streaming, spoiler y algo más

UN FENOMENO DE AUDIENCIA LLAMADO LUPIN

@mariamkrasner

“Arséne Lupin es más que un libro. Es mi herencia. Mi método. Mi camino”. Assane Diop

Lupin es una serie de televisión francesa creada por George Kay y François Uzan, fue vista en su primer fin de semana de estreno (8 de enero) por cerca de 70 millones de suscriptores de Netflix.  Esta protagonizada por Omar Sy en el papel de Assane Diop un hombre que se inspira en las aventuras de Arsene Lupin. Sy, en 2012 fue el protagonista de la taquillera película Intouchables (intocable), donde interpretaba a un inmigrante recién salido de la cárcel quien es contratado como asistente a un tetrapléjico.  

Pero regresando a Lupin, ¿Por qué Assane Diop termina siendo un ladrón profesional tan particular y encantador? El padre de Diop un inmigrante de Senegal es incriminado del robo de un costoso collar de diamantes, quien termina ahorcándose en la cárcel por vergüenza de dicha acusación. La acusación es presentada por su jefe, un poderoso y millonario Hubert Pellegrini. Assane al quedar huérfano, planea desde adolescente vengarse de la familia Pellegrini. Su vida cambia cuando se encuentra con un libro sobre Lupin. Este personaje lo inspira y es la combinación perfecta para que Diop con su carisma, empatía e inteligencia y apoyado en la tecnología, el disfraz, el dominio del robo y las estrategias de Lupin, piense en sus objetivos de venganza y justicia para trazar sus planes. Todo héroe, detective y ladrón tiene un ayudante, así como Batman se apoya en Robín, Sherlock Holmes tiene al Doctor Watson, Assane tiene a Benjamín Ferel viejos amigos desde la infancia.

¿Quien es Lupin? El escritor francés Maurice LeBlanc (1864-1941) inició en 1905 unos relatos cortos siendo Lupin su personaje central. Las historias se convirtieron en un éxito editorial de veinticuatro libros. Arsenio Lupin es un ladrón de guante blanco, todo un caballero refinado, con monóculo, sombrero de copa, sabía de lenguas antiguas, practicaba el arte marcial japonés jiu-jitsu, tenia nociones de esgrima y hasta de medicina. El personaje ha aparecido en numerosas películas, adaptaciones para televisión, en obras de teatro, videos juegos y cómic. La popularidad que alcanzó el personaje de Lupin en Francia es comparada con la de Sherlock Holmes en los países anglosajones. Lupin es un personaje que opera del lado contrario de la ley, no usa armas ni hiere, siempre vence y descubre a los verdaderos villanos. Un Robín Hood de vestimenta formal y ahora de inspiración para los planes de Assane Diop.

«Cuando tienes una cuenta de Twitter y luchas contra la injusticia, asumen que eres joven». Assane Diop


ON THE ROCKS

@mariamkrasner

“Y recuerda, no le des tu corazón a ningún chico . Eres mía hasta que te cases. Entonces sigues siendo mía » Félix.

Con hielo, así cuando pedimos un whisky on the rocks, es el nombre de la séptima película de Sofía Coppola (Las vírgenes suicidasPerdidos en TokioMaría Antonieta: La reina adolescenteSomewhere: En un rincón del corazónAdoro la fama y El seductor ). Nos encontramos con una excelente comedia que transcurre principalmente en la ciudad de Nueva York y que nos acerca a una particular relación entre padre e hija. Coppola logra una conmovedora y a la vez irónica historia donde destacan las actuaciones de Bill Murray (Félix el padre) y Rashida Jones (Laura hija, madre, esposa y profesional), pasando a un segundo plano el drama sobre la crisis de pareja entre Laura y su esposo.

En On The Rocks, repite el binomio Coppola – Murray recordándonos a Lost in Translation (Perdidos en Tokio) con el mismo estilo, figura y sello personal que marca Murray en su papel. La actuación de Murray potencia la historia, cada una de sus escenas están cargadas de una comicidad e ironía que hacen memorable cada cuadro. Esta vez Coppola no se separa de los temas tratados en anteriores películas, como el dinero, las relaciones generacionales, el conflicto personal, las crisis de parejas, la lucha de poder, la familia y el rol de la mujer. Algunos de los personajes y la locación de Nueva York nos recuerda a Woody Allen.

En On the rocks, Laura Keane (Rashida Jones), es una escritora que se encuentra “trancada” con su nueva novela, el ajetreo familiar y el cuidado de sus dos hijas pequeñas no le permiten inspirarse ni concentrarse. En paralelo, su esposo Dean (Marlon Wayans), es un ejecutivo de una startup de tecnología, quien viaja constantemente estando poco tiempo en casa, generando sospechas en Laura de una posible infidelidad. Aquí entra su padre Félix (Murray), quien planea una vigilancia en conjunto para descubrir la aventura de Dean. 

Félix es un galán, caballero, mujeriego y encantador seductor. Con el arte de la palabra para hacer y convencer. Conoce de buenos restaurantes, clubes privados y de hoteles de lujo.  Padre dominante y cómplice, pero también un abuelo consentidor. Con una personalidad arrolladora y un irónico sentido del humor, dedicado al negocio del arte. En sus momentos de vigilancia, le da lecciones de silbido a Laura y le recuerda que se llama Laura por la canción de la película de Otto Preminger del mismo nombre. Las aventuras de padre e hija por las noches de Nueva York permite que cada uno descubra la esencia y limites de su relación.

La Música es del grupo francés Phoenix. En las Rocas ya esta disponible en Apple TV+.


ERASE UNA VEZ EN VENEZUELA, CONGO MIRADOR

Mi esperanza es volver a verte

@mariamkrasner

“Fue un trabajo de cinco años, al principio fue una relación complicada y la confianza de la comunidad se fue ganando. Son muchas las experiencias, estuvimos siempre guiados en la forma de contar la historia.  A mi me llama la atención la experiencia que ha ocurrido con Congo Mirador, facilita una catarsis que no hemos hecho como sociedad. Eso sucede al tocar una palabra que yo relaciono con la palabra querencia. Esa catarsis desde el arte puede movilizar de forma misteriosa a la gente. Yo confió que salga una esencia que sacude a la gente para que haga algo”.  Anabel Rodríguez Ríos en Pasión País Radio.

Erase una vez en Venezuela, Congo Mirador, es un documental dirigido por la venezolana Anabel Rodríguez Ríos.  En esta oportunidad retrata la historia de Congo Mirador un pueblo de agua ubicado cerca del lago de Maracaibo. Congo es el espejo de un país que se ahoga, se desintegra, se enfrenta y se rompe a pedazos. Las primeras imágenes nos muestran al relámpago del Catatumbo iluminando la mejor cara del Congo: sus personajes y lugares. La cámara de Anabel nos acerca sutilmente, sin que hagamos ruido, cara a cara a la mirada de sus pescadores, poetas y cantantes. La cámara de Anabel nos hace sentir la inocencia de los niños, sus juegos, concursos, escuela y frustraciones. Pero también nos hace sentir que estamos en una barca a la deriva. 

Erase una vez en Venezuela, nos cuenta la historia de tres mujeres. Tamara, la coordinadora y líder chavista de la zona, creyente originaria que tiene a su comandante en el altar de los altares. Natalie, la maestra de la escuelita, que se enfrenta con mucho aguante a las intimidaciones para que renuncie a su puesto, quien defiende sus valores y no cae en el soborno.  Yoaini, la niña que se resiste a crecer antes de tiempo, vive en un hogar donde la violencia y el juego con las armas es normal, ve como su niñez va desapareciendo en las aguas, a pesar de su gran fuerza interior.  

Erase una vez en Venezuela, nos cuenta la historia de tres mujeres. Tamara, la coordinadora y líder chavista de la zona, creyente originaria que tiene a su comandante en el altar de los altares. Natalie, la maestra de la escuelita, que se enfrenta con mucho aguante a las intimidaciones para que renuncie a su puesto, quien defiende sus valores y no cae en el soborno.  Yoaini, la niña que se resiste a crecer antes de tiempo, vive en un hogar donde la violencia y el juego con las armas es normal, ve como su niñez va desapareciendo en las aguas, a pesar de su gran fuerza interior.  

Las imágenes nos van preparando a un final inevitable y a una catarsis como espectador. La realidad queda plasmada sobre la pantalla. Una cosa es vivir en Venezuela y otra, es sentirla, pisarla y ver lo que sucede bajo esa realidad que nos desnuda el lente de Anabel con un excelente nivel estético y fotográfico. La imagen de la iglesia y lo que queda del pueblo reflejada en el agua, con su efecto invertido, es un colofón de la calidad del trabajo y de la historia. Es un documental honesto y sincero. Venezuela, queda reflejada de norte a sur, de este a oeste en las aguas de Congo Mirador.

A pesar de que el final es previsible, no deja de ser doloroso e impactante, con un cierre acompañado del tema musical: La noche de tu partida. Ahora, con el paso del tiempo las luces del relámpago del Catatumbo iluminan la oscuridad, el silencio y el recuerdo de un pueblo de agua.

Con la mirada en el Óscar 2021

La Academia de Hollywood anunció las 93 cintas que aspiran a llevarse el Óscar 2021 a la Mejor Película Internacional, entre las cuales se encuentra “Érase una vez en Venezuela”  De las 93 cintas presentadas por cada país, la organización elegirá el 9 de febrero un total de 15 precandidatas oficiales, contando con cinco largometrajes más que en la pasada ediciónTambién está en la carrera por ser preseleccionada en la categoría de mejor documental. Apoyemos siguiendo @OnceVzlaFilm (Once Upon a Time in Venezuela) viendo el documental en sus distintas formas de exhibición, participando en el crowfunding y usando las etiquetas #HacerHistoriaJuntos #Oscars2021 #OnceUponaTimeinVenezuela


Mank: El Hombre detrás del Ciudadano Kane

@mariamkrasner

“No se puede capturar la vida entera de un hombre en dos horas. Solo se aspira a dar esa impresión”. Mank

Tal es el caso de Mank, una película con un ritmo, actuaciones, narrativa, tono y atmosfera visual en blanco y negro que la hacen memorable. Podemos decir que para su director el gran David Fincher, es un trabajo personal e intimista cuando comparamos este film con otros de su filmografía, como: Seven, Zodiac, La red social, El curioso caso de Benjamin Button, Perdida, El club de la pelea, La chica del dragón tatuado, entre otras. Fincher tiene la capacidad de hacernos sentir como testigos de la verdadera historia que se esconde detrás del clásico del Ciudadano Kane.  

Con Mank vamos descubriendo cuadro a cuadro, el comportamiento destructivo y desenfrenado de Herman J. Mankiewicz. Interpretado de manera excepcional por Gary Oldman, dándole vida a este hombre menospreciado y señalado, pero también genio y creativo. La película es un retrato del poder, de la política, la traición, los egos, los mitos, las ambiciones y la codicia. Cada adjetivo personificado en la piel de figuras como Orson Welles, Louis B. Mayer director de MGM, William Randolph Hearst, en su amante Marion Davis (magníficamente actuada por Amanda Seyfried) y en la piel del propio Mank.

Herman J. Mankiewicz era conocido en el circulo de Hollywood como Mank, fue un escritor, periodista, guionista y productor. La huella de Mank esta en los filmes de los hermanos Marx como productor y en la autoría sin acreditar de una cantidad de libretos, como las magnificas «Los caballeros las prefieren rubias» o «El mago de Oz».  

Mank narra la historia de Herman J. Mankiewicz (Gary Oldman), un guionista con serios problemas de alcohol, quien tiene una fecha límite para completar el guión de una película dirigida por Orson Welles. Como consecuencia de un accidente y de su aficion por la bebida, es llevado a una pequeña cabaña para completar su encargo. Con la ayuda de una enfermera alemana (Monika Gossmann) y de su asistente Rita (Lily Collins),  el escritor debe enfrentar la presión de completar el trabajo, mientras lucha con su adicción, contra sus recuerdos y contra el mismo. 

Mank se atrevió a ir legalmente contra Orson Welles, el niño de oro de Hollywood, por los créditos del guion del Ciudadano Kane. Batalla legal que finalizo con Welles y Mank compartiendo créditos y ganando en la categoría de mejor guion el premio de la Academia en 1941. Por cierto, siendo el único Óscar de las nueve nominaciones que obtuvo la película, y el único recibido por Welles en toda su carrera.  Pero también se enfrento al magnate de la prensa, William Randolph Hearst, quien le servio como fuente de inspiracion para darle vida a Charles Foster Kane. Hearst intentó evitar su distribución y proyección en salas, desacreditar a Welles acusandolo de comunista y trato de acabar con la carrera de Mank en la industria del cine.

Otro valor de Mank en su banda sonora, escrita e interpretada por Trent Reznor y Atticus Ross de la banda Nine Inch Nails. Quienes ya habian trabajo con Fincher en La red Social, con la que ganaron un Óscar y un Globo de Oro. En esta ocasión la banda sonora cuenta con más de cincuenta canciones. 

Con esta extraordinaria película, Fincher hace justicia a Mank, Mankiewicz al Ciudadano Kane y el Ciudadano Kane a Welles.


LA VIDA POR DELANTE UN TRIBUTO A LA AMISTAD Y A SOPHIA  LOREN

@mariamkrasner

“ Algunos dicen que todo está escrito y que no se puede cambiar nada. Yo quiero cambiar todo”. Madame Rosa

“ Soy joven y tengo la vida por delante. Pero no voy a arrastrarme por la felicidad. Si viene genial, sino, no me importa en absoluto”. Momo

La vida por delante es el remake de Madame Rosa (1977) protagonizada por Simone Signoret y dirigida por el israelí Moshe Mizrahi. Logró el premio Oscar a mejor película extranjera y el premio César a la mejor actriz para Signoret. También fue llevada al teatro por la actriz española Concha Velasco en el 2010. En ambos casos la historia se desarrolla en París y se trata de una adaptación de La vie devant soi, una novela del escritor Romain Gary. (1914-1980) quien ganó el premio Gouncourt en 1975 con el pseudónimo de Emile Ajar .

Esta nueva versión transcurre en la costa italiana de Bari, que sirve de fotografía para arropar las vidas deMadame Rosa un anciana judía ex prostituta y superviviente del campos de concentración de Auschwitz, Momo un ladrón senegalés – musulmán  de 12 años y Lola la transexual española que forman el triangulo principal de la vida por delante. También encontramos al pequeño hindú compañero de habitación de Momo, al Sr. Hamil el dueño musulmán del almacén y al Dr. Cohen. Cada uno desde su forma de enfrentar la vida representan la tolerancia, la diversidad de religiones, la supervivencia, la identidad, la tragedia, la amistad, la inocencia y la esperanza.

Madame Rosa cuida a los hijos de prostitutas, pero su vida cambia por su particular relación con Momo. En primera instancia una relación problemática que se va transformando en una solida amistad y de compromiso de cuidado a pesar de las diferencias de edades. Ambos logran crear una conexión emotiva para transitar los recuerdos, los miedos, las pérdidas y la soledad. La película destaca por varios momentos especiales cargados de emoción, como la escena del baile de Madame Rosa con Lola.

El ingrediente principal de esta versión se llama Sophia Loren, las miradas del director Edoardo Ponti, su hijo, son también las miradas de los espectadores. Cada gesto, cada palabra, mirada y suspiro de la actriz llenan la pantalla. La vida por delante, es la primera película que protagoniza la dama del cine italiano después de diez años de retirada de la industria.  No es la primera vez Ponti dirige a su madre, ya lo hizo en ‘Between Strangers’ (2002)’ y en el corto ‘Voce humana’ (2014). Los críticos apuestan que Loren podría ser nominada al Oscar a la mejor actriz,lo que a sus 86 años la convertiría en la candidata de mayor edad de la historia.

Así como Madame Rosa (Sophia Loren) es el principal ingrediente, el protagonista y narrador que hace inolvidable esta historia es Momo (Ibrahima Gueye), quien a pesar de sus abandonos y de su mala conducta no pierde la naturalidad, el carisma ni esa mirada tan particular que hace que protagonistas y espectadores no puedan escapar.

El broche de cierre es el tema interpretado por Laura Pausini, Io si (Yo si), canción que coescribió con Diane Warren, ganadora de premios Grammy, Emmy y Globo de Oro nominada a 11 Oscar, quien la contactó y le envió el tema en inglés con la idea de que lo tradujera y grabara en italiano. Para Pausini era crucial que la canción reflejara la calidad humana de la cinta. “Cuando más te faltan las palabras / Yo estoy, yo estoy / Cuando no valoras lo que logras / Yo estoy, yo estoy” “Cuando quieres desaparecer / Te rindes antes de perder / Si nadie te ve, yo sí”.


The Crown y el cara a cara de la Reina Isabel II y Margaret Thatcher

Por Mariam Krasner

“Soy consciente de que me rodean muchas personas que creen que pueden hacer mi trabajo mejor que yo… Pero para bien o para mal, la corona ha recaído en mi cabeza”  Isabel II (The Crown)

La historia de encuentros y desencuentros entre la Reina Isabel II y Margaret Thatcher se ve dibujada en la recién estrenada cuarta temporada de The Crown, donde la tensión entre Downing Street y el Palacio de Buckingham será uno de los puntos centrales de la trama. Esta temporada cubre los años entre 1977 y 1990.  La serie le da entrada a dos nuevos personajes principales, a la Primera Ministro (Gillian Anderson) y Lady Di (Emma Corrin, a quienes la vida real les escribió sus propias páginas.

A pesar de la fuerza que inyecta Anderson en la interpretación de La Dama de Hierro, con su voz carrasposa, sus movimientos lentos, pensados y ajustados a su cargo de Primera Ministro, sigue siendo la Reina Isabel (Olivia Colman) el eje central de la serie de Peter Morgan.

Thatcher ​ ejerció su cargo desde 1979 a 1990. Once años en Downing Street  fue tiempo suficiente  para que el gobierno y la monarquía se enfrentaran por temas políticos y sociales. Asuntos como los recortes presupuestarios, el incremento del desempleo, la seguridad social, la guerra de Las Malvinas, las sanciones a Sudáfrica, las luchas con Irlanda del Norte, los conflictos internacionales y hasta sus roles respectivos como madres, dejan al descubierto las discrepancias en la forma como cada una enfrentaba el poder. Una llevaba por consigna el pensamiento neoliberal. Su llegada al poder significo una completa transformación del Reino Unido en sus política sociales. Para la otra, su preocupación era (y es) el bienestar para las clases obreras británicas.

En esta entrega, la reina es frialdad y es humanidad. Controla magistralmente sus posturas, gestualidades y distanciamientos. A veces nos sorprende por unos segundos con gestos de cierta emoción, que al tener conciencia de ello vuelve a retroceder a su postura fría y hermética.

Se siente en estos nuevos capítulos un relato más psicológico y detallado de la personalidad de cada uno de los miembros de la familia real. Cada uno está sujeto por hilos invisibles de marionetas, a quienes sus deberes conducen a su destino ya determinado en nombre de la corona. Incluso el destino de la propia reina, amarrado a cada hecho histórico muy bien desarrollado en cada bloque de la serie. Cada acontecimiento, actos y consecuencias lo presentan en una especie de caja sellada, con un desarrollo narrativo especialmente diseñado y ajustado a la atmosfera, a las locaciones, los decorados, la escenografía, los gestos y las interpretaciones. En ninguna escena hay nada suelto, todo fluye como un rompecabezas que sirve de hilo conductor entre uno y otro capitulo.

Se siente en estos nuevos capítulos un relato más psicológico y detallado de la personalidad de cada uno de los miembros de la familia real. Cada uno está sujeto por hilos invisibles de marionetas, a quienes sus deberes conducen a su destino ya determinado en nombre de la corona. Incluso el destino de la propia reina, amarrado a cada hecho histórico muy bien desarrollado en cada bloque de la serie. Cada acontecimiento, actos y consecuencias lo presentan en una especie de caja sellada, con un desarrollo narrativo especialmente diseñado y ajustado a la atmosfera, a las locaciones, los decorados, la escenografía, los gestos y las interpretaciones. En ninguna escena hay nada suelto, todo fluye como un rompecabezas que sirve de hilo conductor entre uno y otro capitulo.

Con el fin de la cuarta temporada también llega a su fin este elenco. Netflix y el equipo de producción liderizado por Peter Morgan anunciaron una quinta y sexta temporada (última) con nuevos actores que darán vida a los miembros de la realeza británica.

Fuera de las luces de The Crown, se sabe que Margaret Thatcher describió en sus memorias sus encuentros semanales con la reina en el palacio de Buckingham como “muy profesionales”. Cada semana llegaba la primera ministra con 15 minutos de adelanto a sus audiencias, y allí la dejaba la reina, también cada semana, 15 minutos esperando para marcar la distancia entre la monarca y la primera ministra. A pesar de cualquier desencuentro entre ambas, a la reina le molestó la forma en que la Thatcher fue retirada de su cargo en 1990. Solo dos semanas después Isabel II concedió a la ex primera ministra la Orden del Mérito. En 2005, la reina asistió a la fiesta por el 80 cumpleaños de Thatcher, y cuando falleció, un 8 de abril de 2013, la reina acudió a su entierro, algo poco usual ya que no acostumbra asistir a este tipo de actos cuando se trata de personas fuera de la familia real. Solo lo hizo una vez antes de Thatcher, y fue el 24 de enero de 1965 en el entierro de Winston Churchill.


Jaque Mate, estrategia y triunfos detrás de Gambito de Dama

Por Mariam Krasner

«Es todo un mundo de sólo 64 cuadrados. Me siento segura en él. Puedo controlarlo, puedo dominarlo y es predecible. Así que, si me hago daño, sólo me tengo a mí misma para culparme» «La creatividad y la psicosis a menudo van de la mano. O, para el caso, genio y locura.»     Elizabeth –Beth- Harmon

Gambito de Dama es la serie que dio el jaque mate a la audiencia de Netflix. La serie sobrepasa la cuadricula blanco y negro, que sirve de reflejo a los excesos y carencias de sus personajes, así como de sus luces y sus sombras.

El ajedrez se trata de estrategia que requiere conocimiento, pensamiento crítico, concentración, análisis del perfil del adversario, agilidad de pensamiento, intuición, gestión del riesgo, pensamiento metódico, manejo del fracaso, obsesiones, reconocimiento de patrones, pensamiento futuro, visión general, retrospectiva en tiempo real, creatividad individual y construcción de la defensa. Estudiosos afirman que el ajedrez permite hacer cerca de 6.000 movimientos, pero usando una de las estrategias posibles se puede conseguir una victoria en apenas cuatro movimientos. El ajedrez permite 20 movimientos posibles en el turno de apertura, 400 posibilidades para el segundo turno, 5.362 movimientos máximos posibles después de tres turnos, 71.852 después de cuatro, y 822.518 después de cinco. Para decidir cada movimiento se requiere de estrategia.

Gambito de Dama se basa en la novela homónima escrita en 1983 por Walter Tevis (+1984), a quien Garry Kasparov, campeón del mundo de ajedrez de 1985 a 2000, considerado uno de los mejores ajedrecistas de la historia y Bruce Pandolfini, autor, profesor y entrenador de ajedrez lo asesoraron en la historia. La novela fue adaptada por Scott Frank en una mini serie de siete capítulos. Sus creadores tuvieron gran influencia sobre la investigación realizada de la vida del ajedrecista norteamericano Bobby Fischer y de la película El Caso Fischer de 2014. Kasparov, comentó: no haber visto nunca una serie que respete tanto las estrategias y los tiempos del ajedrez: asegura que es la más realista de las muy pocas series que se han hecho sobre un deporte en definitiva poco visual. 

Gambito de Dama es una de las aperturas más importantes del ajedrez, pero en este caso es la historia de Elizabeth -Beth- Harmon, una niña prodigio quien pierde a su desequilibrada madre en un accidente de transito, pasando a la tutela de un orfanato donde recibe sus primeras dosis de vitaminas utilizadas por el sistema público para sedar a los niños. (Adicción que la acompañará y moldeará gran parte de su vida).  Beth con apenas 8 años y gracias al señor Shaibel el conserje de la institución tiene su primer contacto con el ajedrez. En el sótano del orfanato descubre su don y cambia definitivamente su forma de ver y relacionarse con el mundo. La serie utiliza el ajedrez como argumento, excusa, conflicto y metáfora. En cada partida, los protagonistas verdaderos son los gestos, las miradas y las posturas de sus jugadores. El tablero, el rey, la reina, las torres, los alfiles, los caballos y peones pasan a un segundo plano. Las dieciséis piezas se diluyen en el alma de la historia y en las decisiones que Beth tiene que tomar dentro y fuera del tablero. Beth hará todo su esfuerzo para demostrar que es tan valiosa como cualquiera de los otros grandes maestros. Es una historia profunda, que hace que el espectador quiera más y más de Beth. Uno siente con ella sus caídas y sus triunfos. Uno vive con ella la obsesión de ganar el campeonato mundial y arrebatarle el triunfo al ruso Borgov. Uno vive con ella su adicción, su soledad, la relación con su madre adoptiva, sus amistades y las interminables noches sin poder dormir, mientras el techo se convierte en un inmenso tablero imaginario donde va definiendo sus jugadas al paso del reloj.

La serie está situada en los Estados Unidos de la década del sesenta, época donde a pesar que el ajedrez femenino era poco común, el machismo en la historia no se siente. La actriz angloargentina Anya Taylor- Joy de una manera magistral le da vida a Beth. Se destacan unas actuaciones de primera, con una producción impecable, en su ambientación, sus colores y decorados, donde la música nos da la atmósfera temporal y un increíble vestuario de la época que se convierte en otro protagonista de la serie. Es una historia que resalta la amistad y los logros. Es una historia que nos deja al desnudo a su protagonista, quien no se deja manipular y mantiene su autenticidad. Al final, Beth se confunde entre los aficionados de la calle, sin importar quien es quien, ni de dónde son. Los une la pasión y el respeto por el ajedrez.