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OPRAH + VIOLA UN EVENTO ESPECIAL DE NETFLIX

@mariamkrasner

La actriz y productora estadounidense Viola Davis desnuda su alma en la entrevista realizada por Oprah Winfrey para el especial de Netflix: Oprah + Viola. Davis acaba de lanzar sus memorias en el libro Finding Me (Encontrarme), en el que relata sus recuerdos de infancia, la pobreza extrema en la que creció, el bullying, su inicios en la actuación y como llego a graduarse con honores de la Rhode Island College en 1988 y luego en 1993 en el conservatorio de artes la Escuela Juilliard, situada en el Lincoln Center en Nueva York.

La humanidad y asombro de Winfrey queda plasmado en este desgarrador documental de 48 minutos quien admite que pensó que había vivido en la pobreza hasta que leyó las memorias de Viola Davis. Memorias donde el valor y el sentido de superación resalta tras sus duras confesiones a la entrevistadora.  Un pasado que fue superado, pero no olvidado y la importancia de no renunciar a la esperanza ni a los sueños. 

Una pobreza extrema que arropaba a una familia que apenas tenía que comer. No tenían luz ni agua, el olor a orine la acompañaba impregnado en la ropa y en las noches dormía con la cara tapada para evitar que las ratas la mordieran. Estas son algunas de las anécdotas que comparte Davis en esta dura entrevista. Pero a la vez nos regala su capacidad, su fuerza, su resiliencia y su superación, hasta convertirse en una de las mejores actrices de cine, teatro y televisión.

Recordemos que, en 2017 Viola gano el Oscar como mejor actriz de reparto por su papel de Rose Maxson en la película dramática Fences (Barreras), interpretada junto a Denzel Washington. Además, Davis es la primera actriz negra en haber ganado un Óscar, un Emmy y un Tony, entre otros premios.

La pandemia fue el verdadero escenario de Davis, para entender que los premios y la fama no eran el epicentro para la felicidad. Estos meses le sirvieron para cuestionar el sentido de la amistad, sus relaciones, presiones y el valor del trabajo en sentido verdaderamente monetario sintiéndose muchas veces como una mercancía y no como un ser humano. “Creo que estaba teniendo una crisis existencial grave”, dijo Davis, y agregó que en ese momento estaba luchando por encontrar una conexión con el resto del mundo y el significado de su vida. A partir de todas estas interrogantes decidió desnudar su alma, y para ello tenia que recurrir a ese doloroso pasado, contar su historia y descubrir su presente.

Oprah + Viola es un encuentro donde la celebridad queda guardada en un cajón. Es una entrevista emotiva, conmovedora y sobre todo motivadora. La misma se desarrolla en el porche de la casa de Maui (isla del Pacifico que forma parte del archipiélago hawaiano) de Winfrey.  Resalto estas frases de la entrevista: “Este libro es mi regalo para los demás”, “Estoy viviendo para mi paz y mi alegría”, “Quiero ser feliz.” dijo Davis, entre lágrimas.  Oprah no se equivoco cuando conteniendo las lágrimas, dijo: “Al encontrarte a ti misma, nos has ayudado a todos”.

AMOR DE MADRE

@mariamkrasner

Como quien no quiere la cosa y aprovechando la semana del Día de las madres, le das play a la nueva comedia de Netflix: Amor de Madre, y comienzan la aventura y desventuras de José Luis (Quim Gutiérrez) a quien en plena boda la novia se le escapa con el DJ (el mismo que tenían contratado para amenizar el bonche) y por si fuera poco, cuando intenta devolver el viaje contratado de luna de miel en la paradisiaca Isla Mauricio, el agente de viaje le dice que es imposible. Así la compulsiva y sobre protectora Mari Carmen la madre del novio (Carmen Machi) decide acompañarle de “luna de miel” para no perder el dinero. 

Los días pasan en aquellas disparatadas vacaciones, mientras él cada minuto es mas miserable, paranoico, mal humorado e infeliz, su madre está pasando los mejores días de su vida, incluyendo poder disfrutar un viaje de luna de miel que nunca tuvo.

Bajo la dirección de Paco Caballero (Perdiendo el este – 2019 y Donde caben dos- 2021), esta comedia se deja colar con las excelentes actuaciones y la buena química que tienen el dúo Gutiérrez – Machi. Los acompañan Celia Freijeiro, Andrés Velencoso, Yolanda Ramos, Jorge Suquet, Justina Bustos y Dominique Guillo, entre otros.

En Amor de Madre,  los altibajos emocionales vienen uno tras otro. Es que piensen por un momento lo que seria irse a pasar la luna de miel nada más y nada menos que con la mamá. Mari Carmen, todo lo contrario al pobre José Luis, no está dispuesta a perderse ni un solo minuto de diversión de aquel “romántico viaje”, donde saca a flote la verdadera mujer que ha estado a la sombra de su marido y de su hijo. A punta de Daiquiri y participando en todo tipo de concurso, aventuras, bailes y hasta fumando porros servirá para que Jose Luis descubra a la mujer que tiene por madre.

Amor de madre es una comedia sencilla, sin pretensiones ni complicaciones. Perfecta para pasar un rato entretenido por su historia, actuaciones, puesta en escena y duración.

PÁLPITO

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Con el inicio de la promoción de esta serie-novela tenia el pálpito que seria mas novela que serie, a pesar de su estructura de 14 capítulos y con un final no concluyente que nos hace presumir que vendrá una segunda temporada.

¿Estaría usted dispuesto a cometer un crimen para salvar la vida de un ser amado? ¿Pagaría por asesinar a quien tiene el corazón compatible para poder trasplantarlo a la persona que ama? ¿Permanecen las emociones originales en el corazón trasplantado a otra persona? ¿Dónde se cruza la línea de lo moral y lo ético? Estas son algunas de las interrogantes a los que nos enfrenta esta producción colombiana.

Valeria, la esposa de Simón Duque es secuestrada y asesinada para extraerle el corazón y trasplantárselo a Camila Duarte, la esposa de Zacarías Cienfuegos, un hombre adinerado y asesor político del candidato a la presidencia del país. Cienfuegos es capaz de convertirse en cómplice de una organización de tráfico de órganos para salvar al amor de su vida. ¿Adivinen? Camila conoce a Simón en un concierto de Carlos Vives y enseguida entran en corto circuito al enamorarse. Simón trata de descubrir quienes asesinaron a Valeria y se tropieza con una banda de tráfico de órganos conectada con las altas esferas del poder. Valeria trata de descubrir quien fue su “donante” y descubre que lleva el corazón de la esposa de Simón. 

Pero ahí no quedan los problemas de Simón, quien se disfraza para infiltrarse dentro de la organización y descubre que su hija Samantha se involucra en una serie de problemas tras enomorarse de Tomás, un drogadicto que trabaja con Mariachi, Garabato y Sarmiento miembros de la organización.  Intentando salvar a su novio, Sam es atrapada por la organización de tráfico de órganos

Lamentablemente la trama del triangulo amoroso entre Simón – Camila y Zacarías hace que pase a un segundo plano un tema tan duro como lo es el tráfico de órganos. 

Vemos en “la organización” (como se llama la banda) y dentro de la historia, con una serie de personajes muy cliché que acentúa el contexto de la típica telenovela. Así como detalles de producción (el momento cuando el malandro de la banda llega al hospital y le entrega al propio Zacarías, una caja donde se guarda el corazón protegido por una bolsa plástica). A pesar del esfuerzo, la serie-novela tiene detalles y escenas que le restan calidad a la historia.

Tal vez esto marca una brecha pronunciada con los buenos thriller de Netflix, donde sobresale la calidad de la producción, la psicología de los personajes, el tratamiento de las tramas y la narrativa de los diálogos. 

La serie-novela es original del escritor y guionista de la televisión venezolana Leonardo Padrón, pluma conocida por novelas de éxito como Cosita Rica, La mujer perfecta, Ciudad Bendita o El país de las mujeres, entre tantas. 

La producción fue rodada en Bogotá, dirigida por Camilo Vega y protagonizada por un elenco colombiano de primera línea como, Ana Lucía Domínguez (Camila) Michel Brown (Simón), Sebastián Martínez (Zacarías) y Margarita Muñoz (Valeria), Jacqueline Arenal (Greta Volcán la madre de Valeria) y Mauricio Cujar (el candidato Braulio Cárdenas), entre otros.

A la fecha no se ha anunciado una segunda temporada. Sin embargo, en el desarrollo del capitulo final de la primera temporada quedan una serie de interrogantes, los cuales abonan el terreno para una continuación. Por otra parte, la aceptación de la serie-novela ha sido muy positiva a pocos días de su estreno. entró en la lista de producciones más populares dentro de la plataforma en países como Colombia, Chile, Perú, Venezuela, España y México.

ANATOMÍA DE UN ESCÁNDALO

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Es la nueva miniserie de Netflix basada en la novela homónima de la periodista británica Sarah Vaughan. La experiencia de Vaughan en el diario The Guardian, cubriendo las fuentes de Sucesos y Política, así como la cobertura de los tribunales en sus comienzos le dio todo el bagaje para hacer de Anatomía de un escándalo un Thriller psicológico cargado de suspenso, política, abusos sexuales y del establishment británico. 

Son 6 capítulos donde destaca el sello de los productores David E. Kelley (Big Little Lies, Ally Mcbeal, Golia, Perfect Strangers) y Melissa James Gibson (House of Cards, The Americans) y bajo la dirección de S. J. Clarkson (Marvel – Jessica Jones, Marvel – The Defenders).  Con las actuaciones de Sienna Miller (Sophie Whitehouse), Rupert Friend (James Whitehouse), Michelle Dockery (Kate Woodcroft) y Naomi Scott (Olivia Lytton). Destaca la música del sueco Johan Söderqvis, creando un ritmo a la historia que se complementa con un ambiente sonoro envolvente clave en los principales momentos de la trama.

James y Sophia Whitehouse son el perfecto matrimonio. Elegantes, guapos, padres de dos hijos. La pareja se mueve en la élite británica y en la esfera del poder político. James es parte de los ministros del Parlamento, una promesa figura dentro del gobierno y amigo personal desde la época de estudiantes en Oxford de Tom Southern, el actual primer ministro británico. Una acusación hace sucumbir la estabilidad de los Whitehouse cuando una asistente con la que James tuvo una aventura lo acusa de violación. Es caso recae en la abogada Kate Woodcroft quien es la fiscal encargada de demostrar la culpabilidad del político. 

Sin embargo, nada ni nadie en la trama es lo que parece. Una historia que se cruza entre el presenta y el pasado de los involucrados, donde las verdades están a medias para poder resolver el caso. Los diferentes testimonios dentro del juicio y los secretos que se van revelando hacen cambiar la percepción que se tienen de los personajes. El pasado de los personajes y los hechos son las claves que se van descubriendo en cada capitulo. 

Anatomía de un escandalo es un retrato sobre el poder político, la lucha contra el sistema, la justicia, los medios de comunicación y lo fácil que es a veces cambiar la verdad para moldear a la opinión. El giro inesperado e impactante del final hace de Anatomía de un escandalo una miniserie de maratón. 

Tras el éxito de la miniserie, sus productores ya trabajan en la adaptación de la última novela de Sarah Vaughan: Reputation. Otro thriller psicológico centrado en política. Según la sinopsis oficial “Emma ha sacrificado mucho por su carrera, su matrimonio y la relación de su hija. Pero ahora se volverá el centro de atención cuando un cuerpo es descubierto en su casa”. 

Ahora, solo nos queda esperar (escándalos es los que sobra) 

LOS DIARIOS DE ANDY WARHOL (The Andy Warhol Diaries)

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Recientemente Netflix estrenó la docuserie: Los Diarios de Andy Warhol. Enseguida me llamó la atención ya que es uno de mis libros que más atesoro. Su contenido nos describe a través de las vivencias de Warhol una época que marca la cultura en varios contextos: musical, artístico, social, moda, sexual, moral, ético, etc. Warhol sinónimo del POP Art, fue impulsor de un género vanguardista desde Factory (su sitio de encuentros y creatividad), de la banda de rock Velvet Underground, de Interview convertida en la revista de las celebridades de la sociedad neoyorkina, de sus películas y hasta de sus lugares preferidos como el famoso Estudio 54.

El libro de 980 paginas comienza el miércoles 24 de noviembre de 1976 y termina el martes 17 de febrero de 1987 (5 días antes del inesperado fallecimiento de Warhol). El diario surge de los dictados que le hacía cada noche a su secretaria y amiga Pat Hackett. Tal vez el desparpajo y la sinceridad con que Andy registra en sus paginas la vida, detalles y conversaciones de sus amigos nos hace suponer que nunca pensó que fueran publicados.

Pero aquí están no solo publicados póstumamente, sino convertidos en un excelente documental bajo la producción ejecutiva de Ryan Murphy ( guionista, productor y director quien nos trajo a la pantallas de Netflix: The Politician, Pose, Hollywood, Ratchet, Halston) y Andrew Rossi (Page One: Inside the New York Times) como director, cuya preparación de esta serie documental le llevó más de diez años. Rossi haceusó de un software de IA (Inteligencia Artificial) para recrear la voz de Warhol y leer parte de las memorias que sirven de hilo a esta propuesta tipo video clip en algunas de sus partes.  

Esta vez, es un paseo de la vida de Warhol a través de entrevistas, videos y apoyos fotográfico de sus amigos y principales colaboradores como: Bob Colacello, Rob Lowe, Julian Schnabel, John Waters, Fab Five Freddy y la propia Pat Hackett.  El documental se enfoca principalmente en las ideas, la religión, sus pensamientos y sus relaciones afectivo-sexual de su vida. La propuesta televisiva, no profundiza en hechos concretos y los momentos contundentes de la vida del artista son tratados de manera sutil.

Está dividido en seis capítulos: El primero, Señales de humo, sirve de introducción para conocer los orígenes, su vida familiar, su infancia, el bullying escolar, su predilección para el dibujo, su mudanza cuando tenía 20 años de Pittsburgh a Nueva York en 1949, y la fundación de The Factory, su estudio ubicado en Union Square. El segundo nos lleva a Sombras: Andy y Jed, como fueron sus primeros pasos en la alta esfera de Nueva York, sus primeros encuentros con los famosos de la época y aborda su relación con Jed Johnson, director de cine y diseñador de interiores estadounidense. Jed fue su empleado limpiando los espacios de The Factory, se mudó con Warhol y permanecieron juntos por doce años, murió en un accidente aéreo en 1996. La tercera entrega, Doble vida: Andy y Jon. Vemos sus primeros pasos dentro del mundo del modelaje, el concepto de la ambigüedad en sus obras y en su relación con Jon Gould, alto ejecutivo de los estudios Paramount, cuya orientación sexual trato de mantener en el anonimato por su carrera y quien murió en un accidente a los 33 años. El cuarto capitulo, Colaboración: Andy y Basquiat se ubica en los años 80, vemos la influencia de los grafiteros en el arte urbano y su relación con el pintor. Basquiat fue un artista neoyorkino de ascendencia haitiana y puertorriqueña, Warhol fue una de las mayores influencias de su obra. El penúltimo capitulo es 15 minutos, donde el peso de la figura de Andy Warhol se siente más humana y sincera gracias a unos programas de televisión y también nos muestra su conflictiva relación con Jean Michel Basquiat. La serie termina con Amando el extraterrestre, donde el VIH es el protagonista y su impacto en Nueva York, llamado por Warhol como ‘el cáncer de los gays’ y el momento de la creación de su serie artística basada en la obra de La Última Cena de Leonardo da Vinci. Si quieren conocer los secretos del artista, esta docuserie nos acerca a momentos íntimos del padre del Pop Art, su vida personal, sus inspiraciones, momentos de creación, sus miedos, inseguridades, forma de amar y sentimientos. Todo a través de sus propias palabras (así sean por inteligencia artificial)

Granizo 

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Es una tragicomedia cargada de pura ironía y del humor argentino. Todo eso es la película recién estrenada en Netflix, dirigida por el cineasta Marcos Carnevale, con un guion coescrito por Nicolás Giacobone y Fernando Balmayor. La historia gira alrededor de Miguel Flores un reconocido meteorólogo, protagonizado por Guillermo Francella, uno de los principales actores del momento de la industria cinematográfica de su país. Comediante, director de teatro y cine, recordado por sus papeles en Rudo y Cursi, Corazón de León, El robo del siglo y El secreto de sus ojos (ganadora en el 2009 al premio Oscar a la Mejor Película de Habla No inglesa). 

Miguel Flores es un famoso meteorólogo de la televisión conocido como el infalible. El rey del rating y del selfie. Todos lo admiran y lo adoran. El estreno de su nuevo programa: El Show del tiempo es anunciado con bombos y platillos. Miguel Flores es la cara de buses, paradas y vallas luminosas. Sus fans disfrutan en horario estelar de la gran noche del estreno, un magazine que combina música en vivo, entretenimiento, baile y un cuidadoso decorado donde el infalible es una especie de Susana Giménez del clima. Pero Flores, se equivoca en la predicción del tiempo y una terrible tormenta de granizo acaba con la reputación del infalible. Así, amanece (literalmente) convertido en el enemigo público para el canal, sus fans, amigos, compañeros de trabajo, medios, redes sociales y vecinos. 

Las redes sociales explotan, Miguel es tendencia, su vida pasa a ser un meme. Todos los programas de televisión lo cuestionan. En la radio solo se habla de la equivocación de Miguel Flores.  El ya no tan ídolo, cuestionado y señalado, se ve obligado a huir de Buenos Aires para refugiarse en su ciudad natal de Córdoba en casa de su única hija. A quien tenia tiempo sin ver y sus relaciones no son nada buenas. 

El papel de los medios, el impacto de las redes sociales, las relaciones familiares, lo efímero de la fama y la fortuna, son temas que sirven de ejes para la trama de Granizo. Las relaciones humanas y las contradicciones nos trazan un camino muy particular en la historia mediante Bernardo, un excéntrico personaje que la da un giro a la vida de nuestro protagonista y Osvaldo un pequeño pez naranja que es el equilibrio emocional de Flores. 

Sin llegar al clímax de un spoiler, Granizo tiene un final forzado y poco creíble. Una mezcla de comedia con catástrofe natural que resulta un poco extraño y hace por momentos que uno pierda el tono irónico de la película. Esto no quita, que es la primera en el ranking argentino de Netflix desde que se estrenó el pasado miércoles 30. 

Stan & Ollie

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“Para el año 1937, Stan Laurel y Oliver Hardy habían alcanzado el pináculo de su carrera”, con esta frase comienza la película Stan & Ollie que nos permite recorrer de manera sutil, respetuosa y con afecto el declive (no muy pronunciado) de la carrera de este dúo inolvidable. El realizador escocés Jon S. Baird (Fith y Cass) no puede evitar mostrarnos que siente una debilidad personal por ambos personajes. Presenta la historia de una manera sobre protectora hacia uno de los dúos mas famosos de la comedia como lo fueron “El Gordo y el Flaco”, tratamiento que por demás agradecemos los admiradores de este par.

La representación de estos personajes es brillante y el maquillaje de ambos es asombrosoStan es interpretado por Steve Coogan y Ollie recae en el actor John C. Reilly, quienes nos hacen olvidar el presente y ubican al espectador en el pasado frente a los personajes verdaderos. Inspirada en el libro Laurel & Hardy: The British Tours, la película escrita por Jeff Pope y “A. J.” Marriot arranca con El Gordo y el Flaco en 1952, cuando se ven obligados a iniciar una larga gira por Inglaterra ante su extinguida carrera cinematográfica y el final de sus contratos en conjunto con los estudios de Hollywood.

El Gordo y el Flaco casi veinte años después de sus éxitos taquilleros, deciden iniciar una gira de despedida teniendo siempre presente lo que fue su gran época dorada. Con el apoyo incondicional de sus respectivas esposas Lucille (Shirley Henderson) e Ida (Nina Arianda), logran reconquistar y enamorar al público de las salas de Reino Unido. Un nuevo comienzo difícil, lleno de percances personales, con un nuevo manager y salas de teatros vacías. Donde la amistad y el talento es el motor para seguir adelante y triunfar como se merecen.

Este biopic se mete en la piel de Stan y de Ollie, nos muestra la personalidad de cada uno por encima de los personajes que representan, con sus debilidades, miedos y frustraciones, así como en las situaciones y circunstancias personales que les convirtieron en leyenda.

Stan & Ollie nos recrea con estupendos diálogo que nos llevan entre la “realidad” y la representación. Ollie no es un malhumorado como su personaje, sino un gordo buena gente, simpático y con serios problemas de salud y de apuesta. Laurel es el organizador, cerebro del dúo, mantiene todo el tiempo la ilusión en la versión de Robbin Hood que ambos interpretaran y es quien escribe todos los guiones de las presentaciones. 

La película resulta una puesta conmovedora de la vida de ambos.  La esencia humana fuera del escenario y la sinergia cómica cuando sube el telón. Un chispa única que esta por encima de las desdichas que puedan padecer. Y es en ese momento de la actuación, donde sus esposas rodeadas de espectadores en un perfecto plano fijo, nos dejan claro que son las únicas que saben realmente lo que sucede. Esto nos hace tener un acercamiento intimo y personal hacia los verdaderos hombres detrás de sus papeles.

Un epílogo escrito al final nos devela lo que sospechamos desde el primer minuto de la película, que esta gira fue la última vez que trabajaron juntos. La salud de Ollie siguió en picada tras la gira, muriendo en 1957. Por su parte, Stan nunca se recupero de la muerte de su amigo, siempre se negó a trabajar sin su compañero y se retiró de la escena, falleciendo ocho años después en 1965.  

Stan siguió escribiendo diariamente sketches para Laurel y Hardy durante los últimos ocho años de su vida. 

Admiradores y no tanto de estos personajes, pueden disfrutar de la película en Netflix.

DUNE

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De la adaptación del libro de Frank Herbert recordamos la versión de 1984 de David Lynch para hablar de la nueva versión del director canadiense Denis Villeneuve (La llegada y Blade Runner 2049). El acabado artístico de esta propuesta coloca al genero de ciencia – ficción en un espectáculo fascinante. Dune debe ser considerada un Space Opera por su intensidad visual que está por encima de su trama y de sus actuaciones. Con un costo de 165 millones de dólares, se convierte en una de las películas más nominadas a los premios Oscar, y con razón Dune aparece en las nominaciones mas artísticas y técnicas como: Mejor Película, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Sonido, Mejor Banda Sonora, Mejor Guión Adaptado, Mejor Montaje, Mejores Efectos Visuales, Mejor Maquillaje, Peinado. Mejor Fotografía y Mejor Diseño de Producción.

Dune se nos plantea como una propuesta de dos películas. Actualmente vemos la primera parte (recientemente se anunció el estreno de la segunda parte para octubre de 2023) Destacan las actuaciones de Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Stephen McKinley Henderson, Zendaya y Javier Bardem.

Dune”, cuenta la historia de Paul Atreides (Chalamet) un joven héroe, con una enorme carga emocional y familiar, quien deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su pueblo. Este viaje lo lleva a enfrentarse a distintas fuerzas del mal y solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir. A Paul le aguarda su destino. Hijo de un gran líder y heredero real de la noble Casa Atreides, ha pasado toda su vida formándose con maestros y mentores para perfeccionar sus habilidades de combate y su intelecto.  Una vez que llegue a Arrakis, el planeta más peligroso del Universo, se tendrá que enfrentar a la invasión de su planeta, el asesinato de su padre y a sus miedos para cumplir su destino.

Si hay un protagonista en esta propuesta de Villeneuve es el desierto de Arrakis del planeta Dune. Para esto sus locaciones tenían que ser impactantes para lo que se seleccionó el desierto de Liwa, en Abu Dhabi, donde rodaron durante 11 días. Para las escenas más áridas y de más dramatismo de Arrakis, Villeneuve seleccionó a Wadi Rum o el Valle de la Luna, en Jordania. También aparecen las playas de Stadlandet, en Noruega, situado entre el Mar de Noruega y el Mar del Norte, seleccionada para ambientar el planeta Caladan lugar natal de Paul Atreides. 

Dune, es una película con un ritmo muy peculiar que nos pasa de unas escenas personales, intimas con diálogos y gestos muy contemplativos a la acción frenéticas, cargada de mucha rapidez, violencia, luchas y una sobre carga de efectos visuales. En donde la magnifica banda sonora de Hans Zimmer sirve para marcar esos cambios de ritmo. 

Solo nos queda bajar la adrenalina que genera en el espectador esta primera parte, que ya pueden ver por HBO Max.

EL PODER DEL PERRO

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Después de doce años alejada del cine, la directora Jane Campion nos sorprende con El Poder del Perro, un film que nos hace creer que estamos ante un western y llegando a los minutos finales descubrimos una historia diferente, compleja y cargada de tensión. Complejidad que siempre esta presente en sus personajes atormentados, débiles, silenciosos, manipuladores y reprimidos.

Este filme es una adaptación de la novela autobiográfica del mismo nombre escrita en 1967 por Thomas Savage, quien creció en un rancho en Montana. Las circunstancias y la época obligaron a Savage a reprimir su sexualidad. Y es aquí donde gira el centro de la historia.

‘El poder del perro’ es una película de Netflix logrando 12 nominaciones en los Oscar 2022 en las categorías de Mejor Película y Mejor director. La neozelandesa Campion se ha convertido en la primera mujer directora en conseguir una segunda nominación a la Mejor Dirección (recordemos que la primera fue en 1994 por la magnifica película ‘El piano’). Mejor actor (Benedict Cumberbatch), Mejor Actriz de Reparto(Kirsten Dunst) Mejor Actor de Reparto (Jesse Plemons y Kodi Smit-McPhee), Mejor Guion Adaptado, Mejor fotografía, Mejor Sonido, Mejor Banda Sonora Original (Jonny Greenwood) , Mejor edición y Mejor diseño de producción. La película de Jane Campion, se convirtió este año en la más nominada y además todos sus actores están en las nominaciones de sus respectivas categorías interpretativas.

“Cuando murió mi padre, yo solo quería que mi madre fuera feliz. ¿Qué tipo de hombre iba a ser si no ayudaba a mi madre? ¿Si no la salvaba?” Esa es la frase en voz en off con la que arranca la película y donde esta la esencia de la historia. Una historia que se desarrolla en 1926 en un rancho en Montana, apoyada principalmente en la psicología masculina toxica de Phil (Benedict Cumberbatch) y la relación con su hermano George (Jesse Plemons). 

El poder del perro es una película con dos ritmos muy marcados. La primera parte es lenta, muy lenta, silenciosa y a veces desesperante. Se apoya principalmente en la desagradable forma de ser de Phil y el resto de los personajes son aparentemente opacados por las humillaciones de este. En la segunda parte, Campion le va dando un giro y un sentido distinto a la historia. El western se convierte en un thriller donde va creciendo la tensión, la represión, donde los personajes se crecen y se convierten en una ficha clave para el desenlace.

Phil (Benedict Cumberbatch) y George (Jesse Plemons), visitan una taberna propiedad de Rose (Kirsten Dunst), Phil atormenta a su hijo Peter (Kodi Smit-McPhee) se burla de su físico, de su exagerada gestualidad abiertamente amanerado y de los adornos en forma de rosa realizados por Peter. La historia sigue cuando Rose y George se enamoran, se casan y se van a vivir al rancho llevándose a Peter. Phil, es un ser violento y rudo. Rasgos que usa como fachada para ocultar su homosexualidad reprimida y su infelicidad. Quien va debilitándose frente a Peter. 

Peter es quien verdaderamente lleva las riendas de la relación, casi desde el principio, utiliza su aparente vulnerabilidad para manipular a Phil y conducirlo hasta la muerte. Campion nos da pistas en varios momentos de la película sobre el lado oscuro y vengativo de Peter. Desde el principio, Peter sabe que mientras Phil viva, su madre jamás será feliz y planea con maestría y frialdad el final de Phil y el final de la historia.

Peter no asiste al funeral de Phil. En su lugar recita un verso de la Biblia: el salmo 22:20 “Libra de la espada mi alma. Mi vida, del poder del perro”.  Esto se refiere a los enemigos del Rey David y a aquellos que crucificaron a Jesús, atacando como una jauría de perros. 

BELFAST

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Su guionista y director Kenneth Branagh nacido en Belfast en 1960, nos regala (si porque Belfast es un regalo), una historia de gran peso autobiográfica donde destaca el niño Jude Hill interpretando a su álter ego Buddy. Con siete nominaciones a los Premios Oscar por mejor película, mejor dirección, mejor actor y actriz de reparto (Ciarán Hind y Judi Dench, respectivamente), mejor sonido, mejor guion original y mejor canción original (“Down to Joy”) de Van Morrison.

Su comienzo nos atrapa con unas tomas a todo color de la Belfast actual donde vemos su puerto, sus astilleros, modernos edificios, espacios públicos y los cruceros que llegan a la zona para dar paso a las imágenes en blanco y negro y ubicarnos al 15 agosto de 1969. 

Belfast nos cuenta la historia a través de las vivencias de Buddy, un niño ingenuo, cariñoso y ocurrente que vive y siente el conflicto armado que se dio en esos tiempos en una Irlanda del Norte llena de violencia callejera, con grupos de choque protestantes que intentan expulsar a la minoría católica que hasta entonces convivían puerta a puerta y de forma pacífica como vecinos.

A pesar de las circunstancias Belfast es un film familiar mas que político, circunstancias que mueven la vida de sus personajes. Buddy vive en un hogar lleno de contradicciones, pero con mucho amor, incertidumbre y con serios problemas económicos. Cada minuto que pasa uno siente mas empatía y afecto por ese niño, quien vive con su madre (Caitríona Balfe), con un padre obligado a estar ausente por su trabajo (Jamie Dornan), un hermano mayor y la presencia de sus maravillosos abuelos (Judi Dench y Ciarán Hinds), quienes se roban la pantalla con sus estupendos diálogos y actuaciones.

Branagh nos ofrece un guion muy personal, con momentos y acercamientos a ciertos lugares comunes al género literario y cinematográfico del coming-of-age (se enfoca en el crecimiento psicológico, personal y moral del protagonista, apoyado en el dialogo y en las respuestas emocionales en lugar de enfocarse en la acción) Buddy cuando va al cine queda fascinado con Raquel Welch y empieza a mostrarnos la inocencia del primer amor que descubre en una compañerita de clase. 

Belfast nos va trasladando a momentos específicos, cuando la familia se reúne para ver por televisión la llegada del hombre a la luna o cuando van al cine a ver la película musical Chitty Chitty Bang Bang. Lugares y situaciones que generan sentimientos y nostalgia en el publico contemporáneo con Branagh.

El uso del blanco y negro sirve para enmarcar una lección de vida que atrapamos como nuestra. Con la acertada elección de hacer este recorrido intimo acompañados de la música del gran Van Morrison (también nacido en Belfast). Temas como Wild Night, Caledonia Swing, Bright Side of the Road, Warm Love, Jackie Wilson Said, Days Like This, Stranded, Carrickfergus, And the Healing has Begun y Down to Joy (nominada al Oscar como mejor canción original)

Belfast es una película que al finalizar uno queda con ganas de volver a ver. No solo por sus personajes y lo sublime de la historia, sino por su diseño de producción, su ritmo, el uso del color en los momentos que nos ubican en el cine o en el teatro, por su dramaturgia que marca las anécdotas infantiles de Buddy y por excelente banda sonora. Belfast es una película difícil de olvidar.

El callejón de las almas perdidas

“Solo hay dos historias que vale la pena contar en cualquier circunstancia: un personaje que lo gana todo y un personaje que lo pierde todo” Guillermo del Toro.

El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley) es una novela escrita por el estadounidense William Lindsay Gresham y publicada en 1946. El director Edmund Gouldingen en 1947, llevó la novela al cine protagonizada por Tyrone Power y Joan Blondell, en una adaptación considerada hoy en un clásico de culto. Ahora es Guillermo del Toro quien la readapta en forma de ‘neonoir’, en un filme oscuro, violento y pesimista, con las actuaciones de Bradley Cooper, Cate Blanchet, Rooney Mara y Toni Collette.

La historia no solo se sumerge en las profundidades de una feria de circo, o de sus sórdidos y oscuros personajes. En el callejón, lo monstruoso y repugnante no parte de lo físico. Parte de lo amoral y de la bajeza del ser humano. A estos temas y personajes ya nos tiene acostumbrado el director mexicano Guillermo del Toro, recordemos La forma del agua (ganadora del premio Oscar), el Laberinto del Fauno o Hellboy, por mencionar algunos.

En esta película lo grotesco esta representado en los engendros, en los personajes de la feria, los estereotipos y sobre todo en el publico que se ríe de ellos. Con personajes cínicos, manipuladores, sin nobleza, ni escrúpulos, retorcidos en sus propias miserias, pasados y traumas.

El callejón de las almas perdidas durante los primeros minutos nos muestra a un hombre arrastrando un cadáver, lo entierra bajo el suelo de una casa y la prende. El protagonista de la historia: Stanton Carlisle (Bradley Cooper), un personaje silencioso, observador, patético, tramposo, embaucador, criminal, ambicioso y carismático.

“El alemán que se parece a Chaplin acaba de invadir Polonia”, comenta uno de los personajes, lo que nos permite ubicarnos en una historia que ocurre entre 1939 y 1941; en plena explosión de la Segunda Guerra Mundial. 

Un carismático y ambicioso Stanton Carlisle (Bradley Cooper) conoce en una feria ambulante a la pitonisa Zeena (Toni Collette) y a su marido mentalista Pete (David Strathairn), de quienes aprende por intuición los “conocimientos” y trucos para adivinar las miserias de las personas y poder engañar a la riquísima élite de la alta sociedad neoyorquina de los años 40. Stanton cuenta con la lealtad de Molly (Rooney Mara) un personaje que se mueve entre lo decente y la decadencia de Carlisle, Molly es la conciencia de las almas. El plan estafar a un peligroso magnate (Richard Jenkins) con el apoyo de la misteriosa psiquiatra (Cate Blanchett), quien reconoce las miserias y puntos débiles de Stanton para poder manipularlo.

La propuesta dramática, la ambientación y la estética en la que se apoya Del Toro nos descubre visual y narrativamente una película con dos estructuras muy marcadas, la inicial en el circo apoyada de un escenario que ofrece todo el contexto del mundo circense y la segunda que se desarrolla en la gran ciudad art decó. Con una glamorosa Blanchett interpretando a la enigmática psicoanalista Lilith Ritter, recordándonos a las mujeres de la edad de oro de Hollywood, personaje que termina siendo una especie de alma gemela de Stanton.

El callejón de las almas perdidas resulta un estruendoso recorrido por las almas de sus protagonistas, con sus oscuros secretos y predecibles finales. Es en ese momento cuando la historia forma un círculo perfecto, entre el principio y el final. Es en ese momento cuando Stanton cierra su ciclo, volviendo al principio de la historia, ya no siendo un monstruo solo por dentro. Ahora también lo es por fuera. Es el personaje grotesco, el engendro. Ya se convirtió en la principal atracción del circo. 

CODA 

Al comenzar CODA uno se traslada al 2014 y ve cuadro tras cuadro a La Familia Belier , una maravillosa y conmovedora película francesa dirigida por Éric Lartigau​, escrita por Victoria Bedos y con una excelente banda sonora apoyada en piezas musicales francesas de Michel Sardou. Trata sobre una familia sorda y su hija oyente que sueña con cantar. CODA es la adaptación de la directora Sian Heder y estrenada en el Festival de Cine de Sundance 2021.

Es el acrónimo en inglés de ‘Child of Deaf Adults’, ( hija de adultos sordos), en este remake la protagonista es Ruby Rossi (Emilia Jones) la hija menor y la única que puede oír en su familia, donde ambos padres y su hermano son sordos. La familia Rossi se dedica a la pesca y depende en todo sentido de su hija: para los negocios, en la venta de lo que pescan, para comunicarse con su comunidad, para defender su derechos, en las citas medicas y en toda la cotidianidad de esta familia.  Esta dependencia interfiere en la vida y sueños de la joven, quien a pesar de las circunstancia se encuentra entre su amor por la música, su sueño de ser cantante y su miedo a abandonar a sus padres.

Tanto La familia Belier como CODA, trata de inclusión, de los lazos familiares, los valores, del respeto por la individualidad, la solidaridad, el apoyo, la responsabilidad, el amor y sobre todo de entender la sordera como parte de la vida. A pesar de que Ruby nos da la impresión de no afectarle el bullying de sus compañeros ni su situación familiar, en realidad sufre. Siendo su único escape integrarse al coro de la escuela el cual es dirigido por el profesor Bernardo Villalobos interpretado por el actor mexicano Eugenio Derbez quien descubre el talento de la joven y le da la oportunidad de prepararla para audicionar y tener la posibilidad de entrar a la Universidad de Berklee.

Además de Emilia Jones, destacan las actuaciones de Marlee Matlin (Children of a Lesser God y ganadora del Oscar), como Jackie Rossi la madre, Troy Kotsur como el padre Frank Rossi y Daniel Durant en el rol de Leo Rossi el hermano, todos actores sordos en la vida real.

Coda, está nominada a los premios Oscar 2022 en la categoría Mejor película, Mejor guión adaptado y Mejor actor de reparto (Troy Kotsur). Disponible en Apple TV.

The Sinner

@MariamKrasner

En el 2017 se estrenó en Netflix la primera temporada de la miniserie The Sinner,  basada en la novela homónima de Petra Hammesfahr. La primera entrega con el nombre de Cora, vemos como una tranquila madre de familia, durante un día de playa junto a su familia, sin motivos aparente se abalanza sobre un joven asesinándolo a cuchilladas de manera violenta. Este caso sirvió para conocer al detective Harry Ambrose, sus manías y debilidades a las que se enfrenta para poder descubrir las causas detrás de este misterio. 

Esta primera temporada apoyada en flashbacks va enmarcanda en la intriga de la estructura de una historia cargada de una gran trama psicológica. Cada temporada es un caso diferente, siendo el detective Ambrose (interpretado por Bill Pullman) el encargado de resolver la historia. En la segunda temporada (Julian) Ambrose regresa a su ciudad natal, después de que un niño de 13 años confesara haber envenenado a sus padres, enterándose de los secretos que los habitantes de la ciudad están decididos a mantener enterrados. En la tercera temporada bajo el titulo de Jamie lo que parecía una investigación rutinaria sobre un trágico accidente de carro en las afueras de Dorchester, en el estado de Nueva York, la investigación da un giro radical. Se convierte en uno de los casos más perturbadores de la carrera de Ambrose poniendo en peligro a su propia familia. 

Retirado de la policía, Harry Ambrose toma unas vacaciones en Deer Island al norte de Maine, sirviendo de escenario para la cuarta temporada (Percy). 

El propio Ambrose una noche es testigo de la aparente muerte de Percy Muldoon, cuando se lanza desde un acantilado. La chica es miembro de la principal familia pesquera del lugar, pero una serie de indicios hacen dudar a Ambrose quien se dedica a investigar los hechos que pueden estar detrás de la muerte de Percy. Esta temporada catalogada como un whodunit (Who has done it? o Who’s done it? “¿Quién lo ha hecho?) se trata de una variedad de tramas complejas que suceden en la isla, las que obligan al detective a ir resolviendo un rompecabezas donde las sospechas recaen en varios personajes cercanos a la victima,  La capacidad de observacion, la terquedad del detective y su forma de actuar recuerda en algunas escenas al famoso detective Columbo y su capacidad de incomodar con su presencia. Si eres fanatico de la novela policiaca esta cuarta temporada no defraudara. 

Rey Richard

@mariamkrasner

Estrenada en HBO MAX, el Rey Richard es más que un biopic de las campeonas y famosas hermanas del tenis: Serena y Venus Williams. La trama se centra en la historia de un padre que planifica como cumplir su sueño mucho antes que sus hijas nacieran. Richard Williams, un día vio en televisión cuando Virginia Ruzici tenista rumana, recibía 40.000 dólares por ganar un torneo. En ese instante tomó la decisión de que tendría dos hijos, serian tenistas y campeones. Sin tener idea sobre ese deporte, trabajo en un plan que escribió en 78 paginas que serian su guía día a día, a partir del momento que nacieron sus hijas, Venus en 1979 y Serena en 1981.

Es una buena película, que nos enseña que los sueños se tienen que trabajar y muy duro para que se hagan realidad. La resiliencia, el manejo de crisis, el rol de la familia y su importancia al compartir un objetivo son parte de la trama.

Durante dos horas y media, el cineasta de origen puertorriqueño Reinaldo Marcus Green director de la cinta, se apoya en las actuaciones memorables de Will Smith (también productor), y junto con Smith destacan los roles de Aunjanue Ellis como Oracene Williams (la madre), Saniyya Sidney como Venus y Demi Singleton como Serena. Todos impecables y con una fuerza interpretativa que dejan huellas en la pantalla. Película donde también las Williams son productoras ejecutivas.

Williams es un hombre de origen humilde, tuvo que soportar desde niño la violencia causada por el racismo, el abandono de su padre y los malos tratos. Antecedentes que forjan a un ser vulnerable, desconfiado, egoísta, obstinado, pero sobre todo terco y optimista. Richard lo deja claro cuando se refiere a que “tengo a dos Michael Jordan”

La historia nos permite entrar de forma directa y sin matices, en la intimidad familiar y en la personalidad de esta trilogía que conforman el padre y las hijas. Sus  primeros entrenamientos en cualquier espacio dentro de un parque publico, la lucha del padre por mantenerlas al margen de la violencia y el mundo de las drogas que viven los jóvenes de su comunidad, la búsqueda de entrenadores, el rechazo, vemos a un padre entregando folletos caseros y videos para que los entrenadores conocieran el talento de sus hijas, la fuerza de ambas cuando comenzaron a participar en los primeros torneos juveniles, la disciplina mental, física, el manejo temprano de la fama y la presión de los sponsors.

En la actualidad, entre las dos hermanas poseen ocho medallas olímpicas y sus ganancias se estiman en unos 36 millones de euros, en el caso de Venus, y casi 77 millones, en el de Serena. No se puede negar que el plan del Rey Richard si funcionó.

Being the Ricardos (Todo sobre los Ricardos)

@MariamKrasner

No se trata de una biopic de Lucille Ball y Desi Arnaz y tampoco nos muestra todo sobre los Ricardos.  Al contrario, el film que se puede disfrutar por Amazon Prime, nos ubica en una semana en 1953 donde la pareja debe manejar la acusación a Lucille, de pertenecer al partido comunista. Así como de rumores de infidelidad, desencuentros entre el equipo de producción, un inesperado embarazo, la relación con los sponsor y sus diferencias con los ejecutivos de CBS. 

Bajo el guion y la dirección de Aaron Sorkin (guionista de las series The West Wing y The Newsroom, y de las películas Cuestión de honor, La red social, Moneyball y Steve Jobs) dirige su tercera película, luego de las excelentes Apuesta maestra y El juicio de los 7 de Chicago. 

En esta historia, Sorkin a pesar de trabajar en este proyecto desde el 2015, no llega a la calidad y perfección de sus anteriores películas. La trama se debilita y se vuelve confusa durante el uso de una estructura temporal fragmentada. Apoyada en unas entrevistas simulando un documental, lamentablemente en este caso, esta herramienta narrativa nos separa de los orígenes de la fama de la actriz, de su esencia como cómica, de su éxito y de por qué llego a ser una de las actrices más queridas. 

El peso de las interpretaciones lo llevan Nicole Kidman y Javier Bardem. Una vez más Kidman (quien reemplazó a Cate Blanchett) capta a la perfección la personalidad de Ball. (Ganadora como mejor actriz de los recién entregados Golden Globes) Por su parte Bardem, a pesar de que su físico se distancia mucho del cubano Arnaz, logra una buena interpretación con su famosa frase “Lucy, ¡I’m Home!”. Los acompañan en el reparto, Nina Arianda como Vivian Vance, la actriz que interpretó a Ethel, la inolvidable vecina y amiga de Lucy y J.K. Simmons como William Fawley quien interpreta a Fred Metz, el esposo de Ethel en I Love Lucy.

Los mejores momentos de Todo sobre los Ricardos, son las escenas que nos presenta lo que esta pensando Lucille Ball. Su proceso creativo y su forma de visualizar y confeccionar las escenas.  Momentos que son recreados en blanco y negro y nos acerca a algunas de las escenas icónicas del show. 

Ball en 1940 participó en el musical Too Many Girls, donde conoció a Desi Arnaz, actor y músico cubano quien estaba comenzando su carrera en el cine. Se enamoraron y se casaron ese mismo año. Ball trabajaba en la radio en la comedia My Favorite Husband,  los ejecutivos de CBS le propusieron llevar el show a la televisión. Ball condicionó al canal para incluir a Arnaz en la serie, naciendo Yo amo a Lucy, una de las comedias más exitosas de todos los tiempos. Arnaz fue un innovador del lenguaje televisivo con la incorporación de la multicámara, usando hasta 3 cámaras en la transmisión de la serie, así como un pionero en lo referente a la producción de series.

I Love Lucy se emitió por primera vez en octubre de 1951 durante seis temporadas, hasta 1957. La serie fue pionera al rodarse en un estudio delante de público en directo, práctica que se convertiría en un elemento habitual de las posteriores sitcom. Tuvo el primer elenco en conjunto, el primer especial de Navidad, la primera serie en tocar un embarazo y fue la primera comedia de situación en alcanzar el número 1 en el ranking de Nielsen.

La pareja fundó Desilu, productora de la serie llegando a convertirse en la productora independiente más grande de Estados Unidos. Ball y Arnaz se divorciaron en 1960, luego del divorcio, Ball compró las acciones a Arnaz, convirtiéndose en la primera mujer en dirigir su propia compañía de producción de televisión. Desilu estuvo relacionada en la producción de éxitos como Los intocables, Misión imposible y Viaje a las estrellas. 

La Hija Oscura. (“The Lost Daughter”)

@MariamKrasner

La actriz Maggie Gyllenhaal arranca con buen pie en su debut como directora de su ópera prima La hija oscura. Una propuesta intima y dura, de las presiones del entorno, las exigencias y expectativas que pesan sobre las mujeres profesionales en su papel de madres. «Es una historia acerca de muchas de esas cosas sobre las cuales las mujeres hemos decidido permanecer en silencio de manera colectiva», comento Gyllenhaal en una presentación de la película.

El éxito de Netflix, está basado en el libro de la escritora que se esconde bajo el seudónimo de Elena Ferrante. En 1992 la autora italiana publicó su primer libro “El amor molesto”, que inspiró el filme con el mismo nombre dirigido por Mario Martone. Muchos analistas consideran que el nombre es un homenaje a la escritora italiana Elsa Morante. Ferrante en 2020 concedió una única entrevista, con 31 preguntas de traductores y libreros de varios países con motivo de la publicación de su novela «La vida mentirosa de los adultos». Son varios los que han intentado develar quién está detrás de la autora. En 2016, el periodista italiano Claudio Gatti, señaló que detrás de Elena Ferrante se escondía la traductora judía de origen polaco, Anita Raja y su esposo el escritor Doménico Starnone. Teoría que su casa editorial Edizioni E/O ni confirmó ni negó en su momento. 

La hija oscura en una película que va mas allá del tema de la maternidad. Es una puesta donde se da cabida a las voces de diferentes mujeres, sus roles, sus decisiones, la forma de asumir sus vidas y relaciones. 

La hija oscura está cargada de imágenes, diálogos, flashbacks y metáforas que nos acercan a Leda, interpretada por Olivia Colman, quien transmite de forma magistral el tono, la voz y los gestos de un personaje distante y misterioso. Una profesora que viaja a una playa en Grecia donde conoce a Nina (Dakota Johnson) una joven madre y su pequeña hija Elena. Este encuentro provoca en Leda sentimientos, recuerdos sobre su pasado y lo que significó abandonar a sus pequeñas hijas. En el encuentro con Nina, Leda se mira a sí misma y a las decisiones que tomó.

En muchas de las escenas en el pasado y el presente, se repite la naranja como un elemento simbólicoLa fruta es un elemento repetitivo de los momentos felices que recuerda Leda junto a sus hijas y el juego de pelarla en forma de serpiente. Sin embargo, en el presente la naranja está en mal estado, como la de la cesta cuando recién llega al apartamento alquilado en la playa. 

Gyllenhaal nos introduce en una película circular, comienza donde termina. Al final de la película – vengo con spoiler- la naranja vuelve a ser relevante después que Leda es herida por Nina al descubrir lo que pasó con la muñeca perdida de la pequeña Elena. En la escena final en la playa, Leda comienza a pelar una naranja mientras habla con sus hijas y se muestra feliz porque llevaban varios días tratando de localizarla. Esta escena final se nos presenta bajo distintas interpretaciones. ¿Está Leda muerta? ¿Es un sueño de Leda luego de morir? ¿Está Leda viva y habla con sus hijas? Vean La Hija oscura y lo comentamos.

Halston: vivir el presente como si no hubiera un mañana.

@mariamkrasner

“Nos dan un nombre, solo uno. Es lo único que tenemos mientras estamos vivos. Y lo único que dejamos cuando morimos. No valoré el mío lo suficiente”. Roy Halston

Halston es la nueva bioserie que Netflix estrenó en días pasados.  En cinco capítulos nos muestra el Halston humano comenzando en 1938 cuando el niño Roy confeccionaba sombreros para su madre, y luego vemos a un Halston y su recorrido desde los años 60 hasta los 80. Con sus inseguridades que fueron su sombra toda su vida.  El recuerdo permanente de un hogar marcado por la violencia, la fuerte presencia del padre, la vulnerabilidad de su madre y las carencias. Nos muestra el auge de un genio de la moda estadounidense que tuvo sus mejores años en las décadas de los 70 y 80, hasta convertirse en un icono a nivel mundial. Cómo influyo en su carrera Jackie Kennedy, cuando en 1961 uso su emblemático sombrero cilíndrico azul, en la ceremonia de posesión del presidente Kennedy.

Halston vivió al máximo, no había grises en su comportamiento de excesos de droga, sexo ni depresión. Se rodeo de compañeros sentimentales que conocían sus debilidades y se aprovecharon de ellas. En su trabajo lo acompañó un equipo, que no aguantó sus maltratos, malcriadeces ni desplantes a pesar de la admiración, el cariño y el interés personal que significaba trabajar en y para Halston. 

Una excelente producción, dirección y casting, nos acercan a la vida de Roy Halston. La bioserie esta basada en el libro “Simply Halston: The Untold Story” de Steven S. Gaines. Bajo la dirección de Daniel Minahan, la actuación de Ewan McGregor y con la producción ejecutiva de Ryan Murphy. McGregor se funde en el personaje con su entonación, la gestual y el porte. McGregor, como parte de su preparación, aprendió a coser y mantuvo varias reuniones en privado con Liza Minnelli. “Simplemente quería que ella supiera que él estaba en buenas manos conmigo’’, dijo McGregor. “Se han dicho muchas cosas sobre Halston a lo largo de los años y quería que ella supiera que yo respetaba el amor que ella tenía por él y su amistad. 

Murphy ha sido el productor de series de Netflix  como: The Politician, Hollywood, Ratchet, Los chicos de la banda y de otras como NipTuck, Glee, American Horror Story, American Crime Story y la recordada película Comer, rezar y amar entre tantos éxitos.

En la serie destacan los personajes de la diseñadora de joyas Elsa Peretti (Rebecca Dayan) quien diseño la famosa botella con forma de lágrima donde venia la fragancia del perfume Halston, la de su modelo principal Joe Eula, (David Mahoney) el empresario David Pittu (Bill Pullman), el ilustrador y su único amigo verdadero; Joel Schumacher (Rory Culkin) y la de su amiga y confidente Liza Minnelli, donde la actriz Krysta Rodríguez se roba cada escena, comenzando con la de su interpretación de  “Liza with a Z”.

El paso del éxito de un imperio lleno de excesos, ego, deudas, luchas de poder y malas compañías a la quiebra, solo hay un paso. Y de esas malas compañías destaca su relación por casi diez años con su amante Víctor Hugo (Gian Franco Rodríguez), quien por su origen venezolano le prepara arepas al famoso diseñador. Disfrutamos de la época de oro de la discoteca Studio 54, sus noches de brillo en la pista en compañía de Minelli, Bianca Jagger y Andy Warhol. La serie completa su atmosfera al ritmo de canciones de la época de los 60, 70 y 80.  

Halston vendió no solo su alma sino también su marca al diablo. Perdió el uso de su nombre como marca en un acuerdo comercial que lo hizo rico, pero lo dejó bajo las ordenes de una serie de supervisores corporativos que poco sabían del mundo de la moda. Fue obligado a trabajar en una línea de ropa para J.C. Penney y en toda una serie de productos desde equipaje, alfombras y uniformes para la aerolínea Braniff Airways. En 1983 por presiones de marketing y de competencia, lanza Halston III una línea de ropa ‘low cost’, que fue un fracaso.  El diseñador cae en un espiral que lo lleva a perder por completo el control de su empresa, de diseños y su nombre.

Decide abandonar Nueva York y parte a California para estar cerca de su familia. En 1990, Roy muere a los 57 años de complicaciones relacionadas con el SIDA.

Si algo me pasa, los quiero: emociones animadas en 12 minutos. 

@mariamkrasner

Son 12 minutos que se van entre lagrimas y reflexiones. Si algo me pasa, los quiero es un emotivo cortometraje que nos presenta a un matrimonio que trata de sobrellevar, entender y aprender del vacío emocional que les deja la muerte de su pequeña hija, quien es asesinada en un tiroteo dentro de su escuela.  “Si algo me pasa, los quiero” es el ultimo mensaje que la pequeña manda desde su celular, en el momento que comienza el tiroteo.

En los primeros minutos del corto, vemos a los dos padres cenando en silencio, pero lo que no se dicen lo gritan unas sombras que los acompañan y que siempre están presentes en los 12 minutos como protagonistas de la historia. Esas mismas sombras tratan de que la niña de 10 años no entre a la escuela, pero no lo consiguen. Las sombras de los padres se separan, pero la sombra de la hija los vuelva a unir. Nos presenta el día a día de llevar un duelo en este tipo de tragedias, la cotidianidad de vivir con las culpas y la ruptura en la comunicación. La canción que suena en un tocadiscos, la franela, la marca en una pared, el juego de pelota son recuerdos que siempre están presentes. Esos recuerdos rompen con la estética en blanco y negro del corto. Esos momentos son los únicos que están en colores. 

Dirigido por Michael Govier y Will McCormack, y como productora ejecutiva la actriz ganadora del Oscar Laura Dern (“Marriage Story”). 

Una característica del corto y que lo hace diferente, es que esta realizado en animación, con trazos gruesos, sencillos y sin dialogo. Las propias imágenes son suficientes para comunicar todos los mensajes que tienen la historia. Es un mensaje de dolor universal, pero también de esperanza sobre la capacidad del ser humano en sobrellevar y superar las tragedias.

El nombre del cortometraje esta inspirado en los mensajes enviados a sus seres queridos, por los estudiantes del Marjory Stoneman Douglas High School en Parkland, Florida en 2018 durante un tiroteo escolar real.

“Si algo me pasa, los quiero” es una alarma ante los constantes hechos de violencia con armas de fuego en las escuelas norteamericanas, nos hace reflexionar en sus consecuencias, el dolor y su impacto en el núcleo familiar.


NEW AMSTERDAM Y SUS LECCIONES DE LIDERAZGO 

@mariamkrasner

La columna de la semana pasada de Streaming, spoiler y algo más, la titulamos New Amsterdam, de drama médico a lección de liderazgo y política. No centramos en la historia y sus personajes. Quiero en esta entrega compartir lo que según mi parecer son 12 lecciones de gestión que nos ha dejado la serie en las dos temporadas que he visto hasta el momento. 

1 ¿En que te puedo ayudar? 

Es el leit motiv del director del Hospital el Dr. Max Goodwin (Ryan Eggold). Nunca acepta un no como respuesta, no puedo, no necesito ayuda, ni el rechazo a tener la posibilidad de cambiar las cosas. Su propuesta de ayuda es la esencia de su estilo de gestión y liderazgo. Buscando actitudes activas y no pasivas. Generando siempre la acción con su pregunta para impulsar la transformación y las soluciones.

2 Liderazgo colaborativo

New Amsterdan resalta la importancia de la conducción de un líder colaborativo, Goodwin reconoce y motiva las relaciones interpersonales de su equipo para tener más éxito. Busca alinear a sus colaboradores directos para que salten sus propias barreras. Un líder colaborativo toma en cuenta las opiniones de sus colaboradores buscando soluciones efectivas, con la participación de los distintos puntos de vista de los doctores Helen Sharpe de oncología, Lauren Bloom en emergencias,  Floyd Reynolds de cirugías cardiacas, Iggy Frome en psicología y el jefe de neurología Vijay Kapoor

3 Pensar diferente

El futuro es para quienes piensan diferentes y hacen de ello una táctica para el éxito. Para aquellos que tienen la capacidad de adelantarse al adversario o a las adversidades. Bajo esta premisa Goodwin y su equipo encuentran formas diferentes de canalizar y atender las expectativas que existen en su entorno y en cada uno de sus pacientes. Max es un líder auténtico y fiel a sus valores. La vocación médica que se presenta en la serie es uno de los ejes que mantiene cohesionado al equipo y los impulsa a pensar y actuar de forma diferente. 

4 Ser Motivador

Estrenando su nuevo rol como Director Médico del hospital, Goodwin lo transforma por completo. Despide a gran parte del equipo médico, rompe con los vicios de la anterior gestión, de la mala atención y de la corrupción. Su principal objetivo son los pacientes. Para lograr el cambio, logra contagiar el sueño y el desafío que tiene por delante a todo su equipo. De inspirar y de motivar a través de un propósito y de causas que comparte con todos, dando el ejemplo con lo que hace y predica. Un buen líder sabe la importancia de los efectos en cadena y sabe aprovechar las acciones que generaran ruido en los distintos niveles del equipo para enfocarse en el mejor resultado posible. 

5 Gestión inclusiva

New Ámsterdam es una serie que se enfrenta al sistema de salud de Estados Unidos, en su mayoría de tipo privado y muy costoso. El director del hospital se repite constantemente “Aquí todos tienen lugar, incluso los indocumentados. La prioridad es atender a las personas y salvar vidas.”  Los valores de inclusión que transmite el protagonista, y la forma en que los transmite a todo el equipo, es uno de los aspectos que caracteriza el tipo de gestión dentro de este hospital publico.  En el equipo de trabajo la diversidad es un aspecto que hace la fuerza entre los colaboradores y es una de las principales claves del éxito. Desde sus distintas especializaciones, su genero, culturas, razas y orientación sexual.

6 Estrategias flexibles

Saber como manejar los conflictos y tener la capacidad de enfrentarse a la barrera del cambio se puede lograr con unas estrategias flexibles y no rígidas. Es tiempo de tomar decisiones para lograr una adaptación a la nueva realidad buscando las formas menos traumáticas para la organización. Por eso los gestores de cambios permiten cumplir con nuevos objetivos y propósitos, buscando alianzas para reforzar las debilidades. “Como líder, la única pregunta que debes hacerte es que, si el costo de proteger New Amsterdam es tu conciencia ¿Lo pagarías? Los líderes toman decisiones que no los dejan dormir. Si estás durmiendo bien, no estás haciendo tu trabajo”.  Ex director del hospital (Ron Rifkin) al Dr. Goodwin.

7 La importancia de las habilidades blandas

Los lideres empáticos saben detectar los propósitos y las habilidades individuales de los miembros de su equipo, para alinearlos con los propósitos colectivos de la organización. El equipo de New Amsterdam por encima de su conocimiento y experticias, resaltan en cada capitulo sus habilidades humanas, sus valores, empatía, el manejo de los conflictos, su comunicación, el manejo del estrés y la solidaridad entre ellos y con sus pacientes. El verdadero valor esta en la gestión humana y en el bienestar de todos los pacientes. El director confía en las competencias y en las habilidades de su equipo, cada uno tiene su rol bien definido y estan atentos a ayudarse mutuamente en lo profesional y en lo personal. Los hospitales aplican un modelo de conexión de competencias, llamado de “red flag” (bandera roja)  donde todos los colaboradores conocen la organización y su funcionamiento, lo que ayuda a la resolución de los problemas en momentos de crisis.

8 Asumir Riesgos

Para poder romper con las bases de estructuras organizativas que arrastran vicios, corrupción y esquemas tradicionales, se tienen que tomar decisiones radicales y cortar de base dichos arrastres. Si alguien es disruptivo en su forma de gerencia y de comunicar es Max Goodwin, quien toma decisiones con firmeza, sin flaquear. Liderando y asumiendo las consecuencias y responsabilidades. El personaje central de la serie desafía permanentemente a las instituciones, se enfrenta a los aspectos legales, toma decisiones que son arriesgadas, que van en contra de los intereses preestablecidos y sabe decir no en el momento exacto, así esto signifique tambalear su posición dentro del New Amsterdam. 

9 Los sueños se cumplen con el esfuerzo de todos

Cumplir las metas, lograr los objetivos y transitar los procesos de transformación implican la voluntad, el compromiso y el esfuerzo de todos. Es importante identificar dónde concentrar el esfuerzo, diariamente es imposible enfrentar todas las batallas e intentar saltar todos los obstáculos al mismo tiempo. El equipo de médicos del New Amsterdam muestran ese compromiso, abnegación y respaldo por encima de sus vidas privadas. No solo en el equipo de mando, sino también la actitud del equipo base. Las personas comprometidas y leales son las que hacen la diferencia. 

10 Identificar las audiencias y el publico objetivo

Al definir quién es el público primario y conocer bien las audiencias, se evita perder esfuerzo, tiempo y recursos. Goodwin y el equipo, saben que lo mas importante son los pacientes por encima de la burocracia, la política y las presiones de la junta directiva del hospital. “Aquí todos tienen lugar, incluso los indocumentados. La prioridad es atender a las personas y salvar vidas.” El acercamiento a los pacientes, conocer su entorno e historias son herramientas empáticas y humanas para detectar en muchas ocasiones la realidad y saber el diagnostico. Sino díganle lo contrario al Dr. Kapoor, quien usa el sentido común para sus diagnósticos. 

11 Comunicación y vocería

Definir una política de comunicación interna y externa, con un mensaje claro, sincero y transparente es algo fundamental en el manejo de un buen médico con sus pacientes, su equipo y su entorno. En la serie sus protagonistas viven constantemente momentos difíciles al informar a un paciente o familiares ,una mala noticia o un diagnostico comprometido. La empatía, el conocimiento, la experticia y la humildad son valores para tomar en cuenta en una política de comunicación acorde a este ámbito de acción. También es importante el rol de la vocería que atiende la comunicación externa y a los medios de comunicación. En la serie el rol de la vocería recae en la Dra. Helen Sharpe, donde se resalta el papel de los medios con respecto a la salud publica y el mundo de los laboratorios.

12 Transformación digital

El equipo del New Amsterdam sabe la importancia del cambio asociado con la aplicación de tecnologías digitales en todos los aspectos del hospital. Esto impacta en la operatividad, en los recursos y por supuesto se evitan los errores humanos. 

Esto son algunos de los aspectos que destaco en el modelo de gestión de la serie, que nos pueden servir de ejemplo en el ámbito organizacional con enseñanzas claves en la conducción de equipos y de ecosistemas de trabajos, tanto en el ámbito público como privado. 

Y no olvidemos practicar como lideres la pregunta, ¿en qué te puedo ayudar?