los principales premios cinematográficos de Festivales Internacionales y de Hollywood. Además, está compitiendo en tres nominaciones a los Premios Óscar como: mejor actor principal (Brendan Fraser), Mejor Actriz Secundaria (Hong Chau) y mejor maquillaje.
Los espíritus de la isla (The Banshees of Inisherin)
@mariamkrasner
La isla de Inisherin es una parte imaginaria del mapa de Irlanda, donde el director Martin McDonagh da vida a este relato. McDonagh repite en esta historia con la pareja de su recordada opera prima En Brujas. Aquí la dupla compuesta por Colin Farrell y Brendan Gleeson son Pádraic y Colm.
Los espíritus de la isla está ambientada en 1923 cuando Irlanda sufría una guerra civil. Momento que sirve de excusa para que en la isla de Inisherin ubicada frente a sus costas, se diera una batalla enmarcada en: la amistad, la soledad, la rutina, los sueños, la crueldad, la venganza y la libertad de trascender según el punto de vista da cada uno. Pero también trata sobre la forma de ver la vida, la muerte, la guerra y sus consecuencias. Es una película de un existencialismo puro basado en la amistad, pero desde la mirada masculina de sus dos protagonistas. Con un equilibrio magistral en el manejo del humor negro, la tragedia y la comedia.
La historia nos acerca a Pádraic (Colin Farrell) un tipo buena gente, sencillo, llano, sin ningún tipo de ambiciones, querido por todos (o casi todos), acostumbrado a su vida tranquila y su rutina de ir todos los días a las dos de la tarde a encontrarse en la taberna de la isla con su gran amigo Colm (Brendan Gleeson). Pádraic vive en una modesta cabaña con su hermana, rodeado de sus animales y especialmente por su mascota Jenny. Pero un día todo cambia. Colm decide no seguir perdiendo sus años de vida en esa cotidianidad y ahora lo único que le interesa es que lo dejen en paz para componer música y tocar su violín. Pádraic no entiende que no puedan seguir compartiendo ni tomando una pinta de cerveza negra como todos los días. La falta de comprensión y terquedad de ambos sujetos llevan el asunto al límite. Colm decide que, si Pádraic sigue insistiendo y no lo deja tranquilo, cada vez que insista se cortara un dedo de la mano.
McDonagh trabaja sin desperdicio a todos los personajes que son parte de los espíritus de la isla: Siobhán (Kerry Condon) la hermana de Pádraic, Dominic (Barry Keoghan) el tonto del pueblo, así como el policía, el dueño del bar, el cura, la señora del almacén, la vieja que da vida a la figura fantasmal del lugar y la propia isla. Todos son piezas que dan sentido al existencialismo de la película. El mismo sentido basado en el titulo original The Banshees of Inisherin que se refiere a la pieza musical que Colm intenta componer para trascender en el tiempo. Pero en esta historia queda un planteamiento por parte del director: ¿Cuál es el sentido de la vida? El ser recordado después de la muerte por un legado trascendental o ser una buena persona y pasar al olvido. Aunque esto significa tomar medidas drásticas.
Sin lugar a duda, la combinación de la dirección, el guion, las actuaciones, la música de Carter Burwell (Fargo, Carol) y la fotografía de Ben Davis son los ingredientes para haber alcanzado nueve nominaciones a los premios Óscar en las categorías de: Mejor película, Mejor dirección, Mejor actor, Mejor actriz de reparto, Mejor actor de reparto, Mejor guion original, Mejor edición y Mejor música original.
LOS FABELMAN: EL ESPEJO DE SPIELBERG
Los Fabelman es el regalo de Spielberg para Spielberg. Es una película con toques autobiográficos llena de guiños de su niñez y juventud, pero sin llegar a ser considerada un biopic. Recordemos algunos de los grandes directores que han entrado recientemente en esta onda del género semiautobiográfico, como: Alfonso Cuarón con Roma, Kenneth Branagh con Belfast o Paul Thomas Anderson y su Licorize Pizza.
Spielberg nos muestra mucho más que el hogar y la historia de la familia Fabelman. Sus protagonistas son la excusa para acercarnos a esa necesidad innata de la creación y de querer hacer un verdadero cine. Se va convirtiendo en el espejo de su director y de su propia genialidad a través de toda su carrera. El drama familiar, la religión, sus miedos, el talento, su manera tan particular de entender y de “ver” lo que pasa a su alrededor.
Descubrimos el sentido de la verdadera creación artística desde el ángulo de su cámara. La metáfora y lo real, se mezclan con esa melancolía tan particular que tiene Los Fabelman de principio a fin.
Spielberg nos va dejando pistas durante toda la película de sus historias anteriores. Desde su primer encuentro siendo un niño con el séptimo arte y cómo ese momento moldeo toda su razón de ser. Es inevitable no recordar y ver en diferentes escenas el reflejo de sus propias películas, como: El imperio del sol, Gente como uno, American Graffiti, ET, Super 8, Encuentros cercanos del tercer tipo, Salvar al soldado Ryan, Tiburón o Indiana Jones. Todo ese reflejo atado del hilo que traza su filmografía como lo es la música del gran John Williams.
Los Fabelman nos ubica en sus comienzos en los años 50. Vemos al pequeño Sammy Fabelman quien va con sus padres a ver su primera película y sale obsesionado con lo que ve. Mitzi, su madre le regala su primera cámara con la que irá aprendiendo y descubriendo el oficio de hacer cine. A pesar de todos los problemas que se enfrentan los Fabelman, las distintas mudanzas y la ruptura del matrimonio de sus padres, Sammy va atrapando cada momento con su cámara, madurando su capacidad de narrar historias y aprendiendo las distintas fases que implican rodar una película. Ya en su etapa de adolescente (con un impresionante parecido físico a Spielberg) tiene claro cuál es su pasión y decide renunciar a todo para dedicarse cien por ciento al cine.
Los 150 minutos de duración de los Fabelman es un regalo al mundo del cine y a los cinéfilos, vemos los procesos de cortes de cómo se hacían las ediciones, como se pegaban los rollos para ir armando la historia, los trucos con los huecos en los negativos para conseguir las explosiones, el uso rudimentario de la música para agregarle el sonido a las películas y el homenaje a grandes directores con su presencia permanente.
Sin lugar a duda, es el trabajo más personal e introspectivo de Spielberg, quien desnuda toda su alma creativa y toda su carga emocional para dejarnos esta maravillosa película.
Incluyendo el gran final. El momento del encuentro con el gran director de Hollywood John Ford y además interpretado por otro grande: David Lynch (quien exigió dos condiciones para aceptar el papel: la primera poder tener el vestuario dos semanas antes de comenzar el rodaje para usarlo ese tiempo y la segunda, que siempre en su camerino tenía que haber una bolsa de Cheetos. Vemos a un Ford explicándole al joven Fabelman sobre dónde debe estar la cámara frente al horizonte, tal como lo hizo con el joven Spielberg. Quien termino dándole un giro mucho más subjetivo al sentido del horizonte de Ford.
Destacan las actuaciones de Michelle Williams, Paul Dano, Seth Rogen, Gabriel LaBelle, Julia Butters y Judd Hirsch. Los Fabelman alcanzó 7 nominaciones a los premios Óscar de 2023, entre las que destacan la de mejor película, mejor director, mejor guion, mejor diseño de producción y mejor BSO.
TODO A LA VEZ EN TODAS PARTES (EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE)
Mariam Krasner
Esta película catalogada como de ciencia ficción de autor, se convirtió en la sorpresa del 2022 arrasando con todos los premios, elogios de la crítica y logrando el máximo de nominaciones a los premios Óscar en 11 categorías como: Mejor Película, Mejor Actriz, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Actor de Reparto, Mejor director, Mejor Guion Original, Mejor Diseño de vestuario, Mejor Banda Sonora, Mejor Montaje y Mejor Canción Original. A esto se suma, que ha sido un éxito financiero para la productora A24 con un presupuesto de 25 millones de dólares y ya lleva recaudado más de 100 millones. La película está dirigida por los ahora llamados Daniels que son Dan Kwan y Daniel Scheinert. (Swiss Army Man)
¿De qué se trata? Evelyn (Michelle Yeoh), tiene junto a su marido una lavandería. Un día una ruptura de la dimensión altera la realidad en donde los protagonistas comienzan a vivir una extraña aventura (y los espectadores también). De repente, estando sentados en la oficina de impuestos haciendo un reclamo, cargados de deudas y en máxima desesperación todo cambia. Evelyn una inmigrante china en Estados Unidos, entra en una serie de dimensiones en el multiverso dentro de una aventura salvaje donde solo ella puede salvar al mundo.
A pesar de todos los aplausos y opiniones “calificadas” algunas más rebuscadas que la misma película, para mi sus más de dos horas de duración terminan siendo un atentado a la paciencia, fastidiosa, interminable y sobrecargada de excesos. La repetición una y otra vez de los mismos efectos, las mismas acciones y gestos hacen un torbellino de imágenes repetitivas y cansonas.
En las distintas etapas inter-dimensional tienen protagonismo: su esposo, su padre, su hija y la operaria de los impuestos. Cada una de las aventuras están relacionadas con un viaje interno de la protagonista. Ese recorrido a través de la conciencia la llevan a preguntarse sobre sus decisiones y la forma en la que ha venido relacionándose con las personas de su entorno.
Todo a la vez en todas partes está cargada de simbolismo. Cada elemento, realidad existente y dimensión tiene un significado: fracaso, depresión, tristeza, amor, comprensión, éxito, amabilidad y aprendizaje.
Independientemente a mi opinión sobre la película, no se le puede negar a los Daniels que son una dupla cargada de talento, riesgo, creatividad e imaginación. Lograron un resultado original y conceptualmente delirante, donde supieron rodearse de una serie de actores que dieron todo en cada uno de sus personajes.
Una película anti-Óscar que puede dar sorpresas. Ya veremos.
Tár el espejo de Cate Blanchett
@mariamkrasner
El actor y director Todd Field nos trae este largometraje del que no es muy fácil conectarse de buenas a primera, pero que la extraordinaria interpretación de Cate Blanchett nos va atrapando para invitarnos a seguirle los pasos al personaje de Lydia Tár. Tár es una película que se presenta en capas, cada una de ellas nos mueve de manera distinta donde la complejidad del personaje juega con las percepciones de la audiencia.
Field en los primeros minutos de la película nos presenta a Lydia Tár en los preparativos para salir a dar una entrevista. Es una famosa compositora y directora de orquesta que está en la cima de su carrera. Se trata de una pionera es la primera mujer al frente de la Filarmónica de Berlín y un ídolo de las nuevas generaciones.
Vamos adivinando poco a poco distintos ángulos de la protagonista. Su lucha en un mundo totalmente masculino, su defensa a su identidad sexual, su relación de pareja, casada con una famosa violinista, sus daciones como madre de Petra una niña adoptada de seis años, los métodos de enseñanza que usa, hasta la manera de enfrentar las acusaciones por ciertas conductas e insinuaciones a alumnas y personas que han estado en su entorno.
Tár es una persona obsesiva por el control, el manejo del tiempo y la disciplina. Pero ese es justamente el punto que logra desequilibrar al personaje. El momento cuando comienza a perder el control de las situaciones. Aquí comenzamos a ver a una mujer psicológicamente en picada que la lleva a tomar drásticas decisiones para dejarnos un extraño sabor de boca con su desenlace.
Todo el tiempo se tiene la sensación de que al propósito Fild no llega a profundizar en ninguno de los temas que aborda la película, los pellizca y los suelta para que el público tome los riesgos que el director conscientemente no toma. Y es en estas situaciones donde Blanchett brilla. Se crece en la pantalla al momento de mostrarnos su auge, caída y la manera de enfrentar a sus propios fantasmas.
Como dijimos Tár se mueve en distintos planos y por distintos temas: el poder, la culpa, el fanatismo, los abusos, el bullying, la manipulación, las relaciones, el acoso, las dudas. Todo esto sumado al poder interpretativo de Cate Blanchett a servido para llevarse seis nominaciones al premio Óscar dentro de las categorías de Mejor Película, Mejor Actriz, Mejor Dirección, Mejor Guion Original, Mejor Fotografía y Mejor Montaje.
Blanchett para abordar este complejo personaje, aprendió el alemán, recibió clases de piano y tomó lecciones de conducción de orquesta. Al punto que sale en los créditos en la banda sonora de la película.
SIN NOVEDAD EN EL FRENTE
@mariamkrasner
Esta basada en la novela de Erich María Remarque seudónimo del escritor alemán Erich Paul Remark, un autor alemán de posguerra que narró en sus paginas los horrores de la Primera Guerra Mundial. La obra suele categorizarse como de literatura antibelicista, aunque el mismo Remarque la calificó de apolítica.
La película está dirigida por Edward Berger y protagonizada por Felix Kammerer, Albrecht Schuch, Aaron Hilmer, Moritz Klaus, Edin Hasanovic, Sebastian Hülk y Daniel Brühl.
Sin novedad en el frente nos sumerge en una película bélica cargada de violencia, pero sobre todo con un tratamiento que genera angustia en el espectador. Desde sus primeros minutos somos testigo como un grupo de jóvenes alemanes se ponen de acuerdo para alistarse para ir al frente. El protagonista, Paul Baumer (Krammerer), no tiene el consentimiento de su familia para unirse a las tropas pero sus amigos y él deciden falsificar el documento de autorización y de su edad para lograr entrar en el ejercito.Paul adelanta la historia con su frase «soy hombre muerto», refiriéndose al castigo que le espera a su regreso. Sin embargo, da pie a un largo, cruel y sangriento destino que espera a los jóvenes en las trincheras. Pasamos de unos jóvenes felices y entusiasmado al recibir los uniformes militares, a su primer contacto con el horror y temor al llegar a la guerra y querer regresarse.
Esta versión disponible en Netflix, se trata de un remake de la cinta homónima de 1930, dirigida por Lewis Milestone, ganando dos premios Óscar de ese año al Mejor Director y Mejor Película. En 1990 fue considerada por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos como un film cultural, histórica y estéticamente significativa y ubicándose dentro del top 10 en el categoría de Películas épicas del American Film Institute (AFI). En 1979, fue estrenada una segunda versión para la televisión, dirigida por Delbert Mann la cual obtuvo un Globo de Oro a Mejor película de televisión.
Todas las películas sobre guerra son particularmente duras por su historia, contenido e imagen. Sin novedad en el frente es particularmente angustiante, no por su ritmo sino por toda la estética y la puesta cinematográfica que rodea la película. Con un sonido recurrente de la banda sonora el espectador es alertado de que esta a punto de entrar en una escena que le dará un giro de vida o muerte a sus protagonistas. Nos acerca al lado humano de la guerra, a la mirada personal y a los sentimientos de sus protagonistas. Vemos por momentos como descubren su humanidad antes que su fanatismo de soldados. Sentimos la amistad que genera el campo de batalla, el significado que tiene el compartir una olla de sopa, lo que sienten al recibir una carta de los seres amados, como piensan en el futuro y la forma que se extraña todo lo que dejaron atrás.
Uno como espectador comparte los miedos, sus sueños, sus perdidas, agonías y muertes. Es una película que muestra las distintas caras de la guerra: la de los soldados pasando hambre y frio en el campo de batalla y radicalmente vemos al general de las tropas alemanas disfrutando del lujo de sus comidas acompañado del calor de la chimenea o al general de las tropas francesas quejándose porque los croissant no están frescos. En paralelo, descubrimos la confrontación y frustración diplomática que se lleva en los despachos del Gobierno. Mientras los soldados pierden sus vidas, un grupo de hombres enfrascados en una mesa de negociación tratan de alcanzar el acuerdo de paz.
Es que la historia del joven soldado Baumer se convierte en la historia de millones de soldados, el protagonista es el espejo de todos los soldados de la Primera Guerra Mundial, donde 17 millones de personas perdieron su vida. La misma se desarrolla durante el último periodo de la guerra, desde 1917 hasta finales de 1918. Es una historia circular como lo son todas las guerras. El momento de la llegada de Baumer al campo de batalla en la escena donde recoge las placas de identificación de los soldados fallecidos, es la misma escena del final, donde otro joven soldado recién llegado hace lo mismo con los soldados muertos.
Los últimos minutos de la película son tan cruciales como los vivido durante el cuarto de hora final de la Gran Guerra, la que se haría efectiva a las 11:00h del día 11 de noviembre. Donde el orgullo y el poder de un hombre, cambia el destino de los pocos sobrevivientes de la historia.
Sin novedad en el frente esta nominada al Oscar de este año a Mejor Película y Mejor Película Internacional, así como a Mejores Efectos Visuales, Mejor Sonido, Mejor Maquillaje y Peluquería, Mejor Diseño de Producción, Mejor Banda Sonora, Mejor Fotografía y Mejor Guion Adaptado. (Recordemos que Parasito estuvo nominada en las categorías de Mejor Película y Mejor Película Internacional, ganando en ambas categorías)
Es una película que no pueden dejar ver, pero no es para verla tarde en la noche.
EL MENÚ
@mariamkrasner
El Menú es una mezcla de ingredientes y no por su nombre sino por su historia. Es una sátira oscura que se convierte en un thriller, cargada de extravagancia, humor negro y critica social con un aderezo de suspenso, violencia y terror. Esta dirigida por Mark Mylod (director de las serie Succession, Shameless y Game of Thrones) y escrita por Seth Reiss y Will Tracy. Protagonizada por Anya Taylor – Joy (Gambito de Dama) Ralph Fiennes (El Paciente Inglés, La Lista De Schindler, El Jardinero Fiel) y Nicholas Hoult (A Single Man, Mad Max Fury Road) El reparto lo completan Hong Chau, Janet McTeer, Reed Birney, Judith Light, Paul Adelstein, Aimee Carrero, Arturo Castro, Rob Yang, Mark St. Cyr y John Leguizamo.
El Menú es la historia de Margot (Anya Taylor-Joy) y Tyler (Nicholas Hoult) una “pareja” que viaja junto a otros 10 comensales para vivir la experiencia que ofrece Hawthorne, un lujoso y exótico restaurante ubicado en una isla en la costa del noroeste del Pacífico, perteneciente al prestigioso Chef Julian Slowik (Ralph Fiennes).
Lo que aparenta ser una cena de lujo irrepetible se va convirtiendo con cada plato en una velada siniestra. Detrás de cada concepto gastronómico los comensales van saboreando distintos tipos de terror físico y psicológico. Con cada bocado se dan cuenta de que no se trata de una comida lujosa, y es posible que se convierta en la ultima cena de sus vidas.
El Menú nos muestra el perfil de los distintos comensales: el actor en decadencia, la famosa critica gastronómica y su manejo del poder, el fans que se cree un experto en la materia, los complejos de un asistente, la pareja que no es tan feliz como lo aparenta y la joven que no le gusta ninguno de los platos y hace escuchar su insatisfacción frente al famoso chef. También el film nos plantea de una forma muy particular temas como la felicidad, el dinero, el poder y hasta donde se es capaz de llegar para demostrar un estatus (falso o verdadero).
Pero también nos retrata ese lado desconocido de los cocineros y ayudantes. Su devoción, entrega, admiración enfermiza y sumisión que sienten por su jefe que los hace cometer locuras mas allá de la razón.
La película funciona en cada uno de los aspectos que se propone. A medida que pasan los minutos el espectador se convierte en comensal. Nos volvemos cómplices al saborear una deliciosa propuesta gastronómica y en segundos giramos para encontrarnos con una escena llena de violencia y sangre. Esa es la clave de El Menú, tal vez esta es la razón por la cual se ama o se detesta. Cada pieza va tomando su lugar para ir resolviendo el misterio, incluyendo el final donde todo se resume en una hamburguesa.
Una de las particularidades que tiene es que uno no llega a empatizar con ninguno de los comensales y por momentos llegas a sentir simpatía por el detestable chef Slowik. Tal vez esto sea un juego adrede de su director.
Desde su estreno el año pasado en cines El Menú se convirtió en una película que ha estado presente en todas las nominaciones importantes. A partir del 18 de enero ya puede ser degustada en Star+.
Con tanta nueva oferta gastronómica en nuestro país es una película que vale la pena ver, tal vez encuentre personajes familiares en alguno de ellos. Y buen provecho.
ARGENTINA,1985 EL JUICIO QUE CAMBIÓ LA HISTORIA
@mariamkrasner
El director y escritor argentino Santiago Mitre (La Cordillera, El Estudiante, Paulina) nos sacude esta vez con su emotivo y contundente film Argentina, 1985. Un drama histórico, inspirado en hechos reales que toma un significado especial en entornos políticos como los que sacuden actualmente a varios países latinoamericanos.
Argentina, 1985 nos transita por la Argentina de esa época, cuando Raúl Alfonsín es electo presidente a finales de 1983. Alfonsín firmó el decreto 158 que dictaminó el comienzo del proceso judicial contra los militares quienes abusaron de su poder mientras gobernaban el país.
El fiscal elegido fue Julio César Strassera (Ricardo Darín), quien junto a su novato adjunto Luis Moreno Ocampo (Peter Lanzani) y un joven e inexperto equipo jurídico, se encargaron de lograr la sentencia a criminales de la más sangrienta dictadura militar argentina como Jorge Rafael Videla y Emilio Massera en el llamado Juicio a las Juntas.
“El sadismo no es una ideología política, ni una estrategia bélica, sino una perversión moral”, dice Julio César Strassera, en la insuperable y magnifica interpretación de Ricardo Darín, con esta frase termina su ponencia el fiscal Strassera ante el jurado y sirve para resumir la suplica de la mayoría de las victimas directas e indirectas que fueron testigos en el juicio. Cada victima con fuertes, valientes y brutales testimonios que las convierten junto a los protagonistas del juicio en héroes colectivos de una nación.
Son muchos los momentos extraordinarios y emotivos de la película, pero las escenas donde vemos al personaje de Darín (el fiscal Strassera) intentando escribir y darle forma a su alegato final sabiendo que serán esas las palabras definitivas para mover la balanza de la justicia y de las que dependerá el resultado del juicio, son escenas verdaderamente magistrales. No se trata solo de lo que dice, de cuál es la palabra correcta y de la forma como lo dice. Son sus amigos, compañeros de juicio, su hijo y su esposa los que van ayudando con sus reacciones a llegar al monologo único y verdadero que se convierte en la película en el “momento” clave del juicio. Todo depende de un texto correcto, bien escrito y bien leído sobre una verdad que se traduce en 30 mil desaparecidos, en la búsqueda de justicia y en nunca más.
Argentina, 1985 es un homenaje al compromiso, a la luchar por lo que se cree, al valor de un equipo, a la ética cuando acompaña a la justicia y por sobre todo al dolor de las victimas. Recordándonos en cada escena que las sentencias sobre los actos de criminalidad militar no tienen fecha de caducidad
En términos generales es un película efectiva, que cumple su cometido y toma relevancia en los tiempos actuales de anarquía, corrupción del sistema judicial y olvidos históricos. Destacan el equilibrio de todas las actuaciones, la cinematografía, la producción, el guion, los diálogos, su ritmo y la música. Lo que la convierte en una propuesta que se tiene que ver independientemente al nivel de conocimiento que se tenga sobre el contexto sociopolítico del país.
Argentina, 1985 nos recuerda otra excelente película argentina como La historia oficial (la pueden ver en Netflix) del director Luis Penzo, protagonizada por Norma Aleandro y ganadora del premio Óscar a la Mejor Película Extranjera en 1986.
Producida por Amazon y sin el apoyo económico del INCAA ( Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina) Argentina,1985 es una película que esta construyendo su lugar en la historia del cine argentino. Recién obtuvo el premio Globo de Oro como Mejor Película en Lengua no inglesa, en el Festival de Venecia ganó el Premio de la Crítica, en el Festival de San Sebastián el Premio del Público. Esta nominada como Mejor Película Iberoamericana de los Premios Goya que entregará la Academia del Cine de España el próximo 11 de febrero y esta en la carrera de las nominaciones al Óscar y al premio Bafta.
Argentina, 1985” ya está disponible en Amazon Prime Video.
PINOCHO
@mariamkrasner
La pasión, el talento, la creación y la paciencia son algunas de las características que sin duda le sobran al director Guillermo del Toro. Eso queda plasmado en Pinocho su reciente película en la que trabajó por 15 años y el resultado valió la pena. Ahora en Netflix, podemos disfrutar de esta maravillosa película creada en animación por stop-motion. Codirigida con Mark Gustafson y apoyado en tremendos actores para ponerle voz a los personajes: Ewan McGregor como Sebastián J Grillo (Pepe Grillo), David Bradley en el rol de Geppetto y la introducción del pequeño Gregory Mann como Pinocho. También participan Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perl, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christoph Waltz yTilda Swinton.
Esta versión de Pinocho esta salpicada de lo mejor de la cinematografía de su director. Nos recuerda a El espinazo del diablo, El laberinto del fauno, La forma del agua y Callejones de almas perdidas, por mencionar algunas. Del Toro nos regala una adaptación muy personal, triste y a la vez cargada de amor. Es una película que se mueve entre el drama, la fantasía, la comedia negra y el musical. Incluso hay momentos donde Geppetto en su proceso de creación, duelo y desespero nos recuerda al doctor Víctor Frankenstein.
Tenemos que recordar que la historia original del escritor Carlo Collodi, no fue considerada como literatura infantil cuando fue publicada en 1888. Fue la adaptación de Disney en 1940 la que versiona la historia para un publico infantil. Guillermo del Toro nos recrea con su personalísima versión, conserva algunos elementos y personajes del libro de Collodi. Aunque ninguna de las adaptaciones hace referencia de la muerte de Pepe Grillo cuando Pinocho toma un martillo y lo clava contra la pared. Esta vez vivimos las aventuras de un muñeco de madera terco, desobediente, rebelde, mentiroso y a la vez muy ingenuo. Donde es el propio Pepe Grillo quien lleva la narración de esta historia.
Del Toro con su Pinocho nos recuerda reiteradamente el valor de la vida y a la vez lo efímero de la misma. También repite una y otra vez, la importancia de respetar a las personas por lo que son y las consecuencias que pueden surgir cuando tratamos de cambiar esa identidad personal. Entre las tantas lecciones de esta propuesta nos acerca a la perdida de los seres amados, la manera de enfrentar la muerte y el proceso del duelo. Y sobre todo lo complejo de las relaciones entre las personas, especialmente las relaciones entre padre e hijo.
Un elemento bien particular que toma peso protagónico en la línea narrativa de la historia es el tema de la guerra y su impacto en el crecimiento de sus personajes específicamente en los niños, aunque no entienden bien lo que ocurre. Y es que del Toro hace un guiño burlándose del régimen de la Italia fascista de la época y hasta del propio Mussolini con un Pinocho que se mueve en un trasfondo político particular.
Otro valor de la película es la banda sonora del gran compositor francés Alexander Desplat, ganador de dos premios Oscar por la música de El Gran Hotel Budapest y por The Shape of Water.
“Pinocho” nos regala esperanza. Nos recuerda que en la guerra y en determinados momentos históricos existe la maldad, pero también la compasión.
Y algo mas….
Al finalizar la película, comienza un breve documental sobre la realización de Pinocho. No se lo pierdan. Nos hace un recorrido por la construcción de las distintas maquetas y acabados que dan vida a las locaciones de la historia. Vemos el trabajo de creación artesanal de cada personaje, el funcionamiento del departamento de marionetas, el diseño de producción, los efectos especiales, el diseño y los movimientos dados cuadro por cuadro para lograr los efectos tan reales en los gestos de cada figura. Así como el uso de la impresión 3D y el testimonio de varios del equipo técnico.
El mismo del Toro en el estreno de “Pinocho” en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2022, declaró que “los verdaderos actores de la cinta son los animadores”, pues son ellos quienes crean el lenguaje corporal y facial del elenco: a la par que Pinocho cobra vida dentro del cuento de hadas, también lo hacen todos los personajes cuando los animan para la película.
Pinocho es una película para ver y volver a ver. Es una obra de arte de la animación.
WEDNESDAY (MERLINA)
@mariamkrasner
El gran Tim Burton (Beetlejuice, Edward Scissorhands, Charlie y la fábrica de chocolate, Corpse Bride y Frankenweenie) llega a Netflix con Wednesday o Merlina Addams. Una comedia oscura, llena de misterios y humor negro donde la hija adolescente de Homero Addams y Morticia Addams se encargará de resolver.
Wednesday es enviada a la Academia Nunca Más donde estudian los jóvenes excluidos por tener poderes sobrenaturales o transformaciones no controladas. Y es el lugar donde estudiaron sus padres y se inicia el gran amor entre Homero y Morticia. Wednesday, además de enfrentarse a extraños asesinatos donde esta involucrada una enorme y feroz criatura, debe aprender a sociabilizar, a tener una room mate aprendiz de lobo, a compartir con otros compañeros, lidiar con el amor, con sectas secretas, antepasados tenebrosos y con sus propios poderes sobrenaturales.
La serie cuenta en el reparto con jóvenes actores y algunas leyendas de Hollywood, destacan Jenna Ortega como Merlina, Catherine Zeta-Jones como Morticia, Luis Guzmán como Homero, Víctor Dorobantu como el tío Cosa y Christina Ricci (quien interpretó a Merlina en las adaptaciones cinematográficas de los 90)
A pesar de que la serie gira en la ácida y extraña hija de los Addams, no faltan el resto de los integrantes de la original familia ideada por Charles Addams en 1938. Vemos en un papel protagónico a Cosas (Dedos) y también hace su aparición especial el siempre divertido Tío Lucas, así como Homero, Morticia y el pequeño Pugsley (Pericles).
La serie constituye un tipo de entretenimiento bien particular, con el atenuante que esta dirigido a una nueva generación de jóvenes que no pertenecen a la audiencia de seguidores de los Locos Addams y tal vez no conozcan las historias y códigos de donde viene esta secuela. Cuenta con una banda sonora del gran compositor Danny Elfman (Batman, Beetlejuice, Edward Scissorhands, The Nightmare Before Christmas entre otras bandas sonoras), un vestuario que se convierte en protagonista de la serie (Colleen Atwood) y un excelente elenco.
Y algo más.
En algunos países el nombre usado es el de Merlina y no la traducción de Miércoles. Curiosamente quienes realizaron el doblaje al español de las primeras producciones de la familia Addams decidieron cambiar los nombres de los personajes, como se nota en la famosa serie de “Los Locos Addams”, que se transmitió de 1964 a 1966.
En aquel momento, también se cambió el nombre a otros personajes en su versión al español: Tío Fester como Tío Lucas, Gómez Addams como Homero Addams, Pugsley Addams como Pericles o La Cosa como Dedos.
Según los datos que Netflix publicó, la serie superó el récord de Stranger Things como el título más visto de la plataforma en una sola semana. Los resultados indican que la serie se había transmitido durante un total de 341,2 millones de horas después de solo siete días de su estreno. Asegurando ya una próxima temporada, además que el final de la primera deja las puertas abiertas para un segunda aventura.
1899
Wake up
@mariamkrasner
Es la nueva serie alemana de ciencia ficción de la dupla Baran bo Odar y Jantje Friese, los mismos creadores de Dark. Es una serie para ver de un solo tirón y en Netflix ya se pueden ver los ocho capítulos que conforman esta primera temporada.
Es que a medida que van pasando los capítulos, uno queda más confundido. Uno queda literalmente atrapado en ese gran acertijo que es la historia, o mejor dicho las historias que se van presentando en cada capítulo y en ese clima tan particular que va arropando a cada uno de los personajes. 1899 resulta ser un gran acertijo, que va soltando pistas y cuando uno cree que la trama está a punto de resolverse, surge otra incógnita más complicada y llena de simbolismos de principio a fin.
Ambientada en el siglo XIX, la trama se centra en el barco Kerberos que se dirige desde Europa a Estados Unidos, específicamente a Nueva York, lleva a bordo a más de 1500 pasajeros quienes persiguen el gran sueño americano. Sin embargo, en el camino se tropiezan con El Prometeo una embarcación que estaba desaparecida, encuentro que cambia por completo el destino del viaje. Comenzando, porque todos los pasajeros de dicho barco han desaparecido menos un niño que encuentran oculto dentro de un mueble.
Una característica muy particular de la serie es que el Kerberos lleva pasajeros multiculturales y cada uno habla su idioma. Desde el alemán, inglés, español, mandarín, francés, polaco. Y tan variado como los idiomas, es el reparto internacional con que cuenta la serie. Todos los personajes se entrecruzan con su propio lenguaje sin perder el hilo narrativo. (Así son los viajen en barcos).
La serie juega con la percepción del tiempo y del momento. Con una atmósfera que se vuelve protagonista en los giros de los capítulos. Además, cada personaje y sus sueños (o pesadillas) se convierten en el eje de cada episodio. Cada uno despierta en el comienzo de dicho capitulo al escuchar la frase wake up, siendo el detonante de los extraños acontecimientos que van sucediendo en el interior del barco terminado en una gran simulación en el que todo tiene un motivo.
La serie esconde símbolos, nombres y números con un significado clave dentro de la serie. Uno de los símbolos principales es el triángulo atravesado por una línea, que tiene su aparición en distintos lugares: en los misteriosos sobres que esconden algunos de los pasajeros, en las puertas que sirven de entrada a los recuerdos, en la ropa y hasta en los zarcillos de una de las pasajeras. Otro elemento recurrente en la serie es la aparición del escarabajo, su extraña influencia al poder abrir puertas en el barco y su significado. Otro elemento es el número 1011.
En 1899, nada está de sobra. Todo tiene su razón de ser incluso el tema musical y la presentación de la serie. Omitir esta parte no es recomendable, nos muestra una serie de barcos abandonados y luego almacenados, observamos a Maura, personaje central de la historia quien es pinchada con una jeringa, el cuerpo de una de las pasajeras cubriéndose por un virus y el rol protagónico de Elliot el misterioso niño. Mientras escuchamos la canción ‘White Rabbit’. Interpretada por Eliot Sumner (hija de Sting). La letra de la canción se apoya en la historia de Alicia en el país de las maravillas y su mundo al revés.
En fin, 1899 no es una serie fácil de explicar, ni es una propuesta para todos los gustos. Resulta ser una narración compleja, cargada de percepciones y elementos donde nada de lo que cuenta la historia resulta ser por completo fiable. Lo que se hace evidente con el inesperado cliffhanger final del último capítulo. Esto es un recurso narrativo usado muchas veces, donde se lleva a uno de los personajes principales de la historia a una situación extrema y de gran tensión dramática al final de un capítulo o en alguna parte de la historia. Generando en la audiencia gran expectativa por saber que viene después. 1899 nos obliga como espectadores a dar constantes saltos y al final del último capítulo nos quedamos con muchas preguntas las cuales dan paso a una ya esperada segunda temporada.
THE CROWN 5
@mariamkrasner
En el tráiler de esta quinta temporada Netflix aclaraba “Inspirada en hechos reales, esta obra dramática ficticia cuenta la historia de la reina Isabel II y los acontecimientos políticos y personales que marcaron su reino”
Es que no es para menos. En varios capítulos se ve como el entonces príncipe Carlos intenta hacer lobby para lograr la abdicación de la reina, tal como se ve en una de las escenas donde aparece conversando con el primer ministro del momento John Major. La serie disparó las alarmas de los defensores de la corona, al punto que la actual oficina de prensa de Major emitió un comunicado aclarando que “Nunca hubo ninguna discusión entre sir John y el entonces Príncipe de Gales sobre una posible abdicación de la difunta reina Isabel II, ni un asunto tan improbable e impropio ha sido jamás evocado por el entonces Príncipe de Gales (ni por sir John)”.
Esta quinta temporada se desarrolla en la década mas movida puertas adentro de la monarquía. Los 90 representó una época cargada de escándalos personales y políticos, así como también momentos trágicos y tristes en la historia de la corona.
Esta temporada que cubre entre 1991 y 1997, tiene un tono especialmente melancólico, nostálgico y de reproche en su desarrollo. Sumado al cambio del reparto que nos modela una etapa de transición y edades en la historia: Imelda Staunton como Isabel, Jonathan Pryce como Felipe, Dominic West como Carlos, Elizabeth Debicki en una interpretación magistral dándole vida a Diana, Lesley Manville como Margarita, Olivia Williams como Camilla Parker Bowles, Salim Daw como Mohamed Al Fayed y Khalid Abdalla como Dodi Fayed.
Tal vez por ser esta la década en la que sucedieron muchas cosas que impactaron la imagen de la corona, se sienten sus capítulos recargados de tramas y contenidos que propician cierta dispersión y hasta repetición en la historia.
Aunque el eje principal de esta temporada gira en torno al final de la relación entre Carlos y Diana, uno queda con la sensación que trataron de contar todo y que se empeñaron en que no se quedara nada por fuera.
Se desarrollan en los diez capítulos, un sinfín de historias como el síndrome de la reina Victoria y su relación con el mandato de la reina Isabel II, nos acerca al llamado “sistema” dentro la monarquía, también tenemos una aproximación al origen de Mohammed Al-Fayed, su ascenso empresarial, su entrada a la alta sociedad británica y las movidas de su hijo Dodi en Hollywood hasta alcanzar un Oscar como productor de la película Carros de Fuego. Pasamos por el incendio del castillo de Windsor, el divorcio de los tres hijos mayores, la entrada de Camila al terreno mediático, la grabación de la llamada telefónica entre ella y Carlos. Nos muestran la relación entre el líder ruso Boris Yeltsin y su conexión con la reina. El impacto que tuvo la entrevista de Diana en la BBC, la aparición de las nuevas generaciones, la relación del príncipe Guillermo con su abuela, los reproches de la princesa Margarita, el triunfo del partido Laboral, Tony Blair como nuevo primer ministro y la lucha de los Príncipes de Gales por acaparar el espacio público.
Sin embargo, The Crown sigue siendo una de las mejores series. Por su altísima calidad de producción, su excelente elenco, el fascinante mundo de la monarquía y la forma como presentan a sus miembros con sus miedos, debilidades y desaciertos. Solo nos queda esperar finales del 2023 para disfrutar su sexta y supuesta última temporada. Dios salve a la reina.
Enola Holmes 2
@mariamkrasner
Netflix estrenó recientemente la secuela de la película “Enola Holmes, un apellido muy familiar ya que se trata de la hermana menor del detective Sherlock Holmes. Esta joven detective apareció por primera vez en las novelas de “Los misterios de Enola Holmes”, escritas por Nancy Springer entre 2006 y 2021. Desde que el detective creado por Arthur Conan Doyle entró en el año 2000 al dominio público, Springer desarrollo las historias de la hermana de Sherlock y Mycroft Holmes, quien con solo 14 años quiere seguir los pasos de su famoso hermano.
La película es perfecta para pasar un buen rato, esta llena de aventuras, humor, trama detectivesca, buena producción, ambientación, vestuario y actuación. Esta protagonizada por Millie Bobby Brown (Stranger Things) Henry Cavill (Superman) y Helena Bonham Carter (The Crown)
«Algo de lo que sigue es cierto. Las partes importantes, al menos». Con esta frase comienza Enola Holmes 2, esta secuela esta basada en un hecho real que sucedió durante la Revolución Industrial. Enola es contratada por una pequeña niña, para investigar la desaparición de su hermana quien trabajaba en una fabrica de fósforos. Toda la investigación indica que la desaparición esta relacionada con situaciones que suceden en la fábrica y cosas que ocultan sus propietarios.
La historia se cruza con algunos misterios, asesinatos, robos e incluso hasta se relaciona con el caso que Sherlock esta investigando. Pero lo cierto de la película, es que en 1888 hubo una huelga en la fábrica de cerillas Bryant & May, provocada por el despido improcedente de un trabajador, por las malas condiciones de trabajo y por lo bajos de los salarios. También se hace mención del uso del fósforo blanco que provocaba una necrosis fosfórica, una grave enfermedad conocida popularmente como «mandíbula fosforescente», la cual desencadenaba en la pérdida de dientes e inflamación de las encías y causaba la muerte en alrededor del 20% de los casos. Estos hechos son claves para llevar a Enola a resolver el caso.
En esta segunda aventura además de los personajes que ya conocemos, también se hace un guiño a Watson, quien llega sorpresivamente a la puerta del 221B Baker Street la residencia del detective Sherlock Holmes, así que todo indica que podremos disfrutar de una tercera entrega de las aventuras de Enola (si leemos al revés Alone)
Y algo más…
Aunque mencionamos que Holmes es del dominio público, los herederos de Arthur Conan Doyle demandaron a Nancy Springer, como a su editorial Penguin Random House y a la propia Netflix, considerando que la interpretación que Springer dio a Sherlock va contra los derechos de autor de Conan Doyle ya que tomaron elementos de historias que no se encuentran en el dominio público.
EL ÁNGEL DE LA MUERTE (THE GOOD NURSE).
@mariamkrasner
Netflix sigue dándonos banquete con los crímenes reales tanto en series, películas y documentales. Esta vez es el turno de El Ángel de la muerte, una adaptación del libro de Charles Graber y dirigida por el danés Tobias Lindholm. Gira sobre el enfermero Charles Cullen, considerado el mayor asesino en serie de la historia de los Estados Unidos. A Cullen se le atribuyen la muerte de 400 pacientes a lo largo de 16 años de carrera en hospitales, aunque solo se hayan podido probar 29 de ellos. Delitos que le valieron una condena equivalente a 18 cadenas perpetuas consecutivas.
La película esta protagonizada por los premios Oscar: Eddie Redmayne (“La chica danesa”, “La teoría del todo”) y Jessica Chastain (Los ojos de Tammy Faye, La noche más oscura, Interestelar, Misión rescate). Actuaciones que terminan siendo un duelo interpretativo, pero están por encima del guion que nos acerca a la historia.
Redmayne da vida a Charles Cullen, un enfermero que llega a trabajar a un hospital de New Jersey, quien hace dupla con la enfermera Amy Loughren (Chastain), atendiendo a pacientes en la unidad de emergencia. Ambos, desarrollan un importante vínculo emocional. Cullen se convierte en amigo y apoyo de su colega. Loughren es madre soltera, con dos hijas menores, sufre un serio problema cardiaco que debe de llevar en silencio hasta cumplir los meses requeridos para obtener su seguro medico y poder operarse. Ninguno de sus problemas interfiere en la forma que cuida a sus pacientes y se relaciona con ellos. Tal vez esa responsabilidad la lleva a intuir que algo esta pasando detrás de las extrañas y repentinas muerte de los pacientes.
Pienso que la película no nos conecta con el pasado de Cullen, ni con las razones ni motivaciones que lo llevo a matar a tantos pacientes y durante tanto tiempo. Ninguno de los dos personajes (Cullen – Loughren ) tampoco llegan a ser el eje central de la trama y de forma superficial se presenta el vinculo que se crea entre asesino y delatora.
Por otro lado, la línea narrativa se apoya mas en la figura de los detectives y en los obstáculos administrativos y legales que encuentran en los diferentes hospitales en donde trabajo Cullen, para poder llevar a cabo la investigación. Eso si, dejan en evidencia las fallas de un sistema de salud, donde la prioridad es proteger la reputación institucional y la imagen de los directores por encima de la vida de sus pacientes.
Con El Ángel de la muerte se siente que quedan varios hilos sueltos por resolver, tanto en la trama, en los personajes y en el desarrollo de los hechos. Tampoco se profundiza en los aspectos sanitarios y judiciales que este caso tuvo dentro de la normativa legal norteamericana. A partir de estos sucesos, los trabajadores de los centros de salud están protegidos y pueden reportar prácticas sospechosas o ilegales. Tal vez pronto tengamos la oportunidad de ver el documental basado en el true crime donde podamos ver con profundidad la historia real del Ángel de la muerte y de la buena enfermera.
Me quedo con las interpretaciones de Chastain, Redmayne y la banda sonora de Biosphere.
Sagrada Familia
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Es una historia donde no hay puntos medios, toda la trama y las subtramas están planteadas a los extremos. Es que el director y guionista mejicano Manolo Caro ya nos tiene acostumbrados a este tipo de planteamientos como lo fue con ‘La casa de las flores’. Donde los personajes son lo que son, aunque al final nada es lo que parece.
Caro cuenta con tremendas actrices y actores que le dan sustento a la historia, como lo son: Najwa Nimri, Alba Flores, Álex García, Macarena Gómez, Álvaro Rico, Carla Campra e Iván Pellicer. Especialmente la dupla de Nimri y Flores se comen la pantalla con sus interpretaciones. Netflix nos ofrece ocho episodios, de un poco menos de 40 minutos de duración, donde siempre esta presente la figura “sagrada” de la madre con las distintas formas de asumir la maternidad, pero salpicada con una combinación de intriga, siniestralidad, avaricia y ternura. Si, también ternura.
Es una serie española que a medida que van pasando sus capítulos la historia va calentando, atrapando y uno va descubriendo y entendiendo las razones emocionales y psicológicas de cada personaje.
El eje central de la historia es Gloria, interpretada por una genial Najwa (la policía Alicia Sierra de ‘La casa de papel’) quien mueve con su psicopatía todos los hilos de su alrededor, tejiendo una historia en donde siempre esta pasando algo con sus personajes. Y junto a ella, la ya mencionada Alba Flores en el papel de la ambiciosa Caterina, la nueva vecina de Gloria. Algo se trae entre manos, lo que conjuga con un acento que no terminamos de descifrar. A Caterina provoca ahorcarla, pero uno termina dejándose llevar por el personaje, para estar a su lado en el momento preciso del giro de la historia.
Todo sucede en el barrio madrileño de Fuente del Berro, donde llega Gloria a vivir junto a “su bebé”, además con un hijo adolescente que mantiene encerrado en una habitación y con Aitana, una supuesta au-pair quien también es hija es Gloria. La intriga ira socavando la tranquilidad del barrio, donde cuatro vecinas con diferentes maneras de ver la maternidad se hacen amiga. Amistad que va siendo movida por el pasado de Gloria. Un pasado que vemos en flashback para ir descubriendo de que es capaz una madre para proteger a su familia (o a parte de ella). Es a partir de este momento que las historias se entremezclan, el pasado y el presente se cruzan para llevarnos a desenlaces inesperados pero que prometen una segunda temporada.
La forma en que Manolo Caro nos presenta a los personajes, sus matices, estética y estilo narrativo, nos recuerdan ciertas pinceladas de Almodóvar en la forma que va contando las historias y como se van descubriendo los secretos y las decisiones de una madre para proteger a su Sagrada Familia.
Es una serie donde cada pieza va tomando su lugar y se va armando un vitral como de forma magistral se nos presenta en la presentación de cada capitulo. Piezas que nos pasean por temas como el alquiler de vientres, madres sobreprotectoras, madres abandonadas, madres que pierden a sus hijos, madres a las que le roban su hijo, hasta sobre volar también por aspectos que nos acercan a la corrupción, el fanatismo religioso, el poder, la venganza, la homosexualidad y el amor.
Tal vez pueden resultar muchos temas para ocho capítulos, pero resultan ser los ingredientes perfectamente equilibrados para jugar con el ritmo y llevarnos a una serie que va de menos a más, para sorprendernos con las trampas de sus diálogos y su final: una madre que es capaz de todo por proteger a su familia, a veces por encima de la felicidad de sus propios hijos.
THE PLAYLIST
Una mirada a las profundidades de Spotify
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Netflix ya cuenta entre sus tendencias con The Playlist, una miniserie de producción sueca, que nos recorre en seis capítulos el origen de la plataforma de streaming legal que cambio a la industria de la música y a los hábitos de escucharla. La serie esta dirigida por Hallgrim Haug y Per-Olav Sørensen basada en el libro Spotify Untold de Sven Carlsson y Jonas Leijonhufvud. Con las actuaciones de Edvin Endre en el rol de Daniel Ek CEO y co-fundador de Spotify y Christian Hillborg como Martin Lorentzon co-fundador y socio comercial de la plataforma.
The Playlist nos acerca a la figura de Ek, su habilidad en el área de programación, su intuición frente al cambio del mercado musical, la digitalización de contenidos y entender la brecha de mercado generada por empresas como Napster o The Pirate Bay. Vemos como este genio digital, al ser rechazado a mediados de los 2000 por Google, por no tener un título universitario se enfoca en sacar adelante su propio modelo de negocios y enfrentarse a los mas poderosos de la industria musical.
La serie destaca en su hilo conductor, en la forma de presentar el relato principal de cada capitulo desde la perspectiva de los protagonistas de Spotify y en el montaje de cada capitulo. Así tenemos la oportunidad de ver una misma historia desde seis puntos de vista diferentes: Ek, la industria, la ley, la tecnología, el socio, el artista. Seis perspectivas que pasan del presente hasta mostrarnos un extraño capitulo final que nos plantea un futuro hipotético de la plataforma.
The Playlist nos muestra las negociaciones entre la plataforma de streaming con las discográficas que rechazaban dichos modelos de negocios. Nos permite recordar cómo fue ese salto de lo analógico a lo digital. Es una propuesta sueca, por lo tanto, su enfoque es diferente en la forma de presentar los acontecimientos. Un drama tech que nace en una cultura totalmente distinta a la americana que nos enseña la radiografía de una empresa modelo unicornio, de cómo cambio y sigue cambiando el negocio de la música de los últimos años. La serie se ocupa en mostrar el eterno enfrentamiento con los músicos con respecto a las ganancias generadas dentro de la plataforma. La música “gratuita” tiene un costo que normalmente asumen los cantantes y esta es la base del conflicto con Daniel Ek, quien ha sido criticado duramente por músicos que han denunciado la explotación del modelo de negocio que plantea Spotify. Este tema es mostrado en la serie a través del punto de vista de una famosa cantante que fue amiga de la adolescencia de Daniel y quien apenas tiene ingreso para vivir.
Y algo más:
De acuerdo con un articulo de la BBC quienes conocen a Daniel Ek lo describen como un «prodigio de la computación», amante de la música, el fútbol y los videojuegos. Se refieren a un sujeto con carácter pacífico y alguien muy difícil de alterar. Por otra parte, según Forbes, la plataforma tiene más de 180 millones de usuarios, 87 millones de los cuales son suscriptores de pago. Sus ingresos provienen de la publicidad y de las suscripciones. Ek actualmente tiene un patrimonio de 2.9 millones de dólares.
ESPECIAL
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La cinta dirigida por Ignacio Márquez, y protagonizada por Greyber Rengifo y Ruper Vásquez se estrenó el pasado 13 de octubre en las principales salas de cine del país. De buenas a primera, nos acercamos a la relación entre un padre y su hijo con síndrome de Down, ambos conviven en un pequeño espacio lleno de carencias, en donde día y noche se repite la rutina que llevan y se enfrentan para superar las diferencias y cargas humanas que los atan.
Sin embargo, vamos descubriendo en Especial un ejemplo de los nuevos relatos que pueden alcanzar las historias en el cine venezolano. De la mano del director Ignacio Márquez (Ley de fuga, 2014) y gracias a la distribución del Circuito Gran Cine llega esta cinta, siendo la primera película venezolana donde el rol principal es protagonizado por un adulto con síndrome de Down.
Especial es una historia con muchos valores y atributos, lo principal es que no se apoya en sentimentalismos, pero a su vez esta cargada de esperanza. Desde su primer plano vemos a dos personajes que llenan la pantalla de una química y gran conexión que contribuyen a lo real de la historia. Son personajes cargados de diferente matices, lo que hacen a Chúo y al Chivo seres llenos de humanidad, con defectos, carencias, miedos e inseguridades. Vemos a personas que van cambiando, y se van transformando. Logran conocerse, entenderse y apoyarse para superar todas las adversidades.
Greyber Rengifo es Chúo, un joven de 23 años con la condición de Down, pero como el mismo dice es Down, pero no tonto. Chúo vive en la parroquia San Agustín en Caracas en una casa muy pobre, junto a su padre interpretado por Ruper Vásquez dándole vida a José “Chivo” López. El Chivo es un ex percusionista que no quiere saber de su pasado como músico y, sin embargo, no puede vivir sin recordar a cada momento su swing musical. El Chivo busca evadir la realidad de su frustración como músico y como padre en el alcohol, esa frustración lo llevará a descubrir el gran talento artístico de Chúo como pintor, sirviendo de puente para construir un presente y un futuro para ambos.
La vida de estos personajes es una especie de banda sonora, que se va construyendo al ritmo de la salsa, el jazz y el bolero. Y ese ritmo va dibujando las emociones y las relaciones de padre e hijo. Chúo sueña con ser artista mientras José se pierde escuchando discos. Pero el esfuerzo de su hijo por alcanzar sus sueños comienza a transformar la frustración del padre.
Es una historia sincera e intima, pero con una narración llena de humor y de magníficos personajes. Tiene escenas memorables como el momento cuando El Chivo enseña a Chúo a masturbarse ante el eminente despertar sexual del joven. O la escena del robo en el autobús de tanta cotidianidad en nuestra ciudad. Además, destaca por su equilibrio entre todos sus personajes que aportan esa sencillez y alma a la película. Como el caso de “Chicharrón” (Roberto Rodríguez) el gran amigo del Chivo y protector de Chúo. La banda sonora que también es protagonista estuvo a cargo de Alfredo Naranjo.
Ignacio Márquez logró una magnifica cinta que vale la pena ver y disfrutar. En cada escena esta plasmada la sensibilidad y experiencia que tiene Márquez en el manejo de personas especiales. Es fundador del grupo de teatro de la institución APOYE, especializada en personas de Síndrome de Down, previamente su cortometraje “Sueño Down” fue Sección Oficial en más de 25 Festivales Internacionales.
Especial a conquistado festivales nacionales e internacionales. Se estrenó en 2020 en el 56° Festival Internacional de Chicago, donde ganó el premio Silver en la categoría de nuevos directores. También recibió una mención honorífica en el Montreal International Black Film Festival de Canadá. En Venezuela, se alzo con nueve galardones en el Festival de Cine Venezolano y en el Festival internacional de Cine de Derechos Humanos “Miradas Diversas”, convocado por el Circuito Gran Cine.
Blonde: Un retrato descarnado del mito.
@mariamkrasner
Cuando se trata de un icono tan fuerte dentro de la cultura pop se hace cuesta arriba perdonar cualquier ficción. Aun mas cuando sacude las bases psicológicas y emocionales de Norma Jean. Blonde antes de decir que es buena o mala, es un film controvertido con una carga de violencia y erotismo. No se trata de un biopic, es una adaptación de la novela homónima de Joyce Carol Oates que nos ofrece una historia de ficción sobre Norma Jean Mortensen, bajo la dirección de Andrew Dominik. Tal vez, solo tal vez si la película se ve bajo esta perspectiva la percepción mueve la balanza entre amarla u odiarla, donde todas las opiniones con sus argumentos son validas. Pero términos medio sobre Blonde no existen.
Partiendo de lo anterior Blonde me gusto, pero no es una película para recomendar. Entiendo que no es una propuesta para todo tipo de audiencia. Blonde no cuenta una historia real de Marilyn, a pesar de que se reflejan situaciones conocidas como las de su infancia, el estado psicótico de la madre o sus relaciones con Joe DiMaggio, Arthur Miller o el mismo Kennedy.
Me molestaron algunos recursos utilizados por Dominik para presentarnos algunas de las historias, en particular las relacionadas con los abortos que sufrió la actriz, lo innecesario de lo largo de la película con casi 3 horas donde lleva a recrearse girando siempre en lo mismo en los traumas y las debilidades emocionales de Monroe.
Sin embargo, Blonde es una película con un gran apuesta visual, apoyada en constantes transiciones del blanco y negro al color, el manejo de la mezcla de formatos, la fotografía, el manejo del tiempo, el ritmo que es el adecuado para contar el espiral del deterioro emocional de la protagonista y las actuaciones donde destaca la actriz Ana de Armas.
Blonde deja de ser la película de Dominik para convertirse en la película de Ana de Armas, en su hipnótica representación del mito. Uno se detiene a observar el rostro, el cuerpo, los movimientos y la gestual de Ana y es el espejo de Marilyn. De una manera magistral, cruda, humana, frágil, insegura, abandonada. Niña y Adulta. Mujer y mito.
Blonde en Netflix.
Las de la última fila
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Netflix da paso dentro de su abanico a esta emotiva miniserie española de 6 episodios. Nos encontramos con una historia que juega con el drama y la comedia, pero de una forma que en el momento menos pensado te saca una carcajada cuando tal vez sientas que estas sumergida en una escena triste de la serie.
El director español Daniel Sánchez Arévalo equilibra muy bien una gama de sentimientos en Las de la última fila, con la historia de Sara (Itsaso Arana), Alma (Mónica Miranda), Carol (María Rodríguez Soto), Leo (Mariona Terés) y Olga (Godeliv Van den Brandt). Quienes logran un excelente performance actoral y una buena química que se nota entre todas las actrices.
Ellas son cinco amigas desde la época del colegio, una amistad que crece con el tiempo. Ahora ya adultas con treinta y tantos años, siempre se reúnen una vez por semana. A una de ellas le diagnosticaron cáncer y planean un viaje para pasar unos días juntas antes del inicio del tratamiento. Un viaje que significa un reto por día, de acuerdo con un papelito que colocan de forma anónima en una cajita. Retos que las llevaran a vivir una series de aventuras y un acercamiento como nunca.
La película es un homenaje a la amistad y a la sinceridad. Es un reto a la vida misma. Enseña a enfrentar una adversidad con la mejor disposición y solidaridad. Es una historia que nos enseña una amistad desde lo femenino. De la complicidad de amigas. Hasta el último episodio de la serie uno no sabe quien de ellas es la que fue diagnosticada. Uno como espectador es cómplice de ese pacto de inicio de la historia, que del tema no se habla durante esas vacaciones. Es un viaje de reencuentro, amor, solidaridad, reproches, descubrimientos y enseñanzas, junto a una buena banda sonora que acompaña a estas amigas durante la travesía.
Es una serie con unos personajes muy bien definidos, con una narrativa cuidada y un buen guion. La serie arranca cuando cada una esta rapándose el cabello, ubicándonos en el primer acto de amor y solidaridad entre ellas. Y es la primera vez que uno como audiencia se pregunta ¿quién es la del cáncer? Y comenzamos a tratar de adivinar mientras nos montamos en la ruta emocional de la historia. Al principio sintiéndonos como unos extraños metidos en la intimidad de aquella amistad, pero uno termina siendo otra mas de esa última fila.
Desde el primer capitulo no podía dejar de ver reflejadas a mis amigas del colegio. Desde kinder y primaria siguen siendo mis amigas hoy en día. Tal vez, también por que a una de ellas la perdí de cáncer ya hace unos años. Son muchos los momentos de la serie que me daban un empujoncito en el hombro. Y eso me hace ser una mas de esa fila.
Es que a Alma, Carol, Sara, Leo y a Olga, el profesor por orden de apellidos las ubicaba en el salón, y a este grupo les tocó desde el principio sentarse en la ultima fila de la clase.
Y algo mas:
Las actrices no supieron hasta el momento de rodar el último capítulo quien de ellas era la que sufría el cáncer. El director Sánchez Arévalo quiso realizar un experimento actoral con ellas, buscando evitar una inclinación afectiva y predisposición en el trabajo actoral. De esta manera evitó que sintieran una carga ante la enfermedad y lograr un cambio en los sentimientos de los personajes para el cierre final de la historia.
Es una serie que a pesar del tema nos deja con una buena sensación y con ganas de reencontrarnos cuando todo pase.
AL DESCUBIERTO – LO QUE NO SE DICE (UNTOLD)
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No hay que ser fanático para sentirse atrapado en UNTOLD y querer descubrir los secretos del mundo del deporte. Podemos ver en Netflix las dos entregas de estos documentales sobre los grandes escándalos deportivos. Lo valioso es que las historias son contadas por sus protagonistas quienes comparten sus recuerdos y sus vivencias mas dramáticas y oscuras, de forma muy bien documentadas y con entrevistas exclusivas. Untold es uno de los mejores formatos que podemos ver sobre documentales deportivos, mas allá de victorias, medallas y triunfos. La serie está dirigida por Chapman Way y Maclain Way, Floyd Russ, Laura Brownson y Crystal Moselle. Voy a comenzar con el documental de la novia que nunca existió.
En la segunda temporada nos acercamos a la impactante y desgarradora historia del jugador de fútbol americano Manti Te’o en la novia que nunca existió. Te’o es un joven hawaiano que se convierte en el jugador estrella del fútbol americano universitario en el equipo de Notre Dame. Un chico creyente, con principios y valores familiares. Dedicado completamente al futbol conoce vía on line a la chica ideal. En un momento de su carrera, sus éxitos estuvieron ligados a una tragedia personal, cuando su abuela y Lennay Kekua su novia en línea, mueren el mismo día. La sencillez del deportista, su empatía y su dolor lo acercaron mas a los fanáticos y al mundo deportivo. Hasta que su vida se derrumba cuando descubre que su novia no era una persona real. Su vida se convierte en el foco mediático y pasa al escrutinio publico, cuando se descubre que la persona que se esconde detrás de la identidad de Kekua es Ronaiah ‘Naya’ Tuiasosopo. Un engaño que sacudió la NFL y a la carrera profesional de Manti Te’O. No pueden dejar de ver esta historia.
En los documentales de la primera temporada quedan al descubierto: Caitlyn Jenner, el recorrido al oro olímpico de Bruce Jenner considerado en 1976 el mejor atleta al ganar la medalla de oro en la prueba del decatlón en los Juegos Olímpicos de Montreal y su cambio de genero. La pelea entre los Detroit Pistons y los Indiana Pacers, cuando una pequeña pelea entre los jugadores Ben Wallace y Ron Artest se convierte en una gran trifulca entre todos los jugadores y los aficionados que estaban presentes. El suceso fue denominado por la prensa como el momento más infame en la historia de la NBA, nos acercamos a las posiciones actuales de sus protagonistas después de haber pasado casi 20 años. Del básquet pasamos al hockey sobre hielo, con Mafia sobre hielo y la historia de los Danbury Trashers, su relación con la mafia y lo que significo estar bajo el mando del hijo adolescente del mafioso Jimmy Galante magnate de la industria de la basura quien le obsequio por sus 17 años a su hijo este equipo, llegando a ser el equipo mas violento de la liga de Estados Unidos. En pacto con el diablo, descubrimos la violencia domestica que vivió la campeona mundial de boxeo en 2009 Christy Martin, quien estuvo rodeada de maltratos, consumo de sustancias y una enfermiza relación con su entrenador llevándola al borde la muerte. Y en punto de breakqueda al descubierto el lado oscuro del tenista Mardy Fish y su lucha contra el trastorno de ansiedad.
Continua la segunda temporada con la operación falta antideportiva, sobre el árbitro de la NBA Tim Donaghy, investigado por el FBI por apostar en sus propios partidos, descubriendo el oscuro mundo de las apuestas deportivas. La historia incluye testimonios y entrevistas con el propio Donaghy, quien no niega el delito y nos habla sobre cómo la ambición y la sensación de que jamás serás descubierto lo lleva a situaciones incalculables. El ascenso y la caída de AND1 y su impacto en el mundo del streetball en la ciudad de Nueva York y en la multimillonaria industria del baloncesto. El capitulo de La regata del siglo nos lleva a vivir la adrenalina de un grupo de australianos que destronaron en 1983 al New York Yacht Club y romper una racha de 132 años de victorias consecutivas en la competencia de vela más prestigiosa del mundo.
Uno de los valores de cada uno de estos documentales, es que detrás de cada historia quedan al descubiertos los diferentes puntos de vista de sus protagonistas. Cada testimonio vale la pena.
EMERGENCIA EN EL AIRE
@mariamkrasner
Comenzando con la saga de Aeropuerto todas las cintas relacionadas con desastres aéreos tienen un atractivo especial, y esta no escapa de ese encanto. Emergencia en el aire es una película que te mantiene literalmente amarrado en el asiento. La historia, la propuesta cinematográfica, sus giros y el ritmo producen una adrenalina de principio a fin. Es que nuevamente el cine coreano da de que hablar con esta cinta de suspenso, acción y catástrofe del director Jae-Rim Han.
Además, estamos frente a una película profética, Emergencia en el aire se comenzó a filmar antes del inicio de la pandemia del C19. Vemos como un joven inestable, quien es despedido de un importante laboratorio roba un virus experimental y aborda un vuelo al azar infectando a los 150 pasajeros convirtiendo el avión en una amenaza biológica. Y en este punto de la película vemos el manejo ético y político en el momento en que los pilotos intentan aterrizar para que los pasajeros sean atendidos y se les niega el permiso para evitar una pandemia en la tierra.
Cuenta con las actuaciones de Lee Byung-hun (“El Juego del Calamar”) un padre soltero quien viaja con su hija por razones médicas. El joven Jin-seok (Im Si-wan) quien vemos deambulando en el aeropuerto sin ningún destino definido preguntando por el vuelo con más tripulantes y el gran actor Song Kang-Ho (Parásito) quien le da vida al detective de la policía que le sigue la pista a un terrorista biológico descubriendo que se ha infiltrado en un vuelo comercial que cubre la ruta Seúl a Honolulú, pero además se da cuenta que su esposa (Woo Mi-hwa) va en ese mismo avión, el KI501 que parte del aeropuerto de Incheon con destino a Hawái. El detective In-ho ya no solo tiene que buscar la forma de detener el atentado, sino también tiene que demostrar que existe una vacuna y la única manera de probar su efectividad es poniendo su vida en riesgo.
La película sobresale por su cuidadoso trabajo de producción, efectos especiales y dirección. Su director se asesoró con expertos de aviación y manejo de eventos de terrorismo, para darle todo el realismo jugando con picos de tensión, de desesperanza, de miedo y de caos. Si de algo saben manejar en las películas surcoreanas es que la trama salte de un género a otro y de esto no escapa Emergencia en el aire.
A medida que avanza el virus entre los tripulantes y pasajeros, vemos como los síntomas se hacen mas evidentes, mientras en la sala de control en Seúl no solo tienen que manejar la tragedia aérea, sino que tienen que liderar con los medios, con los problemas diplomáticos, con la negligencia de una importante multinacional, con los familiares de los pasajeros y con la decisión de derribar militarmente el avión al convertirse en una amenaza biológica.
Emergencia en el aire ya está en las principales salas de cine de la mano de Mundo de Películas. No se la pueden perder y buen viaje.
La Reina Isabel II, cámara y acción.
@mariamkrasner
En el mundo del cine, la televisión y el streaming la Reina Isabel II tampoco paso desapercibida. No solo en documentales, series y películas de drama, sino también en películas animadas y hasta en sketch quedó inmortalizada varias veces. Fue una figura que marco no solo lo político y social de su país, sino que se sorprendentemente a través de la pantalla, el espectáculo y el arte se convirtió en un icono de la cultura pop mundial. Aquí están algunas de esas películas que para mi no pueden faltar en este especial de Streaming, cine, spoiler y algo mas.
Comenzamos en el 2006 con La Reina de Stephen Frears, (con guion del creador de The Crown) donde la actriz Helen Mirren tiene el rol principal. El film nos acerca a las acciones y decisiones de Isabel II como pilar de un pueblo y de una familia, durante el duelo que embargo a la nación con el fallecimiento de Lady Di.
En el 2010 se estrenó la maravillosa película El discurso del rey, protagonizada por Colin Firth quien se llevó el Óscar al mejor actor por su interpretación de Jorge VI. Nos dibuja el lado intimo de esta figura histórica, acercándonos a sus miedos, inseguridades, la ansiedad, su trastorno al hablar con una marcada tartamudez, pero también aprendimos de su liderazgo y poder de superación. La película también nos acerca a la extraordinaria amistad que surge entre el Rey de Inglaterra y Lionel Logue, un actor australiano y terapeuta del habla que le ayuda a superar sus debilidades para comunicarse.
Viajemos al 2012, para recordar el cameo que hizo la reina junto al actor Daniel Craig como James Bond. Vemos a Bond llegar al palacio para escoltar la llegada de la reina a la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Londres. Entra Bond al despacho de la reina quien se encuentra de espalda sentada en su escritorio. Un ruido de Bond hace que la reina voltee y se escucha un «Buenas noches, señor Bond». Para este sketch, su Majestad puso dos condiciones al director Danny Boyle para aceptar su aparición en el corto: saludar al Sr Bond y mantener todo en secreto de su familia. Al cierre del video, vemos de espalda a una reina interpretada por un doble con un vestuario igualito y lanzándose en paracaídas al estadio desde un helicóptero. Minutos después, hace su entrada la verdadera reina al Palco Realcon el mismo vestido que el paracaidista.
También en el 2012, fue estrenada en televisión la película Walking the dogs, siendo la actriz Emma Thompson la responsable de interpretar a Isabel II, en la recreación de la noche de 1982 en que un ladrón llamado Michael Fagan, burló la seguridad del Palacio de Buckingham y logró llegar hasta la habitación en la que la reina estaba durmiendo. Se cree que los dos pudieron hablar por unos minutos antes que la monarca lograra dar la alarma. Fagan nunca quiso contar la conversación entre él y la reina. En la cuarta temporada de The Crown este hecho también es mencionado.
En este recorrido, no podemos olvidar la película Un escape real, estrenada en 2015 bajo la dirección de Julian Jarrold. La actriz Sarah Gadon interpreta a una joven princesa Elizabeth quien junto a su hermana la princesa Margarita salen del Palacio de Buckingham para celebrar el fin de la Segunda Guerra Mundial. La historia se ambienta un 8 de mayo de 1945 durante esta celebración se mezclan de forma anónima entre la gente, dando pie a una serie de aventuras y desventuras que pasan las jóvenes durante esta alocada comedia.
Desde 2016, disfrutamos en Netflix de las temporadas de la serie The Crown. Hemos sentido en cada capitulo una propuesta muy intima y personal que nos ha acercado a una reina interpretada en su primera etapa por una joven Claire Foy, luego por una magnifica y madura Olivia Colman y ahora una reina mayor interpretada por Imelda Staunton. Con esta serie de ficción, hemos vivido en sus cuatro temporadas de un recorrido histórico con una producción de altísimo nivel acercándonos a los distintos miembros de la familia real. Aunque aun no hay fecha exacta del estreno de su quinta temporada se estima que podemos disfrutar nuevamente de esta serie en noviembre de este año. Justamente, a raíz del fallecimiento de la Isabel II esta serie ocupa nuevamente el ranking de tendencias de las mas vista dentro de la plataforma.
King Charles III (El Rey Charles: El sucesor) esta película de 2017 fue estrenada en televisión. Tal vez es la que mas se apega al momento que hoy vive la monarquía inglesa. Esta cinta dirigida por Rupert Goold y protagonizada por Tim Pigott-Smith en el papel del Rey Carlos. Es un drama político que nos plantea lo que, sucedido tras el deceso de la reina con sus hijos, nietos y suegras, rodeando su ataúd y en vista al futuro de la nación. Así el príncipe Carlos el eterno sucesor, se convierte en rey enfrentando una serie de inconvenientes políticos y familiares.
Corgi: un perro real es una cinta animada del 2019. Vivimos la historia de Rex el perro más querido de la Reina de Inglaterra. Quien un día se pierde en las calles de Londres y se encuentra con un club de perros de distintas razas que pelean entre sí. Con la ayuda de sus nuevos amigos abandonados en un albergue, vivirán una serie de aventuras para encontrar a la reina. Rex descubrirá el significado del amor y de la humildad para entender quién es realmente. Las caracterizaciones animadas de los personajes de la monarquía hacen de esta cinta una simpática propuesta para todas las edades.
Y para finalizar nuestro recorrido, hace solo unos meses el Osito Paddington e Isabel II protagonizaron un maravilloso videoclip con motivo de los festejos por los 70 años de reinado. El pasado 4 de junio, fue transmitido por la BBC el sketch donde unatarde de té en el Palacio de Buckingham la reina y el osito comparten su pasión por el té y por los sándwiches de mermelada. Durante una conversación entre ambas figuras, se les ve tomar las cucharas de plata para hacerlas sonar sobre las tazas de té al ritmo de We Will Rock You, la famosa canción del grupo Queen, dando inicio a la celebración de cuatro días por el jubileo. Este clip se filmó de manera secreta en el Castillo de Windsor, para que no se filtraran imágenes y poder mantener la sorpresa hasta el último momento. Es que no hay mejor personaje que el osito Paddington, para cerrar este breve recorrido, quien además desde sus redes sociales se unió al mundo entero para rendirle homenaje a la reina con un mensaje desde su cuenta de Twitter que decía: «Gracias, señora, por todo».
Así es Paddington «Gracias, señora, por todo».
Manifest (Manifiesto)
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Es una serie de Netflix que tiene todos los ingredientes para ser una de las más vista de la plataforma: ciencia ficción, suspenso, investigación policiaca, persecuciones, accidentes aéreos y por si fuera poco romance. La serie comienza en 2013, cuando vemos a la familia Stone después de unos días de vacaciones a la espera por abordar su vuelo desde Montego Bay hasta Nueva York. Los Stone giran entorno a los padres, sus hijos adultos Michaela y Ben, Grace la esposa de Ben y Olive y Cal los gemelos de 5 años hijos de estos últimos. Con un vuelo sobrevendido a cambio de $400, Michaela, Ben y Cal se quedan para embarcar el siguiente avión, el 828.
El 828 despega a Nueva York, cuando aterrizan son esperados por agentes federales, bomberos y periodistas. El vuelo 828 de Montego Air había sido declarado desaparecido hace cinco años y en consecuencia todos sus pasajeros y tripulación dada por muerta. Con un detalle, para ellos solo habían pasado las tres horas que duro el vuelo. El único contratiempo un corta tormenta que sacudió al avión sin ninguna otra novedad.
En la familia Stone, el prometido de Michaela se caso con la mejor amiga de esta y ahora ocupa el cargo de detective de la policía de NY. La hermana gemela de Cal es ahora una adolescente de 15 años, mientras Cal sigue siendo un niño de 10 años. Durante este tiempo la madre de Michaela y Ben murió de cáncer y Grace se ha enamorado de Danny un compañero del grupo de apoyo de perdidas familiares.
Tal vez les suene la serie Lost con la película el Triangulo de las Bermudas, pero esto es solo el comienzo de esta historia. A partir de este momento comienzan a suceder hechos particulares a cada uno de los pasajeros del 828, lo que se convierte en el eje de las tramas de cada capitulo. Los pasajeros y la tripulación se encuentran no solo a una rutina que continuo por cinco años sin ellos, sino que ahora enfrentan con extrañas muertes, asesinatos, desapariciones, persecuciones, y enfermedades.
La serie esta dirigida por Jeff Racke (del equipo de efectos especiales de Planeta de los Simios y Armageddon) y en los roles principales están: Melissa Roxburgh como Michaela Stone, Josh Dallas como Ben Stone, Athena Karkanis como Grace Stone, J. R. Ramírez como Jared Vásquez, Luna Blaise como Olive Stone, Jack Messina como Cal Stone, Parveen Kaur como Saanvi Bahl, Matt Long como Zeke Landon y Holly Taylor como Angelina Meyer.
Desde su llegada los pasajeros del 828 comienzan a escuchar una especie de voz interna que hacen que actúen por un extraño instinto guiados por estos llamados, que hacen que tengan unas visiones o sensaciones que muchas veces hacen cambiar el curso de la trama.
La serie ya ha sido renovada para una cuarta y última temporada (ya están disponibles las tres primeras temporadas), que constara de 20 episodios que nos permitirán descubrir el final definitivo del misterio y la verdad sobre las voces o llamados que escuchan los pasajeros del 828.
Y algo más
Como datos adicionales, la serie fue estrenada por NBC, a la tercera temporada la serie se mantenía estable en audiencia, pero no eran cubiertas las expectativas de la cadena y decidió cancelarla. Racke manifestó en las redes que la serie quedaba inconclusa y en consecuencia con un final que no era el pensado por su creador. Los seguidores de Manifiesto generaron en 2021 una campaña en las redes sociales con el hashtag #SaveManifest, haciendo voltear a Netflix hacia la historia, anunciado que renovarían una cuarta temporada para darle un cierre verdadero.
Estén atentos, si no se han dado cuenta los títulos de los capítulos están todos relacionados con aviones y el numero 828 siempre aparece de una u otra forma en cada episodio (salida 828, piso 28, puerta 82 etc.)
Quedan muchas interrogantes y tela que cortar en esta historia: ¿están vivos o muertos los pasajeros del 828, están en un mundo paralelo que no es el verdadero, se encuentran atrapados en una línea del tiempo? Vernos que nos depara la temporada final.
El Caso Figo: el fichaje del siglo.
@mariamkrasner
El nombre de este documental de una hora y cuarenta y cinco minutos nos puede llevar a pensar que es una historia más sobre fútbol, pero los directores David Tryhorn y Ben Nicholas nos presentan los entretelones éticos, morales, culturales y económicos de un controversial caso y narrado por sus protagonistas.
«¡Blancos, llorones; felicita a los campeones!» era el lema que gritaba un Figo con el cabello teñido con los colores de la bandera del Barcelona, era el año 1998 en la celebración del título de liga ganado por el equipo azulgrana. Solo dos años después, vemos a Figo el jugador más codiciado del fútbol mundial, entrando al Camp Nou, el estadio del Fútbol Club Barcelona vistiendo el uniforme blanco del Real Madrid.
A través del apoyo de entrevistas, nos acercamos a los detalles que marcaron esta historia. La puesta en escena, la atmósfera y el manejo de la cámara, nos permite ser testigos de las opiniones y de los distintos puntos de vistas de un mismo evento. Cómo se cruzaron los hechos y cómo cada uno asumió un rol para su propio beneficio, incluso por momentos por encima del propio Figo.
“Al centrarse en el traspaso más que en la carrera de Figo, la película nos muestra distintas caras de la verdad, la codicia, la moralidad y de la evolución de todo un deporte: el nacimiento del fútbol como un gran negocio amoral por encima de las nociones románticas de lealtad; por no mencionar la historia del origen de Florentino Pérez”, declararon los directores del film.
Ya han pasado más de 22 años y tal vez el tiempo permite que actores como: Paulo Futre (quien era en ese momento jugador portugués en el Atlético del Madrid), José Veiga (representante de Figo), Joan Gaspart (presidente del Barcelona) y Florentino Pérez (quien era para el momento candidato a la presidencia del Real Madrid), hablen de aquella negociación de una forma clara y racional, lo que no quiere decir que lo hagan de una manera sincera.
Tal vez la distancia de los hechos permite conocer las diferentes lecturas, los intereses, las estrategias y las contradicciones en cada una de las declaraciones. Es que no estamos hablando de un jugador más, recordemos que Luís Figo era el capitán del FC Barcelona, antes de su entrada al Real Madrid. En cuestión de días paso de ser el hombre mas admirado al mas odiado por la fanaticada.
En el caso Figo: El fichaje del siglo, se nota un serio trabajo de investigación, apoyado en más de 30 horas de entrevistas entre las que destacan celebridades del fútbol español, como: Pep Guardiola, Roberto Carlos y Fernando Hierro.
Queda al descubierto la ambición de Pérez para llegar a la presidencia del Real Madrid y como usa el nombre de Figo como su promesa de campaña, hasta llegar a convertirse en uno de los hombres mas poderoso del futbol español. Vemos por una lado cómo Florentino Pérez diseñó el mayor fichaje de la historia del fútbol por 72 millones de euros, es decir cuatro veces más de lo que cobraba Figo en el Barcelona. Y por el otro, el pago de la mayor comisión registrada para un agente de 6 millones. Comisión que detono una serie de presiones y manipulaciones hacia el jugador para que firmara con el Real Madrid, a pesar de no estar convencido de dicho cambio.
Esa falta de convencimiento nos desnuda a un Figo lleno de contradicciones, dudoso, sin asumir responsabilidades y con un pésimo manejo de prensa. Un deporte donde el pragmatismo rige por encima de la afectividad, confianza y compromiso hacia los seguidores. Figo de la mano de Pérez cambiaron la cara del futbol, dando inicio a la era de las súper estrellas del Real Madrid.
El caso Figo termina siendo una gran lección de gestión, liderazgo y negociación.
Woo, una abogada extraordinaria
@mariamkrasner
Con Woo perdí toda objetividad, es que con esta serie fue amor a primera vista. La historia tiene todos los ingredientes para estar ubicada en la actualidad en el top 10 de Netflix y liderando el ranking del total de horas mas vistas a nivel mundial.
Este k-drama cuenta con un total de 16 episodios que se van estrenando gradualmente los miércoles. Es una serie procedimental, es decir cada capitulo tiene su propia historia que concluye y son independientes, aunque se mantiene la misma estructura en casi todos los episodios. El final de temporada esta pautado para el 31 de agosto.
Es la historia de Woo Young-woo (actuación sobresaliente de Park Eun-bin) una abogada de 27 años, graduada en la Facultad de Derecho de la Universidad Nacional de Seúl como la mejor de su clase y con un coeficiente intelectual de 164. Woo a pesar de tener un trastorno de espectro autista logra entrar a trabajar en Hanbada uno de los principales estudios jurídicos de la ciudad. Su impresionante memoria fotográfica, su capacidad de observación y su perfeccionismo la llevan a demostrar con un estilo muy particular su capacidad para defender a los clientes, su forma de argumentar en los tribunales y de resolver los casos.
Sin embargo, Woo Young-woo tiene que lidiar con determinados obstáculos sociales y de discriminación por parte de algunos de sus compañeros de oficina. Pero Woo es positiva, honesta y sin rodeos, quien tiene que aprender a manejar su forma de interactuar y comunicarse con su entorno.
Woo Young-woo es una persona muy peculiar, fue criada sólo por su papá y tiene un vínculo muy especial con él. Un hombre que abandona sus estudios de abogado para dedicarse por completo al cuidado de ella. La historia nos va develando la verdad sobre la madre, y en la trama mientras algunos personajes están pendientes por descubrir dicha historia y cómo se siente ella al respecto, Woo esta enfocada en cómo abrir los labios para aprender a besar. Es que ella es así, sus prioridades, sus sensaciones y el orden de sus sentimientos son aspectos totalmente distinto al resto de personas. Son estos detalles los que nos roban una carcajada o los que nos hacen llorar con las ocurrencias de Woo.
La serie esta salpicada con un drama ligero, pero también de un humor muy particular apoyado en Woo. En todo momento se observa un trabajo, la investigación y una preparación muy cuidadosa en la construcción del personaje. Se siente conocimiento, amor y un profundo respeto en la interpretación.
En el primer capitulo, vemos a Woo enfrentándose a la puerta giratoria que sirve de entrada al edificio del bufete de abogados. Y es en ese momento cuando conoce a Lee Joon Ho (Kang Tae-oh) un joven del equipo de Hanbada, quien la ayuda de forma poética y rítmica a concentrarse para poder entrar por dichas puertas. Con bondad, confianza y mucha paciencia se va desarrollando un vinculo afectivo entre ambos.
La serie no solo nos muestra el lado escéptico y la competencia de ciertos personajes ante el éxito profesional de Woo, también nos acerca al valor de la amistad, la solidaridad, del amor y la búsqueda en hacer lo correcto.
Algo genial de la serie es la conexión de Woo con el mundo de las ballenas, detalle que se hace complementario en la visual y en los efectos especiales de los capítulos, a tal punto que pasan a ser otro personaje de la serie. Al respecto Moon Ji-won, guionista de la producción comentó en una entrevista: las personas con autismo suelen apasionarse por un tema hasta volverse expertas y al momento de hacer la investigación sobre las ballenas conocimos una especie llamada eureka. Son precisamente las ballenas eureka las que aparecen la mayoría de las veces cuando Woo gana un caso o cuando las cosas le salen bien. El equipo de producción escogió este tema en particular, por que sabían que iban a poder enriquecer la visual de cada capitulo con los efectos de las ballenas.
El director de la serie es Yo In-sik, ( Kim, el doctor romántico y Vagabond) y como todos los k-dramas, la banda sonora cuenta con temas originales que se hacen parte fundamental en el tono de la historia. El tema principal se titula Brave (Valiente) y es interpretado por Kim Jong-wan vocalista de la banda de rock Nell. Otra canción hecha para la producción es Beyond My Dream en la voz de Sunwoo Jung-a.
Cabe mencionar que la serie es la adaptación de un cómic, el pasado 28 de julio webtoon estrenó Woo, una abogada extraordinaria. A partir de esa fecha la plataforma coreana estrena un episodio cada jueves. La historieta original cuenta con un total de 60 capítulos (no se encuentran disponibles en español). La adaptación de Netflix hasta la fecha ha sido exacta al comic. Tal vez, por eso son los nombres tan particulares de cada capitulo, como: El vestido de novia resbaladizo, Si yo fuera una ballena, El flautista, Un cuento sobre Sodeok-dong, el Sr. Sal, la Sra. Pimienta y la abogada Salsa de Soya o El delfín del río Yangtsé por mencionar algunos.
Y algo más…
Con datos curiosos frente al furor de la serie, los accesorios que usa Woo han generado un impacto en el marketing y ventas de los productos. Young-woo siempre usa un bolso cruzado que se agotó en el color que ella utiliza. En el caso de los audífonos inalámbricos que son de la marca alemana Sennheiser, también han sido un éxito de ventas. Y por supuesto lo mismo ha ocurrido con el reloj de ballena de su mesa de noche que actualmente está agotado y el llavero de ballena que le cuelga del bolso esta entre los utilitarios mas comprado.
Un Cupido sin Puntería
@mariamkrasner
Esta semana llega a las principales salas de cine la comedia romántica: Un cupido sin puntería bajo la dirección de José Antonio Varela. Es un historia sencilla, directa, sin muchos obstáculos ni complicaciones. Trata sobre la amistad, el amor, la complicidad y las segundas oportunidades. Oportunidades que no caen del cielo y que a veces están al voltear la esquina.
De eso se trata la vida de Aquiles (Luis Gerónimo Abreu) un tímido museólogo, a quien un día Verónica (Adriana Romero) el supuesto gran amor de su vida, decide terminar una relación ya estancada, aburrida sin cambios ni matices. Pero la casa de Aquiles es ocupada ese mismo día por Víctor su amigo de infancia (Vicente Peña), recién botado por su esposa Alicia (Claudia La Gatta ) pero con el detalles que es un sujeto fiestero, mujeriego, desordenado, extrovertido, ruidoso y además le encanta un video juego, en fin, todo lo contrario de Aquiles.
Pero como se trata de amor y de segundas oportunidades, Aquiles trata de que Víctor regrese con Alicia para poder recuperar la tranquilidad de su casa. Pero Aquiles mientras mas tiempo pasa con Alicia, compartiendo un café, una tarde de conversación o acompañándola en su oficio de repostería, se da cuenta que es ella precisamente Alicia, la persona que estuvo toda la vida esperando.
Un cupido sin puntería es una comedia llena de talento venezolano, es una película ligera para pasar un rato diferente, donde destacan buenas y equilibradas actuaciones que le dan vida a personajes sencillos y humanos. Con locaciones de Caracas como la Plaza Bolívar, el parque Los Caobos o el Museo de Ciencias Naturales que son parte cómplice de la narración de la historia gracias a una producción bien ejecutada.
El cuadro actoral lo complementan una divertida y excéntrica Sheila Monterola y el veterano Aníbal Grunn. Un cupido sin puntería apunta su estreno comercial en las principales salas de cine gracias a Mundo de Película.
Santa Evita
@mariamkrasner
El pasado 26 de julio, se cumplieron 70 años de la muerte de María Eva Duarte de Perón, fecha que fue estrenada Santa Evita una serie de ficción original de Star+ que nos pasea por lo intimo, lo social y lo político, atrapándonos desde su primer episodio. La miniserie de 7 capítulos está basada en la novela homónima publicada en 1995 por Tomás Eloy Martínez. Una combinación de hechos reales y ficción que la llevó a convertirse en uno de las mayores best sellers de la literatura argentina con más de 10 millones de libros vendidos.
Bajo la dirección del director colombiano Rodrigo García Barcha y del director argentino Alejandro Maci, nos presentan una serie que te atrapa y que despierta curiosidad por saber la historia del recorrido del cadáver embalsamado de María Eva Duarte de Perón “La abanderada de los humildes” mejor conocida como Evita.
En Santa Evita el gran protagonista es el cadáver de Evita (tremendamente bien interpretada por la actriz, cantante, animadora y modelo uruguaya Natalia Oreiro) . Los primeros episodios sirven para ponernos en contexto y conocer mejor la vida de Eva Duarte. Con diferentes flashbacks van mostrándonos desde el momento que Eva con 7 años asiste al velorio de su padre Juan Duarte y el desprecio hacia su familia al no ser reconocida por el padre. Luego su partida con 15 años desde Junín hasta Buenos Aires de la mano del popular cantante Agustín Magaldi, su ascenso artístico, su paso por la radio y el momento que su vida se cruza con el secretario de Trabajo y Previsión del momento, Juan Domingo Perón (Dario Grandinetti)
Marcela Guerty coguionista se refiere a la serie como una narrativa donde se reconstruye “la historia del cuerpo de una mujer manipulado por hombres. Un cuerpo apropiado, ultrajado” “Una mujer que fue poderosa y que no pudo ser poseída en vida” por quienes tanto la deseaban. Por su parte, la actriz Salma Hayek Pinault productora de la serie comenta: la serie busca retratar «la obsesión de los hombres de controlar y someter a las mujeres muchas veces a través de su cuerpo». En este caso, el deseo se manifiesta en el sector más reacio al peronismo, el juego del poder se concentra en los restos de la «abanderada de los humildes».
Es que Santa Evita nos acerca a lo que es capaz de hacer el ser humano dominado por la obsesión y el fanatismo. El cuerpo de Eva Perón apenas comenzaba su recorrido aquel 26 de julio de 1952 con dos millones de personas paradas en las calles por donde pasó su féretro, en un velatorio que duró dos semanas. Ahí comienza una odisea que duró más de 20 años, la odisea de un cuerpo embalsamado que se convirtió en un trofeo político. Con ello también se pone de manifiesto que Evita siguió siendo una mujer poderosa aun después de muerta. Lo demuestra el fervor que generaba y la importancia simbólica de Evita para el peronismo. La primera dama poco antes de morir recibió de manos del Congreso el título de «Jefa Espiritual de la Nación».
Y así, a pocos minutos después del anuncio de la muerte de la “Jefa Espiritual de la Nación» las puertas de su dormitorio fueron selladas y el doctor español Pedro Ara (Francesc Orella, protagonista de Merlí) un especialista en la conservación de cadáveres, se conviertió en el primer hombre en manipular el cuerpo. Pero al no estar listo el gran mausoleo prometido por Perón, el cuerpo es llevado a la Confederación General del Trabajo, donde permanecerá por tres años. El cadáver embalsamado es acompañado en el lugar por otras tres réplicas exactas encargadas a un escultor italiano. Santa Evita desde el comienzo, transmite una presencia casi fantasmal y sobrenatural que generaba el cuerpo conservado con devoción por Ara.
Con el golpe a Perón de 1955 y el destierro de este a Madrid, llega la orden militar de hacer desaparecer el cadáver de Eva, “como con cualquier muerto normal”. Una operación asignada al coronel del servicio de Inteligencia Carlos Eugenio Moori Koenig (interpretado por Ernesto Alterio que se luce en los diferentes matices que van transformando al personaje). El coronel había sido el militar encargado por Perón de vigilar a Eva durante su rol como primera dama y es Moori el gran obsesionado por la mujer en vida y luego por el cuerpo embalsamado de “su muñeca”
La investigación detrás del cuerpo recae en el periodista Mariano Vázquez ( Diego Velázquez), un obstinado reportero que en 1971 trabaja en un importante diario y quien se obsesiona por la historia poniendo en riesgo su vida y la de su pareja. Por encima de cualquier peligro, está conseguir al coronel Moori y conocer la verdadera historia. Esta es la vía para seguir las pistas del cuerpo de Evita que se rumoraba que sería devuelto en Madrid a las manos de Perón.
Otros aspectos para resaltar en la serie son la excelente ambientación de época. Se destaca el aprovechamiento de las pocas locaciones reales que todavía conservan la estética de los años ’40 y ’50 en la ciudad de Buenos Aires. La serie fue grabada en más de 40 locaciones, contó con la participación de 120 actores y actrices, y 1300 extras con un vestuario impecable de 150 piezas diseñadas especialmente. Se destaca una excelente dirección de arte y de fotografía.
Santa Evita, es la intimidad de una historia que expone el fanatismo, el odio, las contradicciones, el manejo del poder, las bajezas humanas, el deseo y la obsesión por Evita en vida y después de muerta. Queda en evidencia el desequilibrio emocional que puede generar la figura de un mito que lograr llevar a unos hombres hasta la representación más baja del ser humano a través de la necrofilia.
Hoy en día, Evita a 70 años de su muerte sigue siendo la mujer más famosa de Argentina. En la actualidad sus restos se encuentran en el cementerio de la Recoleta, de la ciudad de Buenos Aires y sigue siendo la tumba más visitada del lugar.
Evita descansa ¿en paz?
BUENA SUERTE, LEO GRANDE
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La directora y escritora australiana Sophie Hyde nos encierra en la habitación de un hotel para ponernos “al desnudo” la temática sobre el placer, la sexualidad, los sentimientos, las frustraciones, las inseguridades, el rol maternal y sobre todo la autoestima. Así vemos durante hora y media acompañando a la ganadora del Oscar, la maravillosa Emma Thompson quien le de vida a Nancy Stokes, una profesora inglesa, madre y viuda quien a los 62 años decide contratar los servicios de un trabajador sexual para explorar de una forma sublime y en libertad las sensaciones y deseos para cumplir un sueño pendiente por resolver: tener el primer orgasmo de su vida.
Y así es como Nancy, gracias al escort Leo Grande (Daryl McCormack) a quien contrata para varias sesiones, va construyendo un vinculo cargado de sensaciones, acercamiento y una conexión especial que permite un esplendido intercambio de emociones, humor y frustraciones gracias a la manera que tiene Leo de ver la vida.
Leo Grande es un atractivo y paciente joven que no solo presta servicios sexuales, sino que es un tipo llenó de empatía, buen rollo y simpático que termina convirtiéndose en una especie de terapeuta para sus clientes.
Nancy y Leo se ven en un mismo espejo para poder descubrir la manera tan radical que tienen al ver las mismas situaciones. Contextos enmarcados por la edad, por el genero, la educación y por los tabúes sociales. Esta ambigüedad, nos permite por unos momentos disfrutar de una comedia erótica y en otros momentos estamos dentro de un drama cargado de reflexiones. Reflexiones apoyadas en un guion magistral escrito por Katy Brand, lleno de diálogos inteligentes y de un fino sentido del humor enfocado en las sensaciones y emociones de sus personajes.
Emma Thompson y Daryl McCormack llevan sobre los hombros todo el peso de la película. Esa atmosfera intima y personal que se crea, lleva al espectador a sentir que estamos ocultos en el closet de la habitación observando ese maravilloso by pass que logran ambos personajes en cada cuadro y sobre todo al momento de bailar Always Alright de Alabama Shakes durante su segundo encuentro.
Es una historia profunda y a la vez arropada por ese sentido del humor muy peculiar que nos enamora de los personajes de principio a fin. Buena suerte, Leo Grande, llega a las pantallas de cine gracias a Mundo de Películas, un estreno que no puede dejar de ver, recomendar y recordar.
En una entrevista realizada a Thompson, entre sus comentarios hace mención del tema del placer femenino y como sigue siendo un tabú en la sociedad. Por esa razón no dudo en aceptar el papel de Nancy. La actriz también se refirió al tema sobre la maternidad que aborda la película: “El personaje de Nancy nunca sintió realmente el propósito de ser madre. Solo que se suele dar por sentado que el instinto materno viene con el hecho de ser mujer, lo cual es una idea equivocada”.
Y así es, le deseo toda la suerte a Leo Grande y buena suerte a Nancy Stokes.
Shimon Peres: El nobel que no dejó de soñar.
@mariamkrasner
“Lo que estoy haciendo no es soñar, lo que estoy haciendo es abrir los ojos”. Shimon Peres
El 13 de septiembre de 2016, Shimon Peres sufrió un accidente cerebrovascular y fue hospitalizado en el Centro Médico Sheba de Israel, nunca se recupero y falleció el 28 de septiembre a la edad de 93 años. Fue un político, parlamentario, estadista, escritor, poeta, primer ministro, presidente del Estado de Israel y premio Nobel de la Paz, pero, sobre todo, fue un líder que nunca dejo de soñar y de inspirar. A casi seis años de su muerte, Peres es protagonista del documental: El nobel que no dejó de soñar, ya disponible en Netflix.
El documental es producido por Richard Trank, conocido director de documentales y ganador de un Oscar por la película «El largo camino a casa», donde se cuenta la historia de los inmigrantes judíos después de la Segunda Guerra Mundial. Trank entrevistó a Peres durante nueve meses antes de su fallecimiento en 2016. Habló de su infancia, de su rol en el ejército israelí, su relación con su guía y mentor David Ben Gurion. Cuenta de su carrera política y sus dos mandatos como primer ministro, de la negociación del tratado de paz entre Israel y Jordania y del Premio Nobel de la Paz por negociar con éxito el acuerdo con la Organización para la Liberación de Palestina (OLP) y Yasir Arafat.
El documental perfectamente narrado por el actor Geoge Clooney, nos sitúa en agosto de 1923 año en que nació Szymon Persky en Wiszniew, Polonia (actual Bielorrusia) en una familia Judía de clase media. Conocido como el “halcón” de la política hebrea, ya que su verdadero apellido era Persky y lo cambió por Peres que en hebreo quiere decir “águila” Su padre decidió irse a Palestina y su familia emigra en 1935. El resto de su familia, entre ellos sus abuelos y tíos se quedaron, con la llegada de los nazis fueron encerrados en un sinagoga junto al resto de judíos de la aldea y quemados vivos.
Trank nos presenta una serie de entrevistas con miembros de la familia Peres, amigos íntimos y de políticos que compartieron la travesía del líder de Israel, destacan Tony Blair ex primer ministro del Reino Unido, Benjamín Netanyahu y los ex presidentes de Estados Unidos: Bill Clinton, George W. Bush y Barack Obama.
George W. Bush recuerda sobre Peres que “Es el tipo de hombre que enseña que el liderazgo debe ser optimista, y que hay que pensar en cómo forjar un mejor mañana. Hubo momentos desalentadores, pero nunca permitió que dichos momentos hicieran que se retire”, “Ese optimismo fue fundamental para él, era la razón por la que a diferencia de mucha gente que parece desaparecer a medida que envejece, él parecía tener más energía, y ser un imán incluso entre los jóvenes, porque nunca perdió ese atributo”, concluye Barak Obama. Tony Blair destaca “Creo que mucha gente a veces encontró la escala de la visión demasiado utópica, pero nunca tuvo la intención de que fuera algo que existiera solo en teoría”.
Peres se juramento como primer ministro en septiembre de 1984, cumpliendo su primera promesa de campaña de retirar las tropas israelíes del Líbano. Fue un estadista que supo manejar la crisis económica de Israel. Reunió a un equipo de especialistas quienes diseñaron un plan de fuertes recortes en todos los sectores. Peres narra como actuó de forma inmediata: “Llamé a una sesión de gabinete que duró 36 horas” Recorté 500 millones de dólares en Defensa, recorté hasta en Educación. Ningún ministro quería recortar su propio ministerio, les dije: ‘señores o lo aceptan, o los despido a todos’. Contrariamente a lo que esperaba por sus decisiones, notaba que había un cambio en la opinión pública, las encuestas de popularidad y aceptación empezaron a subir. Y en 6 semanas la inflación comenzó a bajar de casi 500% al año a 16%. El índice de aprobación de Peres superó el 70%, el más alto jamás registrado en el país por un líder.
Peres era una persona de gran energía y convicción. El documental nos muestra un momento épico y de gran reflexión para los tiempos que corren: cuando dice el kaddish (plegaria del judaísmo que se reza en público y una de cuyas variantes es la oración para los difuntos) por los muertos de los asesinados en el Holocausto en Alemania y reza la oración en lo que alguna vez fue el edificio del Reichstag.
Peres fue un hombre que por encima de alcanzar el poder y por encima de su propia familia estaba la paz de Israel. Nos enseña que en política la integridad tiene que estar en primer orden. El documental nos muestra la positividad de Peres frente a la adversidad. Un optimismo que buscó contagiar para poner a la nación de pie. Shimon Peres: El nobel que no dejó de soñar es una narrativa poderosa e inspiradora sobre un hombre que tenía el coraje y la convicción de hacer lo que sentía que era correcto, que se dejaba guiar por lo que decía su corazón, incluso si no era lo más indicado políticamente.
El Cuervo Blanco (Nureyev, El Bailarín)
“Quiero ser libre”
@mariamkrasner
The White Crow es una película británica de 2018, dirigida por Ralph Fiennes (El paciente inglés, La lista de Schindler). Esta basada en el libro Rudolf Nureyev: The life, escrito por Julie Kavanagh y adaptado a la pantalla por el escritor y dramaturgo David Hare (El lector). El papel de Nureyev esta interpretado por el bailarín profesional y actor ucraniano Oleg Ivenko, acompañado por Adèle Exarchopoulos (La vida de Ádele), Louis Hoffman (Dark) y Sergei Polunin (El gorrión rojo).
Fiennes, nos presenta un película en flashback, jugando con la secuencia cronológica de la historia logrando un ritmo que nos permite conectarnos con diferentes momentos del pasado del bailarín. Desde su nacimiento el 17 de marzo de 1938 en un tren, escenas de su miserable infancia en una localidad campesina, la relación con su padre, su entrada en el ballet Kirov, sus problemas con su primer profesor, su relación con el maestro Aleksandr Pushkin (interpretado por el propio Fiennes), sus primeros amores y su llegada a París a principio de la década de los 60.
Es en ese momento, donde comienza el eje principal de esta biopic de Nureyev. Es su primer viaje fuera de la Unión Soviética y su acercamiento al arte, la música, la danza y la pintura.
Vemos a un Nureyev en el Museo del Louvre concentrado e inspirándose frente al cuadro La balsa de la Medusa del pintor francés Théodore Géricault, sobre el naufragio de una fragata. “Tengo una obsesión y es ver todo lo que pueda: Picasso, Matisse, Rodin”, les dice a sus guías. Descubrimos un Nureyev que quiere cultivarse, aprender, relacionarse con un mundo ajeno, hacer amigos en Paris, salir para descubrir la vida nocturna, acercarse a los bailarines franceses. Él es diferente al resto de bailarines de su compañía que temen las represalias del gobierno ruso, por eso la KGB no lo pierde de vista, es el mejor bailarín y considerado un patrimonio en su país.
El 16 de junio de 1961 en el aeropuerto de Le Bourget (el más importante de París para la época) se desarrolla el clímax de la película. Es ahí cuando Nureyev con la ayuda de su amiga Clara Saint decide desertar de la Unión Soviética y acogerse al derecho de asilo en Francia. Afirmando ante la policía francesa que quiere quedarse y logra escapar de la custodia de la KGB. Tal vez son esos minutos los que cambian el rumbo del bailarín de ballet más grande de todos los tiempos y el rumbo de la danza mundial.
Sin dudas, Nureyev fue un cuervo blanco. Alguien diferente a los demás, una persona genial, llena de talentos y virtudes. Y eso fue Nureyev
Se puede disfrutar en las plataformas de Netflix, Prime Video y HBO.
MONSTRUO DEL MAR
@mariamkrasner
“Puedes ser un héroe y estar equivocado”
A medida que uno se mete en esta aventura animada de Netflix, es inevitable recordar a Moby Dick a King Kong a Cómo entrenar a tu dragón o sentir nostalgia de los distintos mundos de Julio Verne.
El director Chris Williams tiene su sello en Bolt (2008), Grandes héroes (2014) y Moana (2016) de Disney, antes de saltar a Netflix con esta nueva película. Williams ha dicho que siempre amó el cine de aventuras y que películas como King Kong, la saga Indiana Jones, La isla del tesoro o Lawrence de Arabia, le formaron como cineasta y persona.
En Monstruo del mar vivimos las aventuras de la pequeña Maisie Brumble (en la voz de Zaris-Angel Hator) quien sueña con ser una cazadora de monstruos y se escapa de un orfanato para esconderse en el barco El Inevitable y poder unirse al valiente Jacob (voz de Karl Urban) y el Capitán Crow (voz de Jared Harris).
Crow es un hombre obsesionado con encontrar y matar a la Ráfaga Roja, el más temible monstruo del océano y Jacob Holland es un joven náufrago quien es recogido por Crow y su tripulación de cazadores de monstruos y termina siendo el más famoso cazador y protagonista de las más variadas leyendas.
Es una época donde los humanos y las criaturas del mar están en guerra para demostrar cual de los bandos tiene el poder. Una de esas batallas en alta mar, une a Maisie y Jacob quienes quedan atrapados en una isla llena de monstruos, teniendo la oportunidad de convivir y sobrevivir con algunas pequeñas criaturas y con la temible Ráfaga Roja. Este encuentro los hará comprender su verdadera naturaleza. Descubrirán que nos son tan feroz como aparentan. Son pacíficos, bondadosos y amistosos mientras no sean provocados y atacados por otro ser viviente.
Un aspecto maravilloso de la película es lo variopinto de la tripulación que dan a la historia un particular toque de humor. La historia y la narrativa lograda es otro eje que hace de Monstruo del mar un aprendizaje y reflexión sin importar la edad. Pero esta historia no lograría su efecto sin estar apoyada en un alto nivel técnico y de efectos especiales. La calidad de la imagen mediante el render de los mares es impresionante, las expresiones faciales y los movimientos cuentan con un altísimo realismo, así como el logro de las acciones y las batallas.
No sabemos si podremos tener mas aventuras de la pareja formada por Maisie y Jacob, lo que si es bastante seguro es que Monstruos del mar estará participando dentro de la categoría de mejor película animada en la próximas premiaciones.
Knives Out (Entre navajas y secretos o Puñales por la espalda)
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La cinta de 2019 ha sido recientemente colgada en las plataformas de Netflix y Prime video, ubicándose inmediatamente en las tendencias de las más vista. Cuenta con un súper elenco de estrellas con Daniel Craig en el papel del detective Benoit Blanc, y las actuaciones de Christopher Plummer, Chris Evans, Ana de Armas, Jamie Lee Curtis, Michael Shannon, Don Johnson, Toni Collette y Katherine Langford.
Esta dirigida por el escritor y productor estadounidense Rian Johnson (Star Wars: Los últimos Jedi, Brick) Quien nos lleva a sospechar de todos los miembros de una misteriosa familia. La historia se ubica en el llamado ‘whodunit’, contracción de ¿“Who has done it? ¿Quién lo ha hecho?), un subgénero de la novela policiaca donde el autor nos muestra las pistas para que la audiencia o el lector pueda deducir quien es el criminal. Johnson termina rindiendo tributo a algunos famosos que destacaron en este genero como Agatha Christie, Josephine Tey y Ellery Queen.
Harlan Thrombey (Plummer) es un millonario novelista que construyo su fortuna a partir del éxito de sus novelas de crímenes. Thrombey invita a su familia para celebrar su cumpleaños 85 en su mansión de Massachusetts. En apariencias todo luce normal, pero la historia tiene un giro cuando el ama de llaves lo encuentra con la garganta cortada. En un principio la policía cree que fue un suicidio, pero el detective Benoit Blanc comienza a investigar el caso y llegar a la verdad.
Blanc con su manera muy particular de acercarse y entrevistar a cada miembro de la familia, descubrimos que las relaciones entre Harlan y su familia eran bastante tensas y cada miembro tiene algo que esconder: Harlan amenazó a Richard (Johnson) esposo de su hija Linda (Curtis) en hacer publico su engaño marital. También, suspendió la mesada que le daba a su nuera Joni (Collette), despidió a su hijo Walt (Shannon) de su editorial, tuvo una gran discusión con su nieto Ranson (Evans) y su nieta (Langford) oculta el origen de su negocio.
La única persona que parece afligida por la muerte de Harlan, es la enfermera Marta (de Armas), joven emigrante quien se convirtió en la compañía fiel del escritor. Pero Marta, cada vez que intenta ocultar una verdad siempre termina vomitando. Reacción que ayudara al detective (y a la audiencia) a ir descubriendo la historia.
En Knives Out destaca un particular humor, el misterio, el excentricismo y las excelentes actuaciones. Donde los diálogos, las reacciones de los miembros de la familia y la cronología de los hechos son claves para acercarnos al asesino. Pero a la vez es una sátira y una critica a la alta sociedad norteamericana, a través de esta disfuncional familia.
Entre Navajas y secretos estuvo nominada a los Premios Globo de Oro y en los Oscar en la categoría al Mejor guion original.
Después del éxito de esta comedia de humor negro y misterio, las aventuras del detective Benoit Blanc van camino a convertirse en una franquicia, debido a que Netflix adquirió los derechos por un acuerdo de más de 460 millones de dólares para una segunda y tercera entrega. La secuela Glass Onion: A Knives Out Mystery cuenta nuevamente con Daniel Craig en el papel de Benoit Blanc quien se enfrenta a un nuevo caso. Glass Onion: A Knives Out Mystery está programada para su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2022 y se estima su estreno en pantalla para finales de este año.
LA IRA DE DIOS
@mariamkrasner
Es un thriller dramático argentino dirigido por Sebastián Schindel (Crímenes de familia). En los primeros días de su estreno se ubicó en la lista del top 10 de Netflix en 47 países. Es una adaptación de la novela de misterio ‘La muerte lenta de Luciana B’, de Guillermo Martínez. Con esta propuesta Netflix sigue apostando al éxito de este género y de películas basadas en novelas convertidas en best seller. La ira de Dios cuenta en su reparto con Juan Minujín (El marginal, Casi feliz), Macarena Achaga (Luis Miguel: la serie) y Diego Peretti (El reino, Cuestión de sexo, la noche que mi madre mato a mi padre).
Kloster (Peretti) es un enigmático y famoso escritor quien es denunciado de acoso sexual por Luciana (Achaga) su antigua asistente. Durante este episodio Kloster vive un tragedia personal, su esposa inestable emocionalmente y su pequeña hija mueren de forma trágica. Con el tiempo de forma misteriosa los familiares de Luciana, sus padres y hermanos comienzan a morir. La presencia de su antiguo jefe en los lugares de las muertes hace sospechar a Luciana del escritor. Al no ser escuchada por la policía, busca ayuda en un periodista de policiales (Minujín) acusando a Kloster como responsables de esas muertes. Luciana estará dispuesta a intercambiar su vida por salvar a Valentina, su única hermana.
La ira de Dios es una propuesta que en algunos momentos decae en su ritmo, tal vez por los saltos temporales de la historia que combina pasado y presente, llegando a ser predecible en cuanto a las sospechas del responsable de las muertes. Es en la Librería El Ateneo (Buenos Aires) donde comienza y termina la historia, la excusa es la presentación del nuevo libro de Kloster que sirve para que Luciana enfrente al escritor, resuelva su pasado y defina su futuro.
Resaltando los aspectos de justicia y venganza, es el propio Kloster quien toma pasajes de la Biblia para su defensa. El escritor en una de las escenas menciona la Ley del Talión. No se basa en un literal «ojo por ojo, diente por diente» sino en la retribución del dolor sufrido con una venganza que logre equipararlo.
La ira de Dios es una trama interesante, llena de intriga y de cuestionamientos éticos y morales: ¿justicia o venganza? ¿Es Kloster un asesino vengativo o las muertes son producto del azar? ¿Esta Luciana obsesionada entrando en un espiral emocional y de locura? Son algunas de las preguntas que nos vamos haciendo a medida que avanza la historia y descubrimos al final.
INTIMIDAD
@mariamkrasner
Es una serie que nos plantea el quiebre de la intimidad consecuencia de las redes, los medios, las ambiciones, el poder y la sociedad. Es también una serie con un relato político importante para los tiempos que corren. La historia es sobre mujeres. La manera de como cada una de ellas enfrentan el acto de esa vulnerabilidad de su vida personal y familiar. De como se juzga y se culpabiliza a las propias victimas.
En esta nueva serie de Netflix el contexto bajo distintos puntos de vista, queda literalmente al desnudo.
Es la historia de Malen Zubiri (Itziar Ituño la actriz que interpretó a Lisboa en la Casa de Papel), Zubiri es la vicealcaldesa de Bilbao, que ve como su candidatura para las próximas municipales se le va de las manos con la aparición de un vídeo donde sale teniendo sexo en una playa. El impacto en su carrera, su enfrentamiento a sus compañeros de partido y sobre todo en su núcleo familiar. También es la historia de Begoña Uribe (Patricia López Arnaiz), quien hará todo lo que esta en sus manos para aclarar lo que le sucedió a su hermana Ane (Verónica Echegui), quien se suicidó cuando “alguien” filtró un vídeo sexual suyo entre sus compañeros en la fábrica donde trabajaba.
Es una miniserie española, original de Verónica Fernández (‘Hache’) y Laura Sarmiento (‘Matadero’) donde destaca el equilibrio actoral con las interpretaciones de todo su reparto. Incluyendo a Emma Suárez, Ana Wagener o Marc Martínez. Es un trabajo donde también destaca la musicalización, la fotografía, la ambientación y las locaciones entre Bilbao y otras zonas del País Vasco.
Otro elemento que ayuda en el ritmo de la investigación de los casos y en destacar el estado de animo de las victimas, es el uso de la voz en off, que va enlazando cada episodio y a su vez sirve para darle voz a cada relato de forma clara, pero también contundente.
Rescato dentro del planteamiento de la historia que mas allá de reconocerse como victimas, se ven reflejadas en el espejo de la otra. Como seres humanos, como mujeres diferentes, cada una con su rol dentro de la sociedad. Pero con un sentimiento de comprensión y de unión entre ellas, como medio de apoyo.
En intimidad, nos vemos envueltos en un thriller donde las piezas van encajando poco a poco, dándole a cada escena y trama la atmosfera que se requiere como complemento a los sentimientos de los personajes. Es en el personaje de Malen Zubiri donde tenemos el ejemplo que, en estos casos, el camino es tomar el control de la situación, demostrar que una actitud activa es la mejor forma de que no te hundas en una experiencia como esa y que la comunicación y el apoyo del entorno ayuda a superar todas las barreras.
100 días con la Tata
@mariamkrasner
Hace 34 años comenzó esta historia de amor entre Miguel Ángel y la Tata. El tenia 5 años y ella 64. Cuando el actor Miguel Ángel Muñoz era un niño, sus padres acordaron con Luisa Cantero “la Tata” hermana de la bisabuela de Miguelito, que lo cuidara mientras ellos salían a trabajar. Desde ese día, son el uno para el otro.
Hoy, Miguel Ángel con sus 39 años es un reconocido actor, productor y ganador de Master Chef Celebrity, pero sobre todo es una persona entregada y agradecida. Quien entiende que con los 97 años que ya tiene la Tata, el fin de esta historia puede estar cerca y decide cumplir una lista de pendientes para la gran aventura: un viaje juntos, recorrer la provincia de Mérida y acercarse a los orígenes de la Tata, conversar al aire libre y hasta rodar una película. Pero llega enero de 2020 y esos pendientes quedan en espera por la pandemia.
Miguel Ángel sintió como mucho de nosotros temor frente a la pandemia y la responsabilidad de proteger y cuidar a nuestros mayores. Las personas que cuidaban a la Tata renuncian y él se muda con Luisa Cantero, su Tata.
¿Quién mejor que el pequeño Miguel para cuidarla durante el confinamiento?
Y así comienzan a contar juntos los días. 1, 2, 10, 25, 57, 70 hasta llegar a los 100 días con la Tata. 100 días que, en lugar de paralizar a Miguelito, este decide abrir la puerta del diminuto piso de 35 metros cuadrados donde vive la Tata en el centro de Madrid y mostrarle al mundo el transcurrir de sus vidas con sus sonrisas y sus lagrimas.
Con profundo amor y mucha paciencia, Muñoz se encarga de cuidarla, cocinarle, bañarla, darle los remedios, encargarse de sus masajes circulatorios, hacer los ejercicios físicos y mentales, leerle, hacerle cosquillas en los pies (primera vez que alguien le hace cosquilla en los pies como entre carcajadas le dice) y acomodar el apartamento con su respectiva botada de cosas “inútiles” lo que hace enfurecer a la Tata. Pero también juntos, hablan sobre la vida y sin escapatoria sobre la muerte y lo que significa para su historia esas seis letras y cómo afrontarlo. “Tata quieres música en tu funeral?” “Noooo quiero algo serio”
La prioridad de esos casi cuatro meses, era tener a la Tata distraída y con animo. Así que, haciendo uso del Instagram abren la pequeña pantalla digital para conectarse todas las tardes y contar su aventura de la ‘Cuarentata’, como es bautizada por uno de los tantos seguidores de este dúo. Convirtiéndose en uno de los ‘influencers’ más queridos, admirados y vistos desde su perfil @soylatatareal. Al punto que el dueño de una plantación de café en Ecuador decide bautizar una zona de sus cultivos como ‘El sol de la Tata’. Tuvimos la oportunidad de verlos disfrazados de monja, interactuando con artistas y cantantes, como José Coronado y Lolita, hablando con peluches y sorprendiéndose entre ellos. Miguel y la Tata se convirtieron en unos verdaderos fenómenos, apareciendo en distintos medios nacionales e internacionales hablando de sus días, sus experiencias y sus ocurrencias.
Y así Miguel Ángel Muñoz se atreve como director, coguionista y productor (cosa que debemos agradecer) junto a un equipo de valientes y nace el documental los 100 días con la Tata. Un docu-selfie recién estrenado en Netflix y el cual también se puede ver en la plataforma Filmin. El documental fue candidato en los premios Goya, galardonado como mejor documental en los premios Forqué y nominado a los Premios Platino.
100 días con la Tata es un testimonio de una circunstancia que todo el mundo experimentó, pero nos enseña que a pesar de las dificultades el buen estado de ánimo, la esperanza y el amor no se pueden perder. Nos hacen reír y nos hacen llorar, porque se convierten en un espejo de 85 minutos.
El documental también nos obliga a reflexionar y a entender la importancia de enfrentar la vida con optimismo, con ganas, inventando, haciendo cosas. Luisa Cantero ha superado una Guerra Civil, a cuidado de su madre, ha criado a un pequeño que no era suyo, ha trabajado como limpiadora y ha superado una pandemia. Pero esos 100 días, también no obligan a detenernos y pensar en la salud de los cuidadores. En el documental vemos como cada día la Tata se siente mejor y más animada, mientras que Muñoz se nota cansado, con insomnio, deja de hacer ejercicio, abandona su carrera. Hasta que en un sesión on line con su terapeuta este le recuerda “que cuidarse él mismo no es dejar de cuidar a su Tata” Vivamos el día a día, vivamos el momento, disfrutemos de los nuestros y brindemos.
Tata y Miguel Ángel gracias por la lección.
Lucy y Desi
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En la pantalla de Amazon Prime Video, se puede disfrutar de este documental sobre el matrimonio formado por Lucille Ball y Desi Arnaz. Dirigido por la comediante, actriz y productora Amy Poehler. Con un tratamiento intimista, personal y emotivo, Poeheler se apoya en una serie de entrevistas y de grabaciones de audio que nos permiten acercarnos a la vida privada y profesional de esta pareja icónica de la comedia de la década de los 50, la insuperable: Yo amo a Lucy.
La negociación de Ball con los ejecutivos de la CBS para que fuera el propio Arnaz quien interpretara a su esposo en el show, la fundación del estudio de producción Desilu, Arnaz considerado pionero en tecnicas de transmision de la television en vivo, el nacimiento de sus hijos, el divorcio de la pareja luego de viente años de matrimonio, sus roles como magnates de Hollywood y su relación hasta el final de sus vidas son algunas de las escenas por las que nos pasea el documental.
El estudio Desilu, no solo fue la empresa productora de Yo quiero a Lucy, convirtiendolo en el primer programa de televisión grabado en el estudio y en película de 35 mm frente a una audiencia, ganando cinco premios Emmy y recibiendo numerosas nominaciones. Tambien fue productora de famosas series de television como Star Trek, Los Intocables y Misión Imposible. En una escena del documental se muestra a Ball informando las ganancias de $20 millones del estudio Desilu, que acababa de aprobar la realización de dichas series.
El tratamiento de Poehler con respecto a las entrevistas dentro del documental, le dan un carácter mas personal y una conexión especial con las apariciones de Norman Lear, Bette Midler, Carol Burnett, Lucie Arnaz Luckinbill, la hija mayor de ambos, y su hermano menor Desi Jr. “No quería simplemente poner a hablar a gente famosa; quería que las voces que no fueran Arnaz y Ball tuvieran una conexión más directa con ellos, incluidos sus hijos, Lucie Arnaz y Desi Arnaz Jr., y los hijos de quienes trabajaron en el programa, o una perspectiva que profundizara la narrativa” “Lo que me resultó tan fascinante es la forma en ambos respetaron y amaron el proceso hasta el final. Realmente sacaban lo mejor del otro”
Los entrevistados son el complemento a las propias grabaciones personales y entrevistas inéditas que se encontraron en la casa de Palm Springs, que fueron entregadas por Lucy Arnaz para que Poehler construyera la historia de sus padres. El documental resulta nostálgico y melancólico. A pesar de que ambos pasaron gran parte del resto de sus vidas casados con otras personas, Lucy y Desi siguieron estando conectados emocionalmente hasta el final. Conexión que sirve para darle estructura a la historia.
Si la película Being the Ricardos, protagonizada por Javier Bardem y Nicole Kidman, en los papeles de Desi Arnaz y Lucille Ball, les parecio superficial sobre la historia de esta pareja, con este documental se puede sumergir en el mundo de ambos personajes, tanto dentro como fuera de la pantalla.
MI PRIMER MANDADO
@mariamkrasner
La pequeña Yuka de solo tres años es enviada a su primer mandado, espera en la acera para cruzar en un paso de peatones que divide la calle en cuatro carriles. Del otro lado está el sitio donde tiene que realizar las compras para su mamá. Yuka se olvida brevemente de comprar tempura pero vemos como se acuerda y regresa al lugar. Como la historia de Yuka son los 20 capítulos de la primera temporada de este programa de tele-realidad japonés que podemos ver en Netflix.
El programa es nuevo para nosotros, pero lleva más de tres décadas de éxito en Japón, el mismo se emite en Nippon TV desde 1991. Está inspirado en el libro infantil: Hajimete No Otsukai (1977) de Yoriko Tsutsui, que cuenta la historia de una madre que envía a su hija de 5 años a comprar leche para un hermano menor.
Los episodios de “Mi primer mandado” son historias cortas de unos 15 minutos máximo de duración. Los protagonistas son niños de 2 a 6 años que salen para intentar realizar un recado. Los camarógrafos están escondidos o disfrazados en toda la ruta que tienen que seguir, como una especie de cámara escondida. La intención es que los pequeños no adviertan que están siendo grabados, para que la experiencia y sus reacciones sean espontánea.
La serie es narrada por una voz que va describiendo los avances de los niños y a veces retrocesos, ya que algunos de los recados se olvidan. Esta voz nos advierte cuando los pequeños se distraen, conversan con desconocidos en las calles o cuando solicitan ayudan en las tiendas porque no alcanzan lo que necesitan. Desde grandes almacenes, tiendas, talleres mecánicos o mercados de mariscos, vemos en cada capitulo una aventura diferente.
A veces los mandados inevitablemente salen mal. Una pequeña de 3 años se olvida de lo que le han pedido, otra todo el capitulo va hablando sola, a unos se le cae el pedido o les ruedan las manzanas calle abajo. Pero también vemos como otro niño no quiere salir solo de casa y es convencido por su madre.
Es un programa que nos permite conocer y acercarnos a la cultura y la educación japonesa. Nos muestra un estilo de crianza basado en la independencia de los niños, la forma de relacionarse con su familia y como se van preparando para afrontar sus responsabilidades dentro de su hogar.
Sin embargo, el reallity show ha generado polémica y debates, incluso en Japón. Antes de que Netflix adquiriera “Mi primer mandado”, ya había adaptaciones para el público de Gran Bretaña, China, Italia, Singapur y Vietnam. En otros países, es impensable considerar mandar a un pequeño a realizar compras donde tienen que alejarse varios kilómetros de sus casas y caminar por vías de alto trafico.
Aunque en ciudades donde la pobreza es extrema, vemos como en los semáforos niños pequeños piden para comer, hacen malabares con unas pelotas o intentan limpiar el limpia parabrisas del carro. Aun así, la serie ha levantado comentarios. En este sentido debemos recordar que son contextos de seguridad publica, enfoques de educación, normas sociales y cultural muy distintos.
Sobre Mi primer mandado, una nota de The New York Times señala: se trata de “una forma típica de criar a los niños en Japón y un símbolo de nuestro enfoque cultural, que puede sorprender a personas de otros países”, expresó Toshiyuki Shiomi, experto en desarrollo infantil y profesor de la Universidad Shiraume Gakuen de Tokio. “En las escuelas japonesas, es habitual que los niños limpien las aulas. Y en las casas, los padres dan incluso a los niños pequeños una cifra para sus gastos y esperan que ayuden a preparar las comidas y a realizar otras tareas”, agregó.
Eso si, Mi primer mandado vale la pena verla. Con cada historia te vas a reír, a preocupar y a sorprender.
“El abogado del Lincoln”:
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Esta nueva serie de Netflix, está basada en la saga de historias criminales del escritor estadounidense de novelas policiacas Michael Connelly (productor ejecutivo de la serie). Originalmente en 2011 fue llevada al cine con la actuación de Matthew McConaughey bajo el título de El Inocente. La serie no es un remake ni una secuela, es una nueva adaptación de la obra de Connelly. También su libro “Deuda de sangre” fue llevado al cine en 2022, bajo la dirección de Clint Eastwood quien interpretó el rol protagónico de Terry McCaleb, un agente veterano del FBI al que se le ha dado una nueva oportunidad, mediante un trasplante de corazón de una víctima de asesinato. (Disponible en HBO Max)
En esta primera temporada el abogado Mickey Haller, retoma su carrera cuando su colega Jerry Vincent, es asesinado en un estacionamiento y una jueza le informa que Vicent le dejó como herencia su bufete y sus casos.
Haller no está en su mejor momento. Se recupera de la adicción de pastillas, consecuencia de una serie de operaciones por un accidente de surf, que lo llevó al borde de perder su carrera y su familia. La ciudad de Los Ángeles sirve de marco para los distintos casos que tiene que resolver este abogado quien se caracterizará por conducir un clásico automóvil modelo Lincoln para ir tras las pistas de cada historia. Mickey se hace cargo de un caso de alto perfil de opinión pública. En donde Trevor Elliott (Christopher Gorham), un ejecutivo fundador de una empresa de videojuegos es acusado del doble asesinato de su esposa y el amante de ella, su instructor de yoga.
Este drama legal con aires policiacos parte de “The Brass Verdict” (El Veredicto de Latón 2008), que es el segundo libro de la saga que inició “The Lincoln Lawyer”, en 2005. Cuenta con 10 capítulos: “Volver al ruedo”, “La pieza clave”, “Ímpetu”, “La teoría del caos”, “Doce lemmings en una caja”, “Corrupción”, “El lemming número siete”, “De vuelta a la pieza clave”, “El valle inquietante” y “El veredicto”. Cada episodio dura entre 45 y 60 minutos.
Es una de las series mas vista de la plataforma, desarrollada por el productor David E. Kelly, escritor de éxitos de televisión como: Picket Fences, Chicago Hope, Boston Public, The Practice, Ally McBeal, Nine Perfect Stranger, Love and Death y la reciente Anatomía de un Escandalo.
El mexicano Manuel García – Rulfo da vida a Haller, un abogado poco convencional que intenta descifrar cada caso desde el asiento trasero de su Lincoln, buscando los mejores argumentos y pistas para armar su defensa aun arriesgando su propia vida. Lo acompaña un equipo de trabajo, poco convencional conformado por su chofer Izzy (Jazz Raycole), una joven ex adicta a la que tuvo que defender en uno de los muchos casos que heredó de Vincent. Su asistente y exesposa Lorna (Becki Newton) y el investigador Cisco (Angus Sampson). El abogado del Lincoln también está protagonizado por Neve Campbell en el papel de Maggie, la ex mujer de Mickey.
Con El abogado del Lincoln, me viene a la memorias algunas de las buenas series de televisión sobre dramas legales como: L.A. Law, The Good Wife, La ley y el orden, Boston Legal, Suits, The Pratice, Damages o el clásico Perry Mason.
En esta primera temporada quedan preguntas y sucesos sin resolver, lo que nos hace suponer la llegada de un próxima temporada. Además, que son varios los libros de Connelly sobre Mickey Haller pendientes por ser llevados a la pantalla.
Una sombra en mi ojo (The Bombardment)
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Dentro del catalogo de Netflix las adaptaciones históricas trabajadas bajo la producción de diferentes países, nos permiten como espectadores conocer sucesos del pasado con distintos puntos de vista creativos y relatos llevados a las pantallas por cada país involucrado en dicho suceso. El genero de películas de guerra y sus adaptaciones están dando buenos resultados dentro de la plataforma: El arma del engaño, La batalla olvidada, Múnich en vísperas de una guerra o Una sombra en mi ojo, por mencionar algunas.
“Nunca olvidaré cómo gritaban cuando cayeron las bombas, con cuánto miedo temblaban con la escuela sumida en sombras” Con esta frase comienza la película Una sombra en mi ojo, basada en hechos reales.
Esta frase da pie a una escena donde un grupo de mujeres se arreglan para salir a una boda. En el camino, el carro donde van es alcanzado por una ráfaga de fuego de un ataque aéreo. No hay sobrevivientes. El joven Henry paseaba en su bicicleta cuando escucha los disparos, corre al lugar y la imagen con la que se encuentra lo traumatiza perdiendo el habla a partir de ese momento.
La película es una producción danesa dirigida por el actor, productor y director danés, Ole Bornedal (1864, La sustituta, el vigilante nocturno). Con las actuaciones de Alex Høgh Andersen, Alban Lendorf, Bertram Bisgaard, Fanny Bornedal, James Tarpey y Casper Kjær Jensen. El director Bornedal logró de una manera impecable que los niños actores se adentraran a una trama tan trágica, conmovedora y llena de dolor. Dándole voz a la tristeza, el trauma, el miedo y la incertidumbre de todos los niños que murieron en aquel fatídico ataque.
Una sombra en mi ojo nos lleva a plena Segunda Guerra Mundial, exactamente a la mañana del 21 de marzo de 1945. Los niños que asisten a la Escuela Católica Romana Francesa, Institut Jeanne D’Arc de Frederiksberg, en Copenhague, inician su día como la rutina de siempre: el desayuno con sus padres, las discusiones para que se coman todo, apurándolos para que no lleguen tarde a la escuela. Así las actividades dentro de la escuela se desarrollan como todos los días, con sus rutinas habituales de monjas y niños corriendo por los pasillos, de clases de coro comenzando o preparando el comedor para la hora del almuerzo. Entre los alumnos están Rigmor, Eva y Henry, tres jóvenes daneses que se convertirán en el eje de esta historia.
En ese mismo momento, al otro lado del Mar del Norte una brigada de pilotos británicos de la Royal Air Force se preparan para una misión de apoyó al movimiento de resistencia danés para liberar a un grupo de prisioneros. Bajo el nombre de Operación Cartago despegaron 18 aviones rumbo a Shellhuset, el cuartel general de la Gestapo en el centro de Copenhague. La misión: atacar esta sede para doblegar el poder nazi en la ciudad.
Uno de los aviones de la brigada de ataque se estrella cerca de la Escuela Católica Romana Francesa, Institut Jeanne D’Arc, el fuego confunde a los bombarderos quienes piensan que el objetivo está bajo la columna de humo. Identifican erróneamente el edificio y la escuela es arrasada por el ataque.
Desde un comienzo esta operación había sido catalogada como riesgosa por estar en el centro de la ciudad, por lo que fue rechazada inicialmente por la Royal Air Force y por la Fuerza Aérea de Estados Unidos). Finalmente, la misma fue aprobada. El resultado: más de 120 personas murieron entre civiles de la zona, monjas y niños de la escuela. De esas 150 victimas, 86 eran niños.
OPRAH + VIOLA UN EVENTO ESPECIAL DE NETFLIX
@mariamkrasner
La actriz y productora estadounidense Viola Davis desnuda su alma en la entrevista realizada por Oprah Winfrey para el especial de Netflix: Oprah + Viola. Davis acaba de lanzar sus memorias en el libro Finding Me (Encontrarme), en el que relata sus recuerdos de infancia, la pobreza extrema en la que creció, el bullying, su inicios en la actuación y como llego a graduarse con honores de la Rhode Island College en 1988 y luego en 1993 en el conservatorio de artes la Escuela Juilliard, situada en el Lincoln Center en Nueva York.
La humanidad y asombro de Winfrey queda plasmado en este desgarrador documental de 48 minutos quien admite que pensó que había vivido en la pobreza hasta que leyó las memorias de Viola Davis. Memorias donde el valor y el sentido de superación resalta tras sus duras confesiones a la entrevistadora. Un pasado que fue superado, pero no olvidado y la importancia de no renunciar a la esperanza ni a los sueños.
Una pobreza extrema que arropaba a una familia que apenas tenía que comer. No tenían luz ni agua, el olor a orine la acompañaba impregnado en la ropa y en las noches dormía con la cara tapada para evitar que las ratas la mordieran. Estas son algunas de las anécdotas que comparte Davis en esta dura entrevista. Pero a la vez nos regala su capacidad, su fuerza, su resiliencia y su superación, hasta convertirse en una de las mejores actrices de cine, teatro y televisión.
Recordemos que, en 2017 Viola gano el Oscar como mejor actriz de reparto por su papel de Rose Maxson en la película dramática Fences (Barreras), interpretada junto a Denzel Washington. Además, Davis es la primera actriz negra en haber ganado un Óscar, un Emmy y un Tony, entre otros premios.
La pandemia fue el verdadero escenario de Davis, para entender que los premios y la fama no eran el epicentro para la felicidad. Estos meses le sirvieron para cuestionar el sentido de la amistad, sus relaciones, presiones y el valor del trabajo en sentido verdaderamente monetario sintiéndose muchas veces como una mercancía y no como un ser humano. “Creo que estaba teniendo una crisis existencial grave”, dijo Davis, y agregó que en ese momento estaba luchando por encontrar una conexión con el resto del mundo y el significado de su vida. A partir de todas estas interrogantes decidió desnudar su alma, y para ello tenia que recurrir a ese doloroso pasado, contar su historia y descubrir su presente.
Oprah + Viola es un encuentro donde la celebridad queda guardada en un cajón. Es una entrevista emotiva, conmovedora y sobre todo motivadora. La misma se desarrolla en el porche de la casa de Maui (isla del Pacifico que forma parte del archipiélago hawaiano) de Winfrey. Resalto estas frases de la entrevista: “Este libro es mi regalo para los demás”, “Estoy viviendo para mi paz y mi alegría”, “Quiero ser feliz.” dijo Davis, entre lágrimas. Oprah no se equivoco cuando conteniendo las lágrimas, dijo: “Al encontrarte a ti misma, nos has ayudado a todos”.
AMOR DE MADRE
@mariamkrasner
Como quien no quiere la cosa y aprovechando la semana del Día de las madres, le das play a la nueva comedia de Netflix: Amor de Madre, y comienzan la aventura y desventuras de José Luis (Quim Gutiérrez) a quien en plena boda la novia se le escapa con el DJ (el mismo que tenían contratado para amenizar el bonche) y por si fuera poco, cuando intenta devolver el viaje contratado de luna de miel en la paradisiaca Isla Mauricio, el agente de viaje le dice que es imposible. Así la compulsiva y sobre protectora Mari Carmen la madre del novio (Carmen Machi) decide acompañarle de “luna de miel” para no perder el dinero.
Los días pasan en aquellas disparatadas vacaciones, mientras él cada minuto es mas miserable, paranoico, mal humorado e infeliz, su madre está pasando los mejores días de su vida, incluyendo poder disfrutar un viaje de luna de miel que nunca tuvo.
Bajo la dirección de Paco Caballero (Perdiendo el este – 2019 y Donde caben dos- 2021), esta comedia se deja colar con las excelentes actuaciones y la buena química que tienen el dúo Gutiérrez – Machi. Los acompañan Celia Freijeiro, Andrés Velencoso, Yolanda Ramos, Jorge Suquet, Justina Bustos y Dominique Guillo, entre otros.
En Amor de Madre, los altibajos emocionales vienen uno tras otro. Es que piensen por un momento lo que seria irse a pasar la luna de miel nada más y nada menos que con la mamá. Mari Carmen, todo lo contrario al pobre José Luis, no está dispuesta a perderse ni un solo minuto de diversión de aquel “romántico viaje”, donde saca a flote la verdadera mujer que ha estado a la sombra de su marido y de su hijo. A punta de Daiquiri y participando en todo tipo de concurso, aventuras, bailes y hasta fumando porros servirá para que Jose Luis descubra a la mujer que tiene por madre.
Amor de madre es una comedia sencilla, sin pretensiones ni complicaciones. Perfecta para pasar un rato entretenido por su historia, actuaciones, puesta en escena y duración.
PÁLPITO
@mariamkrasner
Con el inicio de la promoción de esta serie-novela tenia el pálpito que seria mas novela que serie, a pesar de su estructura de 14 capítulos y con un final no concluyente que nos hace presumir que vendrá una segunda temporada.
¿Estaría usted dispuesto a cometer un crimen para salvar la vida de un ser amado? ¿Pagaría por asesinar a quien tiene el corazón compatible para poder trasplantarlo a la persona que ama? ¿Permanecen las emociones originales en el corazón trasplantado a otra persona? ¿Dónde se cruza la línea de lo moral y lo ético? Estas son algunas de las interrogantes a los que nos enfrenta esta producción colombiana.
Valeria, la esposa de Simón Duque es secuestrada y asesinada para extraerle el corazón y trasplantárselo a Camila Duarte, la esposa de Zacarías Cienfuegos, un hombre adinerado y asesor político del candidato a la presidencia del país. Cienfuegos es capaz de convertirse en cómplice de una organización de tráfico de órganos para salvar al amor de su vida. ¿Adivinen? Camila conoce a Simón en un concierto de Carlos Vives y enseguida entran en corto circuito al enamorarse. Simón trata de descubrir quienes asesinaron a Valeria y se tropieza con una banda de tráfico de órganos conectada con las altas esferas del poder. Valeria trata de descubrir quien fue su “donante” y descubre que lleva el corazón de la esposa de Simón.
Pero ahí no quedan los problemas de Simón, quien se disfraza para infiltrarse dentro de la organización y descubre que su hija Samantha se involucra en una serie de problemas tras enomorarse de Tomás, un drogadicto que trabaja con Mariachi, Garabato y Sarmiento miembros de la organización. Intentando salvar a su novio, Sam es atrapada por la organización de tráfico de órganos
Lamentablemente la trama del triangulo amoroso entre Simón – Camila y Zacarías hace que pase a un segundo plano un tema tan duro como lo es el tráfico de órganos.
Vemos en “la organización” (como se llama la banda) y dentro de la historia, con una serie de personajes muy cliché que acentúa el contexto de la típica telenovela. Así como detalles de producción (el momento cuando el malandro de la banda llega al hospital y le entrega al propio Zacarías, una caja donde se guarda el corazón protegido por una bolsa plástica). A pesar del esfuerzo, la serie-novela tiene detalles y escenas que le restan calidad a la historia.
Tal vez esto marca una brecha pronunciada con los buenos thriller de Netflix, donde sobresale la calidad de la producción, la psicología de los personajes, el tratamiento de las tramas y la narrativa de los diálogos.
La serie-novela es original del escritor y guionista de la televisión venezolana Leonardo Padrón, pluma conocida por novelas de éxito como Cosita Rica, La mujer perfecta, Ciudad Bendita o El país de las mujeres, entre tantas.
La producción fue rodada en Bogotá, dirigida por Camilo Vega y protagonizada por un elenco colombiano de primera línea como, Ana Lucía Domínguez (Camila) Michel Brown (Simón), Sebastián Martínez (Zacarías) y Margarita Muñoz (Valeria), Jacqueline Arenal (Greta Volcán la madre de Valeria) y Mauricio Cujar (el candidato Braulio Cárdenas), entre otros.
A la fecha no se ha anunciado una segunda temporada. Sin embargo, en el desarrollo del capitulo final de la primera temporada quedan una serie de interrogantes, los cuales abonan el terreno para una continuación. Por otra parte, la aceptación de la serie-novela ha sido muy positiva a pocos días de su estreno. entró en la lista de producciones más populares dentro de la plataforma en países como Colombia, Chile, Perú, Venezuela, España y México.
ANATOMÍA DE UN ESCÁNDALO
@mariamkrasner
Es la nueva miniserie de Netflix basada en la novela homónima de la periodista británica Sarah Vaughan. La experiencia de Vaughan en el diario The Guardian, cubriendo las fuentes de Sucesos y Política, así como la cobertura de los tribunales en sus comienzos le dio todo el bagaje para hacer de Anatomía de un escándalo un Thriller psicológico cargado de suspenso, política, abusos sexuales y del establishment británico.
Son 6 capítulos donde destaca el sello de los productores David E. Kelley (Big Little Lies, Ally Mcbeal, Golia, Perfect Strangers) y Melissa James Gibson (House of Cards, The Americans) y bajo la dirección de S. J. Clarkson (Marvel – Jessica Jones, Marvel – The Defenders). Con las actuaciones de Sienna Miller (Sophie Whitehouse), Rupert Friend (James Whitehouse), Michelle Dockery (Kate Woodcroft) y Naomi Scott (Olivia Lytton). Destaca la música del sueco Johan Söderqvis, creando un ritmo a la historia que se complementa con un ambiente sonoro envolvente clave en los principales momentos de la trama.
James y Sophia Whitehouse son el perfecto matrimonio. Elegantes, guapos, padres de dos hijos. La pareja se mueve en la élite británica y en la esfera del poder político. James es parte de los ministros del Parlamento, una promesa figura dentro del gobierno y amigo personal desde la época de estudiantes en Oxford de Tom Southern, el actual primer ministro británico. Una acusación hace sucumbir la estabilidad de los Whitehouse cuando una asistente con la que James tuvo una aventura lo acusa de violación. Es caso recae en la abogada Kate Woodcroft quien es la fiscal encargada de demostrar la culpabilidad del político.
Sin embargo, nada ni nadie en la trama es lo que parece. Una historia que se cruza entre el presenta y el pasado de los involucrados, donde las verdades están a medias para poder resolver el caso. Los diferentes testimonios dentro del juicio y los secretos que se van revelando hacen cambiar la percepción que se tienen de los personajes. El pasado de los personajes y los hechos son las claves que se van descubriendo en cada capitulo.
Anatomía de un escandalo es un retrato sobre el poder político, la lucha contra el sistema, la justicia, los medios de comunicación y lo fácil que es a veces cambiar la verdad para moldear a la opinión. El giro inesperado e impactante del final hace de Anatomía de un escandalo una miniserie de maratón.
Tras el éxito de la miniserie, sus productores ya trabajan en la adaptación de la última novela de Sarah Vaughan: Reputation. Otro thriller psicológico centrado en política. Según la sinopsis oficial “Emma ha sacrificado mucho por su carrera, su matrimonio y la relación de su hija. Pero ahora se volverá el centro de atención cuando un cuerpo es descubierto en su casa”.
Ahora, solo nos queda esperar (escándalos es los que sobra)
LOS DIARIOS DE ANDY WARHOL (The Andy Warhol Diaries)
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Recientemente Netflix estrenó la docuserie: Los Diarios de Andy Warhol. Enseguida me llamó la atención ya que es uno de mis libros que más atesoro. Su contenido nos describe a través de las vivencias de Warhol una época que marca la cultura en varios contextos: musical, artístico, social, moda, sexual, moral, ético, etc. Warhol sinónimo del POP Art, fue impulsor de un género vanguardista desde Factory (su sitio de encuentros y creatividad), de la banda de rock Velvet Underground, de Interview convertida en la revista de las celebridades de la sociedad neoyorkina, de sus películas y hasta de sus lugares preferidos como el famoso Estudio 54.
El libro de 980 paginas comienza el miércoles 24 de noviembre de 1976 y termina el martes 17 de febrero de 1987 (5 días antes del inesperado fallecimiento de Warhol). El diario surge de los dictados que le hacía cada noche a su secretaria y amiga Pat Hackett. Tal vez el desparpajo y la sinceridad con que Andy registra en sus paginas la vida, detalles y conversaciones de sus amigos nos hace suponer que nunca pensó que fueran publicados.
Pero aquí están no solo publicados póstumamente, sino convertidos en un excelente documental bajo la producción ejecutiva de Ryan Murphy ( guionista, productor y director quien nos trajo a la pantallas de Netflix: The Politician, Pose, Hollywood, Ratchet, Halston) y Andrew Rossi (Page One: Inside the New York Times) como director, cuya preparación de esta serie documental le llevó más de diez años. Rossi haceusó de un software de IA (Inteligencia Artificial) para recrear la voz de Warhol y leer parte de las memorias que sirven de hilo a esta propuesta tipo video clip en algunas de sus partes.
Esta vez, es un paseo de la vida de Warhol a través de entrevistas, videos y apoyos fotográfico de sus amigos y principales colaboradores como: Bob Colacello, Rob Lowe, Julian Schnabel, John Waters, Fab Five Freddy y la propia Pat Hackett. El documental se enfoca principalmente en las ideas, la religión, sus pensamientos y sus relaciones afectivo-sexual de su vida. La propuesta televisiva, no profundiza en hechos concretos y los momentos contundentes de la vida del artista son tratados de manera sutil.
Está dividido en seis capítulos: El primero, Señales de humo, sirve de introducción para conocer los orígenes, su vida familiar, su infancia, el bullying escolar, su predilección para el dibujo, su mudanza cuando tenía 20 años de Pittsburgh a Nueva York en 1949, y la fundación de The Factory, su estudio ubicado en Union Square. El segundo nos lleva a Sombras: Andy y Jed, como fueron sus primeros pasos en la alta esfera de Nueva York, sus primeros encuentros con los famosos de la época y aborda su relación con Jed Johnson, director de cine y diseñador de interiores estadounidense. Jed fue su empleado limpiando los espacios de The Factory, se mudó con Warhol y permanecieron juntos por doce años, murió en un accidente aéreo en 1996. La tercera entrega, Doble vida: Andy y Jon. Vemos sus primeros pasos dentro del mundo del modelaje, el concepto de la ambigüedad en sus obras y en su relación con Jon Gould, alto ejecutivo de los estudios Paramount, cuya orientación sexual trato de mantener en el anonimato por su carrera y quien murió en un accidente a los 33 años. El cuarto capitulo, Colaboración: Andy y Basquiat se ubica en los años 80, vemos la influencia de los grafiteros en el arte urbano y su relación con el pintor. Basquiat fue un artista neoyorkino de ascendencia haitiana y puertorriqueña, Warhol fue una de las mayores influencias de su obra. El penúltimo capitulo es 15 minutos, donde el peso de la figura de Andy Warhol se siente más humana y sincera gracias a unos programas de televisión y también nos muestra su conflictiva relación con Jean Michel Basquiat. La serie termina con Amando el extraterrestre, donde el VIH es el protagonista y su impacto en Nueva York, llamado por Warhol como ‘el cáncer de los gays’ y el momento de la creación de su serie artística basada en la obra de La Última Cena de Leonardo da Vinci. Si quieren conocer los secretos del artista, esta docuserie nos acerca a momentos íntimos del padre del Pop Art, su vida personal, sus inspiraciones, momentos de creación, sus miedos, inseguridades, forma de amar y sentimientos. Todo a través de sus propias palabras (así sean por inteligencia artificial)
Granizo
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Es una tragicomedia cargada de pura ironía y del humor argentino. Todo eso es la película recién estrenada en Netflix, dirigida por el cineasta Marcos Carnevale, con un guion coescrito por Nicolás Giacobone y Fernando Balmayor. La historia gira alrededor de Miguel Flores un reconocido meteorólogo, protagonizado por Guillermo Francella, uno de los principales actores del momento de la industria cinematográfica de su país. Comediante, director de teatro y cine, recordado por sus papeles en Rudo y Cursi, Corazón de León, El robo del siglo y El secreto de sus ojos (ganadora en el 2009 al premio Oscar a la Mejor Película de Habla No inglesa).
Miguel Flores es un famoso meteorólogo de la televisión conocido como el infalible. El rey del rating y del selfie. Todos lo admiran y lo adoran. El estreno de su nuevo programa: El Show del tiempo es anunciado con bombos y platillos. Miguel Flores es la cara de buses, paradas y vallas luminosas. Sus fans disfrutan en horario estelar de la gran noche del estreno, un magazine que combina música en vivo, entretenimiento, baile y un cuidadoso decorado donde el infalible es una especie de Susana Giménez del clima. Pero Flores, se equivoca en la predicción del tiempo y una terrible tormenta de granizo acaba con la reputación del infalible. Así, amanece (literalmente) convertido en el enemigo público para el canal, sus fans, amigos, compañeros de trabajo, medios, redes sociales y vecinos.
Las redes sociales explotan, Miguel es tendencia, su vida pasa a ser un meme. Todos los programas de televisión lo cuestionan. En la radio solo se habla de la equivocación de Miguel Flores. El ya no tan ídolo, cuestionado y señalado, se ve obligado a huir de Buenos Aires para refugiarse en su ciudad natal de Córdoba en casa de su única hija. A quien tenia tiempo sin ver y sus relaciones no son nada buenas.
El papel de los medios, el impacto de las redes sociales, las relaciones familiares, lo efímero de la fama y la fortuna, son temas que sirven de ejes para la trama de Granizo. Las relaciones humanas y las contradicciones nos trazan un camino muy particular en la historia mediante Bernardo, un excéntrico personaje que la da un giro a la vida de nuestro protagonista y Osvaldo un pequeño pez naranja que es el equilibrio emocional de Flores.
Sin llegar al clímax de un spoiler, Granizo tiene un final forzado y poco creíble. Una mezcla de comedia con catástrofe natural que resulta un poco extraño y hace por momentos que uno pierda el tono irónico de la película. Esto no quita, que es la primera en el ranking argentino de Netflix desde que se estrenó el pasado miércoles 30.
Stan & Ollie
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“Para el año 1937, Stan Laurel y Oliver Hardy habían alcanzado el pináculo de su carrera”, con esta frase comienza la película Stan & Ollie que nos permite recorrer de manera sutil, respetuosa y con afecto el declive (no muy pronunciado) de la carrera de este dúo inolvidable. El realizador escocés Jon S. Baird (Fith y Cass) no puede evitar mostrarnos que siente una debilidad personal por ambos personajes. Presenta la historia de una manera sobre protectora hacia uno de los dúos mas famosos de la comedia como lo fueron “El Gordo y el Flaco”, tratamiento que por demás agradecemos los admiradores de este par.
La representación de estos personajes es brillante y el maquillaje de ambos es asombroso. Stan es interpretado por Steve Coogan y Ollie recae en el actor John C. Reilly, quienes nos hacen olvidar el presente y ubican al espectador en el pasado frente a los personajes verdaderos. Inspirada en el libro Laurel & Hardy: The British Tours, la película escrita por Jeff Pope y “A. J.” Marriot arranca con El Gordo y el Flaco en 1952, cuando se ven obligados a iniciar una larga gira por Inglaterra ante su extinguida carrera cinematográfica y el final de sus contratos en conjunto con los estudios de Hollywood.
El Gordo y el Flaco casi veinte años después de sus éxitos taquilleros, deciden iniciar una gira de despedida teniendo siempre presente lo que fue su gran época dorada. Con el apoyo incondicional de sus respectivas esposas Lucille (Shirley Henderson) e Ida (Nina Arianda), logran reconquistar y enamorar al público de las salas de Reino Unido. Un nuevo comienzo difícil, lleno de percances personales, con un nuevo manager y salas de teatros vacías. Donde la amistad y el talento es el motor para seguir adelante y triunfar como se merecen.
Este biopic se mete en la piel de Stan y de Ollie, nos muestra la personalidad de cada uno por encima de los personajes que representan, con sus debilidades, miedos y frustraciones, así como en las situaciones y circunstancias personales que les convirtieron en leyenda.
Stan & Ollie nos recrea con estupendos diálogo que nos llevan entre la “realidad” y la representación. Ollie no es un malhumorado como su personaje, sino un gordo buena gente, simpático y con serios problemas de salud y de apuesta. Laurel es el organizador, cerebro del dúo, mantiene todo el tiempo la ilusión en la versión de Robbin Hood que ambos interpretaran y es quien escribe todos los guiones de las presentaciones.
La película resulta una puesta conmovedora de la vida de ambos. La esencia humana fuera del escenario y la sinergia cómica cuando sube el telón. Un chispa única que esta por encima de las desdichas que puedan padecer. Y es en ese momento de la actuación, donde sus esposas rodeadas de espectadores en un perfecto plano fijo, nos dejan claro que son las únicas que saben realmente lo que sucede. Esto nos hace tener un acercamiento intimo y personal hacia los verdaderos hombres detrás de sus papeles.
Un epílogo escrito al final nos devela lo que sospechamos desde el primer minuto de la película, que esta gira fue la última vez que trabajaron juntos. La salud de Ollie siguió en picada tras la gira, muriendo en 1957. Por su parte, Stan nunca se recupero de la muerte de su amigo, siempre se negó a trabajar sin su compañero y se retiró de la escena, falleciendo ocho años después en 1965.
Stan siguió escribiendo diariamente sketches para Laurel y Hardy durante los últimos ocho años de su vida.
Admiradores y no tanto de estos personajes, pueden disfrutar de la película en Netflix.
DUNE
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De la adaptación del libro de Frank Herbert recordamos la versión de 1984 de David Lynch para hablar de la nueva versión del director canadiense Denis Villeneuve (La llegada y Blade Runner 2049). El acabado artístico de esta propuesta coloca al genero de ciencia – ficción en un espectáculo fascinante. Dune debe ser considerada un Space Opera por su intensidad visual que está por encima de su trama y de sus actuaciones. Con un costo de 165 millones de dólares, se convierte en una de las películas más nominadas a los premios Oscar, y con razón Dune aparece en las nominaciones mas artísticas y técnicas como: Mejor Película, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Sonido, Mejor Banda Sonora, Mejor Guión Adaptado, Mejor Montaje, Mejores Efectos Visuales, Mejor Maquillaje, Peinado. Mejor Fotografía y Mejor Diseño de Producción.
Dune se nos plantea como una propuesta de dos películas. Actualmente vemos la primera parte (recientemente se anunció el estreno de la segunda parte para octubre de 2023) Destacan las actuaciones de Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Stephen McKinley Henderson, Zendaya y Javier Bardem.
Dune», cuenta la historia de Paul Atreides (Chalamet) un joven héroe, con una enorme carga emocional y familiar, quien deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su pueblo. Este viaje lo lleva a enfrentarse a distintas fuerzas del mal y solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir. A Paul le aguarda su destino. Hijo de un gran líder y heredero real de la noble Casa Atreides, ha pasado toda su vida formándose con maestros y mentores para perfeccionar sus habilidades de combate y su intelecto. Una vez que llegue a Arrakis, el planeta más peligroso del Universo, se tendrá que enfrentar a la invasión de su planeta, el asesinato de su padre y a sus miedos para cumplir su destino.
Si hay un protagonista en esta propuesta de Villeneuve es el desierto de Arrakis del planeta Dune. Para esto sus locaciones tenían que ser impactantes para lo que se seleccionó el desierto de Liwa, en Abu Dhabi, donde rodaron durante 11 días. Para las escenas más áridas y de más dramatismo de Arrakis, Villeneuve seleccionó a Wadi Rum o el Valle de la Luna, en Jordania. También aparecen las playas de Stadlandet, en Noruega, situado entre el Mar de Noruega y el Mar del Norte, seleccionada para ambientar el planeta Caladan lugar natal de Paul Atreides.
Dune, es una película con un ritmo muy peculiar que nos pasa de unas escenas personales, intimas con diálogos y gestos muy contemplativos a la acción frenéticas, cargada de mucha rapidez, violencia, luchas y una sobre carga de efectos visuales. En donde la magnifica banda sonora de Hans Zimmer sirve para marcar esos cambios de ritmo.
Solo nos queda bajar la adrenalina que genera en el espectador esta primera parte, que ya pueden ver por HBO Max.
EL PODER DEL PERRO
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Después de doce años alejada del cine, la directora Jane Campion nos sorprende con El Poder del Perro, un film que nos hace creer que estamos ante un western y llegando a los minutos finales descubrimos una historia diferente, compleja y cargada de tensión. Complejidad que siempre esta presente en sus personajes atormentados, débiles, silenciosos, manipuladores y reprimidos.
Este filme es una adaptación de la novela autobiográfica del mismo nombre escrita en 1967 por Thomas Savage, quien creció en un rancho en Montana. Las circunstancias y la época obligaron a Savage a reprimir su sexualidad. Y es aquí donde gira el centro de la historia.
‘El poder del perro’ es una película de Netflix logrando 12 nominaciones en los Oscar 2022 en las categorías de Mejor Película y Mejor director. La neozelandesa Campion se ha convertido en la primera mujer directora en conseguir una segunda nominación a la Mejor Dirección (recordemos que la primera fue en 1994 por la magnifica película ‘El piano’). Mejor actor (Benedict Cumberbatch), Mejor Actriz de Reparto(Kirsten Dunst) Mejor Actor de Reparto (Jesse Plemons y Kodi Smit-McPhee), Mejor Guion Adaptado, Mejor fotografía, Mejor Sonido, Mejor Banda Sonora Original (Jonny Greenwood) , Mejor edición y Mejor diseño de producción. La película de Jane Campion, se convirtió este año en la más nominada y además todos sus actores están en las nominaciones de sus respectivas categorías interpretativas.
«Cuando murió mi padre, yo solo quería que mi madre fuera feliz. ¿Qué tipo de hombre iba a ser si no ayudaba a mi madre? ¿Si no la salvaba?» Esa es la frase en voz en off con la que arranca la película y donde esta la esencia de la historia. Una historia que se desarrolla en 1926 en un rancho en Montana, apoyada principalmente en la psicología masculina toxica de Phil (Benedict Cumberbatch) y la relación con su hermano George (Jesse Plemons).
El poder del perro es una película con dos ritmos muy marcados. La primera parte es lenta, muy lenta, silenciosa y a veces desesperante. Se apoya principalmente en la desagradable forma de ser de Phil y el resto de los personajes son aparentemente opacados por las humillaciones de este. En la segunda parte, Campion le va dando un giro y un sentido distinto a la historia. El western se convierte en un thriller donde va creciendo la tensión, la represión, donde los personajes se crecen y se convierten en una ficha clave para el desenlace.
Phil (Benedict Cumberbatch) y George (Jesse Plemons), visitan una taberna propiedad de Rose (Kirsten Dunst), Phil atormenta a su hijo Peter (Kodi Smit-McPhee) se burla de su físico, de su exagerada gestualidad abiertamente amanerado y de los adornos en forma de rosa realizados por Peter. La historia sigue cuando Rose y George se enamoran, se casan y se van a vivir al rancho llevándose a Peter. Phil, es un ser violento y rudo. Rasgos que usa como fachada para ocultar su homosexualidad reprimida y su infelicidad. Quien va debilitándose frente a Peter.
Peter es quien verdaderamente lleva las riendas de la relación, casi desde el principio, utiliza su aparente vulnerabilidad para manipular a Phil y conducirlo hasta la muerte. Campion nos da pistas en varios momentos de la película sobre el lado oscuro y vengativo de Peter. Desde el principio, Peter sabe que mientras Phil viva, su madre jamás será feliz y planea con maestría y frialdad el final de Phil y el final de la historia.
Peter no asiste al funeral de Phil. En su lugar recita un verso de la Biblia: el salmo 22:20 “Libra de la espada mi alma. Mi vida, del poder del perro”. Esto se refiere a los enemigos del Rey David y a aquellos que crucificaron a Jesús, atacando como una jauría de perros.
BELFAST
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Su guionista y director Kenneth Branagh nacido en Belfast en 1960, nos regala (si porque Belfast es un regalo), una historia de gran peso autobiográfica donde destaca el niño Jude Hill interpretando a su álter ego Buddy. Con siete nominaciones a los Premios Oscar por mejor película, mejor dirección, mejor actor y actriz de reparto (Ciarán Hind y Judi Dench, respectivamente), mejor sonido, mejor guion original y mejor canción original («Down to Joy») de Van Morrison.
Su comienzo nos atrapa con unas tomas a todo color de la Belfast actual donde vemos su puerto, sus astilleros, modernos edificios, espacios públicos y los cruceros que llegan a la zona para dar paso a las imágenes en blanco y negro y ubicarnos al 15 agosto de 1969.
Belfast nos cuenta la historia a través de las vivencias de Buddy, un niño ingenuo, cariñoso y ocurrente que vive y siente el conflicto armado que se dio en esos tiempos en una Irlanda del Norte llena de violencia callejera, con grupos de choque protestantes que intentan expulsar a la minoría católica que hasta entonces convivían puerta a puerta y de forma pacífica como vecinos.
A pesar de las circunstancias Belfast es un film familiar mas que político, circunstancias que mueven la vida de sus personajes. Buddy vive en un hogar lleno de contradicciones, pero con mucho amor, incertidumbre y con serios problemas económicos. Cada minuto que pasa uno siente mas empatía y afecto por ese niño, quien vive con su madre (Caitríona Balfe), con un padre obligado a estar ausente por su trabajo (Jamie Dornan), un hermano mayor y la presencia de sus maravillosos abuelos (Judi Dench y Ciarán Hinds), quienes se roban la pantalla con sus estupendos diálogos y actuaciones.
Branagh nos ofrece un guion muy personal, con momentos y acercamientos a ciertos lugares comunes al género literario y cinematográfico del coming-of-age (se enfoca en el crecimiento psicológico, personal y moral del protagonista, apoyado en el dialogo y en las respuestas emocionales en lugar de enfocarse en la acción) Buddy cuando va al cine queda fascinado con Raquel Welch y empieza a mostrarnos la inocencia del primer amor que descubre en una compañerita de clase.
Belfast nos va trasladando a momentos específicos, cuando la familia se reúne para ver por televisión la llegada del hombre a la luna o cuando van al cine a ver la película musical Chitty Chitty Bang Bang. Lugares y situaciones que generan sentimientos y nostalgia en el publico contemporáneo con Branagh.
El uso del blanco y negro sirve para enmarcar una lección de vida que atrapamos como nuestra. Con la acertada elección de hacer este recorrido intimo acompañados de la música del gran Van Morrison (también nacido en Belfast). Temas como Wild Night, Caledonia Swing, Bright Side of the Road, Warm Love, Jackie Wilson Said, Days Like This, Stranded, Carrickfergus, And the Healing has Begun y Down to Joy (nominada al Oscar como mejor canción original)
Belfast es una película que al finalizar uno queda con ganas de volver a ver. No solo por sus personajes y lo sublime de la historia, sino por su diseño de producción, su ritmo, el uso del color en los momentos que nos ubican en el cine o en el teatro, por su dramaturgia que marca las anécdotas infantiles de Buddy y por excelente banda sonora. Belfast es una película difícil de olvidar.
El callejón de las almas perdidas
«Solo hay dos historias que vale la pena contar en cualquier circunstancia: un personaje que lo gana todo y un personaje que lo pierde todo» Guillermo del Toro.
El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley) es una novela escrita por el estadounidense William Lindsay Gresham y publicada en 1946. El director Edmund Gouldingen en 1947, llevó la novela al cine protagonizada por Tyrone Power y Joan Blondell, en una adaptación considerada hoy en un clásico de culto. Ahora es Guillermo del Toro quien la readapta en forma de ‘neonoir’, en un filme oscuro, violento y pesimista, con las actuaciones de Bradley Cooper, Cate Blanchet, Rooney Mara y Toni Collette.
La historia no solo se sumerge en las profundidades de una feria de circo, o de sus sórdidos y oscuros personajes. En el callejón, lo monstruoso y repugnante no parte de lo físico. Parte de lo amoral y de la bajeza del ser humano. A estos temas y personajes ya nos tiene acostumbrado el director mexicano Guillermo del Toro, recordemos La forma del agua (ganadora del premio Oscar), el Laberinto del Fauno o Hellboy, por mencionar algunos.
En esta película lo grotesco esta representado en los engendros, en los personajes de la feria, los estereotipos y sobre todo en el publico que se ríe de ellos. Con personajes cínicos, manipuladores, sin nobleza, ni escrúpulos, retorcidos en sus propias miserias, pasados y traumas.
El callejón de las almas perdidas durante los primeros minutos nos muestra a un hombre arrastrando un cadáver, lo entierra bajo el suelo de una casa y la prende. El protagonista de la historia: Stanton Carlisle (Bradley Cooper), un personaje silencioso, observador, patético, tramposo, embaucador, criminal, ambicioso y carismático.
«El alemán que se parece a Chaplin acaba de invadir Polonia», comenta uno de los personajes, lo que nos permite ubicarnos en una historia que ocurre entre 1939 y 1941; en plena explosión de la Segunda Guerra Mundial.
Un carismático y ambicioso Stanton Carlisle (Bradley Cooper) conoce en una feria ambulante a la pitonisa Zeena (Toni Collette) y a su marido mentalista Pete (David Strathairn), de quienes aprende por intuición los “conocimientos” y trucos para adivinar las miserias de las personas y poder engañar a la riquísima élite de la alta sociedad neoyorquina de los años 40. Stanton cuenta con la lealtad de Molly (Rooney Mara) un personaje que se mueve entre lo decente y la decadencia de Carlisle, Molly es la conciencia de las almas. El plan estafar a un peligroso magnate (Richard Jenkins) con el apoyo de la misteriosa psiquiatra (Cate Blanchett), quien reconoce las miserias y puntos débiles de Stanton para poder manipularlo.
La propuesta dramática, la ambientación y la estética en la que se apoya Del Toro nos descubre visual y narrativamente una película con dos estructuras muy marcadas, la inicial en el circo apoyada de un escenario que ofrece todo el contexto del mundo circense y la segunda que se desarrolla en la gran ciudad art decó. Con una glamorosa Blanchett interpretando a la enigmática psicoanalista Lilith Ritter, recordándonos a las mujeres de la edad de oro de Hollywood, personaje que termina siendo una especie de alma gemela de Stanton.
El callejón de las almas perdidas resulta un estruendoso recorrido por las almas de sus protagonistas, con sus oscuros secretos y predecibles finales. Es en ese momento cuando la historia forma un círculo perfecto, entre el principio y el final. Es en ese momento cuando Stanton cierra su ciclo, volviendo al principio de la historia, ya no siendo un monstruo solo por dentro. Ahora también lo es por fuera. Es el personaje grotesco, el engendro. Ya se convirtió en la principal atracción del circo.
CODA
Al comenzar CODA uno se traslada al 2014 y ve cuadro tras cuadro a La Familia Belier , una maravillosa y conmovedora película francesa dirigida por Éric Lartigau, escrita por Victoria Bedos y con una excelente banda sonora apoyada en piezas musicales francesas de Michel Sardou. Trata sobre una familia sorda y su hija oyente que sueña con cantar. CODA es la adaptación de la directora Sian Heder y estrenada en el Festival de Cine de Sundance 2021.
Es el acrónimo en inglés de ‘Child of Deaf Adults’, ( hija de adultos sordos), en este remake la protagonista es Ruby Rossi (Emilia Jones) la hija menor y la única que puede oír en su familia, donde ambos padres y su hermano son sordos. La familia Rossi se dedica a la pesca y depende en todo sentido de su hija: para los negocios, en la venta de lo que pescan, para comunicarse con su comunidad, para defender su derechos, en las citas medicas y en toda la cotidianidad de esta familia. Esta dependencia interfiere en la vida y sueños de la joven, quien a pesar de las circunstancia se encuentra entre su amor por la música, su sueño de ser cantante y su miedo a abandonar a sus padres.
Tanto La familia Belier como CODA, trata de inclusión, de los lazos familiares, los valores, del respeto por la individualidad, la solidaridad, el apoyo, la responsabilidad, el amor y sobre todo de entender la sordera como parte de la vida. A pesar de que Ruby nos da la impresión de no afectarle el bullying de sus compañeros ni su situación familiar, en realidad sufre. Siendo su único escape integrarse al coro de la escuela el cual es dirigido por el profesor Bernardo Villalobos interpretado por el actor mexicano Eugenio Derbez quien descubre el talento de la joven y le da la oportunidad de prepararla para audicionar y tener la posibilidad de entrar a la Universidad de Berklee.
Además de Emilia Jones, destacan las actuaciones de Marlee Matlin (Children of a Lesser God y ganadora del Oscar), como Jackie Rossi la madre, Troy Kotsur como el padre Frank Rossi y Daniel Durant en el rol de Leo Rossi el hermano, todos actores sordos en la vida real.
Coda, está nominada a los premios Oscar 2022 en la categoría Mejor película, Mejor guión adaptado y Mejor actor de reparto (Troy Kotsur). Disponible en Apple TV.
The Sinner
@MariamKrasner
En el 2017 se estrenó en Netflix la primera temporada de la miniserie The Sinner, basada en la novela homónima de Petra Hammesfahr. La primera entrega con el nombre de Cora, vemos como una tranquila madre de familia, durante un día de playa junto a su familia, sin motivos aparente se abalanza sobre un joven asesinándolo a cuchilladas de manera violenta. Este caso sirvió para conocer al detective Harry Ambrose, sus manías y debilidades a las que se enfrenta para poder descubrir las causas detrás de este misterio.
Esta primera temporada apoyada en flashbacks va enmarcanda en la intriga de la estructura de una historia cargada de una gran trama psicológica. Cada temporada es un caso diferente, siendo el detective Ambrose (interpretado por Bill Pullman) el encargado de resolver la historia. En la segunda temporada (Julian) Ambrose regresa a su ciudad natal, después de que un niño de 13 años confesara haber envenenado a sus padres, enterándose de los secretos que los habitantes de la ciudad están decididos a mantener enterrados. En la tercera temporada bajo el titulo de Jamie lo que parecía una investigación rutinaria sobre un trágico accidente de carro en las afueras de Dorchester, en el estado de Nueva York, la investigación da un giro radical. Se convierte en uno de los casos más perturbadores de la carrera de Ambrose poniendo en peligro a su propia familia.
Retirado de la policía, Harry Ambrose toma unas vacaciones en Deer Island al norte de Maine, sirviendo de escenario para la cuarta temporada (Percy).
El propio Ambrose una noche es testigo de la aparente muerte de Percy Muldoon, cuando se lanza desde un acantilado. La chica es miembro de la principal familia pesquera del lugar, pero una serie de indicios hacen dudar a Ambrose quien se dedica a investigar los hechos que pueden estar detrás de la muerte de Percy. Esta temporada catalogada como un whodunit (Who has done it? o Who’s done it? «¿Quién lo ha hecho?) se trata de una variedad de tramas complejas que suceden en la isla, las que obligan al detective a ir resolviendo un rompecabezas donde las sospechas recaen en varios personajes cercanos a la victima, La capacidad de observacion, la terquedad del detective y su forma de actuar recuerda en algunas escenas al famoso detective Columbo y su capacidad de incomodar con su presencia. Si eres fanatico de la novela policiaca esta cuarta temporada no defraudara.
Rey Richard
@mariamkrasner
Estrenada en HBO MAX, el Rey Richard es más que un biopic de las campeonas y famosas hermanas del tenis: Serena y Venus Williams. La trama se centra en la historia de un padre que planifica como cumplir su sueño mucho antes que sus hijas nacieran. Richard Williams, un día vio en televisión cuando Virginia Ruzici tenista rumana, recibía 40.000 dólares por ganar un torneo. En ese instante tomó la decisión de que tendría dos hijos, serian tenistas y campeones. Sin tener idea sobre ese deporte, trabajo en un plan que escribió en 78 paginas que serian su guía día a día, a partir del momento que nacieron sus hijas, Venus en 1979 y Serena en 1981.
Es una buena película, que nos enseña que los sueños se tienen que trabajar y muy duro para que se hagan realidad. La resiliencia, el manejo de crisis, el rol de la familia y su importancia al compartir un objetivo son parte de la trama.
Durante dos horas y media, el cineasta de origen puertorriqueño Reinaldo Marcus Green director de la cinta, se apoya en las actuaciones memorables de Will Smith (también productor), y junto con Smith destacan los roles de Aunjanue Ellis como Oracene Williams (la madre), Saniyya Sidney como Venus y Demi Singleton como Serena. Todos impecables y con una fuerza interpretativa que dejan huellas en la pantalla. Película donde también las Williams son productoras ejecutivas.
Williams es un hombre de origen humilde, tuvo que soportar desde niño la violencia causada por el racismo, el abandono de su padre y los malos tratos. Antecedentes que forjan a un ser vulnerable, desconfiado, egoísta, obstinado, pero sobre todo terco y optimista. Richard lo deja claro cuando se refiere a que “tengo a dos Michael Jordan”
La historia nos permite entrar de forma directa y sin matices, en la intimidad familiar y en la personalidad de esta trilogía que conforman el padre y las hijas. Sus primeros entrenamientos en cualquier espacio dentro de un parque publico, la lucha del padre por mantenerlas al margen de la violencia y el mundo de las drogas que viven los jóvenes de su comunidad, la búsqueda de entrenadores, el rechazo, vemos a un padre entregando folletos caseros y videos para que los entrenadores conocieran el talento de sus hijas, la fuerza de ambas cuando comenzaron a participar en los primeros torneos juveniles, la disciplina mental, física, el manejo temprano de la fama y la presión de los sponsors.
En la actualidad, entre las dos hermanas poseen ocho medallas olímpicas y sus ganancias se estiman en unos 36 millones de euros, en el caso de Venus, y casi 77 millones, en el de Serena. No se puede negar que el plan del Rey Richard si funcionó.
Being the Ricardos (Todo sobre los Ricardos)
@MariamKrasner
No se trata de una biopic de Lucille Ball y Desi Arnaz y tampoco nos muestra todo sobre los Ricardos. Al contrario, el film que se puede disfrutar por Amazon Prime, nos ubica en una semana en 1953 donde la pareja debe manejar la acusación a Lucille, de pertenecer al partido comunista. Así como de rumores de infidelidad, desencuentros entre el equipo de producción, un inesperado embarazo, la relación con los sponsor y sus diferencias con los ejecutivos de CBS.
Bajo el guion y la dirección de Aaron Sorkin (guionista de las series The West Wing y The Newsroom, y de las películas Cuestión de honor, La red social, Moneyball y Steve Jobs) dirige su tercera película, luego de las excelentes Apuesta maestra y El juicio de los 7 de Chicago.
En esta historia, Sorkin a pesar de trabajar en este proyecto desde el 2015, no llega a la calidad y perfección de sus anteriores películas. La trama se debilita y se vuelve confusa durante el uso de una estructura temporal fragmentada. Apoyada en unas entrevistas simulando un documental, lamentablemente en este caso, esta herramienta narrativa nos separa de los orígenes de la fama de la actriz, de su esencia como cómica, de su éxito y de por qué llego a ser una de las actrices más queridas.
El peso de las interpretaciones lo llevan Nicole Kidman y Javier Bardem. Una vez más Kidman (quien reemplazó a Cate Blanchett) capta a la perfección la personalidad de Ball. (Ganadora como mejor actriz de los recién entregados Golden Globes) Por su parte Bardem, a pesar de que su físico se distancia mucho del cubano Arnaz, logra una buena interpretación con su famosa frase “Lucy, ¡I’m Home!”. Los acompañan en el reparto, Nina Arianda como Vivian Vance, la actriz que interpretó a Ethel, la inolvidable vecina y amiga de Lucy y J.K. Simmons como William Fawley quien interpreta a Fred Metz, el esposo de Ethel en I Love Lucy.
Los mejores momentos de Todo sobre los Ricardos, son las escenas que nos presenta lo que esta pensando Lucille Ball. Su proceso creativo y su forma de visualizar y confeccionar las escenas. Momentos que son recreados en blanco y negro y nos acerca a algunas de las escenas icónicas del show.
Ball en 1940 participó en el musical Too Many Girls, donde conoció a Desi Arnaz, actor y músico cubano quien estaba comenzando su carrera en el cine. Se enamoraron y se casaron ese mismo año. Ball trabajaba en la radio en la comedia My Favorite Husband, los ejecutivos de CBS le propusieron llevar el show a la televisión. Ball condicionó al canal para incluir a Arnaz en la serie, naciendo Yo amo a Lucy, una de las comedias más exitosas de todos los tiempos. Arnaz fue un innovador del lenguaje televisivo con la incorporación de la multicámara, usando hasta 3 cámaras en la transmisión de la serie, así como un pionero en lo referente a la producción de series.
I Love Lucy se emitió por primera vez en octubre de 1951 durante seis temporadas, hasta 1957. La serie fue pionera al rodarse en un estudio delante de público en directo, práctica que se convertiría en un elemento habitual de las posteriores sitcom. Tuvo el primer elenco en conjunto, el primer especial de Navidad, la primera serie en tocar un embarazo y fue la primera comedia de situación en alcanzar el número 1 en el ranking de Nielsen.
La pareja fundó Desilu, productora de la serie llegando a convertirse en la productora independiente más grande de Estados Unidos. Ball y Arnaz se divorciaron en 1960, luego del divorcio, Ball compró las acciones a Arnaz, convirtiéndose en la primera mujer en dirigir su propia compañía de producción de televisión. Desilu estuvo relacionada en la producción de éxitos como Los intocables, Misión imposible y Viaje a las estrellas.
La Hija Oscura. (“The Lost Daughter”)
@MariamKrasner
La actriz Maggie Gyllenhaal arranca con buen pie en su debut como directora de su ópera prima La hija oscura. Una propuesta intima y dura, de las presiones del entorno, las exigencias y expectativas que pesan sobre las mujeres profesionales en su papel de madres. «Es una historia acerca de muchas de esas cosas sobre las cuales las mujeres hemos decidido permanecer en silencio de manera colectiva», comento Gyllenhaal en una presentación de la película.
El éxito de Netflix, está basado en el libro de la escritora que se esconde bajo el seudónimo de Elena Ferrante. En 1992 la autora italiana publicó su primer libro “El amor molesto”, que inspiró el filme con el mismo nombre dirigido por Mario Martone. Muchos analistas consideran que el nombre es un homenaje a la escritora italiana Elsa Morante. Ferrante en 2020 concedió una única entrevista, con 31 preguntas de traductores y libreros de varios países con motivo de la publicación de su novela «La vida mentirosa de los adultos». Son varios los que han intentado develar quién está detrás de la autora. En 2016, el periodista italiano Claudio Gatti, señaló que detrás de Elena Ferrante se escondía la traductora judía de origen polaco, Anita Raja y su esposo el escritor Doménico Starnone. Teoría que su casa editorial Edizioni E/O ni confirmó ni negó en su momento.
La hija oscura en una película que va mas allá del tema de la maternidad. Es una puesta donde se da cabida a las voces de diferentes mujeres, sus roles, sus decisiones, la forma de asumir sus vidas y relaciones.
La hija oscura está cargada de imágenes, diálogos, flashbacks y metáforas que nos acercan a Leda, interpretada por Olivia Colman, quien transmite de forma magistral el tono, la voz y los gestos de un personaje distante y misterioso. Una profesora que viaja a una playa en Grecia donde conoce a Nina (Dakota Johnson) una joven madre y su pequeña hija Elena. Este encuentro provoca en Leda sentimientos, recuerdos sobre su pasado y lo que significó abandonar a sus pequeñas hijas. En el encuentro con Nina, Leda se mira a sí misma y a las decisiones que tomó.
En muchas de las escenas en el pasado y el presente, se repite la naranja como un elemento simbólico. La fruta es un elemento repetitivo de los momentos felices que recuerda Leda junto a sus hijas y el juego de pelarla en forma de serpiente. Sin embargo, en el presente la naranja está en mal estado, como la de la cesta cuando recién llega al apartamento alquilado en la playa.
Gyllenhaal nos introduce en una película circular, comienza donde termina. Al final de la película – vengo con spoiler- la naranja vuelve a ser relevante después que Leda es herida por Nina al descubrir lo que pasó con la muñeca perdida de la pequeña Elena. En la escena final en la playa, Leda comienza a pelar una naranja mientras habla con sus hijas y se muestra feliz porque llevaban varios días tratando de localizarla. Esta escena final se nos presenta bajo distintas interpretaciones. ¿Está Leda muerta? ¿Es un sueño de Leda luego de morir? ¿Está Leda viva y habla con sus hijas? Vean La Hija oscura y lo comentamos.
Halston: vivir el presente como si no hubiera un mañana.
@mariamkrasner
“Nos dan un nombre, solo uno. Es lo único que tenemos mientras estamos vivos. Y lo único que dejamos cuando morimos. No valoré el mío lo suficiente”. Roy Halston
Halston es la nueva bioserie que Netflix estrenó en días pasados. En cinco capítulos nos muestra el Halston humano comenzando en 1938 cuando el niño Roy confeccionaba sombreros para su madre, y luego vemos a un Halston y su recorrido desde los años 60 hasta los 80. Con sus inseguridades que fueron su sombra toda su vida. El recuerdo permanente de un hogar marcado por la violencia, la fuerte presencia del padre, la vulnerabilidad de su madre y las carencias. Nos muestra el auge de un genio de la moda estadounidense que tuvo sus mejores años en las décadas de los 70 y 80, hasta convertirse en un icono a nivel mundial. Cómo influyo en su carrera Jackie Kennedy, cuando en 1961 uso su emblemático sombrero cilíndrico azul, en la ceremonia de posesión del presidente Kennedy.
Halston vivió al máximo, no había grises en su comportamiento de excesos de droga, sexo ni depresión. Se rodeo de compañeros sentimentales que conocían sus debilidades y se aprovecharon de ellas. En su trabajo lo acompañó un equipo, que no aguantó sus maltratos, malcriadeces ni desplantes a pesar de la admiración, el cariño y el interés personal que significaba trabajar en y para Halston.
Una excelente producción, dirección y casting, nos acercan a la vida de Roy Halston. La bioserie esta basada en el libro “Simply Halston: The Untold Story” de Steven S. Gaines. Bajo la dirección de Daniel Minahan, la actuación de Ewan McGregor y con la producción ejecutiva de Ryan Murphy. McGregor se funde en el personaje con su entonación, la gestual y el porte. McGregor, como parte de su preparación, aprendió a coser y mantuvo varias reuniones en privado con Liza Minnelli. “Simplemente quería que ella supiera que él estaba en buenas manos conmigo’’, dijo McGregor. “Se han dicho muchas cosas sobre Halston a lo largo de los años y quería que ella supiera que yo respetaba el amor que ella tenía por él y su amistad.
Murphy ha sido el productor de series de Netflix como: The Politician, Hollywood, Ratchet, Los chicos de la banda y de otras como NipTuck, Glee, American Horror Story, American Crime Story y la recordada película Comer, rezar y amar entre tantos éxitos.
En la serie destacan los personajes de la diseñadora de joyas Elsa Peretti (Rebecca Dayan) quien diseño la famosa botella con forma de lágrima donde venia la fragancia del perfume Halston, la de su modelo principal Joe Eula, (David Mahoney) el empresario David Pittu (Bill Pullman), el ilustrador y su único amigo verdadero; Joel Schumacher (Rory Culkin) y la de su amiga y confidente Liza Minnelli, donde la actriz Krysta Rodríguez se roba cada escena, comenzando con la de su interpretación de “Liza with a Z”.
El paso del éxito de un imperio lleno de excesos, ego, deudas, luchas de poder y malas compañías a la quiebra, solo hay un paso. Y de esas malas compañías destaca su relación por casi diez años con su amante Víctor Hugo (Gian Franco Rodríguez), quien por su origen venezolano le prepara arepas al famoso diseñador. Disfrutamos de la época de oro de la discoteca Studio 54, sus noches de brillo en la pista en compañía de Minelli, Bianca Jagger y Andy Warhol. La serie completa su atmosfera al ritmo de canciones de la época de los 60, 70 y 80.
Halston vendió no solo su alma sino también su marca al diablo. Perdió el uso de su nombre como marca en un acuerdo comercial que lo hizo rico, pero lo dejó bajo las ordenes de una serie de supervisores corporativos que poco sabían del mundo de la moda. Fue obligado a trabajar en una línea de ropa para J.C. Penney y en toda una serie de productos desde equipaje, alfombras y uniformes para la aerolínea Braniff Airways. En 1983 por presiones de marketing y de competencia, lanza Halston III una línea de ropa ‘low cost’, que fue un fracaso. El diseñador cae en un espiral que lo lleva a perder por completo el control de su empresa, de diseños y su nombre.
Decide abandonar Nueva York y parte a California para estar cerca de su familia. En 1990, Roy muere a los 57 años de complicaciones relacionadas con el SIDA.
Si algo me pasa, los quiero: emociones animadas en 12 minutos.
@mariamkrasner
Son 12 minutos que se van entre lagrimas y reflexiones. Si algo me pasa, los quiero es un emotivo cortometraje que nos presenta a un matrimonio que trata de sobrellevar, entender y aprender del vacío emocional que les deja la muerte de su pequeña hija, quien es asesinada en un tiroteo dentro de su escuela. “Si algo me pasa, los quiero” es el ultimo mensaje que la pequeña manda desde su celular, en el momento que comienza el tiroteo.
En los primeros minutos del corto, vemos a los dos padres cenando en silencio, pero lo que no se dicen lo gritan unas sombras que los acompañan y que siempre están presentes en los 12 minutos como protagonistas de la historia. Esas mismas sombras tratan de que la niña de 10 años no entre a la escuela, pero no lo consiguen. Las sombras de los padres se separan, pero la sombra de la hija los vuelva a unir. Nos presenta el día a día de llevar un duelo en este tipo de tragedias, la cotidianidad de vivir con las culpas y la ruptura en la comunicación. La canción que suena en un tocadiscos, la franela, la marca en una pared, el juego de pelota son recuerdos que siempre están presentes. Esos recuerdos rompen con la estética en blanco y negro del corto. Esos momentos son los únicos que están en colores.
Dirigido por Michael Govier y Will McCormack, y como productora ejecutiva la actriz ganadora del Oscar Laura Dern (“Marriage Story”).
Una característica del corto y que lo hace diferente, es que esta realizado en animación, con trazos gruesos, sencillos y sin dialogo. Las propias imágenes son suficientes para comunicar todos los mensajes que tienen la historia. Es un mensaje de dolor universal, pero también de esperanza sobre la capacidad del ser humano en sobrellevar y superar las tragedias.
El nombre del cortometraje esta inspirado en los mensajes enviados a sus seres queridos, por los estudiantes del Marjory Stoneman Douglas High School en Parkland, Florida en 2018 durante un tiroteo escolar real.
“Si algo me pasa, los quiero” es una alarma ante los constantes hechos de violencia con armas de fuego en las escuelas norteamericanas, nos hace reflexionar en sus consecuencias, el dolor y su impacto en el núcleo familiar.
NEW AMSTERDAM Y SUS LECCIONES DE LIDERAZGO
@mariamkrasner
La columna de la semana pasada de Streaming, spoiler y algo más, la titulamos New Amsterdam, de drama médico a lección de liderazgo y política. No centramos en la historia y sus personajes. Quiero en esta entrega compartir lo que según mi parecer son 12 lecciones de gestión que nos ha dejado la serie en las dos temporadas que he visto hasta el momento.
1 ¿En que te puedo ayudar?
Es el leit motiv del director del Hospital el Dr. Max Goodwin (Ryan Eggold). Nunca acepta un no como respuesta, no puedo, no necesito ayuda, ni el rechazo a tener la posibilidad de cambiar las cosas. Su propuesta de ayuda es la esencia de su estilo de gestión y liderazgo. Buscando actitudes activas y no pasivas. Generando siempre la acción con su pregunta para impulsar la transformación y las soluciones.
2 Liderazgo colaborativo
New Amsterdan resalta la importancia de la conducción de un líder colaborativo, Goodwin reconoce y motiva las relaciones interpersonales de su equipo para tener más éxito. Busca alinear a sus colaboradores directos para que salten sus propias barreras. Un líder colaborativo toma en cuenta las opiniones de sus colaboradores buscando soluciones efectivas, con la participación de los distintos puntos de vista de los doctores Helen Sharpe de oncología, Lauren Bloom en emergencias, Floyd Reynolds de cirugías cardiacas, Iggy Frome en psicología y el jefe de neurología Vijay Kapoor
3 Pensar diferente
El futuro es para quienes piensan diferentes y hacen de ello una táctica para el éxito. Para aquellos que tienen la capacidad de adelantarse al adversario o a las adversidades. Bajo esta premisa Goodwin y su equipo encuentran formas diferentes de canalizar y atender las expectativas que existen en su entorno y en cada uno de sus pacientes. Max es un líder auténtico y fiel a sus valores. La vocación médica que se presenta en la serie es uno de los ejes que mantiene cohesionado al equipo y los impulsa a pensar y actuar de forma diferente.
4 Ser Motivador
Estrenando su nuevo rol como Director Médico del hospital, Goodwin lo transforma por completo. Despide a gran parte del equipo médico, rompe con los vicios de la anterior gestión, de la mala atención y de la corrupción. Su principal objetivo son los pacientes. Para lograr el cambio, logra contagiar el sueño y el desafío que tiene por delante a todo su equipo. De inspirar y de motivar a través de un propósito y de causas que comparte con todos, dando el ejemplo con lo que hace y predica. Un buen líder sabe la importancia de los efectos en cadena y sabe aprovechar las acciones que generaran ruido en los distintos niveles del equipo para enfocarse en el mejor resultado posible.
5 Gestión inclusiva
New Ámsterdam es una serie que se enfrenta al sistema de salud de Estados Unidos, en su mayoría de tipo privado y muy costoso. El director del hospital se repite constantemente “Aquí todos tienen lugar, incluso los indocumentados. La prioridad es atender a las personas y salvar vidas.” Los valores de inclusión que transmite el protagonista, y la forma en que los transmite a todo el equipo, es uno de los aspectos que caracteriza el tipo de gestión dentro de este hospital publico. En el equipo de trabajo la diversidad es un aspecto que hace la fuerza entre los colaboradores y es una de las principales claves del éxito. Desde sus distintas especializaciones, su genero, culturas, razas y orientación sexual.
6 Estrategias flexibles
Saber como manejar los conflictos y tener la capacidad de enfrentarse a la barrera del cambio se puede lograr con unas estrategias flexibles y no rígidas. Es tiempo de tomar decisiones para lograr una adaptación a la nueva realidad buscando las formas menos traumáticas para la organización. Por eso los gestores de cambios permiten cumplir con nuevos objetivos y propósitos, buscando alianzas para reforzar las debilidades. “Como líder, la única pregunta que debes hacerte es que, si el costo de proteger New Amsterdam es tu conciencia ¿Lo pagarías? Los líderes toman decisiones que no los dejan dormir. Si estás durmiendo bien, no estás haciendo tu trabajo”. Ex director del hospital (Ron Rifkin) al Dr. Goodwin.
7 La importancia de las habilidades blandas
Los lideres empáticos saben detectar los propósitos y las habilidades individuales de los miembros de su equipo, para alinearlos con los propósitos colectivos de la organización. El equipo de New Amsterdam por encima de su conocimiento y experticias, resaltan en cada capitulo sus habilidades humanas, sus valores, empatía, el manejo de los conflictos, su comunicación, el manejo del estrés y la solidaridad entre ellos y con sus pacientes. El verdadero valor esta en la gestión humana y en el bienestar de todos los pacientes. El director confía en las competencias y en las habilidades de su equipo, cada uno tiene su rol bien definido y estan atentos a ayudarse mutuamente en lo profesional y en lo personal. Los hospitales aplican un modelo de conexión de competencias, llamado de “red flag” (bandera roja) donde todos los colaboradores conocen la organización y su funcionamiento, lo que ayuda a la resolución de los problemas en momentos de crisis.
8 Asumir Riesgos
Para poder romper con las bases de estructuras organizativas que arrastran vicios, corrupción y esquemas tradicionales, se tienen que tomar decisiones radicales y cortar de base dichos arrastres. Si alguien es disruptivo en su forma de gerencia y de comunicar es Max Goodwin, quien toma decisiones con firmeza, sin flaquear. Liderando y asumiendo las consecuencias y responsabilidades. El personaje central de la serie desafía permanentemente a las instituciones, se enfrenta a los aspectos legales, toma decisiones que son arriesgadas, que van en contra de los intereses preestablecidos y sabe decir no en el momento exacto, así esto signifique tambalear su posición dentro del New Amsterdam.
9 Los sueños se cumplen con el esfuerzo de todos
Cumplir las metas, lograr los objetivos y transitar los procesos de transformación implican la voluntad, el compromiso y el esfuerzo de todos. Es importante identificar dónde concentrar el esfuerzo, diariamente es imposible enfrentar todas las batallas e intentar saltar todos los obstáculos al mismo tiempo. El equipo de médicos del New Amsterdam muestran ese compromiso, abnegación y respaldo por encima de sus vidas privadas. No solo en el equipo de mando, sino también la actitud del equipo base. Las personas comprometidas y leales son las que hacen la diferencia.
10 Identificar las audiencias y el publico objetivo
Al definir quién es el público primario y conocer bien las audiencias, se evita perder esfuerzo, tiempo y recursos. Goodwin y el equipo, saben que lo mas importante son los pacientes por encima de la burocracia, la política y las presiones de la junta directiva del hospital. “Aquí todos tienen lugar, incluso los indocumentados. La prioridad es atender a las personas y salvar vidas.” El acercamiento a los pacientes, conocer su entorno e historias son herramientas empáticas y humanas para detectar en muchas ocasiones la realidad y saber el diagnostico. Sino díganle lo contrario al Dr. Kapoor, quien usa el sentido común para sus diagnósticos.
11 Comunicación y vocería
Definir una política de comunicación interna y externa, con un mensaje claro, sincero y transparente es algo fundamental en el manejo de un buen médico con sus pacientes, su equipo y su entorno. En la serie sus protagonistas viven constantemente momentos difíciles al informar a un paciente o familiares ,una mala noticia o un diagnostico comprometido. La empatía, el conocimiento, la experticia y la humildad son valores para tomar en cuenta en una política de comunicación acorde a este ámbito de acción. También es importante el rol de la vocería que atiende la comunicación externa y a los medios de comunicación. En la serie el rol de la vocería recae en la Dra. Helen Sharpe, donde se resalta el papel de los medios con respecto a la salud publica y el mundo de los laboratorios.
12 Transformación digital
El equipo del New Amsterdam sabe la importancia del cambio asociado con la aplicación de tecnologías digitales en todos los aspectos del hospital. Esto impacta en la operatividad, en los recursos y por supuesto se evitan los errores humanos.
Esto son algunos de los aspectos que destaco en el modelo de gestión de la serie, que nos pueden servir de ejemplo en el ámbito organizacional con enseñanzas claves en la conducción de equipos y de ecosistemas de trabajos, tanto en el ámbito público como privado.
Y no olvidemos practicar como lideres la pregunta, ¿en qué te puedo ayudar?