cultura/artes plásticas

Fundación Serpentina presenta exposición de los artistas Jorge Pedro Núñez, Julio Osorio y Luis Mata

La Fundación Serpentina fundada y presidida por Jimmy Belilty, con sede en la isla de Margarita, inaugurará una muestra de su programa de Residencia de Artistas, el 08 de diciembre de 2021 a las 5:30 pm, con una exposición en la que participarán los artistas venezolanos Jorge Pedro Núñez (quien realizó la residencia durante dos meses), Luis Mata y Julio Osorio.

El artista Jorge Pedro Núñez presentará una muestra del trabajo realizado durante su residencia, a la que se acercó sin una idea preconcebida o estudio de lo que iba a ejecutar, lo cual otorga espontaneidad  y sorpresa a los elementos utilizados, según explica la curadora Mariana Silva en el texto que acompaña la muestra.

“Cadenas de motocicletas, mecates, alambres desechados, taparas, bloques rotos que en algún momento fueron de gran utilidad y acompañaron el avance industrial de la sociedad, hoy son dejados en medio de las calles siendo en el mejor de los casos invisibles para quienes allí habitan. Esos mismos desechos que algunos no vemos y a otros nos estorban y afean el espacio son tomados, clasificados y re interpretados por Jorge Pedro otorgándoles desde su sensibilidad y estudio, y a través de una nueva “prima Natura” el don de una belleza onírica, levitante que no parece ser de este mundo convirtiéndolos en una poesía visual”, afirma Mariana Silva.

De acuerdo con la curadora, las obras expuestas no solo son una exhibición, sino también el estado de nacimiento de una cantidad de interrogantes para el espectador y quizá hasta  para el propio artista, que por el carácter formal e informal de la muestra pueden variar desde las más banales hasta las propias de la existencia.

“Ya la obra en este momento ha pasado por dos transformaciones consientes, pues no podemos saber las otras tantas que sufrió el objeto antes de ser hallado por el artista. Del desecho a la sala expositiva y de la poesía a la filosofía pues adquiere una ontología propia, también denominada OOO ( ontología orientada a los objetos), donde nacen cientos de cuestiones acerca del objeto desde el sujeto pero sin necesidad del segundo ya que es  autónoma y congénita”.

Por otro lado, el fotógrafo venezolano Julio Osorio muestra un conjunto de fotografías ejecutadas en 2018 y 2019, en torno a en las que se percibe una semblanza de quien fue y que significa el Dr. José Gregorio Hernández, conocido como  “el venerable”.

Según explica Mariana Silva, Julio Osorio presenta su lenguaje a través de la luz y sus formas tomando dos tallas de madera, una con su bata de médico,  y otra con su impecable traje negro del icono venezolano por excelencia.

“Si bien es una imagen, una talla de madera, el fotógrafo le imprime a través de los escenarios, el ángulo, la ubicación y la luz una estampa de respeto, armonía y bienestar a cada imagen. Fueron muchas las rutas andadas, la espera por la luz adecuada, el estudio del momento y lugar perfecto para lograr el trabajo que hoy vemos expuesto, es el alma de quien está detrás del lente lo que realmente vemos en la muestra. Detrás de cada foto hay una historia, una reacción de quienes fueron testigos de estas tomas, aflorando las emociones piadosas de la gente sencilla, del pueblo de margarita en quienes dichas tallas y el lente del fotógrafo inspiraban el mismo respeto y piedad que los retablos y pinturas de los templos(…)”

Por su parte, el artista margariteño Luis Mata, utiliza la técnica del óleo sobre tela y exhibe “bucólicas salinas creadas desde un paisaje existente y a la vez etéreo, salinas y sus personajes que develan la belleza del reflejo de miles de granos de arena y sal, que actúan como prismas y proyectores naturales de luz, en una pincelada tan fina como los cúmulos de sal al pasar por los molinillos manuales de ese paisaje multitono rosa ubicado en Pampatar”, tal y como expresa la curadora Mariana Silva en su texto.

En palabras de la curadora “Lírica visual, sepias, rosas arenas tan perfectamente ejecutados que dan la idea de existir en los estados oníricos del ser, placidez, calma y un estado de ensoñación son la sensaciones generadas por estas obras que en su mayoría se nos presentan en pequeños formatos, pues no requieren grandes espacios para trasmitir el mensaje y la inquietud del artista (…) Luis Mata también nos presenta en un grupo de obras, que la abstracción (lejos de lo que se cree) no está separada para nada del paisaje natural; estos trabajos donde franjas de tonalidades diversas, continuas y con figuras reconocibles geométricas yuxtapuestas, siguen siendo las mismas salinas donde se distinguen montañas de sal, personajes y cielos multicolores.”

La Fundación Serpentina es una organización no gubernamental sin fines de lucro, con sede en la isla de Margarita, Venezuela, que se encarga de la promoción y difusión del arte venezolano en todas sus manifestaciones. Tiene dos ámbitos de mayor interés: la residencia para artistas, lo cual consiste en invitar a un artista venezolano o extranjero a que resida, investigue y trabaje en nuestra sede por un periodo de tiempo, y la interacción con la comunidad desde sus inquietudes y necesidades en el quehacer artístico.

La exposición “Residencia de Artistas” se estará presentando desde el 08 de diciembre de 2021 hasta febrero de 2022, en la sede de la Fundación Serpentina, ubicada en la calle Unión, La Asunción, isla de Margarita. Cabe destacar que el acto de inauguración de la muestra contará con palabras del crítico y curador, Bartomeu Mari, quien fue director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y del Museo de Arte de Lima (MALI).


Galería ABRA inaugura muestras individuales de Costanza De Rogatis y Pedro Terán

El sábado 11 de diciembre de 2021 a las 11 am, la galería ABRA del Centro de Arte Los Galpones inaugurará en sus espacios dos exposiciones individuales: una muestra titulada OFRENDA, de la artista Costanza De Rogatis, en el galpón 6; y un proyecto de instalación multimedia titulado AGUA MEDITERRÁNEA – AGUA CARIBE, del artista Pedro Terán, en el galpón 9. 

La muestra OFRENDA, de Costanza De Rogatis, reúne una serie de imágenes articuladas en torno a la idea del exvoto: una ofrenda votiva, en agradecimiento a una deidad por un favor recibido. La artista indaga en la relación con su propio cuerpo, continuando así con una tradición visual del cuerpo humano fragmentado.

A raíz de la pandemia, De Rogatis comenzó a vendar su propio cuerpo y vaciarlo en yeso. Experimentar con otros medios le permitió re-pensar su cuerpo, presente y ausente al mismo tiempo, e investigar “la no presencia”. En OFRENDA, De Rogatis compone imágenes involucrando su cuerpo a través de diversos medios: láminas repujadas en metal, fotografías de los moldes, vaciados en yeso, intaglios y una acción para la cámara, que le permiten traducir, registrar y conocer su propia anatomía. 

La artista nos presenta en sala un ejercicio de autopercepción, que guía al espectador por un entramado de nociones como la mirada, el autorretrato y la materialidad, el reconocimiento y la sensualización; invitando al público a reflexionar sobre el paralelismo interior entre lo visible y lo invisible, la emoción y la mirada hechas cuerpo.

Por otra parte, en la exposición AGUA MEDITERRÁNEA – AGUA CARIBE, Pedro Terán presenta una instalación multimedia que se inserta en el inestable escenario que constituye nuestra realidad contemporánea. El artista parte de un estado de preocupación ante el impacto global que las actividades del hombre tienen sobre los ecosistemas terrestres; las pugnas de orden militar, ideológico, religioso, étnico y social que afectan a la humanidad; y las migraciones masivas que dan testimonio de nuestro complejo presente.

Pedro Terán presenta sutiles metáforas que embarcan al espectador en un desafiante y aciago navegar. La travesía inicia con un aforismo que envuelve al público en una atmósfera melancólica. El viaje se extiende a través de una proyección de aguas marinas, un código de barra, unos zapatos de goma y un balón desgastados, y culmina en una imagen. 

En AGUA MEDITERRÁNEA – AGUA CARIBE, las instalaciones de Terán se confrontan para figurar el movimiento y el reposo. En palabras del artista, “Dibujan la paradoja del querer ser, el arduo deseo de existir en este desafortunado presente”.

Las exposiciones OFRENDA, de la artista Costanza De Rogatis, y AGUA MEDITERRÁNEA – AGUA CARIBE, del artista Pedro Terán, se estarán presentando desde el 11 de diciembre de 2021 hasta marzo del 2022, en los galpones 6 y 9, respectivamente, de la galería de arte contemporáneo ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a viernes de 9:00 a.m a  5:00 p.m, sabados y domingos de 11:00 am a 4:00 pm.

Mayor información puede ser solicitada a través de abracaracas@gmail.com, así como vía @abracaracas en Twitter e Instagram y www.facebook.com/abracaracas por Facebook, o a través del teléfono 0414.2553552

Costanza De Rogatis [Caracas, 1976]

Licenciada en Artes por la Universidad Central de Venezuela (UCV). Fotógrafa profesional diplomada en el Curso Trienal de la Fondazione Studio Marangoni en Florencia, Italia. Como parte de su formación fotográfica ha participado en diversos workshops con reconocidos fotógrafos como Rineke Dikjstra, Arno Minkkinen, Elina Brotherus, Abelardo Morell, y Anna Fox, entre otros. Actualmente realiza estudios de Maestría en Filosofía en la Universidad Simón Bolívar. Ha dictado talleres y charlas, participando como docente en el Diplomado en Arte Contemporáneo Latinoamericano de la Universidad Metropolitana.  Ha realizado curadurías de arte venezolano para instituciones como el Museo Alejandro Otero, el Museo Carlos Cruz-Diez, la Sala Mendoza, Fundación Empresas Polar, la Colección Mercantil y el Centro Cultural Chacao. 

Su trabajo ha sido exhibido en diversas exposiciones colectivas en Venezuela y Europa y publicado en la revista OjodePez, Rearviewmirror Magazine, Latphotomagazine, entre otros. Asimismo, ha escrito textos para el Archivo de Fotografía Urbana, la Fundación Cisneros y ArtNexus. Desarrolla su trabajo fotográfico de modo independiente. En 2016 presentó su primera muestra individual, Puente, en los espacios de la galería de fotografía Tres y 3, al año siguiente, muestra su trabajo en ABRA, Aquí. Período de prueba. En el 2019 exhibió Aquí. Despliegue. en Beatriz Gil Galería.

Pedro Terán [Barcelona, 1943]

Estudia en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas en Caracas, la Academia de Bellas Artes de Roma y la Film School de Londres. Fue docente en la EAVCR durante varias décadas. En 1984 funda el Taller Metropolitano de Arte de Artes Visuales ante la ausencia de espacios para los nuevos lenguajes. Inicia sus actividades expositivas en Salón Pez Dorado en Caracas en 1964. En 1969 expone en la Galería R en Malmo, Suecia. En 1975-76 realiza sus exposiciones Cuerpo de Exposición en el Ateneo de Caracas y Blancas Paredes en Museo de Bellas Artes de Caracas. En la legendaria galería ArnolfiniGallery de Bristol en Inglaterra exhibe en 1979 su serie Polagrams. A su regreso a Caracas en 1983 expone Dorado en el Espacio Alterno de la GAN; Esculturaleza, en 1986 en el Museo de Arte La Rinconada y en 1989 Piedras de Canto Magia en la Galería Sotavento. En los noventas expone Uninverso de Manoa en la GAN, Territorios de lo ilusorio y lo real en el MBA en Caracas y Reino de Manoa en la galería Imago en La Habana, Cuba. En 1997 expone en el Museo de Las Américas en San Juan, Puerto Rico y en el Museo de Arte Alejandro Otero en Caracas. En 2008 presenta en la Casa de la Cultura Omar Carreño, La Asunción; en el Centro de Arte Lía Bermúdez, Maracaibo y en Periférico Caracas/Arte Contemporáneo Las Casas de Oro. En 2012 Henrique Faría Fine Art, New York realiza su exposición: Pedro Terán –Works fromthe 70s. En 2015 presenta en la Sala TAC en Caracas: Musa-Papeles Oterianos. En 2016 exhibe Postdata: Es arte, en el Instituto de Visión en Bogotá, Colombia. En 2017 realiza ArchivoAbierto Pedro Terán, en la galería ABRA en Caracas, Venezuela. Su más reciente individual El emigrante de Manoa, la realiza en la galería Federico Luger en Milano en 2019.

Ha exhibido colectivamente en numerosas exposiciones desde 1966 hasta la fecha en Venezuela, Escocia, Inglaterra, Colombia, Cuba, Brasil, Francia. Está representado en colecciones privadas y museos nacionales e internacionales. Su trabajo fue reconocido con el segundo premio de TheMultipleCompetition, IkonGallery, Birmingham, Inglaterra en 1969 y el Premio Arte No–Objetual, Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia en 1981. En 1992 obtiene Primer Premio Sección Tridimensional en Primer Salón Nacional de Artes Visuales en el Museo Alejandro Otero. En 1993 obtiene el Primer Premio en la VI Bienal Nacional de Escultura Francisco Narváez.


La obra del artista multidisciplinario Joaquín Salim llega al Centro de Arte Los Galpones

Un conjunto de obras bidimensionales, una pieza de video arte y una instalación, conforman la primera exposición individual en Caracas del artista venezolano Joaquín Salim, la cual se presentará con el título “Déficit de atención” a partir del 04 de diciembre de 2021 en el galpón 17 del Centro de Arte Los Galpones, bajo la curaduría de Gabriel Guevara Jurado.

El concepto que Joaquín Salim desarrolla para la exposición “Déficit de atención”, como su nombre lo indica, “es la premisa conceptual que desde niño este artista enfrentaba en su concentración hacia otros factores no estructurados dentro de la realidad cotidiana que le atraían y lo llevaban a expresarse por medio del dibujo y el color como fuente de manifestación permanente donde colocaba su verdadero interés”, según explica el curador Gabriel Guevara Jurado en el texto que acompaña la muestra.

Partiendo de la intuición y la dispersión de objetos encontrados en la vida diaria y una vez seleccionados en el taller, el artista Joaquín Salim arma las obras, utilizando el proceso publicitario/digital, y de ese material a gran escala construye sus ensamblajes sobre  tablas de madera, interviniéndolos con otros medios como grafito, acrílicos, tintas, entre otros,  lo cual le permite conectar elementos visuales que “generan metáforas del lenguaje en la reunión de los diversos alfabetos que constituyen su obra”, tal y como afirma el curador.

Salim estructura sus collages con páginas de libros antiguos, etiquetas farmacéuticas, precios, envoltorios, boletos, detalles impresos de consumo masivo, los cuales le brindan la sumatoria reflexiva en donde su trabajo artístico está inmerso y a la vez se desprende de su trabajo publicitario. Siendo uno de los principales directores creativos en importantes agencias en los Estados Unidos, este joven creador “utiliza estos códigos no al servicio de lo comercial sino al proceso reflexivo de lo humano en los campos de la violencia, la fuerza, la esperanza y la historia”.

Creador multifacético que ha pasado por la música, el dibujo, la fotografía, la moda y el cine, Joaquín Salim –como expresa el curador– “es un artista integral que quiere abordar el significado múltiple del lenguaje, enfrenta una reflexión del mecanismo de la autocrítica proceso de gran madurez en el cual se desprende una sensibilidad notable, la técnica del collage y la apropiación se nutren al fotografiar su propia obra para luego imprimirla en un nuevo tamaño amplificado y llevarla a otra escala, generando una diversa jerarquía visual que luego de mutilar esa propia imagen impresa la interviene ofreciendo otro nuevo proceso del lenguaje que en sí mismo reprocha y revierte de su significado original, en fin se crea, transforma y genera otra obra de su propia obra, descontextualizando su propio lenguaje, allí está el aporte de su trabajo (…)”.

Residenciado en Nueva York (Estados Unidos), Joaquín Salim es un artista multidisciplinario que durante su trayectoria ha expuesto su obra en varios países como Venezuela, Estados Unidos, Portugal, Hungría y España. También es Director Creativo ganador de los premios de publicidad más importantes de la industria, incluyendo 6 leones de Cannes. En 2017 hizo una colaboración con el diseñador de modas Ángel Sánchez que fue expuesta en la pasarela de Miami Fashion Week, y otra colaboración para Bombay Saphire donde presentó un mural en Nueva York junto a un grupo de reconocidos artistas contemporáneos. En 2019 creó el arte del disco “The Last Word” de la banda estadounidense The O’Jays, además durante la pandemia dirigió varios videos musicales para las bandas venezolanas Arawato y La Vida Bohéme, y otro para Ava Casas. Actualmente está participando en el evento “35 Celebrando Ángel Sánchez” organizado por Latam Freedom & Development Foundation y Ángel Sánchez, al que donó una obra que será subastada para recaudar fondos para la fundación.

La exposición “Déficit de atención” del artista Joaquín Salim se estará exhibiendo desde el 04 de diciembre de 2021 hasta enero de 2022, en el galpón 17 del Centro de Arte Los Galpones, ubicado en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a sábados de 11:00am a 6:00p.m y domingos de 11:00 a 4:00 p.m.

Redes: @joaquinsalim Web: http://www.jsalim.art


Muestra retrospectiva de Francisco Narváez presenta la galería venezolana Ascaso Gallery en Miami

Una exposición retrospectiva del escultor venezolano Francisco Narváez, inaugurará Ascaso Gallery en Miami el jueves 02 de diciembre de 2021 a las 6 pm, bajo el título “NARVÁEZ The Sculptor”, con una selección de más de 150 obras, entre esculturas, pinturas, bocetos y maquetas en diferentes formatos, técnicas y materiales, con la curaduría de María Edilia de Salas, museografía de Alejandro Stein, y textos de Adriana Meneses para el catálogo.

Presentada por Ascaso Galley en colaboración con la Fundación Francisco Narváez, la exposición“NARVÁEZ The Sculptor” (NARVÁEZ El Escultor) ofrece la oportunidad de apreciar la obra de uno de los escultores más relevantes de Venezuela, a través de una muestra que exhibe tres de las etapas más importantes del artista, como son La Figurativa, Las Formas Nuevas y El Volumen, según explica María Edilia de Salas, curadora de este proyecto expositivo.

De acuerdo con María Edilia de Salas, en La Figurativa (1925-1950) Narváez desarrolla las escenas de recolección de frutas, paisajes impregnados de color y personajes con características mestizas. De esta etapa destaca su producción a escala monumental en Venezuela, representada en los proyectos urbanos: Plaza Parque Carabobo (1932), sede del Colegio de Ingenieros de Venezuela y la Plaza O’Leary (1945); así como también, su participación en París (1930-1931) en el “Salón de Artistas Franceses”, El Grand Palais, en “El Salón de los Independientes“ con una pintura en óleo titulada “la escuela” y un retrato; y su participación en “La Feria Mundial de New York” en el año 1939 con cinco tallas en madera representando las riquezas naturales de su país, El Cacao, El Café, Las Frutas, Las Perlas y El Petróleo

En la segunda etapa, Las Formas Nuevas (1950-1970), Francisco Narváez desdibuja los detalles, estilizado las formas, y entre los proyectos públicos en los que participó durante este periodo destaca el de la Ciudad Universitaria de Caracas, llamado por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva en donde realizó 13 obras monumentales; además de la obra monumental tallada en madera de 2.70 mts ubicada en la Basílica de Santuario de Nazaret en Israel.

En la última etapa, a la que la curadora denomina Volúmenes, el artista trabaja “piedra sobre piedra, grandes bloques abiertos o cerrados, desbastados y colocados unos encima de otros, apropiándose del espacio, juega mezclando diferentes materiales como el bronce y el cromo, igualmente experimenta con el arte de la multiplicación a través de la técnica de la serigrafía”. En este período Narváez realiza varias obras de carácter monumental para el Metro de Caracas, Boulevard del Cafetal y en la isla de Margarita; participa en diversas exposiciones internacionales; y se inaugura el Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez en Porlamar, Venezuela, donde dona alrededor de 59 piezas.

Para la curadora María Edilia de Salas, el recorrido nos lleva a una lectura integral en donde cada estación muestra cómo Narváez exploró con gran oficio planteamientos plásticos desde la figuración hasta la abstracción, en las diferentes técnicas, materiales y formatos; además de mostrar el proceso creativo, a través de su obra pictórica, mostrando de nuevo. las diversas técnicas y soportes, tales como el boceto, los óleos, estucos y serigrafías, mostrando igualmente la diversidad de formas de expresión. “La finalidad es que el espectador conozca la importancia del volumen en Narváez incluso en la pintura”

Por su parte, Adriana Meneses señala en los textos del catálogo de la muestra, que “Uno de los aspectos más importantes que podemos ver en esta gran retrospectiva que nos ofrece la Galería Ascaso en su nueva sede en Miami, es cómo Francisco Narváez desarrolla su producción con cada uno de los materiales que le son comunes: piedra, madera, bronce, y en cada uno de los medios que escogió para expresarse: pintura, escultura, dibujo. Como exhibición, no solo es una oportunidad única para disfrutar de toda su producción artística, sino un recorrido didáctico de uno de los grandes maestros de Venezuela, que tuvo la dicha de crear prácticamente durante toda su existencia”.

Nacido en Porlamar (Estado Nueva Esparta) en 1905 y fallecido en Caracas en 1982, Francisco Narváez desarrolló una amplia trayectoria artística a lo largo de más de cincuenta años, creando por primera vez en el país un lenguaje escultórico propio, asociado a las raíces nacionales, exaltando y valorando además la belleza de sus elementos étnicos. Realizó diversas obras para la Ciudad Universitaria de Caracas, así como también, la fuente de Parque Carabobo, la fuente “Las Toninas” ubicada en la Plaza O’Leary de El Silencio, la escultura ecuestre del general Rafael Urdaneta ubicada en la plaza La Candelaria, la escultura “Armonía de Volúmenes y Espacio” realizada para la C.A. Metro de Caracas, entre otras. Exhibió su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, Estados Unidos, España, Italia y Francia, entre otros países. 

Cabe destacar, que en el estado de la Florida, en San Agustine, se encuentra la obra Busto de José Maria Vargas, de Francisco Narváez, en Los Jardines de la Escuela de Madera más antigua de los Estados Unidos, en la calle Saint George, específicamente en The Grove of Educators of the Americas, la cual fue donada por el Gobierno de Venezuela en 1948.

La exposición retrospectiva “NARVÁEZ The Sculptor” se estará presentando desde el 02 de diciembre de 2021 hasta el 29 de enero de 2022, en Ascaso Gallery, 1325 NE 1st Ave. Miami, Florida, Estados Unidos. Telf. +1 (305) 5719410 

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