Día: 24 de mayo de 2023

Galería ABRA presenta exposición del artista Hecdwin Carreño

El sábado 27 de mayo de 2023, a partir de las 11:00 a.m., la galería ABRA inaugurará en su galpón 6 una individual del artista Hecdwin Carreño, titulada EL HERMOSO AUSENTE. 

El proyecto expositivo está compuesto por un conjunto de obras que experimentan con los límites entre la fotografía y la pintura. En la práctica de Carreño estas conviven la una en el espacio de la otra; generando pinturas que utilizan lenguaje fotográfico, así como fotografías perturbadas por la intervención pictórica.

El título de la exposición hace alusión al cuento El ahogado más hermoso del mundo escrito por Gabriel García Márquez, en el que narra las situaciones y conjeturas que se dan en torno al hallazgo de un cuerpo que aparece a la deriva en la costa de un pequeño pueblo. En EL HERMOSO AUSENTE este cuerpo a la deriva se ausenta. 

Desvaneciendo los protagonistas de los hechos para poner énfasis en todo aquello que está alrededor y que generalmente no se aprecia, en un intento de mirar la historia no a través de las caras de las grandes personalidades sino desde el entorno y todo el contexto que este implica.

En sala se podrán apreciar las series Pintar un retrato presidencial, Mirar el mirar, La palabra retrato y El hermoso ausente; que presentan retratos en óleo sobre tela y sobre madera de diversos formatos, fotografías en blanco y negro de eventos recientes de la historia venezolana intervenidos con pintura, así como obras en medios mixtos. 

La exposición podrá visitarse hasta el domingo 16 de julio de 2023 en el galpón 6 de la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal, Los Chorros, Caracas. La galería está abierta al público de martes a sábado desde las 10:00 a.m. hasta las 6:00 p.m., y los domingos desde las 11:00 a.m. hasta las 4:00 p.m.

Inicio

@abracaracas

Hecdwin Carreño (Caracas,1983)  

Artista plástico egresado de la Escuela Técnica de Artes Visuales Cristóbal Rojas en 2003 y de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE) en 2016. En el año 2002 obtuvo el Primer lugar en el Salón Daniela Chappard en Caracas y desde entonces ha mostrado su trabajo en diversos proyectos y exposiciones colectivas, entre las que destacan: Latente, Hacienda La Trinidad, Galería Abra y Galería Carmen Araujo, Caracas (2018); 08-18, Galería Spazio Zero, Caracas (2018); La imagen persistente, GBG arts, Caracas (2020); Cuerpo, Galería Salón comunal, Bogotá (2020); La piel del sentido, Galería Awa cultura, Caracas (2021); Tiempos extraños, Galería Abra, Caracas (2021); Mirar en presente, Galeria Sketch, Bogotá (2021); El futuro que no fue, DK/DC Art Gallery, Bogotá (2021); Configuraciones en tránsito, Beatriz Gil, Caracas (2021); Primer premio LAD Galería Freites, Caracas (2022). Participa en la Residencia Vidco, Galería Salón comunal, Bogotá (2020). Realiza además su primera muestra individual en la Galería Abra con Cacería inhumana (2019), y posteriormente presenta La pertinencia del absurdo, Fundación Serpentina, Margarita (2023). 

Esculturas de Abigaíl Varela se exponen en la Galería Freites

La Galería Freites presenta actualmente la exposición “ABIGAIL VARELA. OBRAS DE MEDIANO Y GRAN FORMATO”, en la que se exhibe una selección de esculturas del artista venezolano Abigaíl Varela, realizadas entre 1988 y 2022.

“Abigaíl Varela es poseedor de un lenguaje y una técnica en la escultura indudablemente definida. Su estilo figurativo cautiva por una identidad muy particular, basada en sus propias consideraciones sobre la estética de lo bello en la figura humana. En efecto, su musa es la mujer, y es en ella, en su fisonomía, donde se centra buena parte de sus estudios”, según afirma la investigadora Anny Bello, en el texto que acompaña la muestra.

“Representa a la figura femenina con un tipo de expresión recurrente, de caderas voluminosas, extremidades delgadas y cabezas pequeñas. Podríamos decir que es el diseño de su propio canon de proporciones—o desproporciones—, que provienen de referencias culturales e históricas reunidas en una fórmula artística, que tienen en su propuesta un carácter contemporáneo”.

“Varela se ha apegado a los sistemas tradicionales del dibujo, el modelado, el vaciado y al taller de fundición. Se mantiene fiel a trabajar con el bronce y el aluminio, metales con los que manifiesta ‘se siente cómodo’. Estos materiales nobles, de alta durabilidad, también le permiten ubicar sus obras para espacios abiertos”.

Asimismo, Anny Bello destaca que “tanto los temas como los títulos de las obras sugieren situaciones cotidianas con sutil humor, a través de un imaginario poético de lo femenino: comadres sentadas conversando, mujeres caminando con sus carteras, jugando con sus gatos o mirando la luna. Lo cotidiano y el humor adquieren categorías estéticas que maneja con naturalidad, elevando al hombre común con una apariencia humana y cercana”.

“La obra de Varela mantiene una originalidad y universalidad, que en buena parte le viene del desparpajo de esbozar el espíritu de los tiempos actuales, recuperando los resquicios de los momentos ‘menos importantes’ de la vida para llevarlos a un estadio artístico, atinando en una conciliación de la visión de la modernidad americana con los lenguajes contemporáneos”.

Abigaíl Varela (Caracas, 1948) posee una amplia trayectoria artística de más de cuatro décadas, durante la cual ha exhibido su obra en Venezuela, y países como Estados Unidos, El Salvador, México e Inglaterra, entre otros. Ha recibido diversos reconocimientos, como son el Premio a la Mejor obra en pequeño formato, en el II Salón Nacional de Esculturas en Pequeño y Mediano Formato, Dirección de Cultura de la Universidad de Carabobo, Valencia (1976); Mención honorífica en el IV Salón Nacional de las Artes del Fuego, Valencia, estado Carabobo (1977); Mención especial en el I Salón Nacional de Escultura, Museo Barquisimeto, estado Lara (1978); Premio Julio Morales Lara en el Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, estado Carabobo (1983); Premio en Artes Plásticas Omar Carreño, en la categoría escultura, otorgado por el Colegio de Arquitectos de Venezuela y la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos (2014). Su obra está representada en museos y galerías de Venezuela, Estados Unidos, España, y forma parte de colecciones privadas nacionales e internacionales.

La exposición “ABIGAIL VARELA. OBRAS DE MEDIANO Y GRAN FORMATO” estará abierta al público hasta finales de julio de 2023, en la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco, Las Mercedes, Caracas.

AVAP y Valija Iberoamericana entregaron “Reconocimiento Armando Reveron”

 al artista Pedro Sandoval 

En el marco del natalicio del pintor de la luz, Armando Reveron, uno de los artistas venezolanos considerado de los más importantes del siglo XX en América Latina, directivos de la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos, AVAP, y la Colección Valija Iberoamericana, realizaron en Madrid la entrega del “Reconocimiento Armando Reveron” al creador Pedro Sandoval, de relevante y polifacética trayectoria internacional. 

La distinción fue conferida por primera vez fuera de Venezuela, de la mano de Humberto Cazorla, presidente de la AVAP, y Marcos Salazar Ruiz, presidente de la Valija Iberoamericana, convertida en el “Mascarón de Proa”, de las artes plásticas contemporáneas en Iberoamérica. 

La AVAP otorga Los Premios Armando Reverón anualmente, según selección realizada por maestros de trayectoria, consolidados del gremio y Críticos del Arte (AICA), la Asociación Internacional de Críticos de Arte – Capítulo Venezuela dando mérito a los artistas destacados por su constancia, dedicación, desempeño en las disciplinas: Pintura, Escultura, Arte Conceptual, Arte Multimedia y “talento Artista Joven”.  

El reconocimiento lleva el nombre del pintor y escultor venezolano Armando Reverón (10 de mayo de 1889 – 18 de septiembre de 1954) en honor a su legado reconocido nacional e internacionalmente, incluso por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, MOMA (Museum of Modern Art) en 2007, cuando organizó una gran exposición retrospectiva de su obra.

La elección de Pedro Sandoval para recibir el homenaje estuvo a cargo de un jurado de gran prestigio en el mundo del arte: Belgica Rodríguez, doctora en Historia del Arte de la universidad de la Sorbona, París-Francia; María Luz Cárdenas, presidente de AICA, Asociación Internacional de Críticos de Arte, capítulo Venezuela y Víctor Guedez, sociólogo y crítico de arte también directivo de esta prestigiosa institución. Cabe destacar que el medallón de bronce en alto relieve con la imagen del maestro Reveron fue realizado por el gran escultor venezolano Abigail Varela.

Para realizar la entrega del reconocimiento, en esta ocasión fue escogido el bar del hotel Palace por haber sido el sitio de tertulia y travesuras de García Lorca, Buñuel y Dalí. Después de más de nueve décadas se reunieron allí artistas y críticos a distancia, en este legendario sitio de la bohemia española, representados por la AVAP y la Valija Iberoamericana. 

La entrega contó también con la presencia del empresario Wilson Pabón junto a su esposa Mayra Farias y su hijo Alexander Pabón, el empresario Ricardo Padovan, el relacionista José Gregorio Rodulfo y la dramaturga y directora Mayling Peña.

Exposición “Geometrismos. Jesús Soto y su tiempo” se presenta en el Cubo Negro

El viernes 12 de mayo de 2023 a las 7:00 p.m., el espacio Arte al Cubo del Cubo Negro inaugurará en alianza con el Grupo Orión, una exposición titulada “Geometrismos. Jesús Soto y su tiempo”, como parte de las actividades programadas para conmemorar el centenario de Jesús Soto, uno de los principales representantes del cinetismo en Venezuela. 

La muestra reúne una selección de obras de Jesús Soto, así como de diferentes artistas de los años 50, 60 y 70 contemporáneos con él, como son Martha Boto, Omar Carreño, Carlos Cruz-Diez, Narciso Debourg, Marcel Floris, Gego, Julio Le Parc, Gerd Leufert, Mateo Manaure, Nedo M. F., Alejandro Otero, Juvenal Ravelo, Francisco Salazar, Francisco Sobrino, Víctor Valera, Victor Vasarely, Yvaral (Jean-Pierre Vasarely). 

Según explica la curadora Tahia Rivero en el texto que acompaña la exposición, “A partir del año 1915 del siglo XX, comienzan a aparecer en Europa, expresiones artísticas abstractas basadas en la geometría. La construcción de formas geométricas a partir del punto y la línea, sumados al color abren nuevas posibilidades sobre el espacio pictórico que prescinde completamente de referencias a la realidad o lo figurativo. Estas búsquedas se consolidan a través de tres grupos que sentarán las bases de la abstracción geométrica y sus derivados, son ellos, De Stijlo Neoplasticismo en Holanda, Bauhaus en Alemania y el Constructivismo en Rusia”.

“Los aires de renovación pronto llegan a Latinoamérica motivando a artistas jóvenes y estudiantes de arte a viajar a París a principios de la década del cincuenta, para completar su formación y conocer de cerca las nuevas tendencias. En París confluye un grupo numeroso de artistas que se interesa en la investigación sobre la luz y el movimiento que más tarde se conocería como Cinetismo”.

La exposición Geometrismos. Jesús Soto y su tiempo, “da testimonio de ese momento efervescente que vio surgir y consolidarse al grupo de artistas seguidores del Cinetismo, como una expresión novedosa que exploraba desde la abstracción y la ciencia, los fenómenos ópticos de la luz y el movimiento”, afirma Tahia Rivero.

Cabe destacar que durante la inauguración de la exposición, se presentará el performance “Vibraciones”, de la coreógrafa e investigadora de danza Claudia Capriles, escenificado por la bailarina Marilú García debajo de la obra “Volumen Virtual Suspendido” de Jesús Soto que se encuentra en el interior del Cubo Negro. 

Con dirección general de Claudia Capriles y música de Miguel Noya, esta propuesta parte de dos eventos que remiten a la visión multidimensional de Jesús Soto en su relación con artistas de otras manifestaciones y que tuvieron lugar en 1967 como fueron, la intervención performática de Sonia Sanoja en la galería Denise René dentro del primer Penetrable de Soto; y la confluencia de diversos artistas en Montreal, con la obra electroacústica «Cromovibrafonía» de Antonio Estévez, la poesía de Alfredo Silva Estrada y la danza de Sonia Sanoja, bajo el inmenso “Volumen Suspendido” ubicado dentro del “Cubo Soto” en El pabellón de Venezuela de la “Expo 67”, espacio concebido y diseñado por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva. 

“Partiendo de la visión vanguardista presente en los eventos de 1967, y revisando la propuesta conceptual de entonces, pensamos en una puesta en escena que articule orgánicamente las diversas manifestaciones artísticas y que confluyan en un mismo espacio-tiempo en homenaje a SOTO y su tiempo. Así la presencia de la danza, de la música, de la luz, del cuerpo esculpido en su cinética malla se encuentran bajo la impactante escultura colgante, una propuesta espectacular  que rinde homenaje a todos estos artistas desde la posmodernidad”, explica Claudia Capriles.

Esta producción cuenta con el diseño de tela y creación de vestuario de Rodrigo Machado, la impresión y realización de vestuario de Katyuska Kover y la iluminación de Rafael González.

La exposición Geometrismos. Jesús Soto y su tiempo se estará exhibiendo durante un mes, en el espacio Arte al Cubo, del Cubo Negro, nivel SC-3, Av. La Estancia, Chuao, Caracas.

Bernardo Wallis expone su obra en elRAiSE CARACAS 

Un conjunto de obras del artista venezolano Bernardo Wallis integran la exposición “Geometría Portátil”, que será inaugurada el jueves 04 mayo de 2023 a las 5:00 p.m. en los espacios de elRAiSE CARACAS, bajo la curaduría de Maria Bilbao·Herrera.

“Geometría Portátil” es una exploración de un mundo visual único, que revela el lado oculto de la geometría y el color. elRAiSE CARACAS presenta por primera vez en Caracas la obra de Bernardo Wallis (Caracas, 1975) un artista venezolano actualmente viviendo y trabajando en República Dominicana. Wallis proviene de una tradición familiar de arquitectos, coleccionistas de arte, intelectuales y creadores. En su trabajo, Bernardo combina la carpintería con la pintura y la abstracción geométrica. A través de su lente particular, sigue la vasta obra de los maestros geometristas y constructivistas que son pilares del arte latinoamericano y del diseño moderno.

“Bernardo Wallis captura breves momentos de quietud a través de sus piezas, captando un mundo interior y exterior en su propuesta”, comenta Maria Bilbao·Herrera.

Por su parte, Bernardo Wallis expresa: “Siempre me ha parecido que la soledad es increíblemente terapéutica. Creo que mi interés radica en esos momentos transitorios cuando la luz y la geometría se alinean. Siento que la soledad me ayuda a ser más sensible a esos breves momentos, algunos sólo existen durante unos segundos antes de desvanecerse”. 

Geometría Portátil constituye una investigación artística ejecutada a través de una disciplina estoica, de profunda destreza y audacia. Maridaje perfecto de artesanía y manejo del color y del tono, la obra fluye a través del debate conceptual entre la composición y ejecución precisa versus el acabado crudo y la descomposición. Explorando la destrucción y reconstrucción de superficies, dejando visibles las marcas que el proceso va dejando.

Bernardo Wallis realizó su primera exposición en solitario en 2022, en la Quinta Dominica, Ciudad Colonial de Santo Domingo, donde presentó más de veinte obras, entre cuadros y esculturas. En junio de este año 2023, Bernardo participará en Affordable Art Fair Australia, a través de la galería MGandCO Art Gallery con sede en Sydney, y actualmente está de visita en Caracas para presentar su trabajo en su ciudad natal.

La exposición “Geometría Portátil” de Bernardo Wallis se estará presentando hasta el 21 de mayo de 2023, en elRAiSE CARACAS, 4ta Avenida con 4ta Transversal, PB Edificio Icabarú, Los Palos Grandes, Caracas, Venezuela.

D’Museo presenta la exposición Artificialmente natural, naturalmente artificial

Ricardo Arispe nos hace viajar a un mundo imaginario, pero a la vez real y no presenta a la Inteligencia Artificial como un instrumento que debemos aprender a utilizar. Nuevamente este artista no muestra sus preocupaciones por el mundo que va desde lo político hasta lo ambiental.

Mayte Navarro

Una de las exposiciones que estuvo en la agenda de quien escribe esta nota fue la de Ricardo Arispe, titulada Artificialmente natural, naturalmente artificial, nombre que nos da una pista de lo que nos vamos a encontrar, un trabajo que va más allá de lo tecnológico porque refleja la sensibilidad del ser humano ante un fenómeno que ya está entre nosotros y que seguirá su curso, como lo han hecho otros descubrimientos.

Al entrar a la sala, una imagen de un humanoide o quizás un súper héroe en azul no revela la importancia que tiene el color para Arispe, quien en esta oportunidad ha analizado y presentado a ese competidor o aliado que es la Inteligencia Artificial, tema que el artista domina ya que es el creador del libro “Sobre IA”, publicado por abcediciones, donde expone el uso de tecnologías con fines creativos, aborda el alcance, impacto y riesgos de los recientes avances tecnológicos de la era digital.

Junto a varios grandes formatos que se encuentran en esta sala nos topamos con una pared de la galería ubicada en el Centro Cultural los Galpones, es un espacio, que recuerda un muro de mosaicos, por la sucesión de fotografías de paisajes urbanos donde Arispe deja claro sus conocimientos tecnológicos.

El artista también imprime su propia visión y preocupación sobre la tecnología, la corrupción, escasez, el abuso, la violencia y el poder en todas sus formas, temas que viene trabajando desde hace varios años. Y así como son diversos los tópicos que le preocupan, su manera de expresarlos también requiere de caminos distintos para plasmar imágenes que testimonian el manejo del oficio, influenciado desde la fotografía, a la que suma diferentes medios, técnicas y soportes con el fin de hacer llegar el mensaje. 

A las imágenes se agregan las opiniones de los investigadores virtuales que participan en el proyecto Urania que adelanta el Centro de Investigación y Formación Humanística de la UCAB, donde participa Arispe. En esos textos vemos como la Inteligencia Artificial aportará nuevas posibilidades a las artes, la ciencia y a nuestra vida cotidiana.

Paisajes oníricos y un particular imaginario muestran el desarrollo de una práctica diaria donde la tecnología se convierte en parte de esa rutina. Además, Arispe nos transmite sus preocupaciones por el uso no responsable e indiscriminado de la IA.

Artificialmente natural, naturalmente artificial es una experiencia que tiene una carga de optimismo y que revela la capacidad de un artista que tiene en la investigación otra fuente de inspiración.

Galería D’Museo, Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros.

@galeriadmuseo

Partículas de un continente

La Colección Mercantil inauguró la muestra que reúne los paisajes de Adrián Pujol, trabajos donde lo cromático prevalece sobre la forma.

Mayte Navarro

Una de las colecciones privadas relevantes en nuestro país es la de la colección del Banco Mercantil, lejos de ser obras reservadas a pocos, la institución financiera se ha dado a la tarea de mostrarlas al público, así como el de organizar exposiciones de artistas venezolanos para proyectar su obra. Recientemente se inauguró en sus espacios Partículas de un continente. Colección Mercantil, que reúne cuadros de Adrián Pujol quien nos muestra al paisaje como uno de los ejes de su trabajo.

Con esta muestra Pujol, actualmente residenciado en su natal Palma de Mallorca, pero que con frecuencia visita su país de adopción, nos muestra su visión del entorno natural venezolano, para que de esta manera sea parte de nuestra tradición pictórica paisajística.

La inauguración reunió a personalidades y a un grupo de invitados que guardan vínculos con el artista o son seguidores de los creadores que se expresan a través de las artes plásticas.

Esa tarde pudieron encontrarse con Pujol y dialogar con él mientras se recorría una buena parte de la carrera de un pintor que llegó de afuera pero que se sumó al mundo de la pintura venezolana, estando presente en importantes colecciones privadas y en los museos nacionales.

Muchos de los asistentes recordaron sus exposiciones pasadas, marcadas por el éxito, siendo, sin duda, Pujol una pieza importante dentro del paisajismo venezolano, ya que no sólo recrea la vista, sino que también permite que el paisaje continúe siendo un tema inspirador.

Por otra parte, Pujol nos presenta un paisaje donde el color está sobre las formas y es eso lo que cautiva y cautivó al público que estuvo en la inauguración de Partículas de un continente, ya que lo cromático nos permite llegar al alma del paisaje.

De ello se habló esa tarde donde no faltaron los brindis y las felicitaciones para con el creador que hace de sus colores parte de una poesía que entra por los ojos a través de un especial ritmo cromático.

Emilio Narciso, curador de la exposición, nos narra en el catálogo que en sus obras realizadas entre 1986 y 1999, presentadas en la muestra “Adrián Pujol. Partículas de un continente. Colección Mercantil”, deja constancia de la realidad de un recorrido, del reconocimiento de un territorio a través de lo que él denominó “campañas de paisaje”, adentrándose, como otros artistas de su generación, en la diversidad de ecosistemas naturales de Venezuela. 

De cada paraje, dice el especialista, extrajo su silencio, acallando sus conflictos y destacando su opulencia, su permanencia más allá del tiempo.

La exposición de Adrián Pujol forma parte de una colección calificada como la más exhaustiva de arte venezolano en manos privadas. Permanecerá abierta un par de meses en Espacio Mercantil, Fundación Mercantil, Edif. Panaven, PB, Av. San Juan Bosco con tercera transversal, urbanización Altamira. Se puede visitar de lunes a viernes, entre las 9:00 am y las 3:00 p.m. 

Cerquone Gallery Caracas presenta  “Todo a la vez” de Luis Salazar

El miércoles 26 de abril de 2023 a las 5:00 pm, se inaugurará en Cerquone Gallery Caracas la exposición “Todo a la vez”, de Luis Salazar, en la que se presenta parte de la producción artística más reciente de este creador.

Bajo la curaduría de Tahia Rivero, la muestra está conformada por una selección de pinturas, esculturas e instalaciones, además de una serie de elementos alternativos que deambulan en el espacio expositivo.

“Sorpresa, duda o curiosidad nos abordan al contemplar las obras. Salazar vuelve sobre el tema de las apropiaciones con obras inspiradas en artistas de las vanguardias históricas como Otto Dix, Phillip Guston o William Baziotes pero esta vez, manipula la secuencia del montaje. Un entorno invadido de objetos disímiles entre sí, altera la percepción del espacio proponiendo un laberinto de ideas y referencias en tensión”, afirma Tahia Rivero. 

“De nuevo Salazar da cuenta, de su prodigiosa destreza pictórica, pero su estrategia es la ironía, por tanto, interviene la parodia agregando manchas, tachones o salpicaduras, negando así la apariencia original de la obra”.

Según expresa Tahia Rivero en el texto que acompaña la exposición, “La obra de Luis Salazar (Caracas, 1968) se ha caracterizado por revisar el arte como un producto de consumo. Pareciera que esa noria que moviliza la industria cultural termina desgastando el aura, dejando apenas escombros de un objeto reproducido infinitamente por todos los medios disponibles”.

Para la individual “Todo a la vez”, como destaca la curadora, “Salazar mezcla las estrategias de las que se ha valido, —como la apropiación— con dispositivos que como sellos personales intervienen los planos pictóricos o las instalaciones en el espacio. Una combinación donde se deja ver como pintor avezado y como artista urbano que vibra con lo que ocurre en el presente. Pareciera que su visión se ha ampliado y nos plantea un laberinto de ideas y referencias en tensión que dejan en segundo plano la obra original en referencia”. 

“Más de veinte pinturas de mediano y gran formato se despliegan en las tres primeras salas; obras que se pasean de lo figurativo a lo abstracto confrontadas sin recato, resumiendo su confesa irreverencia frente a las verdades instituidas de la historia del arte. En el espacio intermedio, una gran instalación con retazos de mobiliario y piezas encontradas se reformula con tablones pintados por el artista. Allí confluyen una mezcla de elementos que conforman un gran retablo contemporáneo de maravillas donde se superponen simultáneamente distintos discursos y estéticas. En la última sala se muestra otra instalación con retratos de rostros sin rasgos individuales, una legión de personajes volátiles y, sin embargo, inquietantes”, explica Tahia Rivero.

Con una trayectoria artística de más de 20 años, Luis Salazar ha exhibido su obra en exposiciones colectivas e individuales, en museos y galerías de Venezuela y otros países como Francia, Aruba, Cuba, México, Estados Unidos y Holanda.

La exposición “Todo a la vez” de Luis Salazar se estará presentando hasta el mes de julio de 2023, en Cerquone Gallery Caracas, ubicada en la avenida San Felipe de La Castellana quinta 117 .

Exposición “Realidades oníricas” de Carmelo Niño se presenta en el Centro de Bellas Artes Ateneo de Maracaibo.

La Galería de Arte Ascaso y el Centro de Bellas Artes Ateneo de Maracaibo inauguran la exposición itinerante “Realidades oníricas” / “Dreamlike Realities”, del artista zuliano Carmelo Niño. La muestra contempla un conjunto de obras de la más reciente producción artística de este destacado creador que ocuparán todas las salas expositivas del CBA, a partir del 28 de abril hasta el 16 de junio  de 2023.  Con esta exposición Carmelo Niño celebra su trayectoria de más de 50 años que se inició en los espacios del Centro de Bellas Artes, donde en 1970 realizó su primera exposición individual.

La muestra, que inició su recorrido en Ascaso Gallery (Miami) en agosto de 2022, continúa su trayecto en Venezuela, comenzando en Maracaibo, ciudad natal de Carmelo Niño. Posteriormente se exhibirá en la Galería de Arte Ascaso en Caracas.

De acuerdo a la presentación que hace la Galería de Arte Ascaso de la muestra, esta exposición “se caracteriza por la producción artística más reciente del artista, que en estos últimos tiempos ha estado pintando en grandes formatos y ha incursionado en la escultura. También se han incorporado algunas obras de mediano y pequeño formato que dan evidencia de la evolución de la paleta de colores de los tonos más fríos y sombríos a armonías de colores más cálidas y vibrantes que de una manera exquisita y magistral juegan un papel primordial en el planteamiento de cada escena que Carmelo Niño nos presenta en sus obras”.

Según afirma la curadora e investigadora de arte Bélgica Rodríguez, en el texto que acompaña la muestra, “Carmelo Niño sabe que las raíces profundas de sus obsesiones se afincan en la realidad del silencio y en los recuerdos de una habitación poblada de objetos habitantes del pequeño circo que manejaba Ana Teresa, su madre; así como de una casa para él poblada de seres alucinantes que despertaban su imaginación de niño curioso y perplejo ante el entorno de una ciudad fascinante como lo era su Maracaibo, su ciudad natal. Cada pintura es un recuerdo de vida pasada y presente que sale a flote como universo personal y destino inmutable; son poderosas imágenes que enuncian la estética del imaginario simbólico de la carga emocional que animaba la creatividad del futuro pintor”.

A juicio de la curadora, “En estas pinturas el artista manifiesta como siempre su interés por la figura humana, sea el arlequín o la figura que vuela, pero siempre hierática de pie retando al espectador. Pero más que esto, es el ser humano y su circunstancia el objeto de su investigación, y que al estructurarlo y conceptualizar lo lejos de su normalidad física y cotidiana, lo reformula en imágenes que no son reales para corresponder a su particular concepción humanista de un universo que solo existe en su pintura (…) En toda su pintura Carmelo Niño busca, y logra, una estructura inteligible del espacio pictórico, y en esta serie reciente, rechaza más fuertemente la herencia tradicional de la representación espacial de la composición. Esto es bastante claro en la disposición de los espacios llenos en contraposición a los poquísimos vacíos (…)”.

“Al rechazar toda tradición, Carmelo Niño hace de su pintura una minuciosa ‘representación’ de atmósferas fantásticas llenas de personajes variados (en esta nueva serie predominantemente el arlequín), que lo ubica como individualidad en la escena de la pintura en Venezuela. Una vez más muestra su virtuosismo y dominio del dibujo y también su capacidad de manejar el color que aquí conlleva la magnífica percepción ‘irreal’ del objeto temático”, expresa Bélgica Rodríguez.

Carmelo Niño (Maracaibo, 1951) posee una amplia trayectoria artística de más de cinco décadas, durante las cuales ha exhibido su obra en diferentes exposiciones colectivas e individuales, salones y ferias de arte, en Venezuela y otros países como Colombia, Perú, Brasil, El Salvador, Uruguay, México, Estados Unidos, España, Francia, Monaco, Italia, Portugal, Checoslovaquia, Polonia, Hungría, China y Japón. Ha recibido varios premios y se encuentra representado en importantes museos nacionales, Ministerios y Embajadas, así como en colecciones privadas y públicas de diferentes países.

  La exposición “Realidades oníricas”/ “Dreamlike Realities”, de Carmelo Niño se inaugura el viernes 28 de abril a las 6:00 p.m. en el Centro de Bellas Artes Ateneo de Maracaibo, y permanecerá en exhibición hasta el 16 de junio de 2023.

 @cbaateneo

Los Petroglifos venezolanos forman parte importante de la exposición ContraVentions Show  Con los Klingerfarbengraph creados por Sylvia Constantinidis 

El arte indígena, nuestros petroglifos, abordados de una forma completamente innovadora, vanguardista y sonora, estarán presentes en una de las exposiciones más importantes e innovadoras de Miami y todo Estados Unidos en general. Se trata de “ContraVentions Show”, que tendrá como sede a la prestigiosa Mia Curatorial Proyect Miami, bajo la cuidadosa curaduría artística de la Dr. Milagros Bello, venezolana y una de las expertas en arte más respetadas de EEUU y Europa. La cultura de Venezuela dirá presente en esta cita con 10 obras de los revolucionarios Klingerfarbengraph, pertenecientes a la colección de pictogramas de la venezolana Sylvia Constantinidis. La inauguración es este sábado 14 de abril y existe una gran expectativa.

“Los Klingerfarbengraph son una técnica única e innovadora que yo creé, en la que trabajo con un recurso multimedia. generando música en un ciclo que inicia desde mi trabajo pictórico, lo convierto en sonoro utilizando espectigramas y técnicas digitales, y de allí creó una obra musical que se convierte en parte de la integración de artes plásticas, escultura sonora y audiovisuales para recrear no solo la forma y color sino también el espacio y el tiempo. Para mí es un honor muy grande que la Dra. Milagros Bello haya incluido mis obras en esta muestra”, explicó la maestra.

Como referencia los interesados pueden visitar: https://sylviaconstantinidis.com/artwork/exhibition-13-contraventions/

La Dra. Milagros Bello, quien posee un Doctorado en Artes de la Sorbona de París, comenta que ContraVentions Show es una exposición que: “extrapola su significado del derecho al arte. Se propone con el sentido de traspasar convenciones y patrones, contraponiendo géneros, temas, soportes y materiales, rompiendo con las concepciones tradicionales. Las obras estarán interactuando en diálogos virtuales opuestos, desde la abstracción pura hasta lo no figurativo metarreal, el dibujo, el arte sonoro y el performance”.

“Los Klingerfarbengraph representan una técnica de composición inventada por mí, única en el mundo, basada en mi tesis sobre la continuidad del espacio y el tiempo. Esta es una premisa creativa en la que llevó bastantes años trabajando y a la que he aplicado en distintos formatos.  Mi libro académico sobre mi proceso de Composición Musical (publicado en Alemania 2009), está basado en este concepto.  Y se titula “La Continuidad del Espacio y El Tiempo”, agregó la artista venezolana.

Además de la maestra Constantinidis, orgullo del edo. Nueva Esparta (quien ha participado en el circuito del Festival Art Basel – 2017 de Miami), en la exposición que se inaugura este sábado también exhibirán sus obras, artistas de gran renombre y con propuestas innovadoras como Eliana Barbosa, Rosario Bond, Ricardo Carbonell, Sergio Cesario, Meg Cogburn, Saul Galavis, Matt Jacobs, Clark Medley, Lucila Pérez Pesado, Sydia Reyes, Alexis Rivero y Beatriz Sánchez.

“Los Klingerfarbengraphs significan gráficos sonoros de colores, que presentan obras musicales logradas con un espectograma que desfragmenta sonidos, creando para cada obra plástica, una composición musical única e irrepetible, ampliando al infinito estas creaciones, en las que la audiencia disfruta de una descarga de imágenes y sonidos”, enfatizó Constantinidis.

La inspiración para este trabajo está relacionada con las culturas aborígenes de Venezuela y sus petroglifos que según los arqueólogos se remontan de 3000 a 5000 años A.C.  Esta mágica e innovadora mezcla de música, figuras, colores y elementos culturales tiene antecedentes exitosos, comenzando con una exhibición organizada por el programa Yourng Leaders of America, cuando en octubre de 2017. Dos meses después del éxito obtenido, continuó exhibiendo sus creaciones en la galería Kroma en el Festival Art Basel de Miami, tratándose de una de las citas de las artes plásticas más importantes y de mayor prestigio en el mundo entero.

Prensa Arte GMG

Obras de 10 artistas se exponen en la galería ABRA

El domingo 16 de abril de 2023, a partir de las 11:00 a.m., la galería ABRA inaugurará en su galpón 9 la colectiva “Cuerpo – Origen: Rituales de Reconocimiento”, que comprende una selección de obras de 10 artistas producto de investigaciones en torno al cuerpo y su relación con lo ritual. 

El proyecto, coordinado por el artista Leonardo Nieves, tiene la intención de posibilitar diálogos y reflexiones, hallar zonas de contacto que nos permitan trazar mapas de interacción con nuestro entorno y de conexión con aquello que nos rodea, a través de un cruce de ideas relacionadas al territorio, la ecología, la evocación de la naturaleza y su sentido con lo primigenio.  

La exposición incluye obras de artistas que trabajan con diferentes técnicas que incluyen: tejidos de George Lavarca y Julio Loaiza; cerámicas de Daniel Guerra, grabados de Norma Morales y una serigrafía de Analy Trejo, así como un conjunto fotográfico de Alejandro Torrealba; una pieza de orfebrería de Paula Richards, quimigramas de Carlos Eduardo Araujo, una escultura efímera de Roberto Camprovín; y una pieza de videoarte del dúo de danza Sartadecuentas; que se despliegan como un ecosistema en el que todos estos soportes coexisten y dialogan para establecer diversos acercamientos a la relación del cuerpo en las dinámicas de lo ritual.  

La muestra estará abierta al público desde el 16 de abril hasta el 21 de mayo de 2023, en el galpón 9 de la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a sábado de 10:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. 

Carlos Eduardo Araujo [Caracas, 1972] 

Roberto Camprovín [Caracas, 1982] 

Daniel Guerra [La Asunción, 1985] 

George Lavarca [La Concepción, 1992] 

Julio Loaiza [Caracas, 1978] 

Norma Morales [Caracas, 1960] 

Paula Richards [Caracas, 1979] 

Analy Trejo [Mérida, 1986] 

Alejandro Torrealba [Caracas, 1983] 

Sartadecuentas Danza [Caracas, 2004]

Exposición Portátil/ Literatura Venezolana 

El Buscón y La Poeteca se unen en la  EXPOSICIÓN PORTÁTIL Literatura Venezolana  25 + 1 con retratos del artista español Damián Flores Llanos. Su inauguración este viernes 14 de abril será en La Poeteca en el  Edif, Mene Grande, Av. Francisco de Miranda. Los Palos Grandes a las 4:30 pm   

El título de la exposición está inspirado en el libro de Enrique Vila Matas “Historia abreviada de la literatura portátil”  y que nos coloca desde Madrid, justo en el camino hacia Caracas en su recorrido itinerante. La muestra pasó en su primera estación por la mítica Librería El Buscón, en marzo del 2020. 

Los escritores retratados en disimiles técnicas son Rafael Cadenas, Eugenio Montejo, José Antonio Ramos Sucre, Andrés Eloy Blanco, Teresa de la Parra, Rómulo Gallegos, Francisco Massiani, Victoria de Stefano, Adriano González León, Salvador Garmendia, Hanni Ossot, Aquiles Nazoa, María Fernanda Palacios, Arturo Uslar Pietri, Yolanda Pantin, Karl Krispin, Ida Gramcko, Ednodio Quintero, Antonia Palacios, Boris Izaguirre, José Balza, Vicente Gerbasi, Elisa Lerner, Simón Alberto Consalvi, Elizabeth Schon y el +1 Alexander Von Humboldt, en un guiño homenaje al ilustre viajero de nuestras tierras equinocciales.

Los organizadores esperan que la muestra  sea de interés para el público caraqueño, después de que fue ideada desde Madrid bajo  el concepto y curaduría de la galerista Eugenia Niño, coordinación de María Fernanda Maragall y con el apoyo incondicional de Katyna Henriquez Consalvi de la Librería El Buscón en Caracas. 

Damián Flores nace en Acehuche (Cáceres) en 1963.  Es licenciado en la especialidad de Grabado por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid (1987). 

Hace su primera exposición individual ” EL VIAJE DE LA PINTURA” en 1992 en la Galería El Caballo de Troya (Madrid), desde entonces ha expuesto en la Galería My Name´s is Lolita (Valencia), Galería Estampa (Madrid), Galería Siboney (Santander), Galería María Llanos. (Cáceres), Galería Juan Amiano. (Pampona), Galería Félix Gómez. (Sevilla), Galería Juan Manuel Lumbreras. (Bilbao), Galería Alejandro Sales. (Barcelona) y actualmente en la Galeria Utopia Parkway (Madrid).

Ha recibido numerosas becas y premios entre las que destacan Beca del Ministerio de Asuntos Exteriores de la Academia Española en Roma, Tercer Premio TODISA de Pintura, Madrid, Adquisición de obra XVI Bienal de Pintura Ciudad de Zamora y de la VII Mostra Unión Fenosa, La Coruña. Ha acudido a ARCO en numerosas ediciones desde 1997 hasta 2004. Actualmente su obra se puede ver en numerosos Museos e Instituciones como Colección Unión Fenosa, Colección Caja de Burgos, Museo Municipal de Madrid, Ministerio de Asuntos Exteriores, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz, Biblioteca Nacional, Galería de Retratos del Premio Cervantes, Consejo Superior de Deportes, Colección Universidad de Valencia, Colección

Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC), Colección Junta de Extremadura y Colección Asamblea de Extremadura.

Adriana Barrios exhibirá “El Tiempo del Sueño” en la Sala Sofía Ímber del Centro Cultural UCAB

El 15 de abril de 2023 a las 11:00 a.m., será inaugurada en la Sala Sofía Ímber del Centro Cultural UCAB la exposición El Tiempo del Sueño, de la artista plástica y diseñadora gráfica Adriana Barrios Mendoza, quien utiliza el collage, el dibujo, la pintura y la sublimación en más de 30 obras que hablan de su conexión y relación amorosa con sus dos mundos: el cósmico y el terrenal. 

Luego de casi cinco años sin presentar una individual en el país, Adriana Barrios Mendoza destaca: “el arte nos hace crecer y entender procesos y más allá de eso nos enseña a conocer de otras culturas. Por eso las religiones se conectan en mi exposición creando una relación sutilmente amorosa. Es como un juego permanente entre el cielo y la tierra, permitiendo las transformaciones de las imágenes, son como capas de distintos tiempos en los sueños, las cuales trabajé con profunda libertad; creo que todas están llenas de conexiones ancestrales y de muchas energías positivas”.

Según afirma  María Luz Cárdenas, curadora de la muestra, investigadora y crítico de arte, “el espacio de creación en la obra de Adriana Barrios se ubica en ese extraño umbral entre el sueño y la vigilia: un estado donde el tiempo y el espacio se fusionan en miles de imágenes, una circunstancia donde la realidad se mezcla con la ficción para producir iconografías muy propias, plenas de figuras religiosas, santos, vírgenes, personajes míticos, leyendas, sucesos reales, figuras ancestrales, constelaciones familiares, representaciones del mundo espiritual… Estamos ante una excepcional Geografía de la Imaginacióncompuesta por pequeños dibujos (20 no más grandes de 23 x 23 cm y 13 telas sublimadas de 60 x 50) organizados a la manera de una cartografía de la ensoñación. Adriana se ubica en el Tiempo del Sueño donde conviven el pasado, el presente y el futuro en líneas cruzadas.  Pero también estamos frente al Sueño del Tiempo que reúne memorias azarosas, ideas dibujadas en horizontes cósmicos, visiones que bajan del cielo pero no llegan a posarse en el suelo”.

Por su parte, Adriana Barrios enfatiza que esta individual es muy importante en su carrera artística porque se conecta nuevamente con Sofía Ímber, su mentora, “es sin duda, ese tránsito respetuoso y mágico que solo se logra a través del arte, me encuentro con ella con quien tuve el honor de vincularme por muchos años en la gestión que desarrolló como promotora cultural en el MACSI y a través de este espacio en el Centro Cultural de la Universidad Católica Andrés Bello, que es mágico, sublime y glorioso, en donde siento su presencia. De igual manera me identifico, de forma muy particular, con el maestro Samuel Baroni con quien siempre suelo tener largas conversaciones que me motivaron a trabajar en esta nueva exposición”. 

Cabe resaltar que en el marco de la exposición, Adriana Barrios Mendoza desarrollará una serie de actividades en las que trabajará con un grupo de bordadoras y tejedoras de las comunidades, “Hilos de fe” y el “Taller El punto”, así como también con un grupo de personas con discapacidad que desarrollarán la técnica del tejido y el collage. Asimismo, la artista destaca el agradecimiento a la Fundación ArtesanoGroup y a Manuel Barrios Design, apoyo importante para el desarrollo de esta exposición. 

Adriana Barrios Mendoza tiene una amplia trayectoria durante la cual ha participado en exposiciones colectivas en Estados Unidos, Colombia, México, España, Brasil, Rumania, Corea del Sur y Argentina desde 2001 al 2020. En el año 2002 se ganó una Beca en el área audiovisual en el Programa de intercambio de residencia artística Grupo de los 3: Colombia, México y Venezuela. CONAC. CONACULTA. México DF. México. En el año 2001 su obra fue escogida para participar en IV Bienal Barro de América. Galería Marta Traba. Fundacao Memorial da América Latina. Sao Paulo. Brasil.

La exposición El Tiempo del Sueño, de Adriana Barrios, podrá ser visitada hasta el mes de agosto de 2023 en la Sala Sofía Ímber del Centro Cultural UCAB,  en la Universidad Católica Andrés Bello, ubicada en la avenida Teherán, Montalbán, Caracas. El horario es de lunes a viernes de 8:00 a.m. a 6:00 p.m. La entrada es gratuita.

Javier Vivas presenta Myztic Style en la Galeria GBG Arts

La galería GBG Arts presenta actualmente en Caracas, en su sala 2, una exposición individual del artista venezolano Javier Vivas, bajo el título MYZTIC STYLE que permanecerá en exhibición hasta el 16 de abril de 2023. 

La muestra está integrada por un conjunto de obras que van desde la pintura, la gráfica y la instalación, en las que Javier Vivas explora las estéticas de la era digital, del internet y del relámpago como elemento estético, para desarrollar su nueva propuesta.

“MYZTIC STYLE es la bitácora de un internauta que deambula entre dos mundos cuyas fronteras son cada vez más difusas. Es la puesta en escena de una reflexión de caracteres universales, en constante flujo y evolución que merodea entre lo físico y lo virtual, una reflexión sobre la virtualidad material y la materialidad virtual. De esta manera Javier Vivas propone escenarios e instalaciones que hilvanan una simulación de su propio proceso gráfico y estético en la evolución de su obra”, según expresa el curador Andrés Ricardo Aguiar en el texto que acompaña la muestra.

“La era de lo digital apertura aún más las puertas de la producción estética. Inmerso en  este  panorama,  Javier  desarrolla  un  discurso  sobre  un  fenómeno  que podemos denominar metapintura. Una disertación cambiaforma que cuestiona al cuerpo digital y la nostalgia por el cuerpo, un replanteamiento del dispositivo que lo sostiene como obra, de lo que significa ser pintura. El internet y lo digital posibilitan el surgimiento de nuevas materialidades (Ríos, 2019), en ellas Vivas concibe un híbrido que sobrepasa los contenedores clásicos de la materialidad y virtualidad en una rematerialización de datos como pigmentos, de texturas como  vectores, de sombras como relieves…,  un híbrido ubicuo y atópico, capaz de posarse en cualquier dispositivo”.

De acuerdo al curador, “Como  principal  resultado  de  esta  investigación  tiene  lugar XPIRITUALISM, habitante del ciberespacio y nuestro mundo. Sumido en la nostalgia por los 90’-00’ y las estéticas del internet, esta serie propone un viaje por estas formas de agrupación de lo sensible: recorriendo desde el fenómeno del Y2K como catalizador y Neo-Tokyo como origen creativo a nivel gráfico y de estimulación, tanto cromático como en el estilo; el Lightningwave/Nu-Metal/Cyber-sigilism, como estudios del relámpago como elemento estético, que llevado a su descontextualización y descomposición genera espacios de reflexión gráfica que al reagruparse como vectores bosquejan experiencias que reproducen encuentros y desencuentros del espectador con la luz; y el Phonk como sintetizador de las ideas y relator del discurso gráfico (…)”.

“Este cuerpo de trabajo es difícilmente comprensible si se le separa del folklore del mundo digital, de su contexto. Derivado de las subculturas que en él habitan, se apoya en  un  misticismo  con  una  fuerte  simbología  inspirada  en  el  cómic  y  el  anime. Precisamente esta simbología es el eje central en la composición gráfica y conceptual de cada obra: la relación entre lo sagrado y lo profano, lo mundano y lo celestial, narran experiencias  a  través  de  cruces  y  estrellas  que  guiñan  la  relación  de  oriente  con occidente, desde la simbología apropiada por él”, afirma Andrés Ricardo Aguiar.

Javier Vivas realizó estudios de diseño gráfico y artes visuales en la Universidad de Los Andes (ULA) en Mérida, Venezuela, entre los años 2008 y 2015. Ha desarrollado una importante carrera artística durante la cual ha exhibido su obra en diferentes exposiciones colectivas en Venezuela y otros países como Perú, Estados Unidos, Malta, España y Francia. En el año 2017 realizó su primera exposición individual en la galería GBG Arts, en Caracas, Venezuela, bajo el título Pintura Concreta. Entre sus actividades más recientes, figura su participación en la Feria de Arte Contemporáneo, Pinta Parc. Lima, Perú (2022); ¨La Trayectoria inédita¨, Hacienda la Trinidad. Caracas, Venezuela (2021).

La exposición MYZTIC STYLE de Javier Vivas permanecerá abierta al público hasta el domingo 16 de abril de 2023, en la galería GBG Arts, ubicada en la avenida principal de Prados del Este, Galpón 2, Caracas.

Obras de doce artistas contemporáneos se exhiben en la galería ABRA

El sábado 25 de marzo de 2023, a partir de las 11:00 am, la galería ABRA inaugurará en su galpón 6 la colectiva FURIA SILENCIOSA, que comprende una selección de obras de un grupo de artistas que durante las décadas de los setenta y los ochenta elaboraron reflexiones y prácticas innovadoras que sentaron un precedente importante en la historia del arte del país.

Bajo la curaduría de Luis Romero, las obras de FURIA SILENCIOSA “se despliegan en su conjunto como la representación de una tensa calma: la tirantez de imágenes duales, superficialmente inocentes, que sin embargo proponen la incertidumbre y la desazón de la violencia”, como escribe la artista e investigadora Costanza De Rogatis en el texto de sala que acompaña la exhibición.

En sala podemos apreciar numerosos medios y diferencias estilísticas, típicas de una época marcada por una gran experimentación en el arte. La muestra integra obras de Miguel Von Dangel y Pedro Terán realizadas con técnicas mixtas y collage; ensamblajes e instalaciones de Carlos Zerpa y Carlos Castillo, esculturas de Carlos Qintana; gráficas de Ricardo Benaim y fotografías intervenidas de Luis Villamizar, así como una gráfica de gran formato hecha en técnica de cartonaje por Adrián Pujol; una pintura hecha en serigrafía y acrílico sobre tela de Nela Ochoa, un dibujo de Diego Barboza, una instalación realizada en serigrafía sobre madera de Ana María Mazzei y un video de Juan Loyola. 

A pesar de la heterogeneidad de las técnicas, la muestra propone una mirada moderna de la obra de estos referentes del arte venezolano, permitiendo vislumbrar los indicios de un país fragmentado, que revisados en la actualidad demuestran gran afinidad con el presente.

La exposición FURIA SILENCIOSA estará abierta al público hasta el 14 de mayo de 2023 en el galpón 6 de la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a sábado desde las 10:00 am a las 6:00 pm, y los domingos desde las 11:00 am a las 4:00 pm. 

Diego Barboza [Maracaibo, 1945]

Ricardo Benaim [caracas, 1949]

Carlos Castillo [Caracas, 1942]

Juan Loyola [Caracas, 1952]

Ana María Mazzei [Caracas, 1946]

Nela Ochoa  [Caracas, 1953]

Adrián Pujol [Palma De Mallorca, 1948]

Carlos Qintana [Caracas, 1955]

Pedro Terán [Barcelona, 1943]

Luis Villamizar [Maracay, 1947]

Miguel Von Dangel [Bayreuth, 1946]

Carlos Zerpa [Valencia, 1950]

Exposiciones de Mateo Manaure y Francisco Narváez en los espacios de Reset Gallery

El domingo 26 de marzo de 2023 a las 11 am, Reset Gallery inaugurará en sus espacios dos exposiciones en las que se exhibirán representativas obras de dos importantes artistas venezolanos como son Mateo Manaure y Francisco Narváez.

La individual de Mateo Manaure, titulada “Manaure”, reúne un conjunto de obras que resumen la investigación de este creador en el campo de la abstracción geométrica partiendo con una pieza de 1957.

Según explica el curador Gabriel Guevara Jurado en el texto que acompaña la muestra, obras de los años setenta, ochenta y del milenio, reúnen una visión amplia y esclarecedora del concepto de este importante artista, que forma parte de “Los Disidentes”, “un grupo creado en París en 1950, por un conjunto de artistas y escritores venezolanos que vivieron en esa ciudad entre 1945 y 1952; de allí partió la premisa del ambiente y desarrollo de una postura que decantará en varias líneas de investigación sobre la abstracción y el resultado de interpretación del espacio geométrico desde la pintura, la escultura, el grabado y las intervenciones en la arquitectura”.

En palabras de Gabriel Guevara Jurado, “Manaure nutrió este grupo atravesando varios proyectos, la investigación que llevó adelante definió la estructura de la geometría en su trabajo, está unida a diversos conceptos de otros planteamientos artísticos y poéticos que conforman un universo con grandes variables visuales, en los cuales determinó la importancia de la figura  en el vacío, convirtiéndose en un constructivista que unido a otros delimita las corrientes que generaron las tendencias de la comprensión del espacio contenido en la geometría, experimentando con el color de alto contraste en una estructura ortodoxa, algunas de sus obras permiten observar una espacialidad en proyección, en una suerte de volumen descriptivo”.

Importante exponente del abstraccionismo en Venezuela, Mateo Manaure (1926-2018) fue reconocido con el Premio Nacional de Artes Plásticas, en su primera edición en el año de 1947. Junto con otros artistas venezolanos participó en la creación del grupo Los Disidentes, cuyas propuestas  marcaron desde las nuevas vanguardias al arte venezolano, en especial de la abstracción geométrica. En  2009 se creó el Museo de Arte Contemporáneo Mateo Manaure, en Maturín, Estado Monagas. Una de sus piezas más recientes, en el año 2012 es  el mural Uracoa en la Av. Libertador. Está representado en importantes colecciones nacionales como la Galería de Nacional, en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas y reseñado en catálogos editados por el MoMA.

Por su parte, la exposición de Francisco Narváez está integrada por una selección de obras, entre las que se incluyen tres pinturas, dos esculturas en piedra y tres obras en madera.

De acuerdo al curador Gabriel Guevara Jurado, “Adentrarnos en el trabajo escultórico de Francisco Narváez desde la conceptualización del volumen, implica expresar su aporte a la escultura moderna y contemporánea para permitirse comprender los procesos que llevó adelante desde una perspectiva íntima y de comprensión del entorno, sus procesos y formas que estructuraron fundamentalmente su producción artística”.

A juicio del curador, “Ser escultor es un desafío dada esta premisa, igualmente poder llegar a visualizar la totalidad del volumen por medio del recorrido que expresa en sí refiriendo al movimiento y la percepción de varias caras es un gran reto, por lo cual allí ocurre un gran evento artístico, que el artista debe definir, ese reto en el caso de Narváez está magistralmente definido entre sus varias y amplias transiciones conceptuales; Partir desde el volumen alegórico al cuerpo, pasar entre la abstracción y la figuración, volverse sintético, dando valor a los elementos claves de un cuerpo, para luego pasar a lo concreto del material y establecer parámetros de formalidades dentro del volumen de irrupción directo (…)”. 

Con una amplia trayectoria artística de más de cincuenta años, Francisco Narváez (1905-1982) realizó diversas obras para la Ciudad Universitaria de Caracas, así como también, la fuente de Parque Carabobo, la fuente “Las Toninas” ubicada en la Plaza O’Leary de El Silencio, la escultura ecuestre del general Rafael Urdaneta ubicada en la plaza La Candelaria, la escultura “Armonía de Volúmenes y Espacio” realizada para la C.A. Metro de Caracas, entre otras. Exhibió su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, Estados Unidos, España, Italia y Francia, entre otros países. 

Las exposiciones de los artistas Mateo Manaure y Francisco Narváez se estarán presentando hasta mayo del presente año, en los espacios de Reset Gallery, ubicada en el Nivel Mercado del Centro Comercial Paseo Las Mercedes, Caracas.

Obras de la artista venezolana Claudia Lavegas se exhiben en la Quinta San Pedro

Una exposición de la artista venezolana Claudia Lavegas, titulada “Ättä”, será inaugurada en Caracas el sábado 4 de marzo de 2023 a las 11 am, en la Quinta San Pedro, en una alianza artística con la galería Graphicart.

La muestra está integrada por un conjunto de obras en las que Claudia Lavegas “ha trabajado fundamentalmente en dos temas: los techos de las churuatas y vistas -o cortes- de árboles. Ello resulta de sus viajes recurrentes al Amazonas. No en vano la representación de estos motivos tiene, en su caso, tanta potencia: hay una necesidad de palpar hondamente nuestras raíces culturales en su contexto originario. Esto implica ver -y tocar– la naturaleza así como ver el hábitat de las comunidades indígenas que allí se encuentran”, según afirma la curadora, investigadora y crítico de arte, Susana Benko, en el texto que acompaña la exposición.

“La abstracción en la obra plástica de Claudia Lavegas responde a una manera muy particular de asumir su trabajo creativo pues influye tanto su formación profesional como su visión de la realidad. En tal sentido, no se trata de piezas que puedan considerarse sólo desde una perspectiva formalista. Se trata de una abstracción muy contemporánea, en la que la forma está indisolublemente implicada a sus contenidos”. 

De acuerdo a Susana Benko, “en la serie de churuatas estamos ante formas circulares abstractas que hacen referencia a un objeto cultural determinado y pleno de significación. Todo ello se expresa mediante elementos propios del arte abstracto: geometría, composición, color, textura, escala tonal, entre otros más. La alusión a un aspecto de la arquitectura indígena queda formalmente definida a través de estos elementos y, paralelamente, de alguna manera, también se expresa la voluntad de la artista en querer hacer un urgente llamado de alerta: a no descuidar nuestro pasado originario ni tampoco a la naturaleza”.

“La naturaleza, como Claudia indica, tiene tanta relevancia como la cultura (…) De allí sus dibujos de troncos de árboles en formato alongado, hechos con una factura sumamente cuidada, muy detallada, en la que no sólo da cuenta de texturas y fluidos internos, sino también de una clara intención ecológica. La idea es transmitir por medio de la imagen la urgencia de preservar la naturaleza”, expresa la curadora.

Nacida en Caracas en 1968, Claudia Lavegas se graduó de arquitecta en la Universidad Central de Venezuela en 1992. Asimismo, estudió acrílico sobre lienzo en la Escuela Federico Brandt en Caracas, y en 1995, decidió ampliar sus estudios y se trasladó a París para cursar un postgrado en la École des Beaux-Arts, especializándose en museología, así como en escenografía de ópera y teatro. Tras completar sus estudios académicos, regresó a Venezuela, donde combinó su carrera con sus pasiones por la pintura y el arte contemporáneo. En 2010 fundó Happy Hour Bags, una empresa de accesorios de moda donde se desempeñó como directora creativa. En la búsqueda de expresar su creatividad a través del pincel, emprende un nuevo proyecto en 2017, la creación de Qilin Brand, una marca de accesorios que llevan su estilo reflejado en sombreros y accesorios de moda. En el 2018, continuó su formación académica y completó un diplomado en arte contemporáneo en la Universidad Metropolitana. 

La exposición “Ättä” de Claudia Lavegas se estará presentando hasta el 25 de marzo de 2023, en la Quinta San Pedro, ubicada en la Avenida Principal Lomas de La Trinidad, antigua carretera Las Minas, Baruta, Caracas.

Obras de Carlos Medina, Sydia Reyes y Rafael Barrios
toman el espacio urbano madrileño

Hasta el mes de abril, la calle Ortega y Gasset de la capital española sirve de galería al aire libre para las esculturas de los artistas venezolanos, a las que también se unen algunos de los más representativos creadores de Iberoamérica, en Madrid Luxury Art 2023

Los transeúntes que recorran hasta el mes de abril el trayecto que une al barrio de Salamanca, en la calle Ortega y Gasset, y el Paseo de la Castellana, en Madrid, se toparán con esculturas concebidas para el espacio público por relevantes artistas de Iberoamérica: los colombianos Fernando Botero y Ricardo Cárdenas; los españoles Baltasar Lobo, Jaume Plensa, Aurora Cañero y Manolo Valdés, y los venezolanos Rafael Barrios, Sydia Reyes y Carlos Medina, entre otros.

Esta Milla de Oro, como también se le conoce, se ha transformado en una galería al aire libre con la celebración de la segunda edición del Madrid Luxury Art 2023 (MLA 2023), proyecto de gestión cultural organizado por AGM Art Management con el impulso de la asociación Madrid Luxury Distric, fundada por Inmaculada Pérez Castellanos, para revitalizar con el arte esta zona de la cosmopolita urbe madrileña.

Una propuesta de vanguardia que cuenta con la curaduría de la experta venezolana María Luz Cárdenas y cuyas 10 esculturas a escala humana gravitan en torno al planteamiento temático: La condición humana y su lugar en el Universo.

Por tratarse del Madrid Luxury Distric, asociación que engloba las firmas de lujo ubicadas en eje de Ortega y Gasset, como Jaeger Lecoultre, Hotel Villa Magna, Cartier, Tiffany&Co., Bvlgari o Celine, entre otras, algunas obras en formato menor se exponen en el interior de estas boutiques y en importantes galerías internacionales como Marlborough, Fernando Pradilla, La Cometa, El Museo, Gärna Art Gallery, Luisa Pita, Fundación Botero y Freites.

La edición de este año de la MLA busca afianzarse como proyecto cultural, pero con un fin social. Es por ello que las bases de cada una de las esculturas que se exponen al público tiene un código QR para donar un euro para la Fundación Healing Venezuela, proyecto social dirigido a mejorar la asistencia sanitaria de personas en riesgo de exclusión social en el país.

En Madrid Luxury Art 2023, que formó parte del programa Guest, de la recién finalizada Feria de Arte Contemporáneo ARCO, el público puede apreciar obras como Tel Aviv Man, escultura de casi dos metros de altura realizada por Jaume Plensa en acero troquelado, o Círculo y cuadrado, pieza de acero inoxidable pulido con la que el artista venezolano Carlos Medina retoma una investigación de la década de los 80 que se alinea con su intención actual de suspender las formas virtuales y reales a través del reflejo hasta mimetizarlas con el entorno, incluso incorporando al espectador reflejado en la obra.

El sábado 04 de marzo de 2023, a partir de las 11:00 am, la galería ABRA inaugurará en su galpón 9 una individual de la artista Malu Valerio, titulada EL TIEMPO SE DILUYE: UN DIÁLOGO CON EL ARCHIVO DE COCINA DE ANTONIETA SOSA. 

El proyecto expositivo está compuesto por un conjunto de obras multidisciplinar desarrollado desde una inmersión de Valerio en el espacio doméstico de Antonieta Sosa, partiendo de sus cuadernos de recetas. 

Antonieta Sosa es una artista y docente residenciada en Caracas, fue maestra fundadora del Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón, en el que establece una cátedra de Lenguaje Plástico a la que se dedicó por casi cuarenta años a la par del desarrollo de una extensa práctica artística. 

En EL TIEMPO SE DILUYE, Valerio establece un diálogo con el vasto y heterogéneo archivo de Sosa, y presenta una variedad de medios y soportes que incluye cianotipos, serigrafía, pintura, fotografías y bocetos. Asimismo, estarán expuestos en sala los cuadernos de recetas de Sosa. Adicionalmente, forma parte de la propuesta la intervención de dos murales en los espacios exteriores de la sala. 

Como parte de la programación de la muestra se realizarán diversos encuentros, charlas y actividades de interacción con el público, dedicadas a compartir e intercambiar recetas y comida partiendo del recetario de Antonieta. 

Este cuerpo de trabajo fue producido en el marco del evento El Siglo de Las Mujeres organizado por el Goethe Institut La Paz entre 2020 y 2022, que tuvo como resultado un proyecto editorial y una exposición titulados Hacer la sopa, cuaderno de recetas, propuesto por Valerio y con la participación de Virginia Ayllón, Bianca Bernardo, Claudia Casarino y Keyna Eleison, cada una de las cuales invitó a interlocutoras con quien establecer diálogos en torno al tema del cuidado. Entre ellas, Sosa, Beatriz Chambilla, Daniela Rico, Ilda da Conceicao Pinheiro, Elaine Dual y Bettina Brizuela. 

La exposición EL TIEMPO SE DILUYE: UN DIÁLOGO CON EL ARCHIVO DE COCINA DE ANTONIETA SOSA, de Malu Valerio, podrá visitarse hasta el domingo 02 de abril de 2023 en el galpón 9 del Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. La galería está abierta al público de martes a viernes desde las 9:00 am hasta las 5:00 pm, sábados y domingos desde las 11:00 am hasta las 4:00 pm. 

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Malu Valerio [Cumaná, 1982]  

Artista residenciada en Caracas. Estudió artes plásticas, con particular atención al arte contemporáneo y estudios de equidad de género y derechos humanos. Actualmente participa como activista de DDHH en torno a los derechos de las mujeres, medio ambiente, desplazamiento forzado y otras formas de artivismo, con los colectivos Sobrepasadas y Mujeres Contra las Violencias. Recibe el premio Eugenio Mendoza en 2019 y el premio Aica Artista Joven en 2020; asimismo fue reconocida como activista por la Comisión de Derechos Humanos del estado Zulia, Codhez, entre otra decena de premios. Entre sus exposiciones individuales destacan Somos cuerpo, somos territorio, somos e-in migrantes en la Sala Mendoza (2020), Morada. Refugio y encierro en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia Maczul y Cerquone Gallery (2019), La persistencia de lo invisible en la Hacienda La Trinidad Parque Cultural (2018), Fámula, el hábitat conocido en el Centro de Bellas Artes Ateneo de Maracaibo (2017). Ha participado en las residencias artísticas Lugar a dudas en Colombia (2019) y Macolla Creativa en Caracas (2019). Entre 2021 y 2022 fue seleccionada por el Goethe Institut Caracas para representar a Venezuela en el evento El Siglo de Las Mujeres, organizado por el Goethe Institut Bolivia. En 2022 fue invitada por el Banco de Desarrollo de América Latina CAF para formar parte del I Foro por la Equidad, en Caracas. Entre 2022 y 2023 formó parte del equipo organizador del proyecto colectivo Sustrato Hilaza que se exhibe en los espacios de Cerquone Gallery en Caracas.

La galería venezolana Cerquone Gallery  presente en la feria de arte Zona Maco 2023

Por segundo año consecutivo la galería venezolana Cerquone Gallery estará presente en la feria de arte contemporáneo más importante de Latinoamérica, Zona Maco 2023, que se llevará a cabo del 8 al 12 de febrero en Centro Citibanamex, en Ciudad de México, con la presencia de más de 120 galerías internacionales.

Con sedes en Caracas y en Madrid, Cerquone Gallery participará en esta edición de Zona Maco con una selección de obras de los artistas Ana Barriga (España), Paul Amundarain (Venezuela) y Grip Face (España), que se estarán exhibiendo en la sección más amplia de la feria, en la cual se presentan galerías líderes a nivel internacional con piezas de la más alta calidad en pintura, gráfica, escultura, instalación, video y nuevos medios, de los artistas contemporáneos más representativos de la escena global.

Ana Barriga (Jerez de la Frontera, España,1984), artista con base en Londres y una de las pintoras españolas más importantes de la actualidad, expone en esta edición un conjunto de obras llenas de humor y de ironía, son formas de ver la realidad de una manera diferente e inesperada, de romper la norma con sus piezas. Ana Barriga ha participado en importantes ferias de arte y exposiciones en diversos países, y recientemente, a finales del año 2022, presentó una exposición en el Centro Cultural UCAB de la Universidad Católica Andrés Bello, en Caracas, Venezuela.

Paul Amundarain (Caracas, 1985), con base en México y Miami, hizo estudios de arquitectura en la Universidad Central de Venezuela. Desarrolla su trabajo en sus estudios de Caracas, Miami y México. Ha expuesto su obra en numerosas muestras individuales y colectivas en galerías, museos y ferias de arte de Venezuela, Latinoamérica, Europa y los Estados Unidos.

Grip Face (Palma de Mallorca, 1989), presenta una propuesta caracterizada por la observación aguda, la energía inspirada en la calle y el lenguaje visual reflexivo. El dibujo y la pintura se convierten en armas de destrucción masiva contra la ansiedad del mundo contemporáneo de Grip Face, así da comienzo una multifacética carrera artística que se fundamentará principalmente en reexaminar de forma constante la mirada hacia su pléyade.

Cerquone Gallery exhibirá las obras de estos tres artistas en la feria de arte contemporáneo Zona Maco 2023, del 8 al 12 de febrero de 2023, Booth E118, Centro Citibanamex de la Ciudad de México DF.

Vestigios del pasado y el presente

El maestro Saúl Huerta presenta en la sala del Centro Cultural BOD 24 obras cargadas de técnicas y con un lenguaje original, donde la superficialidad no existe.

Mayte Navarro

El Centro Cultural BOD invitó a realizar una visita guiada por la exposición más reciente que se encuentra en sus salas, se trata de Vestigios, que reúne obras del Saúl Huerta, ganador del Premio Nacional de Artes Plásticas 2015.

Recorrer estos espacios junto al propio artista y la curadora de la exposición, Elida Salazar, resultó relevante, sobre todo para aquellos que, aun conociendo el trabajo de Huerta, nos interesa revalidar las emociones que sentimos con lo que realmente quiso expresar el creador en cada una de ellas.

En la sala se encuentran obras de mediano y gran formato, trabajos realizados durante estas dos primeras décadas del siglo XXI que reflejan dominio de un lenguaje pictórico y la capacidad de poder combinar técnicas diferentes ya que domina y conoce los materiales que utiliza. Podríamos decir que es un artista con experiencia. 

Los cuadros dan testimonio de técnicas como el grabado, del trazo firme del dibujante y en ellos hay una expresión de lo urbano que obedece a la capacidad de observación de Huerta.

Durante el recorrido recordó algunos de sus experiencias como estudiante, también hizo referencia a como los cambios de la atmósfera de la ciudad, esos que frecuentemente los ciudadanos comunes no percibimos por estar inmersos en otras preocupaciones o pensamientos, influyen en su acto creativo. 

La obra de Saúl Huerta resulta sugestiva, el color nos permite transitar por formas laberínticas que a veces se repiten como si se tratasen de series de árboles esparcidos en una calle. No tiene que recurrir a la evidencia para remitirnos a la ciudad. Actúa para recordar elementos de construcciones, como lo indicó Elida Salazar al ayudarnos a descubrir la presencia de vitrales de la UCV en uno de los cuadros y de esta manera indicar los momentos vividos por Huerta en esa casa de estudios.

El maestro Huerta facilitó este viaje que se inicia cuando nos colocamos frente a la obra y vamos descubriendo en ellas un camino que nos permite penetrarla y llegar a profundidades desconocidas que, en el caso de estas piezas, cargadas de cierto carácter enigmático, no resultan perturbadoras.

En estos tiempos de prisas y superficialidades, cuando la razón se ve dominada por las emociones, se agradece que nos obliguen a observar y a encontrar el sentido de una línea, a que nos expliquemos por qué hay artistas que continúan experimentando fuera del ordenador.

Las piezas de Saúl Huerta se hilvanan en una serie realizada con su original lenguaje, todas bajo un mismo manto enigmático y expresadas con sus propias palabras.

Vestigio también cumple una función celebrativa ya que forma parte de los actos programados para la celebración de los 32 años del Centro Cultural BOD y se trata de 24 piezas llenas de energía, de riqueza técnica y de gran laboriosidad.

Concluyamos con una frase de Elida Sánchez, curadora de la colección: “La obra de Saúl Huerta, toda, está amarrada al tiempo para que vuelva a florecer aquí, bajo los vestigios del pasado visual y cultural”.

Una exposición que reúne pluralidad: Vidas Ajenas en El Hatillo

El próximo sábado 28 de enero El Muro de Casa 22 en El Hatillo presentará la inauguración de Vidas ajenas: una selección de retratos realizados por Flama entre 2020 y 2022 para editoriales de moda en medios gráficos de Europa y América. En Vidas ajenas el fotógrafo confronta el retrato como género que explora la contemporaneidad y sus arquetipos más intrincados, a partir de una estética inhabitual que bebe en las fuentes del surrealismo y ciertas señas del pop art, entre otras motivaciones que día a día investiga en la construcción de su propio estilo. Cinco semblanzas en primer plano, inconexas a primera vista, pero unidas entre otros hilos por la estrategia de salvar distancias y provocar confidencias e intimidades multilaterales: entre los personajes y el espacio expositivo; entre los personajes y la cámara; entre ellos y el espectador; entre el espectador y el fotógrafo, entre los propios espectadores. El discurso que las une entrelaza narrativas visuales y conceptuales tras las que se evocan temas clave de la historia del arte pero también de un álgido presente. Con una estética onírica que pareciera no dejar nada a la improvisación ―osados efectos ópticos, preciso control de la luz, sugerente ambientación compositiva, un estilismo cuidado y una labor de posproducción asociada a las nuevas tecnologías―, la apuesta va por las sutilezas del lenguaje fotográfico. Ello proviene de un amplio conocimiento de los códigos y de una forma sensible de mirar desde adentro hacia afuera de sus protagonistas, de su propia ficción y de la seducción que proyectan en el que observa.

El fotógrafo revisa los cánones de belleza clásicos, algunas escenas de la iconografía religiosa; la estética ochentera de La Movida madrileña con sus protagonistas más llamativos; las referencias del arte universal, el cine y el mundo del espectáculo; la práctica de fotógrafos como Kito Muñoz o Tim Walker, y los planteamientos estéticos vanguardistas que se manejan en una Europa que puja entre el bienestar y el conflicto. Con este sustrato palpitan en su trabajo temas consustanciados con la realidad, un paso «más normalizada» en el viejo mundo, como la sexualidad, la ruptura de paradigmas identitarios, la diversidad de género, el derecho a la descategorización. En cada pieza queda patente la importancia concedida al proceso creativo y una polisemia, incluso con matices antagónicos, que aboga por la esencia plural del ser humano.

Flama (Caracas, 1993) @flama.ph

Fotógrafo de moda y artista plástico, su formación académica está relacionada con el ámbito de la imagen y de manera directa con la fotografía. Entre 2014 y 2017 asiste a los cursos de la Escuela de Roberto Mata, sede Caracas, donde en 2021 imparte el taller intensivo Fotografía de Moda Creativa, dictado también en el Centro Cultural Chacao (2022). En 2018 se muda a Madrid, donde ingresa en EFTI, Centro Internacional de Fotografía y Cine, para cursar Fotografía Profesional II (2018-2019) y un año después se traslada a Barcelona para cursar el Máster en Fotografía de Moda, Estilismo y Dirección de Arte, IDEP (2019-2020). Desarrolla su trabajo creativo vinculado con la fotografía para diferentes marcas y editoriales de moda, y sus fotografías han sido publicadas en medios como Vogue Latinoamérica;GQ Portugal; Vogue Portugal; Off The Rails; Metal Magazine; Fucking Young Magazine, Vanity Teen Magazine; Hola Cocina. Entre las colectivas en las que participa destacan Variables inesperadas, La Caja, Centro Cultural Chacao, Caracas (2022) y Planet, CASASUR Art lab&Gallery, Madrid (2022). Actualmente presenta Vidas ajenas, individual en la que exhibe una muestra de retratos sobre su trabajo de fashion art en El Muro de Casa 22, El Hatillo, Caracas.Desde 2018 lleva a cabo un proyecto personal en el que vincula arte y moda sobre la base de diferentes propuestas de artistas venezolanos. Su obra está representada en colecciones privadas de España y Venezuela. En la actualidad vive y trabaja entre Barcelona, Madrid y Caracas.

La cita inaugural será el sábado 28 de enero de 2023 a las 5:00pm en El Muro de Casa 22 (@casa22); a partir de las 9:30 el evento estará amenizado por el dj Jorge Montiel (@jorge­_montiel_lco) . Vidas ajenas cuenta con la museografía de Alberto Asprino (@albertoasprino) y la imagen gráfica de Gaby Valladares (@gabypapusa). La exposición permanecerá en estos espacios durante 4 semanas

Espacio Mercantil reinicia sus actividades expositivas la muestra Revisiones, diagramas, secuencias, transformaciones

Mayte Navarro

Bajo la coordinación del equipo de curaduría de arte de la Colección Mercantil se presenta la exposición Revisiones, diagramas, secuencias, transformaciones, un título que encierra la riqueza comunicacional de obras que no son ajenas al momento histórico y convocó a un grupo de artistas que se expresan a través de diversas técnicas.

El recorrido de la muestra contó con la guiatura de Emilio Narciso, quien es uno de los especialistas de la colección que se expone en Espacio Mercantil, ubicado en Altamira, una sala que reabre para ser un lugar de encuentro y de reflexión. Junto a las obras, el visitante tiene a su disposición una biblioteca sobre el tema que se puede consultar de lunes a viernes, desde las 9:00 a.m. y hasta las 3:00 p.m.

Esa tarde se pudo admirar el trabajo de Laura Anderson Barbata – Sheroanawe (Juan Bosco) y Santiago Hakihiiwe, Vicente Antonorsi, Emilia Azcárate, Guiliano Bartolozzi, Genaro Bastardo, Carola Bravo, Magdalena Fernández, Alexander Gerdel, Jaime Gili, Alí González, Víctor Hugo Irazábal, Ara Koshiro, Clemencia Labín, Luis Lizardo, Óscar Machado, Esperanza Mayobre, Daniel Medina, Ingrid Menéndez, Nela Ochoa, Juan José Olavarría, Oscar Pellegrino, Alfredo Ramírez, Andreína Rodríguez, Luis Romero, Meyer Vaisman y Christian Vinck.

Frente a cada obra Emilio Narciso iba revelando parte de la historia del artista, el momento cuando concibió la obra y como el enfoque estético se ha ido transformando, llevando al espectador a reflexionar sobre un determinado suceso, lo que también implica, como lo expresa estudioso Víctor Guédez, ante la posible caducidad de la obra originada por el tiempo, el artista también trabaja, para hacerla resistente y lograr que trascienda.

La colección Mercantil se basa en esa coexistencia de obras, lenguajes y técnicas. Son pluralidades que se han venido configurando como una mecánica sensible en la búsqueda de un equilibrio integral.

La curadora de la colección, Tahía Rivero, también compartió con los invitados, y junto a Narciso, produjo los textos. Las piezas abarcan un período comprendido entre 1988 y 2010.

Al finalizar hubo oportunidad de conversar sobre esta iniciativa que reinicia una nueva etapa en su ya larga historia en pro del arte venezolano.

Espacio Mercantil se encuentra en el Edificio Panaven, PB, Avenida San Juan Bosco Altamira.

Bodegones, detalles y cotidianidad

El silencio del detalle es el título de la exposición que recoge más de una decena de pinturas de Jorge Dager, un artista que ha hecho del hiperrealismo su expresión.

Mayte Navarro

Jorge Dager es un pintor cuya obra revela su capacidad de observación que ratifica en su más reciente exposición titulada El silencio del detalle, que se encuentra expuesta en la galería Mochuelo Art, Centro Comercial Concresa, Prados del Este.

En esta oportunidad, Dager se dedicó a observar no sólo frutos de pieles coloridas como las manzanas, las ciruelas y las granadas para llevarlas al lienzo con toda esa sensualidad de sus carnosas pulpas, sino que también observó los envases donde se colocan y que forman parte de la cotidianidad del hogar. Así encontramos jarrones de porcelana con sus estampados azules, boles metálicos que brillan con la luz o piezas de cristal que transparentan sus contenidos.

A estos se suman manteles bordados que adquieren movimiento gracias al plegado de la tela o especies de cortinajes estampados que dan un toque del Medio Oriente a una mesa.

La presentación de esta muestra estuvo a cargo de Mariela Provenzali, miembro de AICA, quien explica que Dager posee un talento particular, al que da rienda suelta al reproducir lo más fiel posible lo que imagina.

Junto a sus coloridos cuadros también se une una escultura en mármol blanco y como referencia para el visitante sumó las piezas que sirvieron de modelo y que forman parte de su historia personal.

El acto inaugural contó con la presencia de un grupo de amigos y de admiradores del trabajo de Jorge Dager. El sacerdote, Daniel Sosa, miembro de la congregación Legionarios de Cristo, bendijo la exposición y en sus palabras subrayó que la belleza es otra de las representaciones de Dios. El talento del artista, dijo, es también una manifestación divina que, en este caso, se ve representada en las pinturas.

Recorrer cada cuadro donde la naturaleza se conjuga con la obra del hombre, queda explícito su amor por la naturaleza, a través de esos frutos coloridos y jugosos.

Como señala Mariela Provenzali, en esta exposición el pincel de Dager vuelve a penetrar el silencio del detalle.

El color llega al Museo de Ciencias Naturales

Con esta muestra se presenta un recorrido por las obras de artistas que han hecho de la investigación otro aspecto fundamental a la hora de expresar su oficio.

Mayte Navarro

Fundación Telefónica Movistar y Fundación Museos Nacionales inauguraron la exposición “Color: el conocimiento de lo invisible” en el Museo de Ciencias Naturales de Caracas, concebida en España, la muestra pretende descubrir qué es el color a través de un recorrido por las obras del pasado y del presente de artistas, creadores, investigadores y tecnólogos.

“En nombre de Telefónica Venezolana y de Fundación Telefónica Movistar quisiera expresar lo honrados que nos sentimos de poder regresar a los espacios del museo. Gracias a esta alianza extraordinaria entre Fundación Telefónica Movistar y Fundación de Museos Nacionales, con el apoyo de Motores por la Paz y los artistas cuyas obras forman parte de la muestra, hoy logramos nuevamente unir esfuerzos para generar una alternativa dirigida a la sociedad venezolana, que promueve la cultura, la ciencia y la tecnología”, así lo expresó José Luis Rodríguez Zarco, presidente de Telefónica Movistar y de Fundación Telefónica Movistar.

Además de la representación de la empresa de comunicaciones también hicieron acto de presencia representantes de la Fundación de Museos Nacionales y de la Embajada de España en Venezuela. 

Los curadores de la muestra que se inició en Madrid son María Santoyo y Miguel A Delgado, siendo el comisario de la misma el museógrafo venezolano Oscar Avendaño. Venezuela es el primer país latinoamericano en disfrutar de este trabajo que se compone de seis ambientes didácticos. Esa mañana también se dirigió a los presentes el artista plástico venezolano, Juvenal Ravelo, quien narró parte de su periplo que se inició en Monagas y prosiguió en París, donde se dedicó a estudiar la luz y los colores, dando como resultado un trabajo vinculado al cinetismo. También hizo referencia los estudios de Isaac Newton sobre la descomposición de la luz y el color.

Después de las palabras de presentación, los invitados recorrieron la muestra que hace un acercamiento a los secretos del color, para explorar su naturaleza física, psicológica, tecnológica y cultural. La muestra incluye piezas de los artistas venezolanos Carlos Cruz-Diez, Juvenal Ravelo, Jesús Soto, Margot Römer, Menena Cottin y Antonio García Rico. Además de incorporarse parte de la colección etnográfica y ornitológica del Museo de Ciencias.

Color: el conocimiento de lo invisible cerrará sus puertas en abril de 2023. Las visitas son de martes a viernes entre las 9:00 a.m. y las 5:00 p.m. Los sábados, domingos y feriados el horario es de 10:00 a.m. a 5:00 p.m.

Obra de la artista venezolana Carolina Otero se expone en Houston

La Fundación Transart para el Arte y la Antropología de Houston, presenta en su sede una exposición individual de la artista venezolana Carolina Otero bajo el título “L’inframince”, con su serie de obras gráficas, y de piezas labradas en yeso instaladas en el espacio.

Según escribe Surpik Angelini (Fundadora y directora de la Fundación Transart) en el texto que acompaña la exposición, las creaciones artísticas de Carolina Otero, “brotan del aura mística de los paisajes que se sumergieron en su imaginario en momentos cruciales de su vida”.

Carolina Otero “convirtió sus últimas anotaciones en marcas visuales casi imperceptibles (…) Así, en la propia percepción de Carolina de la naturaleza como texto, una huella o marca primordial en el suelo se puede leer de cerca o a gran distancia, asemejándose a algo tan esencial como un petroglifo o un plano urbano (…)”.

Asimismo, Surpik Angelini afirma en su texto que, Mercedes Otero -hermana de Carolina y compositora de la pieza musical electrónica de 1983 que la acompaña, titulada Danza de una Flor para el Desierto- “compara con precisión las notaciones visuales de Carolina con los ‘neumas’ medievales: signos para uno o un grupo de tonos musicales sucesivos. Un predecesor de las notas musicales, los neumas son la notación más antigua conocida antes de la invención del pentagrama de cinco líneas (…) eran ayudas mnemotécnicas taquigráficas y cuadradas colocadas sobre textos sagrados para indicar inflexiones en la recitación melódica de los cantos gregorianos”.

“Esta sobria inflexión es la que apreciamos en las marcas de Carolina y en cada una de sus piezas talladas a mano, hechas de delgadas losas de yeso blanco, dispuestas en grupos variados sobre un eje horizontal a lo largo de la pared de la galería. El espacio entre estas formas determina lo que podría empezar a evocar un sonido tenue o un silencio prolongado (…) En conclusión, siguiendo las distintas etapas del singular proceso creativo de Carolina, percibimos un mundo traducido en diferentes notaciones visuales arcaicas, algunas parecidas a la caligrafía oriental, otras que recuerdan pictogramas, notaciones musicales primordiales o configuraciones urbanas”, expresa Angelini.

El título de la muestra esta asociado al  termino “L!INFRAMINCE”, “que fuera  acuñado por Marcel Duchamp para delinear aquellos matices efímeros del mundo…. a veces traducido como infra-delgado, infra-mince denota una delgadez escasamente perceptible… gracias a su inefable sutileza. Duchamp sugería que inframince es imposible de definir: “uno solo se atreve a dar ejemplos… como el calor de un asiento recién dejado es inframince, así como el susurro que producen los pantalones de terciopelo al caminar, dos objetos vaciados del mismo molde, o el reflejo en un espejo o un vidrio.” 

“Tras años de introspección y decantación, sumados al profundo silencio envolvente de la pandemia reciente, Carolina Otero ha creado un profundo y  conmovedor homenaje al proceso liminal que conlleva escuchar la propia voz interior, desplegando su lenguaje infinitamente sutil como artista visual”. 

Carolina Otero es una artista venezolana residenciada en Houston, Texas. Graduada del Cooper Union para el Avance de la Ciencia y el Arte en la ciudad de Nueva York, Otero utiliza la pintura, el collage, el grabado, la fotografía, el dibujo y recientemente la escultura en yeso y cerámica. Desde 1991 el trabajo de Otero ha figurado en exposiciones individuales y colectivas en Venezuela, Francia, Noruega y los Estados Unidos. 

El espacio en donde se exhibe la muestra desde el pasado mes de noviembre es la sede de la Fundación Transart, “una organización privada sin fines de lucro establecida en 1996  por artistas y académicos de Houston, Texas, con el propósito de apoyar individualmente a creadores, cineastas, académicos, escritores y curadores cuyas investigaciones resulten en obras innovadoras en las áreas sociales y culturales”. 

En el marco de la muestra se desarrollará una programación especial en la que se destaca un conversatorio con Carolina Otero y la Dra. Fabiola López Durán, Historiadora de Arte y Arquitectura, profesora de la Universidad de Rice en la ciudad de Houston, a efectuarse el 18 de diciembre del presente año, a las 5:00 de la tarde. Asimismo está pautado para el domingo 15 de enero de 2023, a las 5:00 p.m., en el marco de la clausura, un evento multidisciplinario y multisensorial, con la presencia de la Profesora Mercedes Otero, compositora, cuya pieza “Danza de una Flor para el Desierto” acompaña la muestra; además particioarán un grupo de música contemporánea y artistas de las artes escénicas.

La exposición “L’inframince”de Carolina Otero permanecerá abierta al público hasta el 15 de enero de 2023, en la Fundación Transart para el Arte y la Antropología, ubicada en 1412 West Alabama Street. Houston, Texas, 77006. La muestra se atiende por cita desde los correos carolinaoterowork@gmail.com y surpik@mac.com.Tambien se tienen pautadas visitas guiadas a estudiantes, artistas y coleccionistas.

Las galerías ABRA y Vigil Gonzales estarán presentes  en la Feria de Arte Pinta Miami 2022

Entre el 01 y el 04 de diciembre de 2022, la galería venezolana ABRA y la galería peruana Vigil Gonzales participarán en la Feria de Arte Pinta Miami 2022, que se llevará a cabo en The Hangar en Coconut Grove (Miami, Florida, Estados Unidos).

En respuesta a la invitación de la curadora Florencia Portocarrero, las galerías latinoamericanas formarán parte de la sección NEXT (booth A4) y compartirán el stand para mostrar el trabajo de Jurgens Portillo (Maracaibo, 1990) y Benjamín Cieza (Lima, 1991). Ambos artistas se enmarcan en la tradición de la pintura sobre lo cotidiano. En palabras de la investigadora Rigel García, “construyen un catálogo de la experiencia diaria, la memoria y el imaginario popular a través de realizaciones pictóricas de sobrado realismo”.

Bajo la curaduría de Florencia Portocarrero, la nueva sección NEXT de Pinta Miami 2022 será una plataforma que permitirá al público de la feria descubrir el arte más reciente de Latinoamérica. Portocarrero propone una estructura curatorial que tiene como base el diálogo y la colaboración entre galerías con artistas y programas emergentes.

La selección de obras de Jurgens Portillo comprende pinturas al óleo sobre madera, que introducen al espectador en una dimensión contemplativa. El artista representa desde una perspectiva sensorial de escenas ordinarias como una cesta de ropa, una fachada, una licuadora, píldoras, patios, etc.

Por otra parte, el conjunto de obras de Benjamín Cieza asoma al público a la cultura visual propia de la década de los 90. El artista reproduce sobre el lienzo fragmentos de su álbum familiar. Capta el imaginario en las fotografías para registrar mediante el óleo peculiaridades de la época. Cuadros que condensan sensibilidad, identidad e historia.

La muestra planteada por la galería ABRA y VIGIL GONZALES en Next, podrá ser apreciada entre el 01 y el 04 de diciembre de 2022. En su decimosexto aniversario, Pinta presenta nuevo concepto, en esta ocasión la programación artística incluye exposiciones diversas e interdisciplinares y secciones cuidadosamente articuladas. Artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y amantes del arte se reunirán para destacar el arte moderno y contemporáneo iberoamericano.

Jurgens Portillo (Maracaibo, 1990)

Licenciado en Artes Plásticas, mención Dibujo, por la Universidad del Zulia. En 2012 obtuvo su primer reconocimiento en el Concurso Estudiantil de Artes Visuales, organizado por la Facultad Experimental de Arte de la Universidad del Zulia. En 2013 recibió el 1° Premio, en la XLI Exposición de Pintura de Intercambio, Sala Gabriel Bracho Tranvía de Maracaibo. Desde entonces ha presentado su trabajo de forma colectiva en diversos espacios: Los Iguanos homenajean a Vitrubio, Centro de Arte Lía Bermúdez (2013); 1º (2015) y 2 º Salón de Jóvenes Artistas (2016) en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia; Seamos Realistas, Centro de Arte Lía Bermúdez (2016); Naturaleza Inmortal, CevazGallery (2017); Lunar, Universidad Rafael Urdaneta de Maracaibo (2017); Esto no es ficción, es amor al color, Aula Magna de la URU (2017). ABRA ha presentado su trabajo individual (Lo sencillo y cotidiano, 2020), colectivamente (Tiempos extraños, 2021) y en ARTBO 2021.

Benjamín Cieza (Lima, 1991)

Bachiller en Pintura por la Pontificia Universidad Católica del Perú. En el 2016 participa en el Concurso de dibujo Dos generaciones del Centro Cultural Británico de Lima, Perú. Resulta finalista en la categoría Jóvenes valores. Desde entonces ha participado en múltiples exhibiciones colectivas: Percepciones contemporáneas, Centro Cultural Ccori Wasi (2017); Generación Y, Y Gallery New York (2017); Tómbola de Bisagra en Supersimétrica, Encuentro internacional de proyectos independientes (2017); Tiendecita Vicky y Si él no puede, hazlo tú por él, Victoria Sánchez (2018); Ensayo/Error, Sótano Uno (2019); Carpa Interdimensional, El Garajr (2020); Oasis Paraíso, Proyecto AMIL (2020);Opening exhibition, Estrella Gallery (2021); Equator, Estrella Gallery (2022); Nothing gold can stay, Vigil Gonzales (2022); La casa y la fábrica, Instituto Cultural Peruano Norteamericano (2022). Asimismo, ha expuesto su trabajo de forma individual en tres ocasiones: Un momento, en otra parte, El Garajr (2019); Sigue siendo hoy, Vigil Gonzales (2020); y Subyugado, Vigil Gonzales (2021). Su obra forma parte de colecciones privadas en Latinoamérica y Estados Unidos.

El arte textil se apodera de Cerquone Gallery Caracas

Un nutrido y destacado grupo de artistas integran la muestra “Sustrato Hilaza. Raíces, quiebres y travesías del arte textil”,  se inauguró en los espacios de Cerquone Gallery Caracas, y hace un recorrido por la historia de esta técnica en Venezuela.

Este proyecto, coordinado por las artistas Isabel Cisneros (@isabelcisneros) y Malu Valerio (@maluvaleri), junto al gestor cultural Jean Carlos Leal (@soyjeanjean), nace de la invitación de la World Textile Art de celebrar la X edición de la Bienal WTA (@wtabienal) en los países donde ha sido realizada, en ocasión de cumplirse 25 años de su primera edición, según explican los organizadores en el texto que acompaña la muestra.

“El arte textil en Venezuela emana de profundas raíces formales, simbólicas y conceptuales que conectan diversas fuentes tradicionales y peregrinas, a la vez que alimentan el surgimiento de otras maneras de ver, intuir y concebir el oficio con las fibras desde el deseo de palpar la materia y construir acentos que alimentan los tránsitos de nuestra cotidianidad artística”.

Tal y como afirman los coordinadores del proyecto, “Celebrar localmente la Bienal WTA nos impulsa a hacer una revisión colectiva de nuestro panorama artístico con énfasis en el textil, ocasión propicia para vernos, sentirnos -a través de las obras y los cuerpos-, encontrarnos en la fibra que nos une como comunidad y plantarnos ante la región y el resto de países que se suman a esta celebración global, a la que confiamos estar contribuyendo con aportes de un colectivo diverso y representativo de este territorio cruzado por generaciones, quiebres y travesías que hoy nos unen en un gesto de cercanía y afectos”.

“Formar parte del circuito que celebra estos 25 años de la WTA nos invita a revisar nuestra memoria textil y revalorizar a la luz de los tiempos actuales, declarando cómo desde el arte reflejamos las estaciones que nos ha correspondido anidar”.

Es así como la muestra “Sustrato Hilaza. Raíces, quiebres y travesías del arte textil”, que revisa el textil contemporáneo venezolano, está integrada por un grupo de treinta y cinco artistas, como son: Doménica Aglialoro, Katiuska Angarita, Vicente Antonorsi, Luis Arroyo, Valerie Brathwaite, Maricarmen Carrillo, Isabel Cisneros, Marylee Coll, Franco Contreras, María Eugenia Dávila y Eduardo Portillo, Luis Gómez Rincón, Monna Gutiérrez, Clemencia Labin, Ramsés Larzábal, George Lavarca, Ariadna Loayza Taux, Diana López, Pepe López, Neydalid Molero, Pedro Morales, Leonardo Nieves, Nela Ochoa, Lucía Pizzani, José Perozo, Siul Rasse, Luis Romero, Reymond Romero, Gerardo Rosales, Armando Ruíz, Mercedes Sergheiev, Analy Trejo, Annette Turrillo, Malu Valerio, Carolina Vollmer, y Elsy Zavarce.

Asimismo, otros veinte artistas se suman a la celebración de la X Bienal World Textile Art WTA, compartiendo el espacio de Cerquone Gallery, que ha consentido a ser la sede del evento en Venezuela, como son: María Antonieta Arnal, Solange Arvelo, Gracia Chacón, Arnaldo Delgado, Lamis Feldman, Pilar Gispert, Zulay Malavé, Iddanela Martin, María Idilia Martins, Numba Miranda, María Eugenia Parada, Lourdes Peñaranda, Susmar Piñango, Elena Plaza, Rosanna Ríos, Albeiro Sánchez, Fabiola Sequera, Valeria Terán, Anabelle Villet López, y Yessika Zambrano.

La exposición “Sustrato Hilaza. Raíces, quiebres y travesías del arte textil” se estará presentando hasta mediados de febrero de 2023, en Cerquone Gallery Caracas, ubicada en la avenida San Felipe de La Castellana, quinta 117, Caracas. El horario es de martes a domingos, de 11:00 am a 5:00 pm.

http://www.cerquone.com Facebook: CerquoneProjects  Instagram: @cerquoneprojects

Megapixel a beneficio de FUNDANA

El artista Vicente Diez estará exponiendo nueve obras en Casa Samambaya con la que celebra 16 años de trayectoria y aprovecha para apoyar los programas de esta fundación que trabaja para proteger a los niños, lo más vulnerables de la sociedad.

Mayte Navarro

Vicente Diez trae a Caracas una nueva exposición itinerante con un doble motivo, celebrar sus 16 años como artista plástico y apoyar la labor de Fundana. Las obras estarán expuestas en la Casa Samambaya, ubicada en la avenida principal de Los Guayabitos desde el domingo 27 de noviembre hasta el 27 de diciembre de 2022.

V10, pseudónimo por el que también se le conoce, enmarca su obra en lo digital ya que es a través de ese medio interviene la fotografía, destacando en ellas el manejo futurista del Pop Art y el Arte Cinético. Su nueva muestra se denomina Megapixel, que es un ejercicio donde se sumerge en la profundidad del millón de pixeles para intervenir las fotografías con formas geométricas, líneas y una gama de colores un tanto cítricos y primaverales. El artista logra así, plasmar su particular visión plástica de una manera más conceptual y abstracta pero siempre manteniendo su especial elegancia y toque de diversión.

La muestra consta de 9 obras de gran formato, conformadas por un total de 19 piezas, entre dípticos, trípticos y multi-piezas, las cuales, en una explosión de color.

“Las obras que componen esta exposición están inspiradas en la búsqueda constante de la innovación y evolución del enfoque artístico que nutre mi proceso creativo y me permite ahondar en la fragmentación de la imagen para ofrecer una propuesta visual por demás original e impactante”, comentó Vicente Diez, quien agregó que desde hace más de diez años colabora con los programas de FUNDANA dirigidos a proteger a la infancia venezolana.

Este artista caraqueño inició su carrera artística en 2007 cuando un tríptico de su autoría fue seleccionado para participar en Salón Pirelli de Jóvenes Artistas, en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Su trabajo ha estado presente en Art Basel, Art Miami y Wonder Fund Art Auction (Florida) y en galerías de diversas capitales europeas y de Latinoamérica.

Cubo Negro inaguró exposición en homenaje a centenario de Soto

Desde el 18 de noviembre hasta el 4 de diciembre se podrá visitar la exhibición “Homenaje a Jesús Soto” en los espacios del Cubo Negro. El horario es de lunes a viernes de 11:00 a.m. a 6:00 p.m.; los sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. y los domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.

La exposición “Homenaje a Soto” abrió sus puertas para los venezolanos con una selección de piezas elaboradas entre 1946 y 2004. De acuerdo con la curadora de la muestra Thaia Rivero, el espectador que la visite tendrá ante sí una “basta trayectoria de Soto. ( .. ) Todas las piezas expuestas son un hito”,  precisó.

Durante la inauguración de la exhibición, el pasado jueves 17 de noviembre, en la plaza central del edificio, ubicada en el nivel SC-3,  justo debajo de la obra del artista, Volumen virtual suspendido, 1979 que flota como lluvía perenne, Manuel Torres, vicepresidente ejecutivo del Grupo Orión, reiteró que el maestro Soto “es uno de los grandes artistas plásticos de la modernidad y, aunque el arte no tiene patria y es patrimonio de todos los seres humanos, tenemos la fortuna de que Soto sea venezolano.”

El Grupo Orión ha sido el encargado de rendir este primer homenaje a Soto de cara al centenario de su nacimiento. La exposición se podrá visitar en los espacios del Cubo Negro y esará abierta desde el 18 de noviembre hasta el 4 de diciembre, de lunes a viernes de 11:00 a.m. a 6:00 p.m.; los sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. y los domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.

Rivero explicó que la muestra  agrupa “dos bodegones de finales de los años cuarenta, su etapa de formación; una vibración de 1961, perteneciente a la serie de las llamadas “gomas”, en la cual abandona temporalmente la ortogonalidad, otra fechada en 1970, en donde las varillas metálicas flotan sobre la trama del fondo; un amplio mural tridimensional de 1968…Por lo demás… El movimiento de las ambivalencias se aprecia en Tres valores con ladrillo, 1980… La persistente investigación en torno a la inmaterialidad se percibe con profundidad en los “nylons” y las “escrituras” realizadas durante sus últimos años”. 

El espectador tendrá la posibilidad de visitar otras dos salas. En una podra disfrutar de la proyección del video realizado en 1961 por Ángel Hurtado, titulado “Soto una nueva visión del arte”, y en la otra sala apreciará cinco videos del trabajo de cuatro años con el maestro Soto y un grupo de amigos músicos llevados de la mano por el compositor Chuchito Sojo.

A la inauguración asistió como invitado especial el embajador de Francia en Venezuela, Romain Nadal, quien recordó  la vinculación e importancia de Soto para ambos países: “Para un embajador de Francia en Venezuela”-puntualizó- “la tentación podría ser grande en considerar a Soto como un artista francés. Hoy lo celebramos desde esta amistad franco-venezolana y sé que será el primero de varios homenajes previstos a los cuales la embajada se honrará siempre de participar”. 

Isabel Soto, hija del artista, agradeció al grupo Orion por la inciativa “que es el primero la seguidilla de eventos que se van a organizar en toda América Latina, el año próximo a propósito de la conmemoración del nacimineto de Jesús Soto.”. Al mismo tiempo incvitoa los venezolanos a acercarse a la obra de su padre que ella está segura “que sera del agrado de los asistente”

A esta exposición que constituye el primer homenaje al maestro venezolano más renombrado y con mayor difusión internacional del siglo XX, se unió el Centro de Arte Los Galpones con dos actividades en sus espacios: una proyección del documental “Soto y los hombres volaron de tus manos” de la cineasta Marilda Vera que se proyectará  el jueves 24 de noviembre a las 4:30 p.m., un taller para niños que se realizará el día sábado 26 de noviembre y, adicionalmente, la realización de un mural con imagen de la exposición. 

El interés del Grupo Orión con esta actividad “es acercar a los espectadores al mundo de las formas y los movimientos insospechados de este venezolano universal”. Para Tahia Rivero, “la trascendencia de la obra de Jesús Soto radica en el sorprendente efecto de movimiento que produce, y es que, al pasar frente a su obra. Sucedelo inesperado, la percepción de la realidad no es la misma, el plano vibra, salta, se mueve. La mirada pone en movimiento aquello que suponemos estático y libera la percepción del mundo en todo aquel que lo observa”.

La belleza de los algoritmos de Pedro Morales se expone en la galería D’Museo

Pedro Morales regresa a Caracas con una propuesta artística donde las posibilidades infinitas de la inteligencia artificial son el soporte para presentar una mirada a la naturaleza y al hecho pictórico en la exposición “Naturaleza Neural”, la cual se estará presentando desde el 20 de noviembre de 2022, a partir de las 11:00 am, en la galería D’Museo del Centro de Arte Los Galpones con un total de 34 piezas en pequeño y mediano formato realizadas con diversas técnicas y procesos de producción.

Integrada por cuatro series de trabajo reunidas bajo los títulos algoritmia, convolutions, neural nature y new species, la muestra “recoge las exploraciones recientes realizadas por Pedro Morales centradas en la construcción de imágenes mediante un intenso diálogo a través de procesos computacionales, el uso de nuevas tecnologías y aplicaciones informáticas para dispositivos móviles. Así como la emergencia de una gestualidad pictórica, que nos permite imaginar los senderos de la innovación como una exploración que deviene en permanente intercambio con las tradiciones que la conforman”, como afirma el curador Gerardo Zavarce en el texto que acompaña la exposición.

Las obras que presenta en esta ocasión Pedro Morales, según se desprende del texto de Gerardo Zavarce, son el resultado de una situación creativa condicionada por el confinamiento de la pandemia del COVID-19.  Lo confirma el artista, “en el encierro de 2020, encontré por primera vez como comunicarme con la máquina en mi lenguaje, y no con códigos. Hasta ese momento tenía que crearlos para tener una respuesta estética, y mientras indagaba en la Inteligencia Artificial descubrí que ahora el computador podía decodificar mi lenguaje, y no al revés. Ese fue un magneto irresistible que me llevó a explorar esta tecnología.”

Complementa Zavarce,  “Igualmente, se producen bajo el despliegue de entornos digitales de trabajo colaborativo, que hacen posible el procesamiento en línea, por cualquier usuario, de algoritmos que permiten realizar complejas tareas de aprendizaje automático (Machine Learning) y de esta manera transitar por las potencialidades de la Inteligencia Artificial de forma accesible”.

Como explica el curador, “el uso de una red de servidores remotos conectados a internet para almacenar, administrar y procesar datos representa un cambio significativo en las formas de concebir el trabajo (…) En el contexto de estas posibilidades y transformaciones, Pedro Morales se sumerge en las indagaciones para descubrir nuevos caminos y posibilidades para la construcción de su lenguaje artístico, que ha hecho de la conjunción  de las tecnologías y la reflexión estética su proceso medular de trabajo”.

En palabras de Zavarce, al ser espectadores de estas proposiciones sensibles, nos situamos ante una conexión singular entre la tecnología y el artista, “cuya interacción genera una poética particular, producida cuando los llamados Sistemas de Redes Neuronales, que simulan el modo de funcionamiento del cerebro humano, comienzan a interpretar y aprender las decisiones y juicios del propio creador (…) El espectador es convocado a reflexionar, a desbordar categorías prescriptivas sobre la naturaleza de la creación, a construir nuevas formas de mirar críticamente (…)”.

“Bajo esta perspectiva, el espectador también es invitado a participar de la dinámica experimental mediante el uso de los dispositivos móviles, hablamos de un espectador activo. Así, quienes miran participan como catalizadores de una realidad diferente, aumentada: activar y cruzar la obra como espejos hacia otras dimensiones de la realidad y del asombro, una respuesta inmediata que lo conduce hacia otras posibilidades, hacia otras voces y lenguajes”, se comenta en el texto curatorial.

Comenta Pedro Morales, “no me considero un artista de la inteligencia artificial. Deseo dejar registro en mi obra de esta reflexión estética respecto de la IA, como he hecho con otros avances tecnológicos en los que he explorado la belleza. El reto de siempre es diferenciar mi obra, hacerla única del resto de cosas que se están generando con inteligencia artificial, un torrente donde hay de todo. En Naturaleza Neural rescato el arte y la tradición de ser pintor. Yo pinto la Inteligencia Artificial.’

Desde lo cibernético para redescubrir la naturaleza

El artista Pedro Morales ha investigado y experimentado con los procesos tecnológicos de última generación para explorar y desarrollar en el ámbito artístico obras únicas, desde las aplicaciones telefónicas, la impresión en 3D, video juegos, realidad aumentada, entre otras.  Esa Inteligencia Artificial le permite adentrarse en ínfimos elementos de especies orgánicas, seriarlos, refractarlos, yuxtaponerlos desde ese universo tecnológico y así redescubrir un cambio de perspectiva en su trabajo creador en el que se decanta nuevamente al hecho pictórico.

“Se trata de una apertura hacia lo múltiple, fractal y diferente, en resistencia a lo que proclama lo único como forma de silencio o terror, tan solo imaginemos un solo color, una sola mirada o una sola voz: ninguna alternativa fundada en la pluralidad.(…) Siguiendo los pasos de Humboldt, no resulta extraño que Pedro Morales haya decidido proponer una mirada sobre la naturaleza que involucra la activación de redes neuronales, procesamiento de datos y que brinde a la mirada nuevas especies, generadas mediante procesos de inteligencia artificial. En ambos movimientos queda claro que: el devenir integrador del hombre y la naturaleza requiere altas dosis de imaginación, creatividad e innovación, representa uno de los dilemas políticos, es decir de cambio y transformación, más significativos de nuestra contemporaneidad” concluye el curador.

Pedro Morales (Maracaibo, 1958) posee una amplia trayectoria artística durante la cual ha desarrollado una importante propuesta creativa caracterizada por la incorporación de nuevas tecnologías digitales.

La exposición “Naturaleza Neural” del artista Pedro Morales, se estará presentando desde el 20 de noviembre de 2022 hasta febrero de 2023, en la galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va. Transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de miércoles a sábados de 11:00 am a 5:30 pm, y los domingos de 11:00 am a 4:00 pm. La entrada es libre

Venezuela es el primer país en exhibir la muestra concebida en España

Fundación Telefónica Movistar inaugura la exposición “COLOR: el conocimiento de lo invisible” en el Museo de Ciencias

Caracas, 11 de noviembre de 2022. Fundación Telefónica Movistar y Fundación Museos Nacionales presentan “Color: el conocimiento de lo invisible” en el Museo de Ciencias, en Caracas, una exposición concebida en España que pretende descubrir qué es el color a través de un recorrido por las obras del pasado y del presente de artistas, creadores, investigadores y tecnólogos.

“En nombre de Telefónica Venezolana y de Fundación Telefónica Movistar quisiera expresar lo honrados que nos sentimos de poder regresar a los espacios del museo. Gracias a esta alianza extraordinaria entre Fundación Telefónica Movistar y Fundación de Museos Nacionales, con el apoyo de Motores por la Paz y los artistas cuyas obras forman parte de la muestra, hoy logramos nuevamente unir esfuerzos para generar una alternativa dirigida a la sociedad venezolana y que promueve la cultura, la ciencia y la tecnología”, manifestó José Luis Rodríguez Zarco, presidente de Telefónica Movistar y de Fundación Telefónica Movistar.

Venezuela es el primer país en recibir la muestra conformada por seis ambientes didácticos y comisariada localmente por el museógrafo venezolano Oscar Avendaño, en colaboración con María Santoyo y Miguel A. Delgado, curadores de la exposición en el Espacio Fundación Telefónica en Madrid.  

En el recorrido por la exposición, el público se adentrará en los secretos del color, para explorar su naturaleza física, psicológica, tecnológica y cultural. Conocerá el revolucionario experimento del prisma de Isaac Newton, las cartografías y taxonomías históricas del color, así como su simbología y la revolución en el ámbito tecnológico hasta al cromatismo de las emociones. 

Como elemento distintivo, la muestra incluye piezas de artistas venezolanos como Carlos Cruz-Diez, Juvenal Ravelo, Jesús Soto, Margot Römer, Menena Cottin, Antonio García Rico, así como piezas que son parte de la colección etnográfica y ornitológica del Museo de Ciencias.

“Color: el conocimiento de lo invisible” podrá disfrutarse de forma gratuita en las salas 5 y 6 del Museo de Ciencias en Caracas, hasta abril de 2023, de martes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm, sábados, domingos y feriados de 10:00 am a 5:00 pm. Además, la exposición estará acompañada de un programa de actividades educativas y culturales para los asistentes.

Para conocer más sobre las iniciativas promovidas desde Fundación Telefónica

 Movistar, están disponibles las cuentas @FTMovistarVE en Twitter, @FundacionTef_VE en Instagram y Fundación Telefónica Venezuela en Facebook y Youtube.

Con la inauguración de la exposición, Fundación Telefónica Movistar acerca nuevamente la cultura a niños y adultos haciendo uso de la ciencia y la tecnología.

Artistas internacionales abren las puertas de Reset Gallery en un nuevo espacio para el arte contemporáneo

El 12 de noviembre de 2022 a las 11:00 am abrirá sus puertas en Caracas la galería Reset Gallery, un nuevo espacio para las artes visuales ubicado en el centro comercial Paseo Las Mercedes, que será inaugurado con una exposición titulada “Loading”, en la cual se reúnen obras de  artistas internacionales.

Bajo la dirección del curador e historiador de arte Gabriel Guevara Jurado, en sociedad con un equipo de profesionales, Reset Gallery tiene como objetivo la divulgación y exposición del arte moderno y contemporáneo, abarcando tanto nuevas propuestas y jóvenes artistas como propuestas consolidadas que permitan enfocar y desarrollar la investigación hacia un coleccionismo depurado.

“Loading”, la exposición inaugural de Reset Gallery, “incita a reconocer distintos artistas que van desde varios grandes venezolanos a las actuales visiones de la invasión informativa como fuente de interpretación”, según afirma el curador Guevara Jurado en el texto que acompaña la muestra.

El concepto de la exposición es presentar y codificar diversos puntos de vista. “Dimensiones de síntesis diversas que se conectan desde la abstracción hasta la fuerza del collage como intención de reconocimiento de la comprensión del mundo moderno y contemporáneo”.

La muestra incluye artistas como “Mateo Manaure con una obra inédita que parte de la repetición y la transparencia en la saturación del color, hasta Arturo Herrera con un collage de múltiples estratos en la fuerza de la escala de los valores del blanco negro y grises por medio de un grabado nos habla del cuerpo y sus mecanismos de cambio. Asdrúbal Colmenares por su parte con una pieza de gran formato incide en el efecto lúdico y de investigación del calado de las naves organizando el alfabeto y los números como identidad de comunicación”.

En palabras del curador, “un tablón de Harry Abend desde la incidencia del vacío nos muestra una geometría estructurada como recurso conceptual. En esta línea de los tablones una importante obra de Rafael Barrios realizada en madera construye sus múltiples planos facetados desde un sutil color que radia tranquilidad en la construcción del espacio adyacente. Víctor Lucena con la serie Space Shock ‘Extension Color’ Serie de impecable producción serigráfica genera sensaciones de estímulos irrepetibles, al igual que sus módulos escultóricos de los cuales se presentarán dos propuestas que tienen una proyección modular y de ambas caras”.

De igual forma, destaca en los internacionales para esta muestra inaugural, “una  dialéctica, así como también al gran investigador de los campos de la geometría el danés Olafur Eliasson en su obra titulada “360° Compass”, múltiple de una sutileza y fuerza de interpretación espacial, hacia el valor del circulo y su estructura de continuidad en un proyecto casi científico de resultado retinal ”.

“Igualmente, Manuel Hernández desde las veladuras construye en una tela una suerte de umbral violeta de una poesía reflexiva notable llamada ‘Signo homenaje’. Como artista de gran continuidad en su producción luego de un receso Luis Otero artista argentino venezolano retoma exponer sus obras y lo hace con una pieza de gran estímulo Pop exaltando como en toda su producción la fuerza y poder de lo femenino. Felipe Pantone con ‘Optichromie 97’ investiga el pixel como propuesta definida. Sixe Paredes de Barcelona España que parte del Grafitti nos lleva al código de su desorden pictórico. Del artista norteamericano Ernest Trova se expondrá una escultura surrealista que parte de la deconstrucción del cuerpo humano. “Loanding” en su conjunto de artistas brindan múltiples visiones en revisión es decir en RESET”, señala Guevara Jurado.

Asimismo, el curador expresa que Joaquín Salim “desde el collage invade un sistema de conceptos y mensajes de fotografías y marcas interpuestos se presenta en el espacio dedicado a centrar un solo lenguaje. Cuatro de sus obras se exponen en la sala múltiple, que también llevará adelante seminarios, encuentros, foros y presentaciones”.

Reset Gallery  se planteó recuperar el valor patrimonial y arquitectónico del espacio, uniendo 200 metros cuadrados con la visual de transparencia en sus espacios internos y externos que desarrolló el arquitecto Jimmy Alcock en el C C Paseo Las Mercedes.

“Es así como Reset Gallery desde su nombre busca resetear como concepto electrónico los valores a este nuestro nuevo espacio como diríamos en los teléfonos móviles, a valor de fábrica, lo que nos permitirá mostrar de la manera más atenta nuestras propuestas exponiendo y exaltando la visual y concepto de las obras que se podrán apreciar para esta exposición inaugural y las muestras por venir, como un espacio que se transformará de acuerdo a cada proyecto expositivo”, concluyen el equipo al frente de este nuevo espacio para las artes visuales.

La exposición “Loading” se estará presentando hasta febrero del 2023 en la nueva galería Reset Gallery ubicada en el Nivel Mercado del Centro Comercial Paseo Las Mercedes, Caracas.

Galería ABRA exhibe obra de Lucía Vera en ARTBO 2022

La galería venezolana ABRA participará por quinta vez en la Feria Internacional de Arte de Bogotá (ARTBO), que se llevará a cabo entre el 27 y el 30 de octubre de 2022,  en el tradicional salón ferial Corferias en la ciudad de Bogotá, Colombia.

En la edición número 16 de la feria, ABRA mostrará en la sección Proyectos (stand B9), el trabajo de Lucía Vera (Nueva York, 1986). Dicha sección reúne a ocho artistas bajo la curaduría de Inti Atawallpa Guerrero titulada “Proyectos de nación”. Esta propuesta está conformada por distintos formatos visuales y sonoros, que no solamente revelan las secuelas de proyectos de nación fallidos, sino que también celebran el deseo, el humor, y el goce como resguardos críticos ante la eminente sombra apocalíptica del futuro.

La selección de obras de Lucía Vera comprende pinturas al óleo sobre tela, pero también piezas de cerámica que fueron nominadas por la artista como Claytings,  una palabra creada por Vera para explicar el entrecruzamiento de medios –la pintura y la cerámica– que le permiten responder a interrogantes surgidas durante su proceso creativo, en torno a la manera de representar lo vivido y lo imaginado.

En palabras de la investigadora Costanza De Rogatis, “El goce y el juego que posibilitan a Lucía Vera, saltar entre medios para liberarse de la pesada historia de la representación pictórica, impulsan asimismo un proceso reflexivo desde donde la artista genera relaciones en torno al modo como piensa en las imágenes y en cómo las representa: imágenes que son a la vez pinturas y objetos, objetos que son también, pinturas e imágenes”.

La muestra planteada por la galería ABRA en Proyectos, podrá ser apreciada entre el 27 y el 30 de octubre de 2022. La Feria ARTBO será la plataforma de 51 galerías provenientes de 15 ciudades del mundo y de más de 300 artistas que estarán en exhibición. Además, presentará novedades en la configuración de su espacio y curadores destacados en sus distintas secciones (Principal, Referentes, Proyectos, Sitio, Foro, Artecámara, Articularte y libro de artista) que la reafirman como una de las vitrinas culturales de más trascendencia en las artes plásticas de Colombia.

Mr. Brainwash mostrará su universo en la Galería Freites.

El 30 de octubre se realizará en la Galería Freites la inauguración de la exposición “El universo de Mr. Brainwash”, donde contaremos con la presencia del artista en su primera vez en Venezuela. La exhibición tendrá lugar en planta baja y piso 1, presentará un conjunto de obras conformadas por paredes de ladrillo, acero esmaltado, serigrafías sobre lienzo con marcos salpicados, latas y grabados. Las piezas se realizaron entre 2016 y 2022.

La obra de Mr. Brainwash es considerada innovadora y fresca porque mezcla estilos como el Pop Art norteamericano, dadaísmo callejero e incorpora la imagen callejera y urbana como la base de su acción artística. Trabaja con capas de serigrafía e imágenes estarcidas. Además, todas sus obras poseen su mantra firmado a mano “Life Is beautiful” como firma personalizada.

Para darle mayor fuerza a sus propuestas, añade figuras importantes como Chaplin, Marilyn Monroe y celebridades deportivas. Mr. Brainwash es un artista que sacude el mundo con su estilo innovador y presenta su trabajo artístico en distintas exposiciones y galerías por todas partes del mundo. 

En su obra, el mundo callejero es una herramienta efectiva de comunicación que incluye los anuncios, los grafitis, los muros o los textos disgregados por cualquier parte. De hecho, una serie de sus pinturas se denomina Yuxtaposiciones por la forma de colocar imagen sobre imagen, objeto sobre objeto, huella sobre huella, rastros que dejan rastros sobre otros rastros. Las obras adquieren un aspecto pictórico y a la vez estructurado en frases que se deslizan entre las manchas de pintura. 

Además de esta exposición, también podrán ver las obras de Manolo Valdés, Jacobo Borges, Pedro Fermín, Liu Bolin, Donald Sultan y Abigail Varela en los espacios expositivos de la Galería Freites que se encuentra ubicada en la avenida Orinoco de Las Mercedes.

El horario es de lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm y sábados de 10:00 am a 4:00 pm. La entrada es libre y cuenta con todas las medidas de bioseguridad. (NP)

El artista visual Marco Caridad regresa a Venezuela con la exposición individual “Sin Estereotipos” en el CBA

El zuliano Marco Caridad presenta su exposición individual “Sin Estereotipos”, una muestra contemporánea de la invisibilidad “Queer”, bajo la curaduría de la Tailandesa Yi Chin Hsieh, en el Centro de Bellas Artes.

Caridad inició una exhaustiva investigación acerca de las identidades de género orientado a la sexualidad masculina desde hace cuatro años, desde la historia del arte hasta como está representada en la actualidad.  El análisis del significado de la abstracción del “machismo” lo aplica a su exploración artística. El crecer en una cultura latinoamericana devotamente religiosa afecto el proceso de auto aceptación de Marco, en el que comenzó a cuestionar su identidad como hombre y lo que significaban las capas adicionales estereotipadas en una sociedad que todavía está aprendiendo a aceptar a las personas por su ser. “En primer lugar, todos somos seres humanos. Eso es lo realmente importante… llevar esta exposición a Maracaibo es crucial para mí no solo porque cumpliré un sueño; ya que me hice artista en Bellas Artes, si no que quiero abrir este diálogo de aceptación y paz con lo más bello para mí, mi gente" mencionó Marco Caridad.

La nueva serie de trabajos de Caridad envuelve la idea de ser un individuo único y el firme rechazo de ser colocado en una etiqueta específica. La retórica visual en las esculturas, pinturas, instalaciones y grabados de Caridad finalmente se reveló para convertirse en una confrontación abstracta de identidad. Sus obras se esfuerzan por descubrirse a sí mismo a través de formas, líneas y colores vivos, invitando a la audiencia a reconsiderar y redefinir lo que significa ser "uno mismo". 

La exposición individual “Sin Estereotipos” del artista Marco Caridad está en la Sala Alta “Don Manuel Belloso” del Centro de Bellas Artes de Maracaibo, y se podrá visitar en el horario de lunes a viernes de 8:00 a.m. hasta las 5:00 p.m. y sábados de 8:00 a.m. a 12 m. Además, el mismo día se inaugura la exposición colectiva, “Arte Con Sabor a Beisbol, Se Viste con Colores” y en la Sala de Pequeño Formato, la exposición “Foto Maracaibo 2022”. Adicionalmente pueden visitarla por las cuentas de instagram @marcocaridad y @cbaateneo

La fotógrafa venezolana Elisa Benedetti presenta libro y exposición en Coral Gables

La fotógrafa venezolana Elisa Benedetti presentará en Coral Gables su libro titulado “Recogelocos”, con una exposición homónima que será inaugurada el 20 de octubre de 2022 a las 6:30 pm, en ArtLabbé Gallery.

Con la curaduría de Wilson Prada, la muestra reúne un conjunto de fotografías del libro, que editado y diseñado por Aaron Sosa, documenta los históricos autobuses Mercedes Benz conocidos como Recogelocos, que desde hace más de 40 años circulan por distintas zonas de Caracas.

Según cuenta Elisa Benedetti, todo comenzó en 2018, cuando un día domingo fue invitada por Andres Lapadula a un recorrido en el oeste de Caracas que guiaba Eduardo Granadillo, un fotógrafo que se dedicaba a hacer recorridos fotográficos en el oeste de Caracas y en el 23 de Enero.

“Ese día Eduardo nos llevó a Gramoven en Catia montados en un Recogelocos. Mi primera impresión del taller de los Recogelocos no fue jamás y nunca la impresión que sentí cuando volví de nuevo en 2021. Ese domingo de 2018 tomé una foto frontal del autobús número 13. ”

Elisa Benedetti afirma que en esa época de su vida la fotografía documental no era de su interés, pero se fue a vivir a Miami ese año de 2018 y allí comenzó a realizar diferentes cursos de fotografía. En 2020 realizó dos cursos de fotografía documental en la escuela de Roberto Mata con diferentes profesores. “Fue ahí donde la fotografía documental pasó a ser mi pasión. Documenté Coconut Grove, y ahora tengo 10 meses documentando Overtown, ambos son vecindarios que están sufriendo lo que se conoce como Gentrificación”, señala Benedetti.

“En el 2021 viajé a Caracas y contacté a Eduardo Granadillo por instagram, para que me llevara de nuevo a ese taller. Cuando entré al Hangar, como lo denominan ellos, lo que sentí en ese momento fue admiración, locura con todos los que ahí me esperaban para ser fotografiados y entrevistados. La amabilidad, cariño, de todos ellos hacia mí, hizo que me enamorara más aún de mostrar a todos quienes están detrás de estos enormes autobuses. Quienes han seguido recorriendo las calles de Caracas a pesar de los peores momentos de inseguridad que se vivieron en Venezuela, y jamás se detuvieron a dejar de prestar sus servicios”, expresa la fotógrafa.

Egresada de la Universidad Católica Andrés Bello en 1993, Elisa Benedetti ha realizado cursos de fotografía en Venezuela, Estados Unidos y Portugal, incluyendo estudios de Paisajismo, Retrato Documental, Documentalismo, Pinhole, Lightroom, Color, Photoshop con la Escuela de Fotografía de Roberto Mata. Ha exhibido su trabajo en Art Basel, Palm Beach (2020), Art Show Fundana (2021), AVC Doral (2021), MIFA, Miami International Fine Art; así como en el Consulado de México, Consulado de Ecuador y Coral Gables Museum, entre otros espacios.

La exposición “Recogelocos” de la fotógrafa venezolana Elisa Benedetti se estará presentando del 20 al 27 de octubre de 2022 en ArtLabbé Gallery, ubicada en 2522 Ponce de Leon, Coral Gables, Florida, EEUU. El libro puede ser adquirido a través de la cuenta de Instagram @elisabenedettih.

Galería ABRA presenta exposiciones individuales de Sheroanawe Hakihiiwe y Sandra Vivas

Se están presentando dos nuevas exposiciones individuales en los espacios de la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones. En el galpón 6 se inaugura PARIMI NAHI (La casa eterna del chamán), del artista venezolano yanomami Sheroanawe Hakihiiwe, y en el galpón 9 se presenta la muestra LÍMITES/BOUNDARIES, de la artista venezolana Sandra Vivas.

Desde su última individual en ABRA en 2017 y tras una serie de exhibiciones colectivas e individuales internacionales, entre las que sobresale su actual participación en la Bienal de Venecia 2022, el artista Sheroanawe Hakihiiwe presenta nuevamente en Venezuela una serie de obras inéditas, en las que mediante el monotipo, el grabado y el dibujo, el artista registra el universo animal, vegetal y cultural de su comunidad Pori Pori, ubicada a orillas del alto Orinoco en el Amazonas venezolano.

Sheroanawe Hakihiiwe emplea el dibujo y la pintura desde los inicios de su carrera para preservar la memoria oral de su pueblo, su cosmogonía, tradiciones ancestrales, el espacio en el que habitan. En la década de los noventa, a partir de la elaboración de papel artesanal, comienza a editar libros junto a su comunidad. Posteriormente, desarrolla desde el dibujo un lenguaje sintético, concreto y mínimo sobre la vasta e intensa relación que tiene su comunidad con la selva. Estos vínculos permean el ámbito de lo personal y lo colectivo, siendo su trabajo una revisión contemporánea del imaginario yanomami.

PARIMI NAHI es una exposición en la que Hakihiiwe da continuidad al archivo que su arte evoca. En esta oportunidad, nos acerca a reflexiones en torno al espíritu del chamán, así como a la observación de artilugios de uso diario y común en sucomunidad.Sus obras expanden y desdibujan nuestras formas de acercarnos al mundo. Aquel que las contempla halla en sus trazos una posible relectura sobre la condición humana y sobre nuestro lugar en la Tierra. Se trata de un canon alternativo a la hegemonía cultural donde se une lo ancestral con lo contemporáneo.

Así pues, la investigadora Noraeden Mora advierte en el texto de sala que “Este conjunto de obras expande la idea de arte que conocemos, y en ese gesto generoso de Sheroanawe, genera conexiones nuevas que postulan interrogaciones sobre los supuestos y fronteras del pensamiento. Las divisiones humano-animal, vida-muerte, adentro-afuera dejan de ser necesariamente opuestos y abren la posibilidad para pensar otras conexiones más fluidamente como Yanomami-nape, incluso hombre-mujer o local-universal. La obra de Sheroanawe contribuye a la labor de dessedimentar las categorías petrificadas en disciplinas y áreas del conocimiento”.

Por su parte, la artista Sandra Vivas presenta en la muestra LÍMITES/BOUNDARIES un conjunto de cinco videos y una serie de obras sobre papel nunca antes presentadas en Venezuela, en las que evidencia la desigualdad en las relaciones de poder en función del lugar y posición en el que se encuentra la mujer. Las propuestas performáticas fueron concebidas para su registro y proyección en video entre el 2012 y 2021.

“Trato de hacer aparente la multidimensionalidad de la mujer como ser humano y hacer visible a través del humor y la ironía cuán diferentes son los parámetros con que nos juzgamos”, establece la artista. Vivas emplea fragmentos de la historia del arte, la mitología, las noticias y referentes populares para cuestionar y recrear nuevos mitos que le permiten evidenciar la desigualdad en las relaciones de poder en función del lugar y posición en el que se encuentra la mujer.

En LÍMITES/BOUNDARIES, Sandra Vivas presenta al espectador acciones que despliegan narrativas críticas. Construye un diálogo reflexivo que transgrede la apariencia de la realidad, cruza las fronteras que rigen las formas del poder.

Con desparpajo, la artista responde a sus intuiciones sensibles desde su propio cuerpo, problematiza las estructuras que reproducen relaciones desiguales de poder, el tránsito migratorio, la invisibilidad del cuerpo femenino y la violencia hacia la mujer. De ahí que el investigador Gerardo Zavarce concluya en el texto de sala que la tensión del trabajo de Sandra Vivas radica en “un profundo cuestionamiento a las formas del poder que persisten como actos que limitan, a los que sus acciones se oponen desde la potencia del vuelo como un acto de rebeldía”.

La muestra PARIMI NAHI de Sheroanawe Hakihiiwe podrá visitarse hasta el 20 de noviembre de 2022 en el galpón 6, y la exposición LÍMITES/BOUNDARIES de Sandra Vivas hasta el 27 de noviembre de 2022 en el galpón 9, en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. 

Nicomedes Zuloaga en La Caja del Centro Cultural Chacao

Una exposición antológica del artista venezolano Nicomedes Zuloaga, titulada Zuloaga y lo Transconceptual: Antológica 1972-2022, presenta la Fundación Centro Cultural Chacao en su espacio expositivo La Caja, con motivo de celebrarse 50 años de trabajo de este creador, cuyo aporte ha trascendido las artes plásticas y se evidencia en distintos campos de la comunicación, como la literatura, la publicidad, la radio y el mundo diplomático, así como en el medio filosófico y esotérico.

Con la curaduría de Manuel Eduardo Aranguren y textos de Bélgica Rodríguez, la muestra incluye trabajos periodísticos, esculturas, libros, dibujos, fotografías y pinturas que abarcan un período que se inició en 1972 con campañas de prensa, tallas en madera y fotografías artísticas de 1973 y 1975, obras literarias de los años ochenta y esculturas, bronces simbolistas de los 90 y 2000, documentos de  viajes, así como video, imágenes y esculturas del proyecto museo a cielo abierto “Los Vigías de Siete Mares”, y parte de la reciente colección de joyas Zuloaga_Jewels. También, se mostrarán obras geométricas de los últimos 4 años,  y una obra interactiva titulada “La muerte de la personalidad”.

Poseedor de una vasta obra escultórica, Nicomedes Zuloaga experimentó desde muy joven con las artes plásticas practicando la pintura, y a partir de 1973 ha logrado desarrollar una extensa obra tridimensional, según afirma la crítico e investigadora de arte, Bégica Rodríguez, en el texto que acompaña la muestra.

De acuerdo a Bélgica Rodríguez, Nicomedes Zuloaga “ha sido un escultor preminentemente figurativo con la figura femenina como tema central,   generalmente realizada en bronce, apartando las esculturas de dimensiones  monumentales modeladas en piedra artificial, realizadas ‘in situ’ en los acantilados que reciben el mar del litoral central de la costa de La Guaira: ‘Los Vigias de la Eco-Posada Siete Mares’ (2019)”.

A su juicio, “lo más permanente en el trabajo de este artista es el tema de la  figura/forma femenina. Sin embargo hay algo en esta trayectoria vital-creativa de  Zuloaga que merece ser tomada en cuenta al analizar su trabajo de arte desde  sus inicios. A principio de los años setenta, como ya se ha apuntado, es el despegue, penetra seria y obsesivamente la escultura y, tan temprano como 1975, inicia las exposiciones individuales. Su producción escultórica tiene mucho que ver con preocupaciones intelectuales y búsqueda de su Ser interior, para  exorcizar los fantasmas arrastrados por largo tiempo. El simbolismo y el esoterismo, forman parte fundamental de sus credos filosóficos, artísticos e  intelectuales, usándolos como metáforas y significados ocultos”.

En los años ochenta, el trabajo diplomático de Zuloaga en Argentina, Ecuador  y Chile le absorbe casi totalmente, sin embargo en este tiempo escribe la novela “Epitafio para un filibustero”; y realiza varias tallas en madera, al tiempo que expresa una angustia existencial en dibujos atormentados de caligrafía expresionista con preeminencia de la forma circular y pinceladas arbitrarias, según expresa Bélgica Rodríguez en su texto.

“La década de los noventa corresponde a una mayor actividad creativa, escultórica  y literaria. Deja la vida diplomática, para dedicarse a sus pasiones: la escultura,  la literatura y las mujeres (…) La temática, como siempre, gira alrededor de la figura femenina, desnuda en múltiples variantes; son característicos de ese período los “figurines” y volúmenes de cuerpos femeninos, ambos expresivos en su configuración, a la vez de gran sensualidad y carga erótica. Otras  corresponden a delgados cuerpos dispuestos en posiciones aladas, como  bailando una danza que solo habita el pensamiento del escultor (…)” 

En cuanto al trabajo reciente de Zuloaga, realizado desde el año 2000, Bélgica Rodríguez afirma que “puede dividirse en dos segmentos, uno corresponde al énfasis en lo figurativo y el otro, a planteamientos más cercano a tendencias conceptualistas (…) A partir de este planteamiento abandona, no definitivamente, la forma cerrada volumétrica, para enfrascarse en una serie de estructuras en las que priva, simultáneamente, la liviandad del material y la del planteamiento formal. Ellas son estructuras abiertas donde se confunde lo interior con el exterior,  transparentes, a interpretarse como planteamientos más allá de la forma convencional. La libertad del espacio y la circulación del aire a través de este ‘objeto’ arquitectural, organizado verticalmente con finas cuerdas, bien de nylon o metal, la acerca a propuestas ópticas y cinéticas; de este último período es la serie Clepsidra en sus varias versiones”. 

La tecnología en el arte de Gerardo Campos

El artista se vale de un espacio no convencional para mostrar una obra donde las nuevas realidades dejan su huella

Mayte Navarro

Gerardo Campos es un artista plástico contemporáneo que desde hace unos años ha comenzado a transitar de manera consciente su recorrido por las artes plásticas venezolanas. Ahora regresa con una serie de trabajos que ha reunido en la exposición A Gran Escala 2022 y que presenta en un espacio no convencional, el hall de entrada de un edificio, convertido en galería de arte.

Campos aprovechó la pandemia para indagar y este trabajo es parte de ese resultado. Califica estas obras de contemporáneas y lo son, no sólo por el lenguaje que utiliza sino porque incorpora la tecnología que se convierte en instrumento que lleva al espectador más allá de lo que su propio ojo puede descubrir, además de presentar su primera pieza de arte digital, el NTF, la escultura Penguin Endless Love, lo que convierte en personaje reiterativo de su investigación a esta ave. Incluye 34 pingüinos en 34 colores y cada uno viene con una numeración que representa la energía cabalística.

El artista presenta obras en grandes formatos donde mezcla segmentos de color, efectos de puntillismo, detalles en dorado, plata y bronce, así como trazos que simulan movimiento. En esta oportunidad se observa un trabajo más maduro y una técnica más resuelta y limpia. 

A Gran Escala 2022 Gerardo Campos la define como una referencia y al mismo tiempo una inspiración en el impacto del humanismo en la pintura renacentista y lo compara con estos nuevos tiempos ya que en aquel como en éstos, surgieron nuevas técnicas que marcan un antes y un después en el arte. 

Campos habla de una inmersión artística completa o como le gusta llamarlo, un universo de arte innovador, de allí que no basta ver cada pieza a simple vista y por ello invita al espectador valerse de una aplicación para explorar nuevas experiencias visuales.

Se trata de una muestra que ofrece nuevas experiencias y sensaciones facilitadas por la realidad aumentada. Gerardo Campos genera una experiencia única, al mismo tiempo que crea el acercamiento a la realidad e interacción del arte a través de una combinación de gráficos y segmentos de la obra, generados por el algoritmo de la aplicación ArtiVive, algo que ya no es una novedad porque otros artistas ya han experimentado en el mundo virtual y han hecho de la inteligencia artificial otro instrumento para hacer arte. A esto suma cierta simbología.

A Gran Escala 2022 incluye más de 13 obras donde destacan las de grandes formatos con la intención de alcanzar espectacularidad.  La Creación de Miguel Ángel, El Retrato de Frida, La Mona Lisa, forman parte del catálogo.

Gerardo Campos genera vida y movimiento en sus obras de arte. Por ello expresa: “puedo decir que es algo similar como yo pienso hacer una obra”. 

Para conocer más sobre la nueva exhibición de Gerardo Campos se puede visitar su página http://www.gerardoecamposartist.com 

Obras de Sebastián Llovera y Renzo Rivera se exhiben en la galería D’Museo

El sábado 10 de septiembre de 2022 a las 11 am, será inaugurada la exposición Ganadores 22º Salón Jóvenes con fia, con museografía de Ricardo Arispe en la Galería D’Museo del Centro de Arte Los Galpones, donde se exhibirán obras de los artistas Sebastián Llovera y Renzo Rivera, quienes obtuvieron el Primer Premio y Tercer Premio respectivamente, en la 22º edición del Salón Jóvenes con fia que se realizó en 2019 con la curaduría de Humberto Valdivieso, bajo el concepto “Nómadas: habitar un mundo que se transforma”. Es importante resaltar que la artista Génesis Alayón ganadora del Segundo Premio no participa en esta muestra por compromisos artísticos.

Sebastián Llovera y Renzo Rivera “despliegan visiones de la migración y el nomadismo. Ambos ponen en cuestión la percepción de la realidad y la ficción, el tránsito de un paso a otro, desde perspectivas diferentes y complementarias”, según afirma la curadora e investigadora de artes visuales, María Luz Cárdenas, en el texto que acompaña la muestra.

De acuerdo a María a Luz Cárdenas, “en Sebastián Llovera el nomadismo se lleva a una migración del conocimiento, a un punto que nos conecta con formas alternativas de pensamiento y de la creación de nuevos lenguajes. Se enfoca en la construcción de la imagen desde un programa de Inteligencia Artificial.  No hay nada en sus obras que corresponda a objetos reales. Los elementos de la composición digital fueron tomados a partir de dibujos de animales, inventarios e ilustraciones de especies botánicas, de hongos y de mapas antiguos reales; pero las imágenes, absolutamente todas, fueron generadas con ese programa”. 

Como explica la curadora, “el resultado es una combinación de imágenes reales e imágenes generadas por la Inteligencia Artificial, todas dialogando en una misma composición, que al final es impresa sobre láminas de aluminio delgadas como pergaminos (…) La impresión es de una perfección tal, que las imágenes parecen pieles y relieves reales.  Los  reflejos se desatan cuando el espectador se desplaza alrededor de ellas (…)”.

Nacido en la ciudad de Valera en 1992, y residenciado en Ann Arbor, Estados Unidos, Sebastián Llovera utiliza diferentes medios y materiales como detonantes para reflexionar sobre la realidad, la condición humana y su conexión con la naturaleza y la tecnología. Ha participado en exposiciones en el CICA Museo de Arte Contemporáneo, Corea del Sur; Bienal Internacional de Arte Contemporáneo Emergente Eve-Maria Zimmermann (BACOS), España; y en el Museo de la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá; entre otras. Actualmente es candidato a Maestría en Artes Plásticas en la Universidad de Michigan.

Por su parte, Renzo Rivera desarrolla la línea conceptual del nomadismo como una puerta de enlace entre la palabra y la imagen, que le asigna un poderoso registro poético a su trabajo, según palabras de María Luz Cárdenas. 

“Trans-poética es una obra que extiende el sentido primario de la migración como un cambio de lugar y lo lleva a un plano donde se desdibuja la línea imaginaria que define la frontera entre lo real y lo ficticio, un espacio que cuestiona la palabra y las fronteras del lenguaje y modifica la conciencia. La obra se resuelve en una instalación compuesta por 23 dibujos y dos pinturas que nos hacen entrar en un umbral de la  fragilidad de la imagen y la fragilidad del aliento de la vida.  Los dibujos establecen la narrativa de la llama de una vela, un soplo de vida que se descompone hasta llegar a la fragmentación.  En una pintura de gran formato, se desvanece un abrazo tachado y reconstruido entre huellas y rastros”, expresa la curadora. 

Renzo Rivera nació en Valencia en 1992. Egresado de la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena como Bachiller en Artes Plásticas con honores, y de la Universidad de Carabobo como Licenciado en Educación mención Artes Plásticas, Renzo Rivera ha exhibido su obra de manera colectiva e individual en Venezuela y otros países como Italia, Francia y Estados Unidos. Su obra forma parte de colecciones privadas en Colombia, Costa Rica, España, Estados Unidos, México, Países Bajos, Inglaterra y Venezuela.

Las propuestas artísticas de Sebastián Llovera y Renzo Rivera podrán ser apreciadas en la exposición Ganadores 22º Salón Jóvenes con fia, que se estará presentando desde el 10 de septiembre hasta finales de octubre de 2022, en la galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va. transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de miércoles a sábados de 11:00 am a 5:30 pm, y los domingos de 11:00 am a 4:00 pm. La entrada es libre.

ANGELA SCAVO LLEVA SUS COLLAGES Y ENSAMBLAJES AL MUSEO ALEJANDRO OTERO

Una selección de obras de la artista venezolana Ángela Scavo conforman la exposición individual “Apuntes de la memoria”, que se presentará en Caracas a partir del 10 de septiembre de 2022 a las 11:00 a.m, en la sala 6 del Museo Alejandro Otero (MAO), con el apoyo del proyecto cultural Boom! Art Community y su programa de Promoción y Divulgación de la obra de artistas latinoamericanos.

La muestra “es un conjunto de obras en medios mixtos (cajas, ensamblajes, videos, collage, pinturas) con el que se busca recrear, en la sala expositiva, un hábitat (una casa) a partir de la relación de la artista con sus pertenencias simples, tesoros absurdos como suele llamarlos y con sus vivencias (…)”, según afirma el curador Richard Aranguren en el texto que acompaña la exposición.

“Las imágenes, sean estas collages, ensamblajes o encolados, surgen de la acumulación y ordenación, nunca aleatoria pero si juguetona, de formas, fragmentos y detalles que recolecta y resguarda. ¿De dónde provienen? Por una parte, de la fotografía, ese lenguaje visual que registra y da figura a las imágenes vistas, alimentando nuestra gula y obsesión por absorber el mundo desde sus representaciones y confirmar nuestra propia idea del mismo. También de objetos que sustrae de su entorno original, recuperando y protegiendo aquellos que reconoce como portadores de sentido y depósitos de la memoria. Ambas materias le permiten construir estos frágiles dispositivos que traen al presente aquello que creía perdido”, afirma el curador.

Ángela Scavo reconoce en el autorretrato una experiencia abierta y sensible a la trasformación proyectando esas visiones, recuerdos, añoranzas personales a entender su propia identidad y así crear una memoria que puede ser también la del espectador. Desde un espacio íntimo del hogar interpreta, a veces en complejos dioramas, los procesos femeninos con el uso de las imágenes intervenidas con dibujos, videos,  recortes y objetos para presentar un lenguaje lleno de metáforas en sus delicados collages.

“Implica encolar trozos de papel sobre un plano, pero también ideas; solapar, reunir múltiples texturas para crear nuevas sintaxis. Como método, se acerca más a la poesía que a la narrativa, porque lo que se dice no es del todo claro y preciso, las imágenes revolotean alrededor de un centro que nunca es completamente descifrable; los significantes hacen silencio y esa aparente mudez propicia la aparición susurrante del significado. ¿Dónde ocurre esto?, en el espacio ínfimo de la brecha, del intersticio donde se encuentran los fragmentos. El espectador paciente logra presentir el mensaje, el presuroso pasa de largo. ¡Un collage es un asunto de detalles! ”, expresa la artista Ángela Scavo.

Licenciada en Artes Plásticas, mención Pintura, egresada del Instituto de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón en el año 2005. Su obra ha estado siempre conectada a la necesidad de comprender la psicología del individuo y la interacción. Utiliza el pequeño y mediano formato, así como la miniatura, lo que le ha dado siempre un carácter intimista pues invita al espectador a acercarse e intentar leer los mensajes ocultos, analogías y sarcasmos de los que se vale para complementar su trabajo plástico.

Boom! Art Community es un ecosistema cultural que dirige Kiki Pertiñez Heindenreich,  con sede en Madrid, proyecto que apoya a artistas iberoamericanos desde múltiples alternativas de proyección y divulgación, con  una corta y significativa experiencia  en la que ha apoyado a artistas venezolanos en la diáspora y en esta oportunidad, materializa su respaldo en nuestro país.

“Esta es la primera oportunidad en la cual lo materializamos  y nos da mucha satisfacción el poder hacerlo en Venezuela, país de Ángela y como sabes, también el mío. Estamos trabajando en replicarlo en diferentes ciudades de Iberoamérica”, comenta Kiki.

Con “Apuntes de la memoria”, Ángela Scavo presenta su tercera muestra individual, además de haber participado desde hace dos décadas en numerosas muestras colectivas en Caracas, Valencia, Madrid y Barcelona. La muestra  permanecerá en exhibición hasta finales de noviembre del presente año, en la sala 6 del Museo Alejandro Otero (MAO), ubicado en La Rinconada. El horario es de jueves a domingo, de 10:00  a.m. a 4:00 pm.

Obra del artista venezolano Gustavo Blanco-Uribe  se exhibe en galería de Budapest

La obra del artista venezolano Gustavo Blanco-Uribe se exhibirá en Hungría, en una exposición que bajo el título “Punto de Encuentro” (“Meeting Point”) será inaugurada el 6 de septiembre de 2022 a las 6 pm, en la galería de arte TOBE Gallery, ubicada en Budapest.

La muestra reúne un conjunto de piezas en las que Gustavo Blanco-Uribe quiere reflejar el equilibrio que existe y la interacción entre la naturaleza,  la geometría y arquitectura, según él mismo afirma.

En sus palabras, la coexistencia o punto de encuentro entre lo natural y lo arquitectónico lo expresa de una manera gráfica y otra pictórica.

“La gráfica, que tiene que ver con la superposición de espacios donde la visión crea un juego entre siluetas y formas orgánicas como la hoja de una planta que hace de ventana hacia formas arquitectónicas y te lleva al origen de la representación de la naturaleza. Con esto busco que el espectador se pare a observar, entre y salga de los espacios mostrados, creando un análisis propio y una vinculación con el tiempo”. 

En cuanto a la pictórica, “el uso de materiales naturales en forma cruda crea una atmósfera natural en el espacio e imparte la esencia del ecosistema y encontramos la relación de lo orgánico con lo arquitectónico en el uso de formas geométricas bastas, pesadas y con la aplicación del gesto sobre un papel que se lo pide, ya que allí es donde se muestra la relación con la naturaleza y lo orgánico por su textura y forma de elaboración, de una manera artesana y ancestral”, expresa Blanco-Uribe.

En tal sentido, el artista explica que hace este ejercicio de conversación entre la gráfica y lo pictórico ya que una es la búsqueda del entendimiento inmediato y la otra es la manifestación abstracta que lleva directamente a las emociones y a la reflexión. 

Gustavo Blanco Uribe, ha transitado por las artes plásticas, la decoración, el diseño, y la moda a lo largo de más de una década de trayectoria. Comenzó su carrera en Nueva York pintando y decorando vitrinas para firmas como: Bergdorf Goodman, Harry Winston, Ralph Lauren, Fred Leighton, Van Cleef & Arpels, Bardin Palomo; y como diseñador, para eventos de gran escala como “The Young Lions” New York Public Library, entre otros. Su obra ha sido exhibida en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, China, Estados Unidos y España.

Tobe Gallery es un proyecto que dirige el venezolano Tomas Opitz desde hace 9 años en Budapest, dedicada a la fotografia contemporanea con un portafolio de artistas iberoamericanos y tambien venezolanos como Marco Belle, Liliana, Amalia Pereira, Carla Tabora, Dafna Talmor,  entre otros.

La exposición “Punto de Encuentro” (“Meeting Point”) permanecerá en exhibición hasta el 15 de octubre de 2022 en TOBE Gallery, ubicada en 1088 Budapest, Bródy Sándor utca 36, Hungría. 

Cerquone Gallery presenta exposición en su sede de Caracas con ocho artistas internacionales

El 27 de agosto, Cerquone Gallery inaugurará en su sede de Caracas una exposición titulada Relaciones Públicas (RRPP), que vincula la capital venezolana con la ciudad de Madrid. Un proyecto del curador español Jordi Pallarès en el que ocho artistas internacionales –Srger, Grip Face, Ampparito, Eltono, Nano Abia, Nuria Mora, Sixe Paredes e Ignacio Bosch–ocuparán el espacio de la galería en un trabajo que revisa el proceso expositivo en el contexto del propio periplo de la galería en sus dos sedes (Caracas y Madrid), y respecto a los vínculos entre los diferentes artistas y el propio curador.

Para la práctica artística y curatorial relacionarse es parte implícita de un sistema en el que lo personal y lo profesional se mezclan para generar y gestionar encuentros y posibles desencuentros entre personas en una espiral creciente, según explican los organizadores de la muestra.

“Relaciones Públicas (RRPP) es un proyecto intervencionista que revisa este tipo de prácticas en cuanto a la ocupación de un espacio se refiere: el de Cerquone Gallery en Venezuela. Una casa en Caracas que sigue vertebrando todo tipo de relaciones diplomáticas, espaciales, contextuales, históricas, culturales afectivas y, por supuesto, artísticas. Estamos hablando de dos países (España y Venezuela); una casa (hoy galería); ocho artistas y un curador vinculados a la escena española; y de Walter Cerquone, un galerista venezolano que lleva impulsando proyectos desde 2016 en Caracas y, desde 2018, también desde Madrid. De ahí que RRPP quiera poner en valor el recorrido de todos los que estamos implicados, destacando el historial de unas relaciones que vienen articulándose desde hace años”. 

De igual forma, los organizadores afirman que RRPP es también un proyecto metacuratorial que desea reflexionar sobre el hecho expositivo. “Un posible ensayo sobre los procesos, esperanzas e imposibilidades de todo proyecto que necesita materializarse para tener visibilidad. Sobre el qué, el cómo y el después de una acción efímera que genera expectativas hacia adentro y hacia afuera. Sobre los movimientos y energías hacia un espacio la distancia del cual plantea muchos retos de actuación en un contexto político otro”.

Respecto al curador, señalan que Jordi Pallarès (España, 1967) “centra sus indagaciones actuales en aquellas prácticas artísticas que activan diálogos con el espacio, los objetos, otras producciones artísticas y, por supuesto, con otros cuerpos como el del espectador. En esa línea, reflexiona también sobre su propia práctica curatorial y sobre cómo esta viene determinada por sus modos relacionales y afectivos. Jordi subraya la importancia de la puesta en escena y la intervención en sus proyectos pues, de algún modo, son resultado de años de experiencia e investigación sobre lo que ocurre en el espacio público. A destacar sus publicaciones como otro lugar curatorial desde donde intervenir y exhibir(se) (VB_exposición visible)”.

RRPP supone la tercera colaboración de Jordi Pallarès con Cerquone Gallery. En 2021, llevó a cabo su primer trabajo en su espacio de Madrid con We Dance, You Mean, un proyecto colectivo que contó con la participación de artistas internacionales como Ampparito, Ignacio Bosch, Bernadette Despujols, Greg Jager, Adriano Lalicata, Javier Martín, Mawatres, Kike Res y Santiago Morilla. El mismo año y en el mismo espacio, ejerce también de curador en la exposición Jungle Man de Paul Amundarain.

Destacan también en su carrera profesional proyectos como Ne parliamo. Construyendo una escena, en La BiBi Gallery (Mallorca, España, 2022); Pep Show. Sobre el exhibicionismo en el espacio público, en Arts Santa Mònica (Barcelona, España, 2017); o Final. Un proyecto sobre las cosas que terminan, en SC Gallery (Bilbao, España, 2015). Cabe también mencionar sus colaboraciones con artistas como Ignacio Bosch (MuCu, CEART, Madrid, 2017); Grip Face (Saudade 01/158, SC Gallery, Bilbao, 2021), Ampparito (Sobreexposiciones y cuidados, B-Murals, Barcelona, España, 2019), Eltono (Funàmbuls, Palma, España, 2018), Greg Jager (Ballad of The End, GAM, Roma, 2021) o Fausto Amundarain (Morfologías de una narración-Fort Buker, Palma-Madrid, 2022) con quien también prepara Roaring Days para Wadström Tönnheim Gallery (Marbella, España, 2022).

Respecto a los artistas, los organizadores expresan que prácticamente todos tienen una gran experiencia en el espacio público por su propio recorrido en el mismo, colaborando entre ellos en muchas ocasiones, lo que les permite concebir, exhibir e intervenir los espacios de Cerquone en Caracas de un modo particular. “Por otro lado, Jordi Pallarès ha trabajado con prácticamente todos ellos y/o ha escrito sobre su trabajo en varias ocasiones. De ahí que esos históricos relacionales cobren gran importancia en RRPP. Un proyecto en el que están muy presentes los movimientos centrípetos y centrífugos entre todos aquellos que forman parte del mismo. En ese sentido, la gráfica de Javier Siquier -diseñador español con quien Jordi Pallarès suele también colaborar en muchos proyectos- quiere reflejar esos flujos relacionales sin ignorar el contexto histórico-artístico caraqueño”.

Relaciones Públicas se estará exhibiendo desde el 27 de agosto hasta de 2022, en los espacios de Cerquone Gallery, ubicados en la avenida San Felipe de La Castellana, quinta 117, Caracas. El horario es de martes a domingos, de 11 am a 5 pm.

Exposición del artista venezolano Theo Guedez presenta la galería Adhesivo Contemporary en México

Una exposición del artista venezolano Theo Guedez titulada “Del Caribe con amor”, será inaugurada el 25 de agosto de 2022 en México, bajo la curaduría de la galería Adhesivo Contemporary, con un conjunto de obras que muestran lapropuesta de este creador autodidacta, cuyo trabajo creativo surge de una fuerte motivación personal para reflejar en escenas, pensamientos y sentimientos la vida De Catia, su espacio personal.

“Mi referencia principal es mi barrio, donde crecí y todas las zonas populares de las ciudades del mundo en las que he estado. Mis pensamientos están en la lucha, la tristeza, la felicidad, la humildad, el amor y la melancolía de estar lejos de casa. Muestro con orgullo pictóricamente de dónde vengo y cómo se vive en las barriadas de nuestra ciudad”, afirma Theo Guedez.

Entre Zúrich y Catia, Theo Guedez desarrolla sus propias técnicas experimentales en obras sobre papel, pinturas y piezas tridimensionales con las que refleja estados de ánimo, actos y escenas particulares derivadas de sus experiencias vividas. Este carácter autobiográfico lo recrea desde sus inicios en el grafiti y otras expresiones del Street art, movimiento que desde los 70 le dio cabida a manifestaciones artísticas que salen de lo académico y del arte naif. Su lenguaje pictórico señala diferentes aristas, haciendo reflejos visuales que van desde lo artístico hasta lo social, idiosincrasia, el sincretismo latinoamericano y el sabor caribeño.

“Desde niño mi manera de crear siempre fue muy sincera con trazos “brutos” y materiales que estaban a mi alcance. A veces me sentía hasta frustrado porque no podía lograr por ejemplo un realismo. A medida que fui madurando entendí que esa es mi propia manera de expresarme. Hace como diez años tuve la oportunidad de conocer a un gran artista venezolano su nombre es Luis Méndez,

Después de ver su obra entendí que mi trabajo artístico podría pertenecer a un nicho. Luego un amigo que es conocedor de arte me dijo que mis pinturas y perspectivas tenían un parecido a las obras de Bárbaro Rivas y me recomendó que investigara sobre él mismo. Al ver la obra de este artista quedé fascinado y de ahí comencé a investigar, conocer e inspirarme en otros artistas populares venezolanos que me parecen increíbles: Víctor Millán, Feliciano Carvallo Manases Rodríguez, Antonio José Fernández (el hombre del anillo) entre otros”, expresa el artista.

El proyecto expositivo nace en Diciembre 2021, a raíz de una visita al estudio de Theo Guedez en La Campiña, cuando coinciden en Caracas Edith Vaisberg, curadora venezolana con una galería en México y Leonardo Villarrubia, asesor dearte contemporáneo. Al ver sus pinturas, proyectaron la idea de hacer una muestra en México, e iniciaron juntos el proceso creativo, que se materializó con un viaje de Theo al estado Vargas, donde produjo las obras frente al mar.

Theo Guedez nació en Caracas, Venezuela. Artista de formación autodidacta, Guedez posee una obra pictórica e ilustrativa que gira principalmente en torno a las clases sociales más bajas, las subculturas, el folclore y la tradición. 

Ha exhibido su trabajo en Zúrich, en las exposiciones individuales “Marginal” (2020) y “Protégeme del mal” (2019); así como también en Caracas, en las muestras colectivas “Somos Caribes” (2018) y “Caligrafía y Color” (2016). Actualmente vive y trabaja entre Caracas (Venezuela) y Zúrich (Suiza).

La exposición individual “Del Caribe, con Amor”, del artista venezolano Theo Guedez, se estará exhibiendo desde 25 de agosto de 2022,  galería Adhesivo Contemporary, en un espacio ubicado en la Ciudad de México, Dr Atl 62, SantaMaría de la Ribera.

Tres semanas con el arte de Michael Wong

Rastros Wong es el nombre de la exposición que durante tres semanas se pudo visitar y conocer. Allí se reunieron las obras y el espíritu que mueve a este artista que también se conoce como Burner

Mayte Navarro

Michael Wong presentó durante tres semanas la exposición “Rastros Wong” en los espacios de Habeatat Records, bajo la curaduría de Okso, permitiendo que el propio artista compartiera con el público su experiencia creativa.

Durante el recorrido mostró sus procesos, técnicas y lenguaje expresado que se encuentra expresado en las 30 piezas que se mostraron, donde también se descubrieron testimonios de sus inicios. La experiencia resultó más enriquecedora durante la clausura ya que Wong se puso en acción y mostró a la vista de todos los asistentes su talento al intervenir, en vivo, el lateral de un autobús que se encontraba en la parte posterior de la locación. Además, su amigo y cantante, Horus, se presentó con tres de sus temas más recientes.

Más de 150 personas pudieron conocer, disfrutar y constatar la destreza de Michael, quien es mejor conocido como Burner en el ambiente de las artes plásticas. Él emplea materiales capaces de ser modificados o moldeados mediante distintas técnicas hasta lograr su estilo característico y particular.

Wong, acompañó a los asistentes para poder escucharlos, compartir impresiones y tener así un encuentro más cercano durante esas tres semanas, también elaboró objetos para aquellos que gustan llevarse un recuerdo de sus  artistas.

 La exposición y la experiencia de cierre fue posible gracias a marcas aliadas, entre ellas Jhonnie Walker, To Take Out, Poke 212, Cospecafé, Acai.212, Prodipperse, O Espacio Galería, Ym Agency, Isis Elinor y otras que se vinculan al arte, lo que permite el desarrollo del artista al mismo tiempo que se da a conocer su trabajo, además de generar un aporte cultural a la comunidad.

Visita guiada a la exposición “Cuatro décadas, cuatro diseñadores” en el marco de la celebración aniversaria de Caracas

El sábado 30 de julio a las 11 de la mañana, Elina Pérez Urbaneja, directora de Diseño en Venezuela y curadora de la exposición Cuatro décadas, cuatro diseñadores. A 40 años de La nueva estampilla venezolana, guiará una visita por la Sala 2 del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez, donde está ubicado el montaje. Esta actividad se realiza en el marco de la programación aniversaria de la ciudad de Caracas organizada por Síudad.

La exhibición recopila sellos postales venezolanos de 1974 a 1979, creados por los cuatro grandes diseñadores de nuestro país: Gerd Leufert, Nedo Mion Ferrario, Santiago Pol y Alvaro Sotillo, cuya historia es reseñada en el libro electrónico en formato pdf Cuatro décadas, cuatro diseñadores. A 40 años de La nueva estampilla venezolana, publicado recientemente por la Fundación Gonzalo Plaza y Diseño en Venezuela.

Con la exposición homónima, regresa el diseño gráfico venezolano al Museo Carlos Cruz-Diez, tras años sin exhibiciones sobre esta temática.

Elina Pérez Urbaneja es comunicadora social y licenciada en Artes, con Maestría en Gestión y Políticas Culturales. Desde hace más de veinte años se desempeña como investigadora del diseño venezolano, siendo curadora de la exposiciones Marcas. Identificadores gráficos venezolanos, La veta útil y Objetos Cotidianos, además de ser autora del capítulo sobre Venezuela en los libros Historia del diseño en América Latina y El Caribe (Editorial E. Blücher, Brasil) y Diseño gráfico latinoamericano (Editorial Trama, Ecuador). Se ha desempeñado como charlista invitada de la Universidad Católica Popular del Risaralda, Universidad Nacional y Universidad de Pamplona, en Colombia y en diferentes eventos sobre diseño organizados en nuestro país. Desde 2009 lleva adelante Diseño en Venezuela, que en el año 2020 dejó de ser un blog, para convertirse en una página web informativa especializada en diseño hecho por venezolanos en cualquier parte del mundo.

La invitación es para disfrutar del recorrido guiado por la exposición Cuatro décadas, cuatro diseñadores. A 40 años de La nueva estampilla venezolana este sábado 30 de julio. Para participar, los interesados deben pagar BsF 18 como una contribución para el Museo Carlos Cruz-Diez.

Para obtener más información sobre la inscripción y pago, se debe escribir al correo electrónico disenoenvenezuela@gmail.com o llenar directamente el siguiente formulario: https://forms.gle/DjK1U9PAMVA8Bw9a7

La exposición Cuatro décadas, cuatro diseñadores. A 40 años de La nueva estampilla venezolana, es posible gracias a la colaboración de Kenco Factory para la rotulación de textos, Pinturas PIneco para el acondicionamiento de sala, EOS Soluciones y Luxolar para los insumos de iluminación.

Para celebrar Caracas

Caracas se celebra y se defiende. Por esas razones Diseño en Venezuela participa en las actividades organizadas por Síudad para agasajar nuestra ciudad.

Diseño en Venezuela no sólo aporta a la grilla de eventos la visita guiada por su exposición Cuatro décadas, cuatro diseñadores, sino que favoreció lal conexión de Síudad con el Instituto Creativo Digital (ICD) que, bajo la coordinación de la profesora Adriana Salazar, motivó a sus estudiantes a crear la identidad gráfica para el “Aniversario 455 de Caracas”.

La joven Bárbara Avilez, quien cursa 2do trimestre de técnico gráfico en el ICD, fue quien propuso la imagen seleccionada, la cual invita a defender el patrimonio de nuestra urbe, a través de iconos que representan algunas de sus construcciones emblemáticas.

UNA VISIÓN DEL CUERPO PREHISPÁNICO Y CONTEMPORÁNEO SE ANALIZARÁ EN LA HACIENDA LA TRINIDAD

En el marco de la exposición “AUTORRETRATOS”, que se viene presentando en el Secadero 3 de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, este próximo viernes 22 de julio, a ´partir de las 4:00 p.m, se realizará una charla con Manuela Zárate y Alessandra Caputo y Pedro Marrero Fuenmayor.

“Sobre el uso de los cuerpos, presentación y representación: miradas al cuerpo prehispánico y contemporáneo” es el tema que une a artistas e investigadores en torno a la identidad,  y la corporeidad de la figura humana a través del tiempo. 

La muestra Autorretratos,  cuenta con la participación de nueve jóvenes artistas venezolanos, Juan Pablo Ayala, Manuela Benaim, Isabella Benshimol, Cassandra Mayela, Gabriel Pinto, Realenga, Franscisco Schütte, Francisco Tavoni y Manuela Zárate. La misma estará exhibiéndose hasta el 31 de julio del presente año.

“Nueve jóvenes que presentan nueve píldoras, nueve visiones que apuntan hacia el renacer estético de una comunidad que para bien o para mal ha perdido sus fronteras. La diversidad de lenguajes estéticos presentes en la producción artística expuesta permite la creación de diálogos e intercambios entre nueve artistas pertenecientes a una generación donde la adaptabilidad y la fluidez se convierten en herramientas de supervivencia”.

El proyecto PRÓXIMA es una iniciativa dirigida por Alicia Díaz Eseverri, que nace en el año 2022 con la intención de reinventar el modelo tradicional y estático de una galería de arte comercial, cuyo modelo expositivo lo caracterizan proyectos curatoriales efímeros, adaptándose a una época que exige la movilidad humana dentro de un mundo caracterizado por la globalización y la inmediatez. Es un laboratorio de experimentación para el arte emergente que habita en el mundo físico y en el mundo virtual.

La GAN y la Fundación Odalys homenajean al coleccionismo

La institución pública y la fundación privada unen fuerzas para mostrar a los caraqueños, desde este sábado 9 de julio, a partir de las 12:00 pm, 160 obras de colecciones particulares determinantes para escribir la historia del arte venezolano

Odalys Sánchez, directora de la Fundación Odalys, está convencida de la necesidad de tender puentes entre las dos partes en las que Venezuela ha estado demasiado tiempo escindida. Es por ello que ha puesto todo su empeño en llevar a la Galería de Arte Nacional la exposición El valor de coleccionar. Clasicismos y modernismos del arte venezolano, integrada por 160 obras provenientes de colecciones privadas que a partir de este sábado 29 de julio, a las 12:00 pm, ofrecerá al público la posibilidad de acceder a una parte de la historia del arte en el país.

“Esta es una iniciativa, dice Sánchez, que busca crear puntos de encuentro, que regresemos todos, de una manera armoniosa, a un espacio que nos pertenece a todos, y del cual todos tenemos una responsabilidad. El no conocimiento del otro hace que las cosas se hagan mayores y se creen mitos y fantasías. La mejor forma de saber cómo funciona el otro es estando cerca de él”.

Con esta exposición, además, se reconoce la importancia del coleccionismo en la preservación del patrimonio artístico nacional e internacional. Y así lo escribe la curadora e investigadora María Luz Cárdenas en el texto de sala de la muestra:

“Una colección no es una cantidad determinada de obras aisladas, sino un sistema de relaciones donde cada una tiene sus propias valencias; son procesos complejos y en permanente crecimiento, no solo porque se enriquece con el ingreso de nuevos elementos, sino por las inagotables y numerosas lecturas que pueden ser establecidas a partir de las relaciones entre sus obras”.

Importantes piezas de artistas de la talla de Cristóbal Rojas, Antonio Herrera Toro, Manuel Quintana Castillo, Francisco Narváez o Armando Barrios, entre los más de cien representados en la muestra, dan cuenta del papel del coleccionismo como uno de los pilares de las artes visuales, “articula el espacio económico al espacio cultural; asume un conjunto de responsabilidades del mundo y el mercado del arte: la conservación, el enriquecimiento patrimonial, la jerarquización de valores estéticos, así como la promoción y reconocimiento de los creadores: ¿cuál hubiera sido el fin para muchas obras de arte, sin la existencia de los coleccionistas?”, reflexiona Cárdenas.

El valor de coleccionar. Clasicismos y modernismos del arte venezolano es, pues, una exposición de coleccionistas dirigida al público en general. “Esto puede tener un gran interés en las personas porque significa poder apreciar un conjunto de obras singulares que frecuentemente no se pueden ver en los museos porque pertenecen a privados. Pero también es una guía de coleccionismo. Para uno es muy importante ver lo que otros han pensado y cómo llevan sus colecciones. Eso estimula a que sigan coleccionando y a que creen formas de discursos dentro de sus propias colecciones, y a valorar aquellas piezas que aunque comercialmente no tengan un alto valor, tienen un valor histórico, documental que lleve a seguir buscando, investigando, estudiando…”, concluye Odalys Sánchez.

La exposición estará abierta desde el sábado 9 de julio hasta el 30 de septiembre en la Galería de Arte Nacional, ubicada en la avenida México, frente a Puente Brión, La Candelaria, Caracas, en horario de martes a viernes, de 9:00 am a 5:00 pm; sábados, domingos y feriados, de 10:00 am a 5:00 pm.

Obras de Mechidetulio se exponen en la galería Graphicart

Marisela Montes. 

Una selección de obras de la artista plástica Mechidetulio, conforman la exposición individual “Ciudad Moderna”, que será inaugurada en Caracas el sábado 9 de julio de 2022 a las 11 am, en la galería Graphicart.

Según expresa la investigadora y crítico de arte, Susana Benko, Mechidetulio ha integrado cualidades de la arquitectura moderna en su manera de pensar y de concebir sus obras. “Es una artista que ama la modernidad. Sentir este atractivo es equivalente a apreciar en profundidad la relación existente que hay entre la arquitectura moderna y el arte abstracto geométrico”.

Mechidetulio es una artista que ama la ciudad de Caracas, o más bien que ama la modernidad venezolana, como afirma Susana Benko en el texto que acompaña la muestra. “Su obra, por lo tanto, ‘respira’ esta modernidad, lo que hace que su abstracción adquiera una connotación muy urbana. Si bien ella tiene amplia experiencia en obras integradas a la arquitectura a través del diseño de murales y pisos, sus pinturas y esculturas son medios plásticos autónomos que mantienen afinidad con aquélla desde el punto de vista de la imagen”.

Con respecto al uso del color por parte de la artista, Benko señala que lo utiliza poco, sólo como acentos puntuales para dar primacía a los matices de negros y grises. “Entonces, es su manera natural de concebir, ver y realizar su trabajo: un contrapunteo de negros -con sus variantes- en contraste con formas blancas o de color. El efecto resultante nos lleva al tema inicial: a recordar las entradas de luz a través de celosías o de los brise-soleil de las fachadas de muchas edificaciones modernas. Semejan puntos de luz que emergen en medio de la oscuridad”.

De igual forma, Benko afirma que las soluciones compositivas en la mayoría de las pinturas y esculturas de Mechidetulio tienen un dinamismo particular. “Éste se da por repetición de figuras geométricas en alto contraste de valor, por cambios en su direccionalidad, alteración en el paralelismo entre las líneas estructurales o bien por la presencia de formas angulares y diagonales. Ello hace que en sus obras se produzca un ritmo interno según estos cambios producidos en su sintaxis (…)”.

Con más de dos décadas de trayectoria artística, Mechidetulio ha exhibido su obra en exposiciones en Venezuela y otros países como Estados Unidos y España. Asimismo, se ha destacado con proyectos como Murales y piso en mosaico vitrificado en Caracas y Madrid, España 2019-2021; Mural en mosaicos para vivienda unifamiliar en Madrid, proyecto de Teresa Sapey + Partners, España, 2018; Mural en mosaicos de 3.23 x 12.98 m para vivienda unifamiliar en Valle Arriba, Sánchez & Sánchez Proyectos (Totón Sánchez), Caracas, Venezuela, 2016; entre otros.

La exposición “Ciudad Moderna” de Mechidetulio estará abierta al público del 9 al 30 de julio de 2022, en la galería Graphicart, ubicada en la avenida Veracruz, Edificio La Hacienda, Planta Baja, Las Mercedes, Caracas. El horario es de martes a viernes de 1 pm a 4 pm, y sábados de 11 am a 2 pm.

Autorretratos de nueve artistas emergentes se exhiben en la Hacienda La Trinidad Parque Cultural

PRÓXIMA se complace en presentar su primer proyecto, una exposición colectiva de arte emergente titulada “AUTORRETRATOS”, que será inaugurada en Caracas el domingo 3 de julio de 2022 a las 12 pm, en el Secadero 3 de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural.

La muestra cuenta con la participación de nueve jóvenes artistas venezolanos, Juan Pablo Ayala, Manuela Benaim, Isabella Benshimol, Cassandra Mayela, Gabriel Pinto, Realenga, Franscisco Schütte, Francisco Tavoni y Manuela Zárate, que, en su propuesta, se cuestionan quiénes son, cómo se perciben a sí mismos y cómo trasciende la identidad bajo los parámetros de una cultura extendida por la diáspora y la globalización, según palabras de Alicia Díaz Eseverri, curadora de la exposición y directora de PRÓXIMA.

“Nueve jóvenes que presentan nueve píldoras, nueve visiones que apuntan hacia el renacer estético de una comunidad que para bien o para mal ha perdido sus fronteras. La diversidad de lenguajes estéticos presentes en la producción artística expuesta permite la creación de diálogos e intercambios entre nueve artistas pertenecientes a una generación donde la adaptabilidad y la fluidez se convierten en herramientas de supervivencia”.

Según explica la curadora, “El desvanecer entre el exterior y el interior del ser conduce la práctica de Benaim, mientras Tavoni se afinca en el estudio de la generación de identidad y afectividad como un proceso que se realiza en lo más íntimo del ser. Ambos utilizan el cuerpo humano como materia prima para su expresión visual. Benaim utiliza la piel como material que traduce en silicón, mientras que el colorismo y la fotografía son los medios predilectos de Tavoni. Pinto retoma códigos tradicionales y ancestrales venezolanos que reinterpreta a través de la fotografía en búsqueda de un arraigo a la identidad venezolana más pura. Por su parte, Realenga, se aleja de lo tradicional para enfocarse en el ahora, mientras lleva la pintura a los confines de la tecnología a través de sus paletas de colores y los tópicos referentes a su investigación. La narrativa social, la cultura de masas, la calle y su sensibilidad por lo marginal informan su investigación sobre la antropología social”.

“Tanto Benshimol como Mayela, desde perspectivas visuales diferentes exploran la intimidad que se forma entre el ser y el apego a prendas de vestir y su interconexión con la mundanidad y la vida cotidiana. Ambas abordan el hecho diaspórico en su obra desde una visión poscolonial y postmodernista. Desde la cerámica Zárate, también utiliza una visión poscolonial compartida e inclusiva, aborda la feminidad y la identificación – o no identificación – con el género. En su exploración más reciente, Zárate expresa cuestiones referentes al poder, sus usos y abusos y su relación con la identidad. Schütte utiliza el concreto como material predilecto para presentar miembros huérfanos de tronco, desamparados, segmentados, heridos y agredidos, que expresan la truncada posibilidad de ser. Por su parte, Ayala se afinca en la palabra. En sus libros, transcribe un legado colonial basado en la explotación de nuestros recursos naturales. Escribe historias  de diásporas, de hogares que con el tiempo se han vuelto invisibles”.

El proyecto PRÓXIMA es una iniciativa dirigida por Alicia Díaz Eseverri, que nace en el año 2022 con la intención de reinventar el modelo tradicional y estático de una galería de arte comercial, cuyo modelo expositivo lo caracterizan proyectos curatoriales efímeros, adaptándose a una época que exige la movilidad humana dentro de un mundo caracterizado por la globalización y la inmediatez. Es un laboratorio de experimentación para el arte emergente que habita en el mundo físico y en el mundo virtual.

La exposición AUTORRETRATOS permanecerá abierta al público del 3 al 31 de julio de 2022 en el Secadero 3 del de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, ubicada en la calle Rafael Rangel Sur, urbanización Sorokaima, La Trinidad, Baruta, Caracas. El horario es de martes a domingo de 10:00 am a 5:00 pm

ATLAS INCONCLUSO DE UN PAISAJE EN PROCESO SE EXPONE EN LA GALERÍA ABRA 

Una exposición colectiva titulada ATLAS INCONCLUSO DE UN PAISAJE EN PROCESO, será inaugurada el domingo 26 de junio de 2022, a partir de las 11am, en el galpón 9 de la galería ABRA del Centro de Arte Los Galpones. 

Este proyecto fue coordinado por Manuel Vásquez-Ortega, Manuela García y Raúl Rodríguez, basándose en Atlas Mnemosyne, teoría desarrollada por el historiador alemán Aby Warburg. Bajo esta premisa, los coordinadores de la muestra organizan un archivo de imágenes referenciales, anónimas y vernáculas que exigen y cuestionan cómo vemos el paisaje más allá de una imagen, de un objeto, de un sonido o un texto, partiendo de aspectos relacionados a su carácter físico, al transcurrir de la historia y a la nostalgia.

La exhibición comprende el paisaje como una construcción humana que se ha transformado a lo largo de los años por situaciones que han complejizado y enriquecido las posibilidades de su estudio. ATLAS INCONCLUSO introduce al público en los vínculos y artificios que como sociedad hemos creado para dar forma a nuestro entorno. Este proyecto nace en el 2021, en un contexto pandémico en el que ver alrededor y compartir a través de encuentros virtuales era una de las pocas actividades permitidas.

En la primera etapa de esta muestra colectiva, participan los artistas: Leonardo Almao, Ángela Bonadies, Hayfer Brea, Ezequiel Carías, Eddy Chacón, Costanza De Rogatis, Vilena Figueira, Edwin García, Manuel Eduardo González, Víctor Julio González, Ángel D. Leiva, Corina Lipavsky, Pedro Medina, Carelyn Mejías, Santiago Méndez, Daniel Mijares, David Molina Molina, Carelimar Moreno, Paola Nava, Gabriel Pinto, Luis Romero, Eliseo Solís Mora, Analy Trejo, Rodrigo Urbina, Malu Valerio, Eduardo Vargas Rico y Julia Zurilla.

ATLAS INCONCLUSO DE UN PAISAJE EN PROCESO encuentra en el galpón 9 de la galería Abra un lugar para la exposición tangible de este proceso de diálogo entre artistas. Desde el domingo 26 de junio, hasta el domingo 17 de julio de 2022, se exhibirá una primera etapa, conformada por obras enmarcadas en las nociones de tradición, desierto, mar y temperatura.

Los artistas venezolanos, en y fuera del país, reflexionan sobre un paisaje contemporáneo que se transforma a medida se desplaza, con el objetivo de establecer un diálogo temporal hecho a partir de intervalos entre la arraigada tradición artística del paisaje en Venezuela y un presente desterritorializado en continuo conflicto.

ATLAS INCONCLUSO DE UN PAISAJE EN PROCESO es un proyecto impulsado por el Goethe Institut Caracas y apoyado por Espacio Proyecto Libertad y Tráfico Visual. Esta primera muestra colectiva del proyecto podrá visitarse hasta el domingo 17 de julio de 2022 en el galpón 9 del Centro de Arte Los Galpones. La galería está abierta al público de martes a viernes desde las 9am hasta las 5pm, sábados y domingos desde las 11am hasta las 4pm.

La Embajada de España en Venezuela inaugura la exposición fotográfica “Memoria de la migración española” en Barquisimeto La exhibición se mantendrá abierta al público hasta el próximo 25 de junio

La Embajada de España en Venezuela inauguró este viernes 10 de junio la exposición fotográfica “Memoria de la emigración española”, en el Hogar Canario Larense de Barquisimeto, estado Lara.

El acto estuvo a cargo del encargado de negocios de la Embajada de España, Ramón Santos; el presidente del Hogar Canario Larense, José Luis Rodríguez, y Alejo Hernández, en representación de la colectividad canaria en Venezuela.

Asistieron, también, autoridades regionales y locales, así como una muestra de la comunidad hispano-venezolana que vive en Lara.

Ramón Santos calificó a la migración de “movimiento permanente”, que ha formado a España como país y le ha dado identidad. “Lo que somos hoy los españoles fue moldeado en gran parte por los que se fueron y por cómo esa ausencia interior y sus acciones en América, han conformado nuestro ser actual”, agregó.

Señaló que para la emigración han jugado un papel clave las asociaciones o centros hispanos, “creados por los propios emigrantes antes de que empezaran a recibir apoyos del gobierno español para ayudar a la inserción laboral de los que iban llegando y se fundaron en lazos familiares y de países” y que hoy en día “simbolizan la fusión de lo español y lo venezolano, esa alma doble que tributa lealtad al pueblo de acogida sin olvidar sus orígenes españoles”.

El Encargado de Negocios de la Embajada de España recordó que cerca de 2 millones de españoles viven en otros países, la mitad de ellos en América Latina, a los que se le quiere garantizar “el pleno ejercicio de sus derechos como ciudadanos”.

La exhibición “Memoria de la emigración española” está compuesta por 70 fotos que muestran las etapas del proceso de emigración española durante finales del siglo XIX hasta finales del siglo XX tanto a Europa como a América Latina y, en especial, las emociones de aquellos que se marcharon, así como su aportación económica, social y cultural a los diferentes países en los que se asentaron.

Asimismo, la muestra nos permite recordar una parte fundamental de la historia de España y preservar su legado en nuestra identidad colectiva.

La exposición estará abierta al público desde el sábado 11 de junio hasta el próximo 25 de junio en el Hogar Canario Larense. El horario de visita es de lunes a viernes, de 8am a 5pm, y los sábados, de 8am a 3pm.

Hogar Canario Larense. Av. La Salle, con Av. Las Industrias, Barquisimeto, Estado Lara. IG @hogarcanariolarense1