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Martha Perche presentó su libro “Mi Vida: Alegrías, Cáncer y Victoria”.

La venezolana Martha Perche, una mujer valiente y luchadora que no se dejó vencer por el cáncer de mamá pues lo superó en dos oportunidades, se ha convertido en referencia a través de su libro “Mi Vida: Alegrías, Cáncer y Victoria”.

Su objetivo a través de este libro es inspirar y motivar para que crean en sí mismos; vivan a plenitud, aún en medio de duras circunstancias; y logren la victoria.

Hoy, Martha es coach ontológica y apoya a quienes están afectados por esta enfermedad. Considera que es el momento de desarrollar su faceta de escritora, para plasmar sus experiencias e historias, consecuencia del contacto con las emociones y la espiritualidad de las personas que han padecido junto a ella este mal.

 Perche, sobreviviente de esta enfermedad, agradece a cada instante el estar viva para tener la oportunidad de contar su proceso, la vinculación hereditaria de la enfermedad; los tratamientos; los efectos psicológicos, emocionales y espirituales de la patología; y sus alternativas para salir airosos.

El Trolly se vistió de rosa

En ocasión del mes rosa, el conocido restaurante El Trolly sirvió de marco para que Perche conversara sobre su libro, en un agradable encuentro que  propició con periodistas y amigos del espacio gastronómico, ícono de la Caracas de los años 60, y bajo estrictas medidas de bioseguridad, gracias a su novedoso sistema de ionizador bipolar y los servicios de la prestigiosa empresa Covagard.

La gerente general de El Trolly, María Dolores Ruiz Daher, expresó su satisfacción por servir de espacio para dar a conocer experiencias de vida como las de Martha Perche, quien a través de su sensible exposición, recalcó la importancia llevar una vida saludable, con ejercicio, buena alimentación, alejados de las emociones negativas, cultivando la vida espiritual y rodeados de gente positiva, o “gente vitamina”, como la escritora las define.

Durante el conversatorio, la autora del libro ahondó sobre el valor de la prevención. También se refirió de manera especial al sostén de su pareja, lo que le permitió concluir que el apoyo incondicional de un ser amado es una de las mejores terapias que se puede aplicar durante esta enfermedad, y agregó, que muchas de las pacientes que la acompañaron en ese proceso tuvieron la dura experiencia de sufrir el abandono de sus parejas.

Ponche rosa

La anfitriona, María Dolores Ruiz Daher, cerró el evento con un rico ponche rosa que ofrecerá El Trolly a propósito del mes rosa, y adelantó detalles de los eventos previstos para noviembre, mes aniversario, cuyo itinerario se podrá conocer a través del Instagram @eltrolly.


Lanzamiento en Madrid, de Altamarea Ediciones 

                         SER GATO, UNA ODA FELINA.  EL NUEVO LIBRO DEL CARAQUEÑO EDGAR BORGES 

«La mujer me llamó con un chasquido de dedos; en el acto subí las escaleras del edificio. Ya en la puerta, entre desconcierto y decepción, se excusó diciéndome que se había confundido al creer que yo era un gato». 

Con ilustraciones de Fría Aguilar, el escritor se mete en la piel de un prisionero para pensar su fuga: hazaña que, según él, solo sería posible lograr si fuera el gato que se asoma a su ventana. 

¿Micro narraciones que cuentan una historia? ¿Una sinfonía de aforismos? ¿Poesía pura y dura? Ser gato es un artefacto literario que trata de un prisionero que imagina la libertad a través de la imagen de un gato.  Esta obra tiene que ver con el límite de los espacios y nuestra propia ubicación en ellos.  Una obra de arte, un deleite para los sentidos, una historia que nos habla del anhelo que tenemos los seres humanos de libertad, de ser quienes queremos ser. 

 El escritor venezolano Edgar Borges, afincado en  España, desde hace catorce años,  nos vuelve a sorprender con un libro que llega un año después de la declaración de la pesadilla Covid-19 y que se lee como un largo poema ilustrado.  Ser gato  es texto imprescindible para que volvamos a contemplar las cosas sin imposiciones ajenas,  como lo haría, precisamente, un gato.  

Borges, con magistral soltura nos muestra cómo la tensión entre el encierro que nos impone el orden establecido y la posibilidad de imaginar nuevos mundos se resuelve en la metamorfosis, otro de los grandes temas del libro. 

Ser gato, como la propia esencia de la colección donde se publica, es un libro híbrido. El escritor se mete en la piel de un prisionero (o el rol que el lector quiera imaginar) para pensar su fuga: hazaña que, según él, solo sería posible lograr si fuera el gato que se asoma a su ventana.   Su lectura nos evidencia el cruce temático entre Ser gato y La transformación de Kafka, una de las influencias más visibles en la obra de Borges.  Una metamorfosis imaginaria, un tema presente en la escritura del narrador venezolano.  

Para Edgar Borges, a través de la imaginación y el lenguaje, la metamorfosis es posible y la literatura siempre tiene el potencial de inventar espacios nuevos. 

Tener cuatro patas, cinco almohadillas en cada una de ellas, ojos vigilantes, siete vidas, reflejos fulmíneos. Ser gato, en definitiva, ser sigiloso e intrépido, prepararse para descubrir que en realidad  la nada lo es todo. El lirismo de esta original oda gatuna es un llamamiento a la libertad, el desencadenante de una alegoría que analiza lo humano a través de lo felino y reflexiona sobre la vida misma, en la que no queda más que esperar, lamerse las heridas y, en ocasiones, sacar las garras. Todos somos gatos a la espera de dar un brinco al vacío, de cazar una presa, de un lugar seguro al que llamar hogar y de una mano que nos acaricie. 

Ser gato tiene particularidades tanto en la temática como en la forma. Cada página de esta breve pero intensa obra contiene siete micro narraciones como registro de la cantidad de vidas del referido felino. Entre la luz y la sombra, el lector se hallará dentro de una obra difícil de clasificar. A ratos libera juegos y en otros momentos angustia, cuenta con una especial sonoridad que le otorga una dimensión clásica, como si de una épica existencial se tratara.  

El libro cuenta con ilustraciones de la artista santanderina Fría Aguilar. He aquí otra lectura de la obra. Textos e ilustraciones dialogan en un constante movimiento. Fría Aguilar define los motivos de la historia bajo los títulos: “Adicción”, “Desamor”, “Enfermedad”, “Pobreza”, “Rutina”, “Soledad”, “Tristeza” y “Violencia”.  Es virtud de Ser gato no dar tregua. El libro, como un gato o quizá un prisionero, busca sosiego en medio de la imperiosa necesidad de lograr el salto final.  

Altamarea Ediciones, es una editorial independiente que en su colección Tascabili publica “Panfletos, epistolarios, relatos, teatro, novela breve. Una colección de pequeño formato que reúne obras atrevidas que llegan desde la periferia del canon literario”. En esa proclama literaria han publicado libros de Jane Austen, Paul Lafargue, Alda Merini, María Montessori, Andrea Camilleri y el más reciente de Edgar Borges.  

Edgar Borges (1966) nació en Caracas, Venezuela, y desde el año 2007 reside en España. Entre sus novelas, marcadas por una original y profunda reelaboración de la realidad y elogiadas por escritores como el premio Nobel Peter Handke, Enrique Vila-Matas y José María Merino, destacan ¿Quién mató a mi madre?, La contemplación, Crónicas de bar, El hombre no mediático que leía a Peter Handke y Enjambres. 

Fría Aguilar comienza su actividad creativa en 2011 con exposiciones basadas en acuarela y collage. Tras formar parte del proyecto colectivo «Otra manera de contar», en el que cada pintura describe un cuento tradicional, surge la inquietud por el relato a través del dibujo y decide formarse en álbum ilustrado. Además, profundiza en distintas técnicas artísticas, desde la fotografía hasta el monotipo, pasando por el collage y la cerámica, en busca de una visión más amplia sobre la composición y el color. Finalmente elige el soporte informático para sus trabajos, herramienta que le facilita recortar, multiplicar y recolocar, hilvanando diversidad de «piezas» hasta dar con la correcta. Se define a sí misma como costurera digital y no como dibujante. Su más reciente libro se titula Historias de hermanos, con textos e ilustraciones de su autoría. 


Los 120 años de la película húngara

Del 30 de abril al 04 de mayo de 2021, todos los húngaros y amigos de Hungría en Ecuador, Colombia, Venezuela y los venezolanos en Hungría podrán disfrutar de la semana de cine húngaro organizada por la Embajada de Hungría en Quito y la Embajada de Hungría en Bogotá, con motivo de la celebración de los 120 años de la primera película húngara “A Táncz” (La danza) de Béla Zsitkovszky y Gyula Pekár y en el marco de la agenda cultural 2021 de la Unión Europea. 

Año tras año, la realización de la semana de cine húngaro es una tradición muy importante, pero este año tiene una connotación especial: celebramos las películas húngaras producidas en 120 años de historia; un largo período, lleno de innumerables artistas destacados que han llevado a lo más alto la reputación del cine húngaro en el transcurso de sus carreras, tanto en Hungría como fuera de las fronteras. Estamos frente a 12 décadas de evolución tecnológica en la industria cinematográfica que han permitido acumular un tesoro fílmico húngaro inigualable.

Por eso, este año queremos llevar a todos los espectadores 5 películas que representan estas maravillosas décadas de la filmografía magyar. Durante 5 días y a través de la plataforma colombiana “El Ekran”, todos los interesados podrán disfrutar de las siguientes películas, cada una disponible durante 24 horas, con subtítulos en español:

  1. El Testigo
  2. Plaza de Moscú
  3. Vuk, un Zorrito Muy Asusto (para niños, doblada al español)
  4. Ellas Dos
  5. Informe Final

Además de estas 5 películas, todos los espectadores podrán ver a través de la misma plataforma, los vídeos con saludos de los dos embajadores de cada misión diplomática, un divertido juego para los más pequeños de la casa y dos películas húngaras extras (disponibles hasta el 5 de mayo): “La gran Parranda” y “Parador Húngaro”. 

Desde las Embajadas de Hungría estamos convencidos de que la industria cinematográfica y audiovisual resulta muy apreciable para el desarrollo y el acercamiento cultural de los países y representa un paso útil para dar a conocer nuestro país y unir, a través de la cultura, a los húngaros y a los amigos de Hungría alrededor del mundo. 

Les invitamos cordialmente a registrarse y disfrutar la semana de cine húngaro 2021.  Para recibir el link de conexión, pueden registrarse en la siguiente página web: http://www.survey-maker.com/QES7P8LBV.

Fotografías del explorador y artista venezolano Ivan Mikolji se exponen en galería de Miami

Una selección de fotografías y pinturas en torno al mundo subacuático conforman la exposición “Fishes of the Orinoco in the Wild” (Peces del Orinoco en la Naturaleza), del explorador y artista visual venezolano Ivan Mikolji, que será inaugurada en Miami el viernes 28 de mayo de 2021 a las 6 pm, en los espacios de Hernán Gamboa Gallery, bajo la curaduría del historiador y crítico de arte Eduardo Planchart Licea.

Fotografías que documentan la afición del artista por el mundo acuático, son el punto de partida de esta muestra en la que Mikolji nuevamente hace gala de un lenguaje fotográfico “que está en deuda con la refracción de la luz en el agua, su transparencia, opacidad, y cualidades físico-químicas”, según afirma el curador.

Con más de cien expediciones e innumerables publicaciones internacionales, el artista “ha demostrado la autenticidad y originalidad de su pasión por la vida acuática, el mundo selvático y el mar. Consciente de la urgencia de mantener estos sistemas ecológicos del planeta, donde brotó la vida y de los cuales depende la sobrevivencia de la civilización contemporánea”.

En palabras de Planchart Licea, la acción estética de Mikolji se ha convertido en arte para la vida, a través de sus videos, acciones fotográficas materializadas en sus muestras expositivas y en su acuarismo salvaje (Wild Aquariums), que se ha convertido en una tendencia mundial.

“La filosofía que mueve su voluntad creativa, es la urgencia por preservar los ecosistemas acuáticos del planeta, y como primer paso para ello considera necesario dar a conocer la riqueza, y la belleza de estos biomas (…) Para a dar conocer esta abundante biodiversidad, ha pasado innumerables horas inmerso en ríos, lagos, caños…, para fotografiar y filmar la belleza de estos biomas”, concluye el curador.

Considerado como uno de los mejores fotógrafos subacuáticos del mundo, Ivan Mikolji (Caracas, 1972) ha realizado más de cien expediciones en la Cuenca del Amazonas colombo-venezolano develando una Venezuela desconocida, y ha recorrido casi 800.000 km de carretera desplazándose por lugares inhóspitos del  país, documentando e identificando nuevas especies de peces y flora silvestre. Ha exhibido su trabajo en exposiciones individuales y colectivas en diversas salas y galerías de Venezuela, además sus fotografías han sido publicadas en revistas, libros y catálogos de Venezuela y de otros países como el Reino Unido, Italia, Suecia, Chile, México, Colombia, Estados Unidos y Alemania, entre otros.

La exposición “Fishes of the Orinoco in the Wild” (Peces del Orinoco en la Naturaleza), de Ivan Mikolji, podrá ser apreciada del 28 de mayo al 31 de julio de 2021, en los espacios de Hernán Gamboa Gallery, ubicada en 4000 West Flagler Street, Coral Gables, Florida 33134, Estados Unidos.

Jon Cárdenas participa en la “Venezuelan Art Fair” de Nueva York con sus fotos «Sinónimo de Libertad»

Jon Cárdenas, uno de los fotógrafos venezolanos de mayor prestigio internacional, tendrá una participación estelar en la próxima “Feria del Arte de Venezuela” (Venezuelan Art Fair), con su serie de fotografías titulada “Sinónimo de Libertad”. Se trata de un encuentro entre diversos representantes del arte contemporáneo que tendrá lugar del 24 al 26 de junio en la galería One Art Space (Manhattan) de la ciudad de Nueva York, donde participarán más de 70 artistas venezolanos. Esta es la primera feria en su estilo que se realiza en la Gran Manzana, donde convergen diseñadores gráficos, ilustradores, pintores, fotógrafos, escultores y muchos otros artistas nacidos en el territorio nacional.

Cárdenas obtuvo mucha notoriedad a partir del 2016 cuando subió a la mítica Torre de David en Caracas, junto a un grupo de fotógrafos para realizar un reportaje, experiencia que casi le cuesta la vida. Desde allí tomó una serie de fotografías de la bandera de Venezuela ondeando en la azotea y especialmente una de ellas se volvió viral tras ser utilizada como símbolo de esperanza para millones de Venezolanos. Se convirtió en la portada del libro “Venezuela chroniken einer gescheiterten revolution”, publicado en Alemania, tal fue su impacto visual que artistas de la talla de Miguel Bosé, Laura Pausini, JBalvin y Sebastian Yatra la usaron en sus redes sociales.

La única gran expectativa es seguir exponiendo el mensaje de libertad y esperanza a través de mi colección de fotos denominada Sinónimo de Libertad. Creo que las palabras mueven mentes y corazones, y también creo firmemente que una imagen puede llegar al alma, remover los miedos, dudas y despertar conciencias. Posiblemente Sinónimo de Libertad estimule el pensamiento de muchos venezolanos y extranjeros para crear acciones mejoradas que beneficien el presente de Venezuela”, expresó Jon Cárdenas en torno a su participación en la feria.

Venezuelan Art Fair es una iniciativa creada por venezolanos que honrará el talento y la creatividad. Este será el momento perfecto para celebrar el arte emergente y contemporáneo de la nación. Es un proyecto en expansión que abarcará espacios virtuales y presenciales, creciendo con la ayuda de tecnologías en desarrollo, con el fin de representar el arte en cualquier parte del mundo. La misión de esta plataforma es apoyar y promover el talento venezolano con la visión de generar promoción, ventas y reconocimiento para los artistas y poner sus obras al alcance de los coleccionistas internacionales. En el caso de Jon Cárdenas, cualquier espectador que asista podrá adquirir sus fotografías.

Opino que encuentros como el Venezuelan Art Fair son muy importantes, porque cada paso que se da hacia adelante es bueno. Este tipo de encuentros y ferias nos permiten conectar con esa energía artística latente en muchos de nosotros.  Nos permite explorar al autor, al creador, nos permite conocer las dudas, interpretaciones del espectador, y por sobre todo nos da la oportunidad de conocer y en muchos casos crear amistades valiosas  con quien le resuena y/o se alinea con el arte. También  ayuda a que muchas personas tengan acceso a grandes artes que han estado ocultas en el tiempo”, agregó.

Es importante recordar que Jon Cárdenas es un fotógrafo y emprendedor dedicado a enriquecer vidas, desde siempre apoyando fundaciones sin fines de lucro como el de Unos Venezolanos y Proyecto de la Mano, entre otros, como también es un apasionado en perseguir experiencias, tal como se denomina uno de sus proyectos #ChasingExperiences / #PersiguiendoExperiencias. 

A lo largo de su trayectoria ha logrado importantes menciones digitales a través de las redes sociales, así como exhibiciones en galerías de arte, incluyendo el Festival de Diseño de Londres, también ha tenido presencia en Colombia, Portugal, Alemania, Panamá y EEUU donde sus fotografías han sido seleccionadas y expuestas. Es importante agregar que agencias como Vayner Media y distintas marcas importantes de  relojes y de ropa, tanto venezolanas como internacionales, lo han buscado por sus habilidades con el lente.

Verona celebra con “Acoustic Sessions”
la unión de sus integrantes

La banda de rock alternativo, fundada hace 20 años en Punto Fijo, prepara su nuevo disco, a pesar de que algunos de sus músicos formen parte de la diáspora venezolana en otros países
 
A excepción de sus Majestades Satánicas, los Rolling Stones, que cuenta ya con más de 50 años de existencia, es muy raro que las bandas de rock tengan una vida tan larga. El que ello ocurra depende, fundamentalmente, de la química, de la familiaridad que establezcan entre sí sus integrantes.
 
Eso ocurre con la agrupación venezolana de rock alternativo Verona, fundada hace 20 años en Punto Fijo, estado Falcón, por Chevy Verona y su primo Emiro Aguilar, mejor conocido como Atari, y a los que se unieron Eduardo Goitía y Ray Díaz. Desde que empezaron a tocar juntos, la empatía y la identificación reinó entre estos cuatro creativos ganados para expresarse a través del rock.
 
Verona celebra dos décadas de vida como si se tratara de un solo organismo vivo, y aunque la realidad haya obligado a algunos de sus integrantes a emigrar, la banda sigue trabajando, creando y entregando al mundo una música que habla del amor y del desamor, temas de los que nadie puede ser indiferente.
 

“En la actualidad estamos separados en la distancia, pero activos en la música, retomando lo que más nos gusta y a punto de sacar un disco de grabación casera titulado Acoustic Sessions que consta de 10 temas de nuestro antiguo repertorio, pero en formato acústico. De este disco ya hemos lanzado dos singles, Chasing after You y Trouble Times, el cual cuenta con un video en YouTube (vrnmusic)”, comenta Chevy Verona, vocalista y guitarrista de la banda, cuyo primer álbum, Summer Consequence (2004), fue incluido por la revista Rolling Stone en la lista de los 50 mejores discos de ese año.
 
Luego de haber recibido en 2007 el Premio Urbe a la Mejor Banda, lograr ubicar tres temas de su disco Anywhere en el top chart de las emisoras de radio adultos contemporáneos en Venezuela y haber participado en el Festival South by Southwest (SXSW) de 2010, los integrantes de Verona no paran de trabajar.
 
“Los primeros años de la banda fueron bastante activos: discos, videos, giras, festivales en el exterior, premios, etc. Estábamos enfocados y decididos para seguir ese camino, pero por cuestiones de la vida nos tuvimos que distanciar, aunque nunca hemos dejado de estar en contacto como buena familia que somos, y en los últimos tiempos hemos estado retomando y aprovechando los recursos tecnológicos para volver a crear música y sacar nuevo material”, agrega Chevy Verona.
 
Además del EP Gravity, de 2019, producido por el ganador del Latin Grammy, Enrique González Müller, Verona acaba de lanzar el tema Delirium, que está acompañado de un video lyric, y en junio hará lo propio con la canción Proud of You, también con video, además del lanzamiento de su disco, que esperan salga este mismo año.
 
Así, pues, el hecho de que Eduardo Goitía (batería) esté en Argentina; Ray Díaz (bajo y también integrante de Candy66) y Atari (guitarra), en Estados Unidos, y Chevy Verona, por lo pronto, en Venezuela, no ha sido impedimento para que Verona siga contando las vivencias de quienes la componen a través del rock.
 
Link del video lyric del más reciente tema de Verona “Delirium”:



El trazo urbano de SUSO33
toma la galería Odalys de Madrid

 Considerado uno de los máximos representantes del arte urbano, el creador madrileño expondrá hasta el mes de julio, más de 30 obras en la muestra “espacio DISPONIBLE Sin permiso… ¿se puede?”

 
Suso33, uno de los veteranos del Street Art en España, es un artista multidisciplinario, que se inició con el graffiti hasta llevar sus propuestas a otros formatos como la performance, las video instalaciones y galerías, como la Odalys de Madrid en la que desde este 22 de mayo de 2021 se presenta la individual espacio DISPONIBLE Sin permiso… ¿se puede?, y que podrá ser visitada hasta el mes de julio en la sala de exposiciones ubicada en la calle Orfila 5, 28010, de Madrid.
 
La muestra, que reúne más de 30 obras del artista, cuenta con la curaduría de Alfonso de la Torre, teórico y crítico de arte madrileño, especialista en arte español contemporáneo, quien escribe en el texto de presentación de la exposición: en su proceso creativo, “como John Cage y los Fluxus, admiradores del mundo zen, SUSO33 comparte el deseo de zanjar la secular separación entre arte y vida. Al cabo, los procesos vinculados al art autre, informalismo y expresionismo abstracto, la action painting, refirieron una expresión del arte que tuviera ‘vida’ y que esta estuviese relacionada con quien contemplaba las obras”.

La filosofía de la que parte el artista nacido en Madrid en 1973 es precisa: “El arte es grande, y quieran o no, está aquí y va a continuar. Crece, vive, se desarrolla y se fusiona”.
 
Se trata de un artista polifacético, escenógrafo, muralista, performista… SUSO33 es considerado como el precursor del graffiti iconográfico, un consumado experimentador del lenguaje en esta forma de arte urbano y el máximo exponente del livepainting (o action painting) en España.
 
Y aunque a diferencia de Banksy, SUSO33 no oculta su rostro, su devenir artístico ha estado signado por el distanciamiento de los formalismos del arte académico, la búsqueda de nuevas formas de comunicación con las personas y la crítica contundente de aquello que, de acuerdo con su óptica, merezca ser cuestionado.

Suso33 inició su carrera a mediados de los años 80, y desde entonces ha realizado más de 70 exposiciones tanto individuales como colectivas a nivel internacional, así como más de 40 performances.
 
El artista se define a sí mismo como “una persona inquieta y con necesidad de expresarse y que a través de la música, el arte, la performance ha encontrado su medio de expresión. Para mí el arte es más una necesidad de expresarme y una búsqueda interior, un paso más para llegar a ese lado oscuro, profundo, poético, emocional…”. (revista digital Uppers, julio de 2019).
 
espacio DISPONIBLE Sin permiso… ¿se puede?, tendrá dos montajes: el que se inicia este sábado y el que comenzará a exponerse a partir del 8 de julio, también en la Galería Odalys, desde las 18:00 horas de España.
 
La galería respetará en todo momento las medidas de seguridad e higiene pertinentes ante la actual pandemia (uso de mascarilla, limitación de aforo, limpieza y desinfección) para que el público y los coleccionistas puedan seguir disfrutando del contacto directo con las obras de arte.

Galería ABRA exhibe pinturas de Juan Carlos Portillo en la exposición ‘Será mejor que ayer’

Una exposición individual del artista venezolano Juan Carlos Portillo titulada “Será mejor que ayer”, se está exhibiendo, en el galpón 9 de la galería de arte contemporáneo ABRA, en el Centro de Arte Los Galpones.

La muestra está integrada por un conjunto de 23 obras que se despliegan en la sala como un recorrido hacia la memoria, donde el vuelo de los pájaros y una atmósfera traslúcida en el lienzo traza una red que introduce al espectador en un álbum anacrónico, la bitácora personal del artista, según expresan los representantes de la galería.

En un viaje al interior de un país que existe en sus recuerdos, Portillo pinta su historia para regresar, cada trazo trae al presente impresiones de aquella cotidianidad que ahora recuerda, olvida e imagina; son paisajes al óleo que transitamos de lo personal a lo colectivo, de lo local a lo universal.

Vuelve a habitar los detalles, transforma los elementos, movimientos y sonidos que conformaban su vista. “De tal forma, podríamos decir que en las pinturas de ‘Será mejor que ayer’ radica la experiencia misma de un proceso geológico, ya que en ellas se acumulan capas de pintura que el artista modifica, transforma y extrae como los sedimentos propios de un paisaje”, advierte Paola Nava en el texto que acompaña la muestra.

Juan Carlos Portillo (Valera, 1989) estudio Artes Plásticas mención Diseño Gráfico en la Universidad de Margarita (UNIMAR), ha expuesto de manera colectiva e individual en distintas exposiciones a nivel nacional, además también ha exhibido su trabajo en otros países como España, Alemania, Hungría, Estados Unidos, Colombia y Chile. Durante el 2017, su video Looking For Horizons, realizado junto al artista Luis Mata, fue seleccionado para el proyecto Video Art in Latin America del Instituto de Investigación Getty. Actualmente vive y trabaja en Madrid, España.

La muestra “Será mejor que ayer” de Juan Carlos Portillo, estará abierta al público del 29 de mayo al 8 de agosto de 2021 durante las semanas de flexibilización en la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de miércoles a domingo de 11:00 am a 4:00 pm. Cabe destacar que se seguirán todas las normas de bioseguridad.


“ÁNGELES”: LA PRIMERA POETISA VENEZOLANA, SOR MARÍA DE LOS ÁNGELES, REINTERPRETA EN ESCENA EL TEMA DE LA FE

El soliloquio “Ángeles”, del ciclo “Matria”, estará disponible a partir del 4 de junio en el canal de YouTube de la Asociación Cultural Humboldt y por Play Ticketmundo.

“Matria” es un proyecto teatral, original del dramaturgo José Tomás Angola, que enfoca el pasado y el presente de una Venezuela vista, ahora, por los ojos de la mujer.

Es por ello que, desde el viernes 4 de junio, por el canal de YouTube de la Asociación Cultural Humboldt y Play Ticketmundo, será difundida dentro y fuera de las fronteras venezolanas la pieza “Ángeles”, parte fundamental de este conjunto de soliloquios que replantean la historia nacional.

Inspirándose en la realidad, esta ficción se hila con las reflexiones de la primera poetisa del país, Sor María de los Ángeles, encarnada por Camila González. Llevaba el nombre de María Josefa Paz del Castillo antes de ingresar, en 1795, al Convento de las Reverendas Carmelitas de Caracas, donde vivió una existencia de claustro. En 1812, escribió dos poemas inspirados en el terrible terremoto ocurrido ese año, “Anhelos” y “El terremoto”, únicas obras que nos han llegado de ella. A pesar de que “Anhelos” solo vio la luz de la imprenta en 1892, a partir de entonces, María de los Ángeles es considerada como la primera autora femenina de una creación poética en Venezuela.

Bajo la dirección y la puesta en escena de José Tomás Angola, quien trae a colación novedosas tecnologías de video mapping, “Ángeles” lleva a las tablas una serie de reinterpretaciones del tema de la fe, cuestionamientos acerca de la relación del hombre con Dios y meditaciones sobre el pecado, el castigo, el perdón y el dolor.

En producción general, se encuentra Carlos Silva; en asistencia de dirección, Elizabeth Yrausquín de Postalian; en iluminación, Manuel Troconis; en vestuario, Fabiola Neri; en escenografía, Freddy Belisario; en dirección de fotografía, edición y montaje, José Martínez; en jefatura de prensa, Anakarina Fajardo; y en diseño gráfico, Silvia De Abreu. Además, la música utilizada es “Wistful Harp” – Andrew Huang –; “La Tormenta”, “Las Cuatro Estaciones” – Antonio Vivaldi – K-Flare Productions; “Gloria RV 589”, “Gloria in Excelsis Deo” – Antonio Vivaldi – Hampstead Sinfonietta.

Con la producción ejecutiva de la Asociación Cultural Humboldt, presidida por Federico Pacanins, “Ángeles” se estrena en el medio digital a través del impulso de La Máquina Teatro y el grupo teatral Asklepión.

La Asociación Cultural Humboldt nació en 1949 con el objetivo de difundir y fomentar nacional e internacionalmente las culturas venezolana y germánica, en sus aspectos científicos, literarios, artísticos y lingüísticos.

Con 26 años reafirmando su compromiso hacia el teatro de autor en las tablas venezolanas, la agrupación La Máquina Teatro fue fundada por José Tomás Angola, cuya obra dramatúrgica ha sido escenificada en naciones como Venezuela, México, España, Francia y Estados Unidos. 

Por su parte, el grupo teatral Asklepión, creado por Elizabeth Yrausquín de Postalian, continúa con su firme misión de brindarle al público experiencias teatrales estimuladoras de sentidos, razón y alma.

A continuación, la programación de estrenos digitales gratuitos del proyecto “Matria” en YouTube y Play Ticketmundo:

–          “Amor de página roja” con Anakarina Fajardo: Ya disponible.

–          “Vientre de tierra seca” con Silvia De Abreu: Ya disponible.

–          “Ángeles” con Camila González: 4 de junio.

–          “Yo soy la Carreño” con Sandra Yajure: 18 de junio.

“Ángeles” y todas las piezas que conforman el ciclo de soliloquios “Matria” estarán permanentemente disponibles en el canal de YouTube de la Asociación Cultural Humboldt y, sin costo alguno, en la plataforma Play Ticketmundo.

Conoce las novedades que ofrece la ACH en las redes sociales @asohumboldt en Instagram y Twitter, y @asohumboldtcaracas en Facebook.

Leonardo Padrón publica “Tiempos feroces”, un retrato de la Venezuela actual

El libro, editado en España por Kálathos, reúne crónicas y artículos del escritor venezolano, una de las principales voces de la literatura de ese país 

Un abogado va a defender a uno de sus clientes y termina en prisión, una estudiante que quiso pasar unas vacaciones en la playa es acusada de atentar contra una ministra, dos mujeres endulzan el café con piruletas ante la escasez general de azúcar, un hombre se convierte en ícono de manifestaciones políticas al hacer de las cometas una herramienta de protesta, un joven actor de teatro afronta un viaje de seis días para abandonar su país y llegar a un nuevo destino. Las crónicas y artículos de Tiempos feroces, el nuevo libro de Leonardo Padrón, ofrecen un retrato de la Venezuela de los años recientes.

            Publicado en España por Kálathos ediciones, el volumen reúne sesenta textos escritos entre 2015 y 2018 que conforman un mapa fragmentario de una nación que vive la peor de sus crisis en la historia contemporánea. Hechos y personajes pasean por las páginas entre artículos de análisis político y reflexiones de prosa poética.  

            “Tiempos Feroces es, como bien lo dice Alberto Barrera Tyszka en la contraportada del libro, el diario íntimo de un país que se derrumba. Un inventario de historias mínimas que aspira a luchar contra el virus de la desmemoria. Una reunión de crónicas que relatan la furia y el desasosiego de una sociedad en resistencia. Un libro que se asoma a episodios emblemáticos de los años mas recientes. Es un viaje al fondo de la noche de un país a través de pequeños relatos, inflexiones líricas, confesiones personales, divagaciones políticas e historias delirantes que superan nuestra capacidad de asombro”, dice el autor, uno de los escritores de su generación más leídos en Venezuela.

            El libro, que ya se encuentra a la venta en librerías de España y plataformas digitales como Amazon, forma parte de la colección de Crónica y Política de Kálathos. 

La Unión Europea en Venezuela invita a participar en el VI Concurso de fotografía “Héroes de lo cotidiano”

Para culminar la programación del Mes de Europa en Venezuela, la Delegación de la Unión Europea en el país, lanza la sexta edición de su concurso de fotografía, esta vez en alianza con Efa Contigo. A través del concurso se invita a los participantes a retratar a esos héroes cotidianos y a dejar un testimonio del crecimiento en medio de las adversidades, especialmente en el contexto por la pandemia Covid-19.

A la vez que se invita a los participantes a dar a conocer y transmitir las experiencias de héroes cotidianos, se rinde también homenaje a todas esas personas u organizaciones que con sus iniciativas ponen su granito de arena en medio de una pandemia global, desde los grandes héroes como el personal de salud, los vecinos que ayudan en sus comunidades, hasta los docentes desde sus domicilios impartiendo clases, entre otros.

Este nuevo concurso está dirigido a todas aquellas personas amantes de la fotografía residentes en Venezuela. Las personas interesadas en participar podrán hacerlo hasta el 4 de julio 2021, a través de este enlace: http://bit.ly/RegistroConcursoFotosUE2021

Las bases de la convocatoria se encuentran disponibles en: http://bit.ly/BasesConcursoFotosUE2021

Categorías del concurso

El concurso se divide en tres categorías: Serie fotográfica, Fotografía individual y Voto del público, y la participación es exclusivamente en línea y totalmente gratuita para los participantes.

En el caso de la categoría “Serie fotográfica”, se aceptará un mínimo de tres y un máximo de siete fotografías por participante. En el caso de la categoría “Fotografía individual”, se aceptará una sola imagen por participante.

En el caso de la categoría “Voto del público”, se aceptará un máximo de tres fotografías por participante publicadas en Instagram. El perfil del participante debe ser público, hacer uso del hashtag #HeroeCotidianoUE y seguir a @UEenVenezuela y @efacontigo.

Jurado y premios

El jurado calificador estará conformado por un representante de la Delegación UE, un miembro de Efa Contigo y un fotógrafo invitado, y los ganadores se darán a conocer el 12 de julio 2021.

El premio para los ganadores de cada categoría consistirá en la entrega de un diploma acreditativo de participación, así como de una gift card para poder cursar un módulo de fotografía en Efa Contigo. Por su parte, los ganadores de las categorías “Serie fotográfica” y “Fotografía individual”, recibirán un teléfono inteligente.

Coro de Conciertos de la UCV celebra su 46 aniversario

Este 3 de junio la agrupación coral arriba un año más de actividades. Varios de los integrantes que han pasado por sus filas, mostrarán testimonios a través de las redes sociales

La música es ese aliciente que nos embriaga el espíritu y nos roba una sonrisa, aún en tiempos adversos. Eso lo ha demostrado el Coro de Conciertos de la UCV, agrupación coral que no se ha detenido, aún en tiempos de pandemia, dirigida actualmente por el joven músico Robert Inojosa

Recientemente participó en la ceremonia de beatificación de José Gregorio Hernández realizada en la Iglesia del Colegio La Salle y el año pasado organizó un encuentro coral virtual pionero, de agrupaciones polifónicas universitarias.      

Este jueves 3 de junio el Coro de Conciertos de la UCV arriba a su 46 aniversario y para celebrarlo llenarán sus redes sociales, -Instagram @cc_ucv  y Facebook “Coro de Conciertos UCV – Página Oficial”, de videos de felicitaciones de coralistas fundadores y de aquellos que durante estos años han formado parte de esta prestigiosa agrupación.

Queremos que los  integrantes y sobre todo generaciones anteriores, envíen un mensaje de felicitación, comentando su experiencia. Vamos a llenar las redes de videos de salutación por el cumpleaños número 46 del Coro de Conciertos y en el marco de los 300 años de la Universidad Central de Venezuela. Cuando cumplimos años no hacemos una gran fiesta, pero siempre hay una torta y eso tiene un gran significado”, explica el maestro Robert Inojosa, quien dirige la agrupación desde 2012.

-Desde su fundación el Coro ha tenido tres directores, Teresa Jaén, Oscar Galián y ahora usted, ¿cuál ha sido el sello de distinción de cada generación?

-Siempre se ha trabajado en la formación de coralistas,  no necesariamente se llama a audición a personas con experiencia, sino que la intención del Coro de Conciertos es formar talentos. Otro sello importante, a través de las distintas generaciones, es que busca mostrar un trabajo musical de investigación, no solamente montar repertorio, los eventos tienen un trasfondo bien soportado, desde el punto de vista de la investigación.

-¿Cuál es el repertorio emblemático que identifica al Coro?

-El género fuerte del Coro de Conciertos es la música popular latinoamericana y durante todo este tiempo ese ha sido el sello característico.

Acto espiritual en la beatificación

-Recientemente participaron en la ceremonia de beatificación de José Gregorio Hernández, ¿qué significado tuvo esa experiencia?

-Nos invitó la Fundación Schola Cantorum de Venezuela. El trabajo fue complicado, porque a pesar de que venimos haciendo trabajo a distancia dentro de la pandemia, tuvimos que hacer audiciones y la idea era llegar con el repertorio aprendido. No podíamos ensayar en sitios cerrados, teníamos que llegar a los ensayos generales para ensamblar y no para enseñar las canciones. Pero fue emocionante, porque en todo este tiempo hemos estado encerrados y no habíamos podido hacer ensayos presenciales y valió la pena: el momento del acto, la ceremonia, toda la misa fue espectacular, de mucha sensibilidad y de mucho amor, un acto totalmente espiritual.

Encuentro  virtual pionero 

-¿De qué manera se ha reinventado el coro para seguir con sus actividades, a pesar de la cuarentena?

-El año pasado cumplimos 45 años, hicimos un encuentro y coloquio coral virtual, durante una semana, de agrupaciones polifónicas universitarias. Fue el primer encuentro coral virtual que se hizo en Venezuela, en Latinoamérica se estaban haciendo algunos, pero aquí fuimos pioneros.  Abordamos la importancia de la música coral en las universidades, evolución, beneficios y cómo ha proliferado el canto coral en las universidades de nuestro país. Está alojado en el canal youtube de la Dirección de Cultura, que por supuesto nos apoyó y a la cual nosotros estamos adscritos. Hemos participado en festivales y trabajado mucho con videos o presentaciones en formato de coro virtual, eso significa que cada coralista graba desde su casa, después se edita y se hace el ensamblaje. 

El Coro de Conciertos de la UCV fue fundado en 1975 y forma parte de la Dirección de Cultura, actualmente bajo la supervisión de Trina Medina, unidad adscrita al Rectorado de la Universidad Central de Venezuela.

BE MODEL YA TIENE SUS REPRESENTANTES PARA EL TMF VENEZUELA 2021

La reconocida academia de modelos en Caracas, Be Model ya tiene listas a sus candidatas que participarán por la corona del concurso de belleza juvenil TMF VENEZUELA en su onceava edición 2021.

Como todos los años, Be Model, envía sus mejores chicas y este año en la categoría “Teen” la seleccionada es Kimberli Adriaci Mariño quien cuenta con 18 años y es estudiante de 5to año de Bachillerato y por la categoría “Top” la aspirante a la corona es Valeria Ghazal El Bar Molina de 16 años quien cursa el 4to año de bachillerato. Ambas fueron seleccionadas tras una ronda de entrevistas realizadas por la Lic. Rosa Ceballos y la también Modelo Victoria Abuhazi; directora y subdirectora de Be Model quienes poseen la franquicia del TMF DISTRITO CAPITAL dentro de la organización TMF VENEZUELA desde el año 2017, presidida por el hacedor de reinas juveniles Dery Pabón.

Es importante señalar que ya cuentan con importantes títulos dentro del certamen, obteniendo las coronas por la categoría TEEN en dos oportunidades: en el año 2018 con el triunfo de Maried Mora quien se convirtió en la CHICA TMF TEEN VENEZUELA 2018 y luego Samantha Arraez en el 2019 siendo la CHICA TMF TEEN VENEZUELA 2019 realizando así el primer ‘back to back’ en la historia dentro de la organización y manteniendo el título y la corona por dos años consecutivos dentro de Be Model.

“Siempre nos hemos posicionado en los primeros lugares de este importante certamen de belleza nacional y con la designación de Kimberli Mariño y Valeria Ghazal buscamos seguir con este récord de grandes talentos que han representado a Be Model con la banda del TMF Distrito capital dentro del TMF Venezuela” comentó Rosa Ceballos, Directora y Fundadora de la academia de modelos.

Ambas aspirantes a la corona nacional se encuentran formándose, desde algunas semanas, en áreas como: pasarela, maquillaje, expresión corporal, dicción y oratoria, entre otras cátedras fundamentales para hacer de su participación una excelente experiencia y poder dar lo mejor de ambas en búsqueda de los preciados títulos de belleza juvenil que les podría dar el pase directo para representar a Venezuela en un certamen internacional.

Para seguir el camino que deberán recorrer estas dos venezolanas pueden seguirlas a través de sus redes sociales como @kimberlimarino_tmf2021 y @valeghazal_tmf2021.

En su octava edición Pura Danza Internacional, una ventana al éxito

(Desirée Depablos/CNP 4.762) Luego  de 7 ediciones ininterrumpidas con más de 2.000 competidores que han pasado por sus escenarios, Pura Danza Internacional celebra su octava edición del 15 al 18 de julio de 2021, presentando por segunda vez Pura Danza LIVE (PDL), una competencia virtual para estudiantes y jóvenes profesionales de la danza.

Cabe destacar que Pura Danza Internacional se ha convertido en una plataforma para muchos bailarines venezolanos, quienes han podido ser vistos por grandes maestros y directores de compañías internacionales y acceder a oportunidades de becas y trabajo.

Daniel Riveros, productor del evento, destacó que los bailarines de provincia han logrado mayor visibilidad pues anteriormente en Venezuela, el mundo de la danza estaba centralizado en Caracas y Pura Danza ha dado la oportunidad a todos estos bailarines de presentarse en un mismo escenario, ser conocidos y lograr una proyección.

Por su parte Martha Ildiko, integrante del equipo organizador de Pura Danza Internacional, se mostró muy satisfecha con los resultados de la labor realizada al ver la proyección internacional de tantos bailarines venezolanos, quienes hoy día se encuentran en diferentes compañías del mundo.

Tales son los casos de Radharani Persaud, ganadora de medalla de oro en el año 2017, quien ahora es bailarina principal del Ballet Nacional de Ecuador; y de Fabiana Piñero, bailarina del Ballet Nacional de Lima, ambas de la isla de Margarita. Laleska Seidel, dos veces campeona en su categoría, es bailarina principal del Ballet Nacional de Chile, Richard Reyes pertenece al Ballet Municipal de Lima, y ambos bailarines son de Barquisimeto. Estefani di Camilo salió de Puerto la Cruz para llegar al Teresa Carreño y de allí proyectarse hasta Buenos Aires. Por otra parte, Nelson Prieto, de Mérida, y Luis Molina, de Maracay, están becados por una de las más prestigiosas escuelas del mundo, como es Acosta Danza en Cuba.

Igualmente tenemos el caso de  los margariteños Michelle Padrón, quien está en Chile, y Daniel Guzmán, quien ganó su primera competencia en Pura Danza y obtuvo becas en varias instituciones a nivel mundial. Todos estos bailarines vienen de la provincia.

La organización Pura Danza actualmente tiene sede en el Teatro Jorge Isaac de la ciudad de Cali, Colombia. Aunque en este momento se está haciendo virtualmente, tuvo una primera edición presencial que dio la oportunidad a bailarines de toda Colombia y Suramérica de ser vistos por grandes maestros y proyectarse a nivel internacional.

¿Cómo ser parte de Pura Danza live?

Las inscripciones y recepción de vídeos serán hasta el 26 de junio de 2021 a las 12 de la noche, a través de la web www.puradanzainternacional.com

Las participaciones de todas las categorías serán presentadas a través del canal de YouTube de Pura Danza Internacional. 

Los bailarines participantes serán evaluados por un jurado conformado por reconocidos maestros y directores a nivel internacional, entre los cuales podemos contar a: Rumen Rachev, Carlos Paolillo, Alexey Minkin, Martha Ildiko, Stella Quintana, Ernie Prinz, Carmen Vercelli y Elías García.

Pura Danza Live también ofrecerá a los competidores clases magistrales en línea y estarán disponibles para todos aquellos que se inscriban, a través de la plataforma zoom. Igualmente, habrá conferencias y conversatorios. El calendario y horarios de las mismas será publicado en el sitio oficial www.puradanzainternacional.com y el Instagram @puradanzainternacional

Los resultados se darán a conocer a finales del mes de julio a través del canal de YouTube de Pura Danza Internacional.

Nuevos proyectos

Según Daniel Riveros, productor de Pura Danza Internacional, para el 2021 traen sorpresas con el lanzamiento de un nuevo proyecto dancístico. Indicó que el mismo integrará más géneros y no tendrá límite de edad. “El proyecto es totalmente nuevo y espera como todos los proyectos de la organización aportar y hacer crecer el mundo de la danza”, concluyó.

Del 8 y al 13 de junio el público podrá acercarse a la cultura e historia del país europeo.

Venezuela celebrará durante una semana
el Día de Portugal, de Camões y de las Comunidades Portuguesas


Todas las actividades son gratuitas y para estar en primera fila de las conferencias y los espectáculos artísticos solo hay que conectarse a internet

Caracas.- Este año, por primera vez, la celebración del Día de Portugal, de Camões y de las Comunidades Portuguesas se extenderá durante una semana. Entre el 8 y el 13 de junio, el público venezolano podrá acercarse a la cultura e historia del país europeo, descubrir a maravillosos personajes de su pasado, disfrutar de sus músicos interpretando los emblemáticos fados, así como revivir en las tablas la más bella y trágica historia de amor lusa. 

La Embajada de Portugal en Caracas lidera la organización de estas actividades junto al Instituto Camões – Instituto da Cooperação e da Língua, la Coordinación de la Enseñanza del Portugués en Venezuela (CEPE), con el patrocinio del Instituto Portugués de Cultura (IPC), el Centro Portugués y el Correio da Venezuela. Estas instituciones se han esmerado en preparar una agenda de actividades que además reconoce la huella de la amplia comunidad portuguesa que tiene presencia en el territorio venezolano. 

La celebración de la fiesta nacional de Portugal no podría ser más emblemática, al rendir homenaje a la nación y sus ciudadanos; elevar sus valores y su lengua; exaltar su historia y su cultura; y cobijar a todos los portugueses que se encuentran esparcidos por el mundo. 

El 10 de junio, fecha hipotética en la cual se cree que murió el poeta portugués Luis de Camões, Portugal festeja su día y a uno de los más grandes exponentes de la lengua lusa. Este 2021, en Venezuela la festividad se crece y durará una semana.

El profesor Rainer Sousa, coordinador de la Enseñanza de la Lengua Portuguesa del Instituto Camões, explica que este año quisieron ir más allá de un evento central y preparar una “Semana de Portugal”, aprovechando las ventajas que ofrecen las herramientas tecnológicas que permiten conectar con el público desde los lugares más apartados.  

Todas las actividades son gratuitas y para estar en primera fila solo hay que conectarse a internet. La programación será transmitida mediante la plataforma Zoom y de forma simultánea en las redes del Correio da Venezuela y CEPE Venezuela.

TODO PARA AMÁLIA

La semana consagrada a la cultura portuguesa se inaugurará el martes 8 de junio, a las 5:00 pm, con una conferencia en línea dedicada a celebrar el centenario del nacimiento de la cantanteAmália Rodrigues (1920-1999), embajadora del fado que se convirtió en una artista universal y a quien no se le pudo rendir un merecido homenaje el año pasado en medio de la crisis sanitaria mundial por el Covid-19.  Las actividades por los 100 años de su natalicio se extenderán hasta finales de este año. 

Amália es considerada una de las figuras más importantes de la historia de la música del siglo XX y una de las mejores cantantes de su tiempo, quien pudo elevar el género del fado a su máxima expresión. Sin embargo, no todo fue color de rosa y debió superar algunos amargos tropiezos. 

En el encuentro en línea, el escritor Miguel Carvalho intentará responder “¿Quién fue Amália Rodrigues?”, a partir de su experiencia como biógrafo de la intérprete. El autor de “Amália- Ditadura e Revolução, a história secreta”, detallará aspectos poco conocidos de la cantante, especialmente, de su relación con la política durante el “Estado Novo”, es decir, durante el régimen de António de Oliveira Salazar. 

“Carvalho nos hablará de una figura que va más allá de su carrera como “Reina del Fado”, mostrando a una persona verdaderamente preocupada por la situación de su país, comprometida con la apertura democrática de Portugal que se inició el 25 de abril de 1974, con la conocida Revolución de los Claveles. A pesar de todo, tras el triunfo de la revolución, Amália fue acusada por algunos sectores de la sociedad portuguesa de haber apoyado al régimen anterior. De esto se tratará este conversatorio”, adelantó Rainer Sousa.  Para unirse a esta conferencia vía Zoom haga clic en este enlace https://zoom.us/j/91309490367?pwd=WXF5aHRaQUJtb3gzN1RqdU5PbERKdz09 | ID de reunión: 913 0949 0367 | Código de acceso: 478153

UNA MIRADA A LA MIGRACIÓN 

La agenda de celebración continuará el miércoles 9 de junio, nuevamente a las 5:00 pm, con la intervención del profesor e historiador venezolano Froilán Ramos Rodríguez, quien fue invitado para conversar sobre “Los portugueses en Venezuela” y ofrecer una visión de la migración al país. Con esta conferencia se festejará el día de las Comunidades Portuguesas. 

 El profesor Sousa considera importante recordarle “a las nuevas generaciones de luso descendientes la historia de sus abuelos que con muchas ilusiones, sueños y ganas de progresar, eligieron este gran país para establecerse”.

Agregó que Ramos es un investigador que conoce ampliamente sobre las olas migratorias de portugueses a “tierra de gracia” y prometió que “será un webinar donde muchos recordarán seguramente esa historia que necesita ser contada: la de los portugueses en Venezuela”.  Para unirse a este conversatorio haga clic en este enlace https://zoom.us/j/93874577808?pwd=Ykk3UVZpVWNDVW4wcmhrc2dhVWZ3QT09 | ID de reunión: 938 7457 7808 | Código de acceso: 270404

UN AMOR PROHIBIDO

Otro de los invitados de lujo que tendrá la programación cultural es el periodista portugués Francisco Moita Flores, quien adaptó algunos pasajes de la historia de Portugal para la pantalla chica, incluyendo la famosa historia de la vida real de “Pedro e Inés”, estrenada en 2005 y transmitida por la Radio y Televisión Portuguesa (RTP). 

Durante el encuentro virtual previsto para el viernes 11 de junio, a las 5:00 pm, el especialista Moita Flores enamorará al público con los sucesos claves de la pasión protagonizada por un príncipe del siglo XIV y su amada, quienes no pudieron vivir felices para siempre.

La de Don Pedro e Inés de Castro representa un hito dentro de la historia de Portugal donde se mezclan el amor, la traición y la política. Es tan así, que “en la obra de “Los Lusiadas”, de Camões, él gran poeta “dedica algunos versos a este caso amoroso que involucró a un príncipe portugués, después rey de Portugal, y a una dama gallega de nombre Inés de Castro. Los dos amantes tendrían sus razones para amarse, pero el rey Alfonso IV de Portugal tendría las suyas para contrariar a la pareja, que según los cronistas de la época ponía en riesgo la integridad de la corona portuguesa y la sucesión legítima en el trono. Como sea, debe haber sido un dilema, un dolor de cabeza para los involucrados”, advierte Rainer Sousa.  Para unirse a este encuentro virtual haga clic en el enlace: https://zoom.us/j/96674994191?pwd=c3VqaGpaTGtnMkNtQXN2bVlWbloydz09 | ID de reunión: 966 7499 4191 | Código de acceso: 358651

DE LAS PÁGINAS DE LA HISTORIA AL TEATRO

La historia de amor truncado por razones de Estado que narrará Francisco Moita Flores, será una suerte de antesala al estreno de la pieza teatral de “Pedro e Inés” que se estrenará el sábado 12 de junio, a las 7:00 pm, con la producción de las agrupaciones venezolanas Fundación Asklepión y La Máquina Teatro.

La pieza escrita y dirigida por Elizabeth Yrausquín de Postalian se filmó en la sala de teatro de la Asociación Cultural Humboldt, de Caracas, con las actuaciones de Tomás Vivas como  Pedro, Silvia De Abreu en el rol de Inés, Anakarina Fajardo en el de Alcmena y el primer actor Gerardo Soto encarnando al Rey Alfonso IV de Portugal.

La ficha artística se completa con las interpretaciones de Brixio BellEdisson SpinettiMarilyn ViloriaAarón Cabrera y la participación especial de Ignacio Serrano

La dirección audiovisual y el montaje es de José Tomás Angola; con la producción asociada de Carlos Silva; la dirección de arte y el vestuario de Elizabeth Yrausquín de Postalian; la iluminación de Manuel Troconis; el manejo de cámaras y la postproducción de Jesús Ramírez y el audio general de Tomás Vivas.

La obra cuenta con música original de Aarón Cabrera y Martín Figueroa, con letras de Yrausquín de Postalian y con la ingeniería de sonido de Aarón Cabrera y de A Tempo Record’s. Inscríbase para disfrutar de este estreno mundial haciendo clic en el enlace: https://zoom.us/meeting/register/tJYscuGqrjosHty37BvZqoOTP-cADJzU4dgs

“De Amália para Venezuela”

La Semana de Portugal 2021 finalizará el domingo 13 de junio, a las 7:00 pm, con la transmisión del concierto “De Amália para Venezuela”, en el que se interpretarán los fados popularizados por la célebre cantante. En esta ocasión, Inês Graça, quien ha cultivado una carrera por dos décadas como fadista, interpretará más de una docena de canciones para embriagar al público de nostalgia y sentimiento. 

La cantante portuguesa entonará temas como “Ai Maria”, “Fado Xuxu”, “Lisboa antiga”, “Povo que lavas no rio”, “Estranha forma de vida”, “Barco negro”, “Lágrima”, “Coimbra”, entre otros que se podrán escuchar durante la velada. 

La historia de Amália y de Portugal contada en las canciones que inmortalizó, y con la voz de Inês Graça, serán un obsequio para los venezolanos, quienes disfrutarán de estas melodías y de los talentos de André Dias en la guitarra portuguesa, Flávio Cardoso con su viola, el bajista Ni Ferreirinha y Ricardo Dias en el acordeón.  Inscríbase para la transmisión del concierto a través de la plataforma Zoom haciendo clic en el enlace: https://zoom.us/meeting/register/tJEudO-ppzIuHNLY-4ktr9_k_YcvH-AG0Wrn 

Todas las actividades por la celebración del Día de Portugal, de Camões y de las Comunidades Portuguesas se transmitirán a través de la plataforma Zoom y se retransmitirán en simultáneo en el canal de YouTube: Coordenação de Ensino Português no Estrangeiro Vzla y Correio Da Venezuela; Facebook: cepe.vzla, Correio da Venezuela; Twitter: @CepeVzla e Instagram: @cepe.vzla.

Dos cortos venezolanos triunfan en el
Do Ut Des Film Festival de la Toscana italiana

Caracas.- Dos producciones cinematográficas nacionales han elevado el reconocimiento internacional del cine venezolano al conquistar premios en el Do Ut Des Film Festival, celebrado entre marzo y mayo, en la región Toscana, Italia. Los audiovisuales Me llamaban Pietro, del director Pedro Mercado y el cortometraje de ficción Trámite de Admisión, de Tullio Cavalli y Abraham Tovar, se impusieron en la sección Remix Culture, siendo galardonados como Mejor Cortometraje y con el Premio Viaje a Italia (Trip to Italy Award), respectivamente. 

Ambas producciones se estrenaron en diciembre pasado, cuando sorprendieron al jurado y obtuvieron los primeros lugares del concurso audiovisual “Fare Cinema, El inmigrante italiano”, organizado por la Embajada de Italia en Venezuela y el Instituto Italiano de Cultura de Caracas (IIC), con el patrocinio del InterComItEs Venezuela, la Cámara de Comercio Venezolano – Italiana (Cavenit), la Società Dante Alighieri y el Trasnocho Cultural.

En el Do Ut Des Film Festival, la obra de Pedro Mercado ganó en la sección Remix Culture: Italia-Venezuela, dedicada precisamente al intercambio cultural entre directores sobre el país latinoamericano. En esta ocasión, el jurado valoró del audiovisual “la originalidad del tono, la brillantez de la historia y la fluidez del ritmo; además de la capacidad de reflejar con autenticidad el ambiente acogedor que el pueblo venezolano ha reservado a los italianos a lo largo de los años y la perfecta integración entre los dos pueblos”. 

Según el veredicto, “el corto narra, de manera no trivial, la infancia en un país que siempre ha sido multicultural, pero que desde hace algunos años corre el riesgo de desaparecer en su esencia más verdadera y genuina”.

El director Pedro Mercado cree que “el público agradece la honestidad y sencillez” de Me llamaban Pietro, por contar una historia “muy íntima que termina teniendo una carga nostálgica importante. Es un trabajo que no tiene ninguna pretensión estética, ni narrativa, ni política. Soy solo yo, recordando mi infancia y lo feliz que era rodeado de la comunidad de inmigrantes, en su mayoría italianos, en contraste con mi vida actual, en una sociedad y un país que ha cambiado, sumado además a una pandemia”.

Mercado estuvo a cargo del guión, la producción, la dirección, la cámara y la edición del documental. En la mezcla de sonido y el diseño de la banda sonora contó con la colaboración de Antonio Garrido, y la música original de Caribano. 

TRÁMITE DE ADMISIÓN

El jurado del festival también decidió premiar el corto de ficción realizado por Tullio Cavalli y Abraham Tovar, titulado Trámite de Admisión, con el Trip to Italy Award por su  capacidad “de transmitir de manera simple y directa, ese sentimiento mixto de nostalgia y dignidad típico de los hijos de inmigrantes, cuya identidad se encuentra eternamente dividida entre las raíces del pasado y la convivencia con el presente, siendo en este caso todavía más complejo a causa de un dramático e hipotético escenario político que no pareciera tan lejano de la actualidad de muchos países de Suramérica”.

De acuerdo con Tullio Cavalli, “el rechazo y la marginación del individuo, eso que vemos en Trámite de Admisión, podría ocurrirle a cualquiera y la nostalgia que se describe es un terrible sobrepeso en la carga de cualquier ser humano que tenga que abandonar su país por razones de fuerza mayor”.

Este corto presenta una visión “retrofuturista”, en un hipotético escenario de conflicto, desde la perspectiva de dos hombres abatidos que repasan los valores originarios de la italianidad en tiempos difíciles y están amenazados por un presente a punto de desaparecer, señala la sinopsis.

El audiovisual se destaca por las actuaciones de Rolando Padilla, Antonio Delli y Marcos Moreno, bajo la producción de Tullio Cavalli y Abraham Tovar, la dirección de fotografía y posproducción de Abraham Tovar, y la música de Giorgio Santorsola.

Sobre los reconocimientos que ha recibido esta obra, Cavalli sostiene que son el resultado del trabajo sostenido en el tiempo que ha desarrollado en la escena artística y que ha hecho sin la pretensión de alcanzar el éxito. “Aunque sí confieso que cuando emprendo un proyecto lo hago enfocándome en la posibilidad de alcanzarlo”, acotó.

Por haber ganado en la sección Remix Culture del Do Ut Des Film Festival, los cortometrajes venezolanos serán distribuidos por todo el territorio italiano durante un año. Asimismo, el documental Me llamaban Prieto y el corto Trámite de Admisión continuarán los próximos meses su recorrido en otras muestras cinematográficas. Por lo pronto, ambas producciones estarán en el mes de julio en el Festival de Cine Venezolano. 

Para disfrutar de estos audiovisuales, las personas interesadas pueden conectarse al canal de YouTube del Istituto Italiano di Cultura di Caracas, donde están disponibles todos los cortos que resultaron ganadores en la primera edición de “Fare Cinema”. 

Visite: Istituto Italiano di Cultura di Caracas

En Cerquone Gallery Madrid

El artista venezolano Paul Amundarain expone su obra reciente en España

Una selección de obras de reciente creación, del artista venezolano Paul Amundarain, integran la exposición “Jungle Man”, que será inaugurada en España el sábado 12 de junio de 2021 a las 10:00 am, en los espacios de Cerquone Gallery Madrid, bajo la curaduría del crítico de arte español Jordi Pallarès.

Con una trayectoria de más de diez años en las artes visuales, el artista y arquitecto Paul Amundarain presenta en esta oportunidad “Un volver a los orígenes desde el presente vivido. Una exploración. Un barrer desde cierta perspectiva, sin ignorar esas pequeñas cosas que continuamos llevando en nuestra mochila. Eso que nos define en esencia y nos conecta con nuestro origen”, según expresa el curador Jordi Pallarès en el texto que acompaña la muestra.

En palabras del curador, la obra de Paul Amundarain se presenta, más que nunca, expandida en una escenografía que va de lo plano a lo más tangible. “Representaciones ricas y sorprendentes que construyen y reconstruyen desde lo pictórico en base a múltiples registros. Objetos y formas encriptados que revelan quiénes somos y muestran nuestra fragilidad de un modo perversamente estético. Interiores. El alma de muchas cosas. Un viaje en el que Paul Amundarain acepta la vida como un constante cambio, como una búsqueda de movimiento en la que el artista juega un determinado rol con respecto a lo que ve a su alrededor. ¿Acaso la abstracción no es un proceso de necesaria ficción llevado al último extremo?”

Nacido en Caracas en 1985, Paul Amundarain ha desarrollado su propuesta artística entre las ciudades de Caracas, Maracaibo y Miami. En su obra explora las dimensiones económicas, sociales, culturales y políticas que han desarrollado una serie de consecuencias y han condicionado la actualidad y sus paisajes urbanos y sociológicos. Ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales en Estados Unidos y Venezuela.  

La exposición individual “Jungle Man”, del artista venezolano Paul Amundarain se estará presentando desde el 12 de junio hasta mediados de octubre de 2021, en Cerquone Gallery Madrid, calle López de Hoyos 64, Madrid, España. El horario es de lunes a viernes de 11:00 a 19:00 hrs, sábados y domingos previa cita. Para más información: cerquoneprojects@gmail.com / + 34 665038844. 

Cerquone Gallery es una galería comprometida con la difusión, investigación y generación de nuevos diálogos, que se estructura en torno al arte contemporáneo y sus diferentes manifestaciones. Con dos sedes, una en Caracas (Venezuela) y otra en Madrid (España), Cerquone Gallery cuenta con un equipo de jóvenes profesionales interesado por la generación de propuestas innovadoras, y apuesta por el desarrollo de un discurso cuidado y coherente que busca generar vínculos y tender puentes entre Venezuela y España.

OJAY RETOMA SU CARRERA MUSICAL CON “SE ESFUMÓ”

Luego de tres años alejado de los escenarios y radicado en Estados Unidos, este venezolano nacido en el Edo. Guárico, vuelve con más fuerza que nunca junto a un gran equipo liderado por el productor Jhon Paul “El Increíble”.

Omar Pulido, conocido artísticamente como Ojay es un cantautor que lleva desde 2008 dedicado a la música en Venezuela, participó en la agrupación “Calle Ciega” y luego tomó su rumbo como solista. Hoy desde Miami, ciudad donde radica hace más de tres años, retoma su carrera con el tema “Se esfumó”, de su autoría y el cual fue producido por otro gran talento nacional Jhon Paul “El Increíble” con quien está grabando su disco, que estará listo para finales de este 2021 y pudo adelantarnos que será netamente urbano y contará con 10 temas que, en su mayoría, han sido escritos por él.

Dentro de su concepto urbano, este promocional viene abrirle nuevamente las puertas a la promoción digital y radial tanto en Venezuela como en Estados Unidos. Ojay cuenta actualmente con un equipo que respalda todo el trabajo musical por lo que su éxito está decretado.

El video de “Se Esfumó” estuvo bajo la dirección del cubano Alex Lay quien integró la esencia del artista y la canción en un par de performances bien urbanos acompañados de una modelo. 

“Este trabajo podrá ser disfrutado en mi canal de YouTube y espero que sea del agrado de todos, ya que fue hecho con muchísimo cariño y empeño”, agregó Ojay.

El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales y en Venezuela, puede solicitarse desde ya en las emisoras y circuitos radiales del país. El artista estará vía Zoom con algunos medios para dar a conocer todo lo que trae esta nueva etapa de Ojay que llegó para quedarse.

Un poco del artista…

Omar José Pulido Vicari, conocido como Ojay, es un cantautor venezolano quien a los 9 años de edad empieza su vida musical cuando sus primeras clases de teoría y solfeo de manos de “los niños cantores de Villa de Cura” en el estado Aragua, escuelas que están en las principales ciudades de Venezuela y han formado niños y jóvenes no solo en la parte académica sino también, artística que, han viajado por el mundo haciéndose de premios importantes en la escena musical a nivel de concursos Inter escolares en el escenario mundial.

Ojay estuvo desde los 9 hasta los 15 años estudiando música pero, soñando con ser futbolista, sin embargo, por causalidades de la vida, en 2008 y para celebrar el cumpleaños de una amiga, Ojay organiza junto a sus amigos llevarle como regalo de 15 a la chica un show musical para su fiesta. Gracias a esto, y sin darse cuenta, se desarrolló un grupo al que bautizaron “revelación”

En el año 2011, Ojay tiene la oportunidad de entrar a las filas de la agrupación “Calle Ciega”, grupo con gran trayectoria nacional e internacional del cual han salido artistas de la talla de Chyno y Nacho. Junto a calle ciega Ojay puede seguir creciendo como artista, además, de viajar por el país, también se hicieron de varios premios entre ellos; “Mara de Oro”, “Mara internacional”, entre otros.

Ojay emigra hacia los Estados Unidos, radicándose en la ciudad de Miami Florida, donde luego de algunos tropiezos hoy, está iniciando su carrera como solista independiente y junto a productores de la talla de Jhon Paul el increíble.

El disco 100% urbano, ya tiene su primer single que se lanzará al mercado en el mes de mayo y el tema lleva por nombre: “Se esfumó” escrito por Ojay, y, para finales de este 2021 será el lanzamiento su primera producción como solista; contará con 10 temas que prometen adueñarse de la vida nocturna de la ciudad del sol.

LA PIEZA TEATRAL «PEDRO E INÉS» YA ESTÁ DISPONIBLE EN YOUTUBE

Desde el pasado 12 de junio, a través de los canales de YouTube de Correio da Venezuela y de Coordenação de Ensino Português no Estrangeiro Venezuela, la audiencia internacional puede concocer la leyenda de la bella y trágica historia de amor entre Pedro I de Portugal e Inés de Castro, ocurrida en el siglo XIV de nuestra era, y entretejida en escena con la promoción y el auspicio de la Embajada de Portugal en Venezuela, la coproducción ejecutiva de la Fundación Asklepión y La Máquina Teatro, y el patrocinio de Supermercados Gama.

Inés de Castro, no siendo de sangre real y apenas una niña, llega a la corte de Portugal como dama de compañía de doña Constanza, esposa del príncipe Pedro. Al conocerse, Pedro e Inés se enamoran hasta la perdición; pero es solo luego de la muerte de doña Constanza que estos deciden amancebarse, para después casarse. El rey Alfonso IV, padre de Pedro, influenciado por la intriga, la calumnia y el odio de sus consejeros, voces y oídos del pueblo portugués, encabeza el más cruel y terrible asesinato que se haya podido cometer sobre una mujer inocente y madre de tres niños.
Filmada en la sala de teatro de la Asociación Cultural Humboldt, “Pedro e Inés” cuenta con las actuaciones deTomás Vivas – Pedro –, Silvia De Abreu – Inés –, Anakarina Fajardo – Alcmena –, Brixio Bell – Pero Coello –, Edisson Spinetti – Álvaro Goncalves –, Marilyn Viloria – Trovadora –, Aarón Cabrera – Celador –, la participación especial de Ignacio Serrano – Diogo Lopes – y la interpretación del primer actor Gerardo Soto, encarnando al Rey Alfonso IV de Portugal.
Escrita por Elizabeth Yrausquín de Postalian
, el montaje, contemplado dentro de la programación especial por la celebración del Día de Portugal, invita a una importante reflexión acerca de temas que corresponden a cuestiones sociales, políticas y morales aparentemente propias del medioevo, en este caso, en el reino de Portugal del siglo XIV, donde el Rey es considerado representante directo de Dios con poderes absolutos en la Tierra. Sin embargo, los problemas fundamentales presentados en el montaje tienen vigencia en la contemporaneidad: los derechos humanos en general y, dentro de estos, los femeninos; así como el ejercicio del poder absoluto y arbitrario.

Galería ABRA presenta exposición de Luis Villamizar en la quinta edición de su programa ArchivoAbierto

El sábado 26 de junio de 2021, la galería ABRA inaugurará a las 11 de la mañana la quinta exposición de su programa ArchivoAbierto, en el galpón 9 del Centro de Arte Los Galpones, con una muestra individual del artista venezolano Luis Villamizar, que reúne un conjunto de obras, registros y material documental procedente de su acervo personal. 

Bajo el título “ArchivoAbierto Luis Villamizar”, la muestra está integrada por una selección de piezas, artículos de prensa, fotografías, documentos y objetos, que dan cuenta de algunas de las inquietudes creativas de Villamizar, desde mediados de los años 70 hasta comienzos de los años 80. 

“Con la exhibición de un material de esta naturaleza, el programa ArchivoAbierto apuesta por un ejercicio de valoración ampliada en el que se pongan de manifiesto no sólo su fragilidad y fortaleza, sino la multiplicidad de interpretaciones implícitas en los archivos de artistas. De igual modo, permite señalar la significación de este corpus en el tiempo, bien sea dentro de la trayectoria de cada uno o en el marco de la historia del arte nacional, al hacer visibles las metodologías de investigación y producción de los creadores contemporáneos. Además, la exposición de un archivo en proceso revela la perentoria necesidad de contribuir con la memoria del arte venezolano, a menudo tan desatendida”, afirma el equipo curatorial de la galería ABRA.

En palabras de los curadores, el trabajo de Luis Villamizar es quizás el menos conocido y estudiado de los artistas “no convencionales” de los años 70 y 80 en Venezuela, entre los que se encuentran Claudio Perna, Roberto Obregón, Carlos Zerpa, Yeni y Nan, Diego Risquez y Pedro Terán. A todos ellos los unió un espíritu de libertad y cambio que, para ese momento rompió con lo que venía sucediendo en el arte venezolano; los aires libertarios de finales de los 60 indudablemente tuvieron una gran influencia sobre ellos. 

“Luis Villamizar subraya en sus trabajos lo inaprehensible de la vida, el poder dramático de la naturaleza y su fragilidad, al tiempo que reflexiona sobre la existencia conflictiva del ser humano y su papel en el universo. Su trabajo incursiona, de manera pionera en el país, en procesos vinculados a la ecología y lo conceptual a través de intervenciones en el paisaje, relacionando la naturaleza con la ciencia y el arte, como es el caso de la emblemática serie de fotografías Guías perdidas (1976), donde miles de registros de nombres y números telefónicos son devorados en un panorama apocalíptico y premonitorio por las arenas del paisaje inestable y cambiante de los médanos de Coro”.

Según explica el equipo curatorial, la fotografía, así como la fotocopia utilizada como una cámara que registra directamente alguna acción o gesto, guían el recorrido de esta exposición a lo largo de una serie de trabajos realizados entre 1974 y 1982, en los que Villamizar se apropia tanto de escenarios naturales como urbanos -paredes, edificios, centros comerciales, paisajes, espacios marginales de la ciudad, calles y bulevares- para desarrollar y expandir lo que él considera el campo del arte y la manera en que es percibido.

Con esta exposición,  ABRA y su programa ArchivoAbierto continúan en su propósito de impulsar el resguardo, la valoración y el estudio de archivos de arte contemporáneo venezolano. Cabe destacar que en esta oportunidad, se ha contado con la colaboración del proyecto Silva Zarins.

“ArchivoAbierto Luis Villamizar” se estará exhibiendo durante las semanas de flexibilización, a partir del 26 de junio de 2021 en el galpón 9 de la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de miércoles a domingo de 11:00 am a 4:00 pm. Cabe destacar que se seguirán todas las normas de bioseguridad.

Mayor información puede ser solicitada a través de abracaracas@gmail.com, así como por www.facebook.com/abracaracas en Facebook o @abracaracas en Twitter e Instagram. Teléfono 0414-2553552

Luis Villamizar [Maracay, 1947]

Artista visual venezolano. Realizó estudios de arte en el Miami Dade Community College (1968), de mercadeo y publicidad en la Florida Atlantic University (1969), comunicación y medios publicitarios en el Instituto Universitario de Mercadotecnia (1972) y en la School of Visual Art (1981). Ha estado activo en la escena artística nacional desde la década de 1970, formó parte del núcleo de artistas que desarrolla experiencias de carácter efímero y procesual con énfasis en el planteamiento conceptual de la obra, por medio de acciones, intervenciones, fotografías, video e instalaciones. Ha presentado su trabajo de forma individual en la Fundación Sala Mendoza (1978), Galería Sotavento (1992), Galería Blasini (1993 y 1996), Galería Maison S. Fisher Menerbe en Francia (2001), Galería 39 (2001) y en El Anexo/Arte Contemporáneo (2016). También ha participado en exposiciones colectivas en Estados Unidos, Francia, Argentina, Italia, Ecuador, Jordania y Venezuela. Su trabajo fue reconocido en varias ocasiones: Premio Antonio Edmundo Monsanto Salón Arturo Michelena (Valencia, 2007); Premio Juan Lovera Salón Arturo Michelena (Valencia, 1994); Premio Arte Efímero III Bienal de Artes Visuales de Guayana (Edo. Bolívar, 1992); Primer premio Salón de Jóvenes Artistas. Mención (Arte no convencional). Museo de Arte Contemporáneo (Caracas). Beca Gran Mariscal de Ayacucho (1981). Además, su obra forma parte de numerosas instituciones oficiales y colecciones privadas a nivel nacional e internacional.

Los Beats Del Dj Jonathan Rangel harán Vibrar el Motion Fest 

El dj Jonathan Rangel, luego de una exitosa gira de eventos por Venezuela, participará por primera vez en los escenarios del Motion Fest edición “El Origen”, el cual se celebrará en la ciudad de Cartagena de Indias, Colombia, del 17 al 20 de julio. Donde nuestro tricolor tendrá representación en el tan renombrado festival con este talentoso joven, quien estará junto a otros 11 artistas.

Este importante show será invadido por la música y la energía de Jonathan Rangel, el primer dj venezolano que incursiona en el género musical del Circuit, quien tendría el privilegio de poner a bailar a la audiencia en el Motion Fest edición “El Origen”, uno de los festivales más prestigiosos de la escena musical electrónica, el cual se realiza desde hace 5 años en Colombia.

 Motion Fest se caracteriza por reunir a los mejores DJ’s de la música electrónica en el país neogranadino y a nivel internacional; la edición de este año se titula “El Origen”. El público asistente al evento podrá disfrutar de un show cargado de mucha vanguardia e innovación, siguiendo las normas para la prevención y protección contra el Covid-19.

El exclusivo line up de dj´s internacionales que estarán sonando en este festival serán: Aron, Nat Valverde, Juan Manuel, Leo Blanco, Allan Natal, Sodu, Miss RC, Danny Lebron, Charlie Vazz, Cesar Giraldo, Omar Segura y el talentoso Jonathan Rangel, quien también pondrá a mover los cuerpos de los asistentes al evento con su buena música.

Rangel aseguró sentirse feliz por participar en este gran show, agradeció a los organizadores del evento por la oportunidad en sus redes sociales. Así también comentó que llevará lo mejor de su música, para hacer vibrar a todo el público con cada una de sus presentaciones en tarima.

Las entradas para Motion Fest edición “El Origen”, podrán ser adquiridas a través de @motionfestcolombia en Instagram y en el sitio web oficial del evento http://www.motionfestivalcolombia.com.

Para conocer más acerca del dj Jonathan Rangel, pueden seguirlo en sus redes sociales como: @jonathanrangeldj.

Elisa Rego ofrecerá concierto vía streaming

La cantante venezolana interpretará sus éxitos en el espectáculo “Cosas del corazón” que realizará online el 18 de julio desde Miami  y tendrá como invitados especiales a Frank Quintero, Pedro Castillo, Fernando Osorio y a Diveana

En  el  marco  de  la  celebración  de  sus  33 años de carrera profesional, Elisa Rego estrenó recientemente “Cosas del corazón”, tema que ocupó el primer lugar de la cartelera radial del Record Report en Venezuela.

“Cosas del corazón” es el nombre del concierto vía streaming que ofrecerá la cantante  desde Live Box Studios en Miami,  el domingo 18 de julio a las 7:00 p.m. (hora Venezuela).

El espectáculo vía streaming, -de gran nivel musical, artístico y técnico-, se podrá disfrutar desde la comodidad del hogar y desde cualquier lugar del mundo. La artista interpretará su repertorio de éxitos, que incluye ‘Abismo de corazón’, ‘Selva’, ‘Blanco y negro’, ‘Libre de ti’ y su emblemática versión de ‘Aire’ de la agrupación Mecano, canción con la que realizó su audición para Sonográfica.  

“Estoy muy emocionada de poder reencontrarme con esos venezolanos que están por todo el mundo, que extrañan nuestro país y con todos esos que han vivido mis canciones. Este concierto está dedicado a todos ellos. Estamos preparando grandes sorpresas, incluso un homenaje a otros artistas; pero todo muy bien cuidado y teniendo en cuenta las herramientas tecnológicas para brindarles un espectáculo de altura”, señala la artista, considerada una de las intérpretes femeninas más importantes de la movida pop venezolana.

La banda será dirigida por el maestro Willie Croes, quien además estará en los teclados, Hugo Fuguet en la guitarra, Ricardo Bigai en el bajo, Adolfo Herrera en la batería, Luis García en la percusión y coros, Julio Andrade en el saxo y Andreína Peralta en los coros. La producción general del evento es de Mónica Guerrero.

Los accesos para el concierto “Cosas del corazón” están disponibles en ticketplate.com . Las entradas generales tienen un costo de 9,99  $ y las VIP de 29,99 $. Pueden cancelarse con cualquier moneda y el espectáculo estará disponible durante 48 horas.  https://bit.ly/2RQ77jx

Con la entrada VIP el público tendrá la posibilidad de disfrutar un segmento del espectáculo en el que Elisa Rego comparte el escenario con artistas de la talla de Frank Quintero, Pedro Castillo, Diveana y Fernando Osorio.

“Como artista me gusta experimentar y arriesgarme en distintas propuestas musicales. Originalmente ‘Cosas del corazón’ es un bolero-pop, con elementos electrónicos”, señala la cantante

“Cosas del corazón” es de Santiago Larramendi y Fernando Osorio. Este tema y toda la discografía de Elisa Rego están disponibles en http://www.elisarego.com. La artista mantiene contacto con sus seguidores a través de @elisaregomusic en todas sus redes sociales.

DISCOGRAFÍA DE ELISA REGO

1988. Elisa Rego. (‘Libre de ti’, ‘Blanco y negro’, ‘Selva’, ‘Como tú’).

1991. Vale la pena. (‘Mamá no me deja’, ‘Esta vez’, ‘Tratando’).

1995. De amor y deseo. (‘Abismo de corazón’, ‘Como a mí’, ‘Quiero estar contigo’ (a dúo con Pedro Castillo), ‘Se derritió mi soledad’).

2005. Temperamental.  (‘Aire’, ‘Amándote’, ‘Baila conmigo’, ‘Selva )

2009. Rockola. (‘Nuestro juramento’, ‘Tú sabes’, ‘La gata bajo la lluvia’).

Se presenta «Los gozos del sueño» de María Antonieta Flores editado por Oscar Todtmann editores

Con palabras a cargo de las voces reconocidas del poeta Rodolfo Häsler y del escritor y crítico literario Miguel Gomes y la lectura  de una selección de poemas por parte de la autora, se realizará el evento de presentación de «los gozos del sueño»

Los poemas de «los gozos del sueño» parecieran brotar de los fuegos de un universo personal deslumbrado. El libro en sí mismo es un ritual poético, trasciende a un sino ––suerte de espiritualidad––, encarnado en la certidumbre de lo vívido y lo vivido desde lo íntimo y el afuera de la historia personal, donde, sin embargo, habita la esperanza, la fe, el coraje. El poemario es la forma mejor lograda de su propia expiación. Porque, como dice su autora: «Todo se entrega al fuego que transforma y ese lugar alquímico donde todo ocurre es el sueño. Allí llegan los muertos y te saludan o se te quedan mirando a través del humo de las candelas. Armar el sentido es el camino. Encontrar un fuego que sólo se revela al final. La blancura de la ceniza: la promesa del retorno del fuego. La vida. La alegría.» Aquí, el sueño no es una evasión ni una idealización, es una vía para interpretar la realidad. El libro está estructurado en tres partes. La primera se titula «en la ceniza»; la tercera, «como las candelas» y la segunda, constituida por un solo poema titulado «los gozos del sueño» y que le da título al libro, actúa como una bisagra entre las otras dos partes. 

Poemas cruzados por las certezas de las palabras que acompañan la contratapa del poemario, dichas por el escritor Rodolfo Häsler: «El lector que se disponga a leer este libro de María Antonieta Flores, titulado «los gozos del sueño» se sorprenderá primero por la perfección del verso, por su fuerza evocativa que permite entrar en un universo personal decantado y hondo, y por el depurado trabajo con el lenguaje que obliga a las palabras a brillar, y descubrir así múltiples sentidos en su delgadez. Siendo reconocible su estilo dentro de una ya dilatada obra, en esta ocasión la poeta insiste en el despojamiento y en un sutil humor donde todo se salva: el misterio de coser, dar puntadas para a modo de una cata ir conociendo, ir profundizando y así en los hilvanes van quedando mariposas. La belleza, a menudo tan denostada, es en este libro categoría fundacional, su limpio discurrir nos limpia como partícipes, pues se trata de una belleza imposible de poseer, pero sí para vivir en ella, el refugio. Hay «tres varas de sándalo, una amenaza cruza las horas», para al leer salvarnos».

«Los gozos del sueño» de María Antonieta Flores es el trigésimo primer libro de la  colección OT Poesía, bajo el cuidado de la editora y periodista Luna Benítez, la coordinación editorial de la poeta y periodista Kira Kariakin y la difusión en medios y redes de la periodista y diseñadora María Verónica Marcano. El diseño corresponde a Carsten Todtmann y Pascual Estrada y rinde homenaje al diseñador gráfico Emil Ludwing Weiß creador de la imagen de los libros Insel Bücherei. La fotografía de la portada, realizada por Carsten Todtmann, es una obra de la ceramista venezolana Reina Herrera, las palabras que acompañan la contratapa del poemario, son del poeta Rodolfo Häsler.

«Los gozos del sueño» de la poeta María Antonieta Flores puede ser adquirido en Amazon.com como libro impreso bajo demanda y en formato Kindle en el enlace: 

María Antonieta Flores. (Caracas, 1960). 

Poeta, escritora, editora, profesora universitaria jubilada. Magister en Literatura Latinoamericana. Ha publicado los poemarios: El señor de la muralla (1991), Canto de Cacería (1995. Premio de Poesía de la I Bienal de Literatura Municipal “Augusto Padrón” 1994), Presente que no en ausencias (1995), Agar (1996), criba de abril (1998), Los trabajos interminables (1998. Mención Premio Municipal de Literatura 1999), índigo (2001. Premio Único del Primer Concurso Transgenérico de la Fundación para la Cultura Urbana), limaduras (2005), la voz de mis hermanas (2005, 2021), regresaba a las injurias (2009), madera de orilla (2013), temples (2014), deletérea (2015), las conductas discretas (Bogotá, 2020). Con Oscar Todtmann editores publica su más reciente poemario los gozos del

sueño en 2021. En ensayo, obtuvo el Premio Municipal de Literatura “Rafael Angel Insausti” mención Ensayo 1996 (Barinas) con Sophia y Mythos de la pasión amorosa  editado en 1997 y ganó el Premio de la Mención Ensayo Literario de la IV Bienal de Literatura Mariano Picón Salas 1997 con Espiral sonora. Lectura de Ida Gramcko. Autora del monólogo Como una mariposa, estrenado en 2018. Recibió el Honor prizes (for complete work) Naji Naaman’s Literary Prizes 2016, otorgado por la Naji Naaman’s Foundation for Gratis Culture, de Líbano, por su trayectoria completa. Su poesía ha sido traducida al inglés, italiano, alemán, francés, portugués, rumano. Ha sido, también, incluida en más de veinte antologías nacionales e internacionales, entre ellas, Rasgos comunes. Antología de la poesía venezolana del siglo XX (Pre-Textos, 2019). Ha participado como poeta invitada en distintos festivales y encuentros internacionales en Colombia, Brasil, Argentina, México, Rumania, Austria, Costa Rica, Nicaragua, Panamá, Perú. Es la editora y fundadora de la revista de poesía digital el cautivo, http:// elcautivo.net/, creada en 2004.  @epifitas

Ballet de la Mar presentará Gala Pura Danza 2021

(Desirée Depablos/4.762) Este viernes 2 de julio a las 6:00 pm, Ballet de la Mar presentará en el Anfiteatro Los Robles, la Gala Pura Danza 2021. Así lo dio a conocer Martha Ildiko, directora de Ballet de la Mar, al agregar que el evento se realizará para que representantes, familiares y amigos de los competidores vean el trabajo que llevarán a la competencia Pura Danza Internacional, que este año celebra su  segunda edición virtual.

 “Iremos a defender nuestro título y contamos con la  participación de unos 30 bailarines y bailarinas que van a competir llevando duetos, pas de deux y piezas grupales» , destacó Ildiko

Cabe destacar que en la pasada edición de Pura Danza Internacional, Ballet de la Mar fue la mejor escuela, igualmente Daniel Guzmán fue el ganador absoluto del evento, Kamila Rodríguez ganó el primer lugar de avanzado, Juliana Cuevas ganó el tercer lugar del juvenil y Corina Borjas ganó el segundo lugar de pre infantil. «Ballet de la Mar no ha parado, hemos participado en varios eventos virtuales como Bari Ballet Competition, en la cual Daniel Guzmán alcanzo el tercer lugar y Europe Dance Gran Prix en la cual obtuvo el primer lugar. Este jueves y viernes Daniel Guzmán y Kamila Rodríguez, participarán virtualmente en el Grand Prix de Danza Activa Panamá”, agregó Martha Ildiko.

Finalmente dijo la directora de Ballet de la Mar, que las entradas para la Gala Pura Danza 2021, estarán disponibles en el Conservatorio Alberto Requena, Señaló que el evento se realizará con todas las medidas de bioseguridad con distanciamiento social. 

 Para mayor información y adquisición de las entradas los interesados pueden contactar vía whats app por los números 0295-2670415/  0412-3596072  a través de las redes sociales @balletdelamar en Instagram y Twitter y Fundación Ballet de la Mar en  Facebook

LA ASOCIACIÓN CULTURAL HUMBOLDT PREPARA SU REAPERTURA CON EXPOSICIONES, TEATRO Y MÚSICA

El centro cultural volverá a abrir sus puertas al público este sábado 10 de julio con todas las medidas de bioseguridad, luego de más de un año ofreciendo contenidos artísticos vía web.

El sábado 10 de julio, a las 10:00 A.M., será la inauguración de la exposición «Una paz bien lograda» de la Embajada de Francia en Venezuela (@embafrancia). Esta trata la resolución de conflictos para pensar el camino hacia una paz duradera, exponiendo el camino hacia la reconciliación y la amistad franco-alemana (@alemaniaenvenezuela). Esta exposición didáctica de doce paneles recorre la historia de las relaciones complicadas entre ambos países hacia una mediación pacífica, sólida y duradera que ejemplifica un impulso hacia el porvenir de Europa,  transmitiendo este este valioso legado a las futuras generaciones.

El mismo día, las 11:00 A.M., estrenará la pieza teatral «La Lección de flauta» de Luigi Sciamanna (@luigisciamanna). La obra presenta un viaje emocional intenso basado en la realidad, donde veremos cómo gracias a unas sencillas lecciones de flauta se desarrolla la amistad y el amor entre Friedrich de Prusia, joven Príncipe heredero, y el teniente Johannes Herman von Katte. Ambos fueron capturados y sentenciados a muerte por decapitación bajo la acusación de complotar contra la corona.

A las 4:00 P.M. del 10 de julio, también se podrá disfrutar de un recital en el Marco del 20° aniversario de la Escuela de Música Mozarteum (@mozarteum_caracas) con Arnaldo Pizzolante (@arnaldopizzolante), pianista que nos ofrece un programa dedicado a la música del compositor húngaro Franz Liszt, padre de la escuela pianística moderna y figura fundamental del romanticismo musical europeo. Como pianista, Liszt no tuvo rival en la Europa de su tiempo y como compositor fue un visionario en cuya música podemos encontrar el germen de nuevas tendencias que perduraron hasta bien entrado el S.XX. Su hogar en Weimar fue lugar de peregrinación para muchos de los futuros grandes compositores de su época, quienes encontraron en él un amigo y mentor. Después de toda una vida de grandes conquistas, tanto en los escenarios como en el amor, en su vejez se hizo abate. Este repertorio refleja esos dos aspectos opuestos de su personalidad: el irresistible virtuoso y el hombre místico de profundas convicciones religiosas.

Por su parte, el domingo 11 de julio, a las 11:00 A.M., será la segunda función de «La lección de flauta», cuyas siguientes presentaciones serán los días 24 y 25 de julio, y 7 y 8 de agosto.

Las entradas para los eventos de la reapertura pueden ser adquiridas por la taquilla o escribiendo al correo asohumboldt@gmail.com. 

Más información en las redes sociales @asohumboldt en Instagram y Twitter, y @asohumboldtcaracas en Facebook.

EL CENTRO VENEZOLANO AMERICANO CELEBRA 80 AÑOS AVANZANDO CON UN NORTE COMÚN

Desde su fundación en 1941, el CVA ha trabajado en beneficio de la educación y el intercambio cultural contribuyendo con el desarrollo del país.

Con 80 años como centro cultural binacional, el Centro Venezolano Americano, fundado por Margot Boulton de Bottome, continúa enriqueciendo y difundiendo la cultura a través de expresiones literarias, musicales, teatrales y del arte en general, mientras promueve la amistad entre Venezuela y los EE.UU., así como la enseñanza de los idiomas inglés y español.

Como asociación civil sin fines de lucro, comprometida con la convivencia y la responsabilidad social, ha formado a miles de personas durante generaciones, brindando un programa de becas que ha beneficiado a más de 25.000 jóvenes estudiantes de escasos recursos, con la oportunidad de tener una segunda lengua que les abra las puertas al mundo entero y contribuyendo con la movilidad social.

Freddy Malpica, presidente de la Junta Directiva del CVA, expresa: “Uno de los rasgos distintivos nuestros ha sido la movilidad social. Nos hemos ocupado de suplir esas herramientas, no solamente el idioma sino el contexto cultural, para que el estudiante pueda desarrollarse en ambientes internacionales y compartir directamente con el idioma lo que son conocimientos y avances, ya que hay que preparar el capital humano del país”.

A pesar de que debido al COVID-19, el CVA no se encuentra realizando actividades presenciales en su sede, desde marzo de 2020 ha impulsado una vibrante programación cultural y educacional en línea, siendo miles los alumnos que avanzan en su formación y en la obtención de sus certificaciones A1, B2 y C1 (MCER) con los programas de inglés como lengua extranjera. 

La programación en línea durante el aniversario incluye, a partir del mes de julio, un ciclo de conferencias sobre la literatura de Estados Unidos a cargo de reconocidos escritores, iniciando con el profesor Mario Morales sobre la obra de Ralph Waldo Emerson; también se impartirá la Cátedra de Dramaturgia Isaac Chocrón, y se dará una intervención virtual de la arquitectura del edificio del CVA en fotografía 360. Además, por el canal de YouTube “CVA Las Mercedes”, ya se puede disfrutar de un micro documental producido por Vale TV, sobre la trayectoria de la institución: https://www.youtube.com/watch?v=YFh6v811CHg

Para más información sobre los eventos del aniversario, puede visitarse @centrovenezolanoamericano en Instagram, y @cvalasmercedes en Twitter y Facebook.

Cerquone Gallery presenta nueva edición  de su proyecto expositivo “4 Cuartos”

Una nueva edición de su proyecto expositivo 4 Cuartos inaugurará Cerquone Gallery el sábado 17 de julio de 2021 a las 11 am, en su sede de Caracas, con una muestra titulada “4 Cuartos. Primeridad” que reúne cinco experiencias instalativas con obras de los artistas venezolanos Víctor Hugo Irazabal, Vasco Szinetar, Samuel Baroni, Ricardo Arispe y Robert Montilla, bajo la curaduría de Humberto Valdivieso, con el apoyo museográfico de Jonathan Lara.

En esta muestra, los artistas han utilizado la fotografía, la apropiación, el collage, la impresión digital 2D y 3D, la escultura y la pintura, han intervenido materiales, reciclado desechos y tejido telas, con la finalidad de expandir el hecho creativo al infinito, obviando conclusiones y fronteras, según explica Humberto Valdivieso en el texto que acompaña la exposición. 

Para Valdivieso “el mundo al interior de la obra es siempre una interpretación en forma de imagen. Por lo tanto, es una crisis de lo conocido, un nuevo comienzo para la experiencia humana, un objeto cotidiano deformado por una idea o una sensación, una ley que cambia y una expansión inconmensurable”.

De acuerdo al curador, la muestra “4 Cuartos. Primeridad” está hecha de espacios donde el arte elude la explicación y estimula la vivencia de lo inmediatamente presente. “De ahí su guiño a la instalación, a formar ambientes. Estos cuatro cuartos ¾que son cinco¾ no exponen objetos colgados para ‘ser vistos’. En ellos la materia plástica e intelectual incita intercambios íntimos con las obras, experimentos con la memoria personal e histórica, y juegos con la estructura de la realidad aparente. Todo esto sin apelar al hecho concreto, la información o las leyes de lo ‘adecuadamente elaborado’. Por eso, en todas las salas predomina cierta atmósfera de sospecha y ambigüedad alrededor de los trabajos”. 

Víctor Hugo Irazabal (Caracas, 1945) posee una importante trayectoria artística de más de cinco décadas durante las cuales ha desarrollado su propuesta artística en torno a la selva amazónica. Su obra ha sido exhibida de manera colectiva e individual en Venezuela, España, Alemania, Ecuador, México, Estados Unidos, Argentina, Brasil, Francia, Cuba y Corea del Sur, entre otros países. Ha sido reconocido con importantes galardones como el Premio Nacional de Artes Plásticas (1999) y Premio Artista Consagrado (2017) otorgado por la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), capítulo Venezuela. Su obra está representada en diversos museos de Venezuela, como el Museo de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo, Galería de Arte Nacional, Museo Alejandro Otero, Museo Jacobo Borges y Fundación Celarg.

Vasco Szinetar (Caracas, 1948) se ha destacado por sus célebres series de fotografías de importantes personalidades de la literatura, las artes y el mundo de la cultura. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales y ha sido galardonado con reconocimientos como el II Premio Nacional de Fotografía Conac (1982), Mención de Honor, Salón Christian Dior, Centro Consolidado, Caracas (1993), Premio Harry Liepins, Salón de Artes Visuales Arturo Michelena, Valencia, Venezuela (1996), y Premio AICA 2013 por las muestras Cuerpo de Exilio / El Ojo en Vilo’, realizadas en La Caja, Fundación Chacao y en la Sala Mendoza.

Samuel Baroni (Cúa, Estado Miranda, 1945) reestructuró su propuesta, la cual suma aproximadamente 200 piezas de pequeño, mediano y gran formato. Esta vez eligió el monocromo para resaltar sus obras, pues según él mismo afirma “está comprobado que la utilización del blanco y negro da como resultado que te detengas a mirar ese cuadro una y otra vez”. Incluye materiales diversos que van desde el uso del carbón y la sal como un elemento muy visible en la muestra, así como también la presencia de la madera y el uso de ramas extraídas de árboles, además Baroni asegura que dejó de ser analógico para convertirse en un ser más digital. “Yo me siento parte de esta transformación digital y siento que, de alguna manera, eso está plasmado en mi propuesta actual”.

Samuel Baroni ha desarrollado su trayectoria artística a lo largo de más cinco décadas, obteniendo importantes reconocimientos como Primer Premio, III Salón Avellán, Ateneo de Caracas (1975), Segundo premio de pintura, X Salón Aragua, Museo de Arte de Maracay (1985), Bolsa de Trabajo Braulio Salazar, XLV Salón Arturo Michelena (1987), Premio Arturo Michelena, XLVI Salón Arturo Michelena (1988), Premio al mejor conjunto internacional, Festival de Cagnes-sur-Mer, Francia (1996), entre otros. Su obra ha sido exhibida en diversas exposiciones realizadas en Venezuela, Estados Unidos, Colombia, Brasil y Ecuador.

Ricardo Arispe (Barquisimeto, 1980) es un fotógrafo que, según sus propias palabras, ha investigado las formas en que nuestra cotidianidad y nuestro entorno político influyen sobre nosotros. Le preocupan la corrupción, escasez, abuso, violencia y el poder en todas su formas, y suele partir o llegar a una imagen, influenciado siempre desde la fotografía, a la cual suma diferentes medios, técnicas y soportes en pro de hacer llegar el mensaje. Inició su carrera expositiva en 2011 y ha sido merecedor del 3er Lugar en el concurso “Métiers du Monde”, Alianza Francesa, Caracas, Venezuela (2012); 3er Lugar XX Salón de Jóvenes con FIA, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, Venezuela (2017) Finalista del Premio Internacional FELIFA 2018, Buenos Aires, Argentina; y fue seleccionado para formar parte del proyecto editorial Nuevo País de la Fotografía (2019), editado por Grupo Artesano y Banesco, Caracas, Venezuela.

Robert Montilla (Portuguesa, 1976) presenta una propuesta a partir de su pasión por la fotografía y las artes plásticas, que según él mismo afirma, “apunta a sensibilizar la mirada hacia una trama urbana desgastada por su condición socioeconómica, encontrando en el material que la resguarda un contenido plástico inédito (…) Considero que el tiempo, la naturaleza y el uso de los Habitantes realizan gran parte del trabajo sobre el material recuperado de las viviendas, dando paso a texturas y colores, que conjuntamente con la reubicación y superposición de las láminas por mi parte se conjugan tramas y sombras, retratando una Sociedad periférica que fraguó con los años al lado de grandes Metrópolis Sudamericanas”.

“4 Cuartos. Primeridad” se estará exhibiendo a partir del 17 de julio de 2021, en los espacios de Cerquone Gallery, ubicada en la avenida San Felipe de La Castellana, quinta 117, Caracas. El horario es de martes a domingos, de 11 am a 5 pm. en semanas de flexibilización, mientras que en las semanas de confinamiento radical será por citas a través del teléfono 0424-6019251

Mayor información puede ser solicitada por www.cerquone.com Facebook: CerquoneProjects e Instagram: @cerquoneprojects

ALEATORIOS 2021

NUEVAS PERSPECTIVAS DEL ARTE CONTEMPORANEO VENEZOLANO

La 5ta edición del proyecto “Aleatorios” curado por Lourdes Peñaranda  & Maria Teresa Govea-Meoz, es presentado por la Fundación Govea-Meoz, del 19 de Julio al 31 de agosto de 2021 en la plataforma digital Vortic, como parte de sus actividades orientadas a impulsar y difundir  el arte contemporáneo venezolano en todo sus ámbitos.

La aleatoriedad está asociada a cualquier proceso imprevisible, por lo que esta V edición de Aleatorios, reúne no solo diversidad de medios y técnicas, sino también de temáticas y reflexiones que se alternan y fluctúan entre las 2 galerías expositivas virtuales. Son 6 los ejes curatoriales que definen la exposición que según las curadoras van desde “nociones de ciencia y su registro, pasando por interpretaciones de la historia y sus rituales, planteando contenidos sobre política y denuncia, así como sobre Inmigración, identidad y reconocimiento, también cuestionamientos sobre la realidad y la ilusión con diferentes perspectivas de la vida cotidiana, hasta aquellas narrativas más abstractas de fragmentos y apropiaciones que evocan sensaciones de goce como manifiestos corpóreos.”

La muestra reúne a un importante grupo de artistas contemporáneos, nacidos e inicialmente formados en Venezuela: Muu Blanco,  Maria Bilbao·Herrera, Mauricio Ceppi, Camila Curiel, Jorge Dominguez Dubuc, Carlos Enriquez Gonzalez, Tutty Garcia, Luis Gómez R., Marithe Govea-Meoz, Juan Henriquez, Jonathan Lara, Yuri Liscano, Maria Veronica Machado, Sabrina Montiel-Soto, Jean Nouel, Lourdes Peñaranda, Isabel Ron-Pedrique, Elena Saraceni,  V+J Valentina Izaguirre & Juan Delcan, Lisu Vega, Ionee Waterhouse Ft. Palmer  & Maia  y Elsy Zavarce. Hoy en día, muchos de ellos conviven desde diferentes escenarios de la cultura mundial: Agrigento, Barcelona, Barranquilla, Berlín, Bruselas, Caracas, Londres, Miami, Madrid, Maracaibo, Milán, Montreal, Nueva York y Los Ángeles. 

La exposición virtual “Aleatorios” 2021, Nuevas perspectivas del arte contemporáneo venezolano, podrá ser apreciada del 19 de julio al 31 de agosto de 2021, en vortic.art / @vortic.art / vorticxr.com

“CIENCIA Y ARTE EN VICEVERSA” PRESENTA ANTE LAS CÁMARAS LA VIDA Y EL LEGADO DEL DR. JOSÉ “PEPE” IZQUIERDO

El primer actor Antonio Delli encarna al Dr. José “Pepe” Izquierdo en el monólogo “Ciencia y arte en viceversa”, disponible desde el próximo 23 de julio por el perfil de la Fundación Asklepión en la plataforma de streaming Play Ticketmundo. Todo lo recaudado de la venta de entradas irá destinado a restaurar espacios de la Escuela Básica Nacional Bernardo O’Higgins.

Caraqueño, nacido el 12 de enero de 1887, como José Benito de la Consolación Izquierdo Esteva. Humilde, “tenaz y perseverante”, como se describía a sí mismo, fue el sexto de siete hermanos. Aunque se casó en dos oportunidades, no llegó a tener hijos; pero sí, muchos sobrinos, a quienes protegió y cuidó con celo y dedicación.  

Alumno favorito del Dr. José Gregorio Hernández y amigo del Dr. Luis Razetti, José “Pepe” Izquierdo es interpretado por el primer actor Antonio Delli. 

Como cirujano y anatomista, publicó infinidad de artículos; fue el primero en idear la técnica de la extirpación de la próstata por vía supra púbica; y se convirtió en pionero en practicar la transfusión indirecta de sangre, entre otras técnicas quirúrgicas importantes.

Escrita y dirigida por Elizabeth Yrausquín de Postalian, “Ciencia y arte en viceversa” presenta los últimos momentos de la vida de este hombre, a quien el Nazareno, de quien era devoto, le concede un especial favor que le lleva a trascender en el tiempo.

Acompañado en “La danza de la cirugía” por Alejandra Guía, Delli desenvuelve, frente a las cámaras, las reflexiones de este hombre que formó parte importante en la fundación de la Cátedra de Anatomía en el Instituto Anatómico de la Escuela de San Lorenzo, en la Facultad de Medicina de la Universidad Central de Venezuela, donde ejerció como director desde 1931 hasta su retiro en 1952. Ese año, la asignatura se trasladó a la Ciudad Universitaria, donde funcionaría la nueva escuela de Medicina con el nombre de “Dr. Luis Razetti” y, posteriormente, dicho instituto anatómico llevaría el nombre de “Dr. José Izquierdo”.

De prestigiosa, respetada y admirada posición entre colegas y amigos por sus méritos y profundos conocimientos sobre Cirugía y Anatomía, Pepe Izquierdo fue, además, escritor, políglota y traductor de obras literarias de la talla de autores como Shakespeare, Goethe, Edgar Allan Poe y Kempis.

Más allá de su ciencia, este destacado médico era aficionado a la pintura. De hecho, en las paredes de los pasillos del Instituto Anatómico aún se conservan sus dibujos, y gracias a su conocimiento de este arte, ilustraba, de manera magistral, los pizarrones en sus clases. 

En “Ciencia y arte en viceversa”, se hace énfasis en el polémico libro que escribió en 1947: “El cráneo del Libertador Simón Bolívar”, donde aseguraba con firmeza que en la tumba del Libertador, ubicada en el Panteón Nacional, no estaba el cráneo del prócer, ya que este había sido encontrado, junto con otros huesos de animales, en la Catedral de Caracas, cerca de la cripta de la familia Bolívar. Esta controversial obra sirvió de inspiración para que en el 2010, el presidente Hugo Chávez realizara la exhumación de los restos de Simón Bolívar.

Pepe escribió un libro ilustrado de Tauromaquia. Esta inclinación taurina fue deplorada más tarde, al conocer el maltrato al que era sometido el toro para la gloria del torero y la complacencia del enardecido público.

Falleció el 3 de diciembre de 1975 a los 88 años de edad. El gobierno nacional, bajo la presidencia de Carlos Andrés Pérez, le otorgó, post mortem, la Orden del Libertador, decretando tres días de duelo nacional.

Estrenándose con la pieza “Ciencia y arte en viceversa” en la plataforma de streaming Play Ticketmundo el próximo viernes 23 de julio a las 4 P.M., la Fundación Asklepión, junto con el Centro Médico de Caracas, es la encargada de la producción ejecutiva de este proyecto, grabado en la Biblioteca Alexander von Humboldt de la Asociación Cultural Humboldt.

Mercedes Pardo es homenajeada en su centenario con una exposición en la Galería de Arte Ascaso 

Como un homenaje a la artista venezolana Mercedes Pardo en el centenario de su nacimiento, la Galería de Arte Ascaso de Caracas presentará a partir del jueves 29 de julio de 2021, conjuntamente con la Fundación Otero-Pardo, una exposición titulada “Contemplaciones y Memorias”, que bajo la curaduría de Bélgica Rodríguez y la museografía de Rafael Santana, reúne una selección de pinturas y serigrafías realizadas por la destacada creadora.

Considerada como una de las exponentes más representativas del arte abstracto en Venezuela, Mercedes Pardo (Caracas, 1921-2005) cursó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, y en 1949 viaja a París donde recibe clases de pintura con André Lhote y estudia historia del arte en el Museo del Louvre. Mercedes Pardo tuvo una vida intensa en muchos campos de la creación, no solo por su interés en la práctica de varias áreas de las artes plásticas, la pintura, el collage, el grabado, dibujo, serigrafías, artes aplicadas, sino también por dedicar tiempo a la docencia artística, guiada por la necesidad de desarrollar en los niños la capacidad sensible de apreciar la belleza a través del arte. 

Desde los inicios dos aspectos se complementan en su obra, según afirma la curadora e investigadora de arte Bélgica Rodríguez en uno de sus escritos, “Una es el cuidado racional con el que construye el andamiaje compositivo espacial al organizar las formas geométricas sin alterar el plano principal, formas que, en apariencia, parten de la fragmentación del cuadrado central que es la obra en sí misma; otro corresponde a una sensación emocional que  irradia hacia el exterior cierta luminosidad proveniente de su interior, es la exultación cromática que, paradójicamente, aún en su aparente desbordamiento, es contenida por y en los límites del soporte”.

De acuerdo a la curadora, “Para Mercedes Pardo ‘arte’ fue más que una tendencia definida o definitiva. La defensa de su libertad creadora, una suerte de mandala plural a resumir en un profundo interés en la investigación sobre el comportamiento del color y la forma geométrica, informalista o abstracta, en la investigación de los materiales, en la exploración de otras maneras de estructurar una arquitectura visual geométrica ligada estrechamente a una pasión en el tratamiento bastante personal del valor estético del color por el color ubicado en el espacio (…) Proponer una geometría sensible sobre la dureza del cuadrado, forma preferida de la artista,  y de la línea recta, sobre todo en las últimas etapas del desarrollo de su pintura, fue un coherente acto de fuerza plástica, formal y estética. Hacer vibrar esta geometría de base cromático-abstracta resulta una propuesta espacial inédita. En la pintura de Mercedes, geometría y espacio como percepciones sensibles corresponden a un discurso estético múltiple”.

Mercedes Pardo desarrolló una destacada trayectoria artística de más de cinco décadas, durante las cuales participó en exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, Chile, Francia, México, Brasil, Italia, Puerto Rico y Cuba, entre otros países. Recibió importantes reconocimientos, como el Premio Nacional de Artes Plásticas; Premio de Esmalte, Muestra Internacional de Artesanía Artística, de Stuttgart, Alemania; Special Edition Purchase Award, World Print III, San Francisco California, USA; y Premio Armando Reverón, AVAP; entre otros. 

La exposición “Contemplaciones y Memorias” de Mercedes Pardo estará abierta al público desde el 29 de julio hasta mediados de octubre de 2021 en la Galería de Arte Ascaso, ubicada en la avenida Orinoco, Las Mercedes, Caracas. El horario es de lunes a viernes de 11 am a 4 pm, sábados de 11 am a 2 pm. 

SurDeluxe: la nueva propuesta del rock latinoamericano

Conformada por músicos de Venezuela, Argentina y Ecuador, presentan su primer sencillo y videoclip promocional: Mi Ciudad

Con integrantes provenientes de Venezuela, Argentina y Ecuador, surge la agrupación SurDeluxe en la ciudad de Miami, EEUU, presentando una novedosa propuesta que integra diferentes estilos del rock latinoamericano. Comenzaron como una banda de versiones, pero dada la química entre sus integrantes, decidieron componer temas propios, piensan grabar un disco a futuro, tienen en puertas una gira por EEUU y afirman que sueñan con tocar en Venezuela. El primer sencillo promocional se titula Mi Ciudad, acaba de ser estrenado y se puede disfrutar en el siguiente link de Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=L9PjZMUqhe8

SurDeluxe está integrada por los venezolanos Alexis Peña (Voz y guitarra), conocido por haber sido cantante de íconos del pop y del rock como Tempano, Poster, Resistencia y Santos Viejos, y Gabriel Silva (Batería), quien tocó con la agrupación de los ex – Zapato3: Solares, así como con Cien Grados, Socialklash y Radikal. La conforman además desde Guayaquil, Ecuador, los hermanos Drouet: Dennis (guitarra) y Ángelo (bajo), contando con un notable recorrido por la movida ecuatoriana, también se hicieron sentir con proyectos en Nueva York y Europa. Completa el line-up el tecladista venezolano-argentino, Nano Spinelli, formado en el piano clásico, con experiencia también en México y EEUU, formó parte de los grupos Fondo Blanco, Trilogy, Simbiosis, Pampa Nation y Sono Dynamo.

En relación al single promocional que sirve de carta de presentación para SurDeluxe, titulado Mi Ciudad, el tecladista Nano Spinelli explica que se trata de una canción “que en su interpretación directa trata de describir la nostalgia del inmigrante al dejarlo todo atrás para empezar de nuevo. De ese éxodo del cual casi todo el planeta está sufriendo hoy en día. En un aspecto un poco más sutil, se trata de raíces, de relaciones, de arrepentimientos, de momentos y situaciones al que quisiéramos volver pero a los que nos damos cuenta que ya no se darán de la misma forma, porque la vida es evolución y cambio constante, hay que buscar nuevos retos y horizontes por los cuales vivir”.

La banda tiene planteada la posibilidad de grabar su primer álbum a futuro, pero por el momento quieren entablar una relación con su audiencia a través de sencillos promocionales, que abarquen temas diversos, mientras definen un poco más su sonido e identidad musical. Para SurDeluxe escribir temas originales siempre fue parte del plan, pero quisieron acoplarse primero como banda y girar juntos un tiempo tocando versiones, lo que les dio la oportunidad de conocerse como personas antes de entrar en una dinámica más íntima como lo es el proceso de creación musical.

Mientras tanto, los comentarios positivos al tema Mi Ciudad no se hicieron esperar: “la reacción desde el día que la tocamos por primera vez ha sido abrumadora e inesperada. No hay concierto en el cual no se acerque alguien al final para expresarnos gratitud por el tema y por cómo los toca de diferentes formas. Es muy emocionante conectar de esa manera y escuchar las historias de la gente que nos vamos encontrando en el camino, de orígenes totalmente diferentes pero todas convergen en el amor y la nostalgia por sus raíces. De verdad que eso nos llena de gratitud y de orgullo por lo nuestro”.

En cuanto a los planes de gira, la banda comenta: “a raíz de la pandemia fue todo muy difícil para el mundo de la música, pero a pesar de eso logramos mantenernos activos y logramos viajar a diferentes ciudades de EEUU como Atlanta, Milwaukee, Minneapolis, Tampa, Orlando y vienen muchos más alineados a medida que todo se vaya abriendo y volviendo a la vida. El artista quiere ser escuchado, especialmente en su tierra y por su gente, por lo que nos gustaría tocar en Venezuela, Ecuador y Argentina”.

La canción Mi Ciudad contó con la producción, mezcla y masterización de Henry Arias. El videoclip fue producido por la propia banda y su edición la realizaron Alexis Peña y Fernando Spinelli. Las tomas alternas y aéreas con drone las realizaron Eduardo Segovia y Mauricio Rengifo respectivamente. Participó la pintora Zhanat Manceri. Fue grabado en el Hotel Serena, Aventura, Florida, EEUU.

Prensa Cresta Metalica

Trazos en fuga de Flavia Pesci Feltri cuenta sus impresiones hechas poesía. 

OT editores no se detiene y con la publicación del poemario Trazos en fuga de Flavia Pesci Feltri, llega al libro número 32 de la colección OT Poesía.

La mayoría de estos poemas presentados como textos en bloque no hacen otra cosa que refrendar la solidez de la autora, pero también de la editorial. 

“la lluvia a la espera. La maleta lista para la lluvia. indecisa en un retorno sin comienzo. el frío en los huesos desde esta silla que mira, el todo acallado en las páginas breves de un libro. una sombra que es la sombra sola y la lluvia. Inmutables en las paredes de la esquina. ungidas de incrédulos días por venir que en vuelo buscan y nada tocan, sombra y lluvia. y la lluvia sola.”

Leer este poemario es casi acercarte a un diario velado en su investidura de poemario para recorrer las emociones de quien escribe. Ella poeta, abogado, luchadora amante de su país, nos cuenta sin querer o quizá queriendo demasiado como transcurre su vida en medio de un terruño que se le ha vuelto ajeno, que le condiciona el paso del tiempo a una espiral de violencia con olor a humo y con sonidos que, aunque siempre han existido, parecían ajenos.

Este libro nos habla de como la autora experimenta los cambios sociales convertidos en agonía, la diferencia entre el que espera, al sometido a la injusticia, el prisionero, los que se van y los que se quedan observando desde la ventana es que a ella esa sensación de difuminado o de fuga en que se vuelve la vida, a ella también se le ha convertido en poesía. 

«trazos en fuga» de Flavia Pesci Feltri es el trigésimo segundo libro de la  colección OTPoesía, creada el año 2014 bajo el cuidado de la editora y periodista Luna Benítez, la coordinación editorial de la poeta y periodista Kira Kariakin y la difusión en medios y redes de la periodista y diseñadora María Verónica Marcano. El diseño corresponde a Carsten Todtmann y Pascual Estrada y rinde homenaje al diseñador gráfico Emil Ludwing Weiß creador de la imagen de los libros Insel Bücherei. La fotografía de la portada fue realizada por la autora y las palabras que acompañan la contratapa son del poeta venezolano Igor Barreto. El libro está disponible en las librerías venezolanas, en la editorial, en Amazon.com y para su lectura en La Poeteca. 

Trazos en Fuga se presenta con palabras de Igor Barreto y Ana María Hurtado en evento, coordinado y conducido por Oscar Todtmann editores y Fundación La Poeteca, que se realizará por Zoom, el viernes 30 de julio de 2021, a las 3:30 pm hora de Venezuela. 

El Sorelle Dúo interpreta a The Beatles en formato de violín y violonchelo

El domingo 22 de agosto a las 11:00 AM, en el Centro Cultural BOD, la agrupación Sorelle Dúo estará presentando un concierto dedicado a  The Beatles con innovadoras versiones adaptadas para violín, violonchelo y percusión. De esta manera clásicos del cuarteto inmortal de Liverpool como Hey Jude, Let it Be, She Loves You, Yesterday y Penny Lane entre muchas otras serán recreadas en forma instrumental con arreglos especiales para la ocasión. El evento tendrá un aforo reducido y contará con todas las medidas de bioseguridad.

El Sorelle Dúo es una interesante e innovadora propuesta que llevan a cabo las hermanas Ana Laura Chouhebar, violinista de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela y María Luisa Chouhebar, violonchelista de la Orquesta Sinfónica Juan José Landaeta. Ambas recibieron su formación musical desde pequeñas en El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela. Pero además de su pasión por la música sinfónica, ambas también disfrutan tocando diferentes géneros musicales entre ellos el pop y el rock.

La música de The Beatles está considerada como una de las más ricas musicalmente hablando, muchos han llegado a comparar su obra con estructuras musicales y armónicas del mundo de la música clásica. Por lo tanto se nos ha hecho muy fácil adaptar la versatilidad sonora de nuestros instrumentos de cuerda, pues podemos lograr desde hermosas sutilezas hasta colores más agresivos, dependiendo del tema que se interprete.  The Beatles logró belleza, ingenuidad, fuerza y a la vez, a nivel experimental, grandes momentos de la música con sus composiciones. Es por esto que creemos que su obra puede ser abordada desde cualquier sonoridad siempre que se busque guardar esa esencia que ellos transmitían”, explicaron Ana Laura y María Luisa.

Además de las hermanas Chouhebar  en el violín y violonchelo, participarán como invitados especiales el percusionista Miguel «El Chipo» Gámez y del excelente trompetista Luis Ulises Rojas. Esta velada dedicada a “Los 4 de Liverpool” se enmarca en el ciclo A DOS, del Centro Cultural BOD y, a su vez, forma parte del Aniversario 15 de Cresta Metalica Producciones, buscando como siempre abrir posibilidades para diferentes propuestas musicales. 

Las entradas están disponibles en la taquilla del Centro Cultural BOD y en ve.ticketmundo.com. Los interesados deben apurarse en adquirir sus tickets para no perder esta gran oportunidad de vivir una velada musical diferente y llena de encanto.

Sobre el concierto las hermanas agregaron: “Lo que más nos gusta es que la música de The Beatles viene cargada de mucha historia para contar, sus canciones cuentan con la versatilidad de ser frescas, divertidas pero hay otras que son densas y hasta misteriosas, sin duda es una música muy interesante que se disfruta mucho, no en vano se dice que son unos clásicos, pues  al pasar el tiempo la música tiene la característica de que no pasa de moda y la pueden disfrutar personas de épocas totalmente distintas”.

Vale recordar que el Sorelle Dúo nació apenas en 2018, pero en poco tiempo ha labrado una trayectoria de mucho respeto dada la altísima calidad musical de sus interpretaciones. Además de la música de cámara, la inquietud por interpretar diversos géneros musicales las ha llevado a tocar desde aguinaldos, tangos, música venezolana, pop, rock, baladas, música de diferentes épocas y hasta boleros. El apetito musical de estas dos jóvenes marca un camino de búsqueda y aprendizaje sin fin.

Prensa Cresta Metalica

Luego del éxito de la Gran Final del Concurso Fotográfico nos preparamos para dos meses de exposición activa en el Centro Cultural BOD con una agenda de actividades formativas totalmente gratuitas

Ciclo de conversatorios enmarcados en el Concurso Fotográfico ¿Qué Significa Ser Caraqueño? 3era Edición.

 El 25 de julio en conmemoración al cumpleaños 454 de Caracas, en el Centro Cultural BOD, se Inauguró la muestra fotográfica colectiva y se anunciaron los ganadores del Concurso Fotográfico ¿Qué Significa Ser Caraqueño? 3era Edición. La exposición estará activa durante los meses de agosto y septiembre desarrollando, en los jueves de semana flexible, una agenda de actividades formativas y recorridos por la exposición, con quórum mínimo en sala y transmitidos de manera streaming.

En esta 3era edición la premisa del concurso giró en torno a entender a Caracas, más que como un espacio, como una emoción, generando que la selección de los 16 finalistas escogidos por el jurado experto en identidad cultural y fotografía: María Teresa Boulton, Eduardo Álvarez, Yangel Machado, Jesús Piñero y Mairet Chourio; resaltaron las sensaciones positivas de ser caraqueño y sirvieran como una captura de la realidad del 2021.

Este año el certamen otorgó 7 premios con la intención de impulsar el amor por la fotografía, la identidad cultural y el crecimiento profesional de los participantes, estos fueron los ganadores: Sergio González. Playa los Tuneles – Ganador del Primer Lugar; Maxwell Briceño.Jugando en Gramoven – Ganador del Segundo Lugar; Jacobo Méndez. La Abuela y la Rosa – Ganador del Tercer Lugar; Nilsa Montserrat Guzmán. Las Gemelas Caraqueñas – Ganador de la Técnica fotográfica; Alejandro Rincón. De Iglesia en Cuenca a Catedral en Caracas – Ganador de la categoría Más que un espacio, una emoción; Isai Morales. Una Caracas para Admirar – Ganador del Premio Especial del Público; Darwin Méndez. Humboldt, el protector de la sultana – Ganador del Premio #CaracasDeOtroNivel.

El periodo de exposición activa cuenta con la siguiente agenda de actividades formativas totalmente gratuitas:

Jueves 5 de agosto a las 3:00pm – El Barrio es Ciudad: Conectar con el barrio como parte de la geografía urbana, entender su fuerza, su impronta cultural y como el barrio ha abierto sus puertas para conectar a los ciudadanos con su arte, historia y su aporte al movimiento cultural.

Jueves 19 de agosto a las 3:00pm – Caraqueñ@s adoptad@s: Caracas ha recibido a periodistas y fotógrafos del mundo entero, quienes han hecho de esta geografía su nuevo hogar, han capturado sus realidades y han conectado con su identidad cultural. Descubriendo matices que los han hecho sentirse caraqueños.

Jueves 2 de sep. a las 3:00pm – Caracas intensa: Esta ciudad nos invita a vivirla intensamente, conectar con sus espacios, con experiencias que estrechen nuestro vínculo con el espacio urbano. Por eso conoceremos proyectos que justo trabajan en esta área y nos invitan a vivir emociones intensas y positivas en esta urbe.

Jueves 16 de sep. a las 3:00pm – Foto Reportaje: Un recorrido por la experiencia de fotoreporteros venezolanos, sus búsquedas, sus técnicas, su filosofía de trabajo y dinámica. Un acercamiento a las comunidades y realidades de nuestra ciudad de forma estética, respetuosa y humana.

Además de estas actividades programadas, se realizarán visionados de portafolio y visitas guiadas a la exposición. Quienes visiten la muestra podrán disfrutar de las fotografías finalistas y ganadores de esta 3era edición, un recorrido histórico de las ediciones anteriores y una pared interactiva en donde pueden exponer su visión de Caracas. Está abierta a todo público en las semanas flexibles de martes a domingo de 11 am a 5 pm.

Artista venezolano Luis La Rosa gana el Primer Premio en la Bienal 2021 del Museo de Arte Geométrico y MADI de Dallas

El artista visual venezolano residenciado en Miami, Luis La Rosa, obtuvo con su obra escultórica Particle Accelerator el Primer Premio en la Bienal “Origins in Geometry”, que se realiza del 30 de julio al 24 de octubre de 2021 en The Museum of Geometric and MADI Art, en la ciudad de Dallas, Estados Unidos, con la participación de 32 artistas finalistas de diferentes países.

La obra ganadora, Particle Accelerator (Acelerador de Partículas), es una escultura de mediano formato elaborada en aluminio y resina, en la que se refleja la propuesta creativa de Luis La Rosa, la cual se establece desde una concepción racional que intenta enlazar los conceptos de la física cuántica con las nociones contemporáneas del arte, según palabras del artista.

“Desde que se planteó la teoría del Big Bang el momento inicial en el que se formaron la materia, el espacio y el tiempo, los debates e interpretaciones para tratar de entender cuando se inició este proceso de expansión y vida, no han cesado (…) Lo cuántico, esta fuerza enigmática pero hondamente real, representa un enorme campo de creación e imaginación. En este sentido, me interesa representar ciertas realidades físicas intangibles, como las partículas elementales, la energía y la materia oscura, imaginándolas en un espacio en el que interactúan con fenómenos como la gravedad y el magnetismo”, afirma La Rosa.

Como explica el artista, su práctica abarca lo pictórico, lo escultórico y lo instalativo. Sus pinturas son realizadas haciendo uso del lenguaje geométrico de planos limpios de color saturado, y de la perspectiva, y utiliza aerosol acrílico sobre tela para representar objetos tridimensionales que se mueven en un espacio imaginario, sideral, sujetos a fuerzas dinámicas. En cuanto a sus esculturas, señala que éstas se construyen a partir de la intersección y ensamblaje de grandes planos de metal brillante —aluminio y acero inoxidable intervenidos con resinas— en los que no utiliza soldadura, y en algunas piezas incorpora instrumentos tecnológicos y científicos que remiten a la tradición experimental de la física. 

Con estudios en administración de empresas, Luis La Rosa D’Ambrosio (Caracas, 1972) tuvo una fructífera trayectoria en el mundo de la publicidad y desarrollo de medios alternativos en Venezuela, área en la que produjo ideas innovadoras que impactaron el aspecto de la urbe al introducir diseños que integraban elementos corpóreos 3D, crear impresiones digitales de gran formato y utilizar materiales desconocidos para el momento, marcando un hito en la oferta publicitaria venezolana que lo llevó a ser reconocido dentro de la industria con premios relevantes como premios ANDA ( Asociación Nacional de anunciantes), y premios PUBLICIDAD Y MERCADEO.

Estudió pintura y escultura en Caracas, en la Academia de la artista venezolana Blanca Lemoine, donde recibió la motivación para profundizar en el conocimiento y la creación artística. Actualmente se encuentra residenciado en Miami, Florida donde está participando activamente en la corriente artística local bajo la asesoría de la reconocida curadora, crítica y coach de arte Katherine Chacon. Entre las exposiciones más recientes en las que ha exhibido su trabajo se incluyen, “Origins in Geometry”, Museum of Geometric and MADI Art Biennial, Dallas Tx;  Art Fields – Lake City, South Carolina; entre otras. Próximamente tiene previsto realizar una instalación en Puerto Rico en la 4th Triennial de Arte Fits-Fundation en Dorado Beach.

www.luislarosa.art /IG: @luislarosadart

Este 2021 regresa el concurso de cortometrajes
“Fare Cinema – El inmigrante italiano”



La segunda edición del certamen espera que las producciones audiovisuales puedan resaltar la importancia del legado de los primeros inmigrantes y su contribución al desarrollo de Venezuela, enfatizando el impacto de los saberes y el hacer de los italianos

Caracas.- Luego del éxito de su primera edición y atendiendo al interés que despertó en la comunidad cinematográfica nacional, el Concurso Audiovisual “Fare Cinema – El inmigrante italiano” regresa este 2021 para premiar los mejores cortometrajes que rescaten la memoria de los hombres y mujeres que dejaron sus tierras para contribuir al desarrollo económico y social de Venezuela, difundiendo los valores de la familia y la cultura italiana, transformando el país a través de su trabajo. 

Promovido por el Ministerio italiano de Relaciones Exteriores y de la Cooperación Internacional, el certamen se propone valorizar la industria del cine en el mundo, bajo la organización de la Embajada de Italia en Caracas, el Consulado General de Italia en Caracas, el Consulado de Italia en Maracaibo, el Instituto Italiano de Cultura de Caracas, el COM.IT.ES, la Cámara de Comercio Venezolano-Italiana (CAVENIT), la Società Dante Alighieri de Maracay y el Trasnocho Cultural. 

La II edición del Concurso Audiovisual “Fare Cinema – El inmigrante italiano” está dedicado a “Los oficios de la emigración italiana en Venezuela” (I mestieri dell’emigrazione italiana in Venezuela), una oportunidad para resaltar la importancia del legado de los primeros inmigrantes y su contribución al desarrollo del país, enfatizando el impacto de los saberes y el hacer de los italianos, especialmente de los protagonistas de la ola migratoria que llegó desde el país europeo durante el siglo XX. 

Si bien la historia de los italianos en Tierra de Gracia comienza con la llegada misma del marinero genovés Cristóbal Colón, que luego continuó cuando el mar trajo a otros compatriotas de la península itálica hasta el territorio venezolano, asentándose en algunas ciudades apartadas del país; no fue hasta el siglo XX que se registró un periodo masivo de inmigrantes italianos, impulsados por las devastadoras consecuencias que sufrieron los países europeos, especialmente después de la Segunda Guerra Mundial. 

La llegada de los inmigrantes italianos el siglo pasado se vio favorecida durante algunos años por condiciones propiciadas por el Estado venezolano y por la empatía social entre ambas culturas que permitió la fácil integración de los ciudadanos y que le ofreció la oportunidad de ser venezolano; es decir, que sintiera que Venezuela era también su casa. 

Llegaron de todas las edades, de diferentes condiciones sociales, pero con el mismo deseo colectivo: la voluntad de trabajar, recuerda el prólogo del libro “Italia y Venezuela: 20 testimonios”, de Guadalupe Burelli. En este texto se añade que “el empuje y la necesidad de no fracasar los llevó a perfeccionar sus habilidades y poco a poco fueron copando todos los espacios, al punto que sería difícil encontrar un oficio donde un italiano no se haya destacado. El comercio, la industria, la cultura, la arquitectura, la construcción, la banca, la academia, la estética, la moda, la ciencia, la medicina, la agricultura, la ganadería, en fin, todas las áreas donde es posible el desempeño del hombre han sido terreno fértil para estos nuevos venezolanos”.

¿Quiénes pueden participar?

El Concurso Audiovisual “Fare Cinema – El Inmigrante Italiano” está dirigido a profesionales del área audiovisual, creativos, productores, directores, guionistas, cineastas y estudiantes de cine, así como cualquier persona interesada en la actividad audiovisual como medio de expresión artística. Este año, los creadores audiovisuales tendrán el reto de captar en sus producciones cómo cientos de inmigrantes lograron contribuir con sus esfuerzos a la transformación y modernización del país, dotados con los oficios que pudieron aprender en Italia, los escasos recursos financieros o herramientas que algunos trajeron en sus maletas, junto a sus visiones para encontrar, e incluso crear, oportunidades donde otros no las veían. 

En la Italia de posguerra la mayoría de la población no tenía títulos universitarios. Además, necesitaban trabajar, producir dinero para subsistir y muchas personas se dedicaban por lo general a continuar los oficios que tradicionalmente desempeñaba su familia: costura, artesanía, agricultura o cría de animales. Otros poseían alguna formación como albañiles, carpinteros, mecánicos, técnicos, geómetras, panaderos, zapateros, mano de obra en construcciones, entre otras habilidades. Basándose en estos oficios lograron encontrar su posición en la nueva tierra, fundamentalmente en los ramos de la construcción, el comercio y los servicios, contribuyendo en muchas ocasiones a transferir sus conocimientos a la población venezolana. En un porcentaje mucho menor, pero no menos significativo, estaban los profesionales, empresarios, técnicos y gerentes. 

Los esfuerzos de los inmigrantes europeos contribuyeron a que Venezuela, en plena efervescencia del boom petrolero, experimentara uno de los más altos crecimientos del mundo y Caracas se convirtiera en una de las capitales más modernas para la época. 

¿Con qué debe relacionarse el contenido de la producción audiovisual?

Los italianos que vinieron a Venezuela se dedicaron desde sus primeros días en el país a trabajar, a aportar al progreso y la prosperidad, a sostener una vida tranquila, a ganarse un salario digno con la esperanza de alcanzar estabilidad económica personal y para su familia, así como en conformar un hogar, superando obstáculos como la pobreza y las barreras del idioma, fortalecidos en su fe, en los valores italianos, en el ahorro y con la mirada siempre puesta en un futuro mejor. Así, poco a poco, lograron echar raíces, conseguir recursos e invertir en sus propios negocios o empresas, que se fueron consolidando hasta convertirse en referencias comerciales o de la industria nacional, y en muchos casos, manteniéndose hasta nuestros días. 

La incorporación de los inmigrantes italianos fue determinante en muchos ámbitos de la economía nacional. En los campos, ayudaron a introducir una agricultura moderna y en las ciudades se destacaron por colaborar en la industria de la construcción, en grandes obras arquitectónicas y por apoyar con la política de cemento armado impulsada desde el gobierno de Marcos Pérez Jiménez. En el sector educación, fueron fundadores de instituciones educativas y desde el ámbito académico, hombres como Graziano Gasparini se dedicaron a la investigación, la promoción y la restauración de la arquitectura colonial venezolana. 

Con sus visiones de la cultura, los italianos llegaron a Venezuela al ritmo de la tarantela, que sonaba especialmente desde sus centros sociales. Además, transmitieron su profundo amor por la música. Los maestros José Antonio Abreu y Rodolfo Saglimbeni son ítalo-venezolanos ejemplares y reconocidos en el mundo por su desempeño, que comenzó con la herencia de la tradición sonora de sus antepasados. 

Por las calles desfilaba la moda italiana hecha en Venezuela, gracias  a las confecciones de sastres y costureras. En materia de calzado, los inmigrantes se hicieron famosos por hacer los zapatos más finos y de más alta calidad. En cuanto a producción, aumentó la profesionalización de la elaboración de telas y se instalaron numerosas fábricas de calzado donde se incorporaron a los aprendices venezolanos para que adoptaran los conocimientos y destrezas de los maestros italianos.

Con los aromas de su cocina, los inmigrantes conquistaron paladares: abundaron los restaurantes especializados en gastronomía del país europeo; se instalaron las pastelerías italianas y las pastas -a la boloñesa, a la napolitana, al pesto o a la carbonara- se convirtieron  en un plato indispensable de la dieta venezolana por su bajo precio y fácil preparación. Para la sobremesa, el café comenzó a hacerse en máquinas espresso. También se hizo popular en los menús la pizza, el gnocchi (ñoqui), la polenta, el bistec a la milanesa, el ossobuco, la mortadela y otros embutidos italianos.  

¿Cómo es el proceso de inscripción?

Los cortometrajes que sean inscritos  en la II edición del Concurso Audiovisual “Fare Cinema- El inmigrante italiano” deben ser inéditos, no habiendo sido expuestos, ni publicados con anterioridad en ningún medio, y no habiendo recibido premiación alguna. La duración mínima de las obras debe ser de 5 minutos y máximo 8, pueden ser del género documental o de ficción. 

De acuerdo a lo establecido en las bases del concurso, cada participante puede inscribir un corto, que debe centrar su temática en los oficios o actividades económicas que desarrollaron los inmigrantes italianos que se vieron en la necesidad de salir de su país, tratando de superar la pobreza y cambiar su fortuna al llegar a Venezuela, un país que históricamente facilitó la inmigración de ciudadanos italianos.

El audiovisual debe publicarse en las plataformas YouTube en formato oculto y en HD 1920 x 1080 px. La recepción de las obras comienza este 03 de agosto y finalizará el 20 de noviembre de 2021. La inscripción debe formalizarse mediante el llenado del formulario del concurso, que está disponible en el sitio web de la Embajada de Italia en Caracas www.ambcaracas.esteri.itwww.cavenit.com o www.trasnochocultural.com y debe contener el enlace de Youtube (en modo oculto) del cortometraje que se desea postular.

Los premios

El jurado calificador estará formado por integrantes de las instituciones que organizan el certamen y anunciarán su veredicto el lunes 13 de diciembre de 2021. Los tres primeros lugares serán para obras realizadas por personas naturales mayores de 18 años, de cualquier nacionalidad, con residencia legal en Venezuela de al menos dos años. Asimismo, se entregará un premio especial en la “Categoría Jóvenes Talentos”, para creadores de 14 a 18 años de edad, de cualquier nacionalidad residenciados en Venezuela.

El premio al Primer Lugar será otorgado por la Embajada de Italia en Caracas, al Mejor Audiovisual “El inmigrante italiano” con un premio en metálico de US$2.500. El Segundo Lugar, otorgado por CAVENIT y el COM.IT.ES, está dotado con US$1.500 y el Tercer Lugar, patrocinado por CAVENIT y la Società Dante Alighieri de Maracay, es de US$1.000.

La Mención Especial para “Jóvenes Talentos”, otorgado por el Instituto Italiano de Cultura en Caracas, consta de un premio en metálico de US$1.000.

Este año, los organizadores del certamen han realizado algunos cambios en las bases del concurso para brindar mayor libertad creativa a los hacedores cinematográficos, y se espera que la participación sea mayor a la primera edición, cuando fueron reconocidos cuatro realizadores venezolanos por la calidad de sus obras. Dos de los cortometrajes ganadores de la primera edición,  Me llamaban Pietro, del director Pedro Mercado y el cortometraje de ficción Trámite de Admisión, de Tulio Cavalli, comenzaron sus recorridos por festivales internacionales, y resultaron ganadores en el Festival de cortometrajes internacional Do Ut Des Film Festival, celebrado entre marzo y mayo, en la región Toscana, de Italia.

Para conocer todos los detalles del II Concurso Audiovisual “Fare Cinema. El inmigrante italiano” se pueden visitar los sitios www.ambcaracas.esteri.itwww.conscaracas.esteri.itwww.cavenit.com y www.trasnochocultural.com

 Inscríbete aquí
https://forms.gle/YQoBadmDDKnHCfnN8

desde el 03 de agosto de 2021 hasta el 20 de noviembre de 2021
DESCARGA LAS BASES DEL CONCURSO EN PDF AQUI
http://bit.ly/farecinemavenezuela

Todo un éxito gala de graduación de Ballet de la Mar

A casa llena se celebró la VI gala de graduación de Ballet de la Mar en el Anfiteatro Los Robles, el pasado fin de semana. Los jóvenes graduandos presentaron al público cinco Pas de Deux, derrochando talento en escena.

En esta oportunidad culminaron su formación: Fátima Rodríguez, Daniel Guzmán, Daniel Gómez, Juliana Cuevas y Michelle Padrón, de Ballet de la Mar Nueva Esparta, y Gustavo Amaya, Jesús Duven y Diana Mucci, de Ballet de la Mar Caracas.

El sábado se realizó un emotivo acto en el Conservatorio Alberto Requena de Los Robles, el cual contó con la asistencia de profesores y graduandos. La ocasión fue propicia para hacer la entrega de diplomas a las maestras Lulú Pavón y María Daniela Jiménez, quienes actualmente forman parte del staff del Ballet de la Mar.

Por su parte la maestra Martha Ildiko, directora del Ballet de la Mar , indicó que la escuela permanecerá abierta durante el periodo vacacional para aquellos bailarines que deseen seguir su entrenamiento.

Igualmente indicó Martha Ildiko, que se preparan para abrir su nuevo año de clases en septiembre, con miras al Cascanueces 2021, que este año se presentará en el Anfiteatro de los Robles.

Cabe destacar que continúan los  trabajos de acondicionamiento en el Anfiteatro Los Robles, abriendo así este nuevo espacio al aire libre, que permitirá a nuestros niños y jóvenes realizar actividades de formación y presentar  espectáculos al público con medidas de bioseguridad.


Fundación Govea-Meoz presenta muestra virtual
del artista Pablo Haiek en Vortic

Una exposición virtual del artista venezolano Pablo Haiek presentará la Fundación Govea-Meoz del 13 de agosto al 10 de septiembre de 2021 con el título PERPLEXITY, la cual podrá ser apreciada en la plataforma digital Vortic, a través del link  https://vortic.art/exhibitions/pablo-haiek-perplexity-3536

Bajo la curaduría de María Teresa Govea-Meoz, la muestra reúne una selección de obras creadas por Pablo Haiek, cuya intención es “incitar al espectador a un momento de introspección, permitirle ver la obra y dejar que afloren sentimientos inesperados, en muchos casos no identificables y levantar preguntas que no necesariamente tienen respuesta. Sacando de contexto el entorno fotografiado, y transformándolo en una abstracción contemplativa”, según expresa el artista. 

“Con esta serie fotográfica busco dejar que la obra hable por sí sola y cuente su historia por medio de los ojos de quien la percibe”, afirma Haiek.

Por su parte, María Teresa Govea-Meoz asegura que “Pablo Haiek nos lleva a indagar sobre la Concepción de la belleza clásica, nos sirve para observar mejor las transformaciones de la misma, a través de la armonía con el cual instaura la premisa de la belleza como una estructura simétrica con unidad en la pluralidad, organización  proporcionada  y matemática de algo sensible y material”.

Para la curadora, la propuesta de Haiek nos traslada a la sensación de lo infinito e inabarcable. “Exuberancia e inagotabilidad; multiplicidad de situaciones rítmicas, riqueza de caprichos y levedad de formas; sin embargo, entre tanta pluralidad algo perdura, y es tal vez está obsesión de sintetizar el movimiento y el tránsito lo que hace que su trabajo posea una voluntad de síntesis, una fuerte tendencia a que algo permanezca en el cambio”.  

“PERPLEXITY construye puentes llamados traducciones o desplazamientos, en intenciones claras de difuminar las fronteras y establecer transiciones entre ambos mundos, que están en continuo  cambio y se pasean entre sí (…) su interpretación es objeto de un encuentro, de una ocasión, de una experiencia donde el arte emerge en un espacio-tiempo diferente de la existencia cotidiana, teniendo en común dentro del mundo de las abstracciones, la posibilidad de transformarlo en sensible, generando sentido estético al revelar las infinitas interpretaciones”, señala María Teresa Govea-Meoz. 

Nacido en Caracas en 1981, Pablo Haiek comenzó a explorar en 2007 las posibilidades que ofrece la intervención digital de imágenes. Ese interés se convirtió rápidamente en necesidad y en un medio de expresión esencial para él, consiguiendo descifrar sus intereses y curiosidades en experiencias visuales. Una década después, habiendo identificado un lenguaje propio, comienza estudios formales de Arte, recibiendo en los años 2018 y 2019, títulos de los Diplomados en Arte Contemporáneo I y II de la Universidad Metropolitana/Sala Mendoza. Su obra desarrollada sistemáticamente a partir del año 2015, en la que recompone visualmente la realidad de su entorno, ha sido expuesta en exhibiciones colectivas e individuales en Caracas, Maracaibo, Panamá y Madrid.

La exposición virtual PERPLEXITY de Pablo Haiek podrá ser apreciada del 13 de agosto al 10 de septiembre de 2021 a través del link  https://vortic.art/exhibitions/pablo-haiek-perplexity-3536, en la página web de Vortic, plataforma de realidad virtual de Londres/Inglaterra que  apoya a galerías e instituciones con experiencias digitales de la más alta calidad para sus coleccionistas y audiencias, ofreciendo tecnología de punta para complementar y fortalecer la experiencia física de disfrutar del arte. 

Luis Fernando Borjas y Frangel Ramos junto a D’ Total Zulianidad nos ofrecen una propuesta encantadora titulada “Solo Con Tu Luz”.

En palabras de Borjas, el tema es “una fusión de folclor venezolano con influencia de otros géneros. Es un encuentro de poesía y sonidos del estado Zulia con colores del mundo.

Decidimos incorporar contrabajo, secciones de cuerdas y vientos para lograr una dimensión particular, y el resultado es uno de los aspectos que más nos enorgullece en esta canción”.

Frangel Ramos, describe la canción como “una ofrenda al ideal del amor humano que es capaz de trascender todo tiempo y espacio, visto desde una perspectiva íntima y personal, cual almas gemelas sumergidas en lo eterno”. Con arreglos de Roel Armas y producción ejecutiva de Luis F. Borjas, Franklin Ramos, Andrés

Matute y Armas, los intérpretes hacen una invitación abierta a “dejarse abrazar por esta bella y especial canción hecha con amor, que tiene la intención de ser música bonita con olores del mundo y folclor zuliano”.

“Solo Con Tu Luz” tiene letra de Frangel Ramos, música también de Ramos y Mauricio Emanuels. Fue grabado por primera vez en el año 2012 y arreglado por Emanuels. El audiovisual, filmado en Caracas, dirigido por Jaen y co-dirigido por Andreína Abreu junto a la producción de Neighborhood Dreams, permite apreciar con el Ávila de fondo la majestuosidad de la ciudad.

Memorias del agua: los sueños, las visiones nocturnas y la poesía

Memorias del agua, el primer libro de poesía de Jacinto Fombona Iribarren, publicado por la editorial Eclepsidra, será presentado bajo la modalidad online el próximo martes 17 de agosto, a las tres y treinta  (3:30) de la tarde, en horario de Caracas, Nueva York, Miami.

Durante el encuentro, Georgina Dopico –profesora y vicerrectora de asuntos académicos de la Universidad de Nueva York– acompañará al poeta con sus comentarios e impresiones críticas.

Memorias del agua –de Jacinto Fombona Iribarren– es un poemario que desde una visión sensible y culta recordará a sus lectores las múltiples complejidades del agua. Desde lo simbólico el agua remite a la profundidad de las emociones y su constante movilidad. Pero también a un viaje a las concavidades de la propia psique, donde están resguardados muchos secretos. Es una pista que lanza Fombona Iribarren desde el mismo título de su libro. De hecho, uno de los primeros poemas que abre estas memorias, titulado «Senderos», dice:

¿De qué me sirve la palabra.

si tu memoria se me hace vagos delirios,

una noche quieta, casi dulce

de resplandores tenues, pero noche al fin?

el rastro desaparece y con él lo que te quise…

Bajo este tono –que alterna el verso y la prosa– será posible conocer la hondura de una memoria poética y sus particulares sendas. El criterio anterior bien puede acompañar la lectura que hace en la contratapa de Memorias del agua Luis Gerardo Mármol Bosch. El poeta y director asociado de Eclepsidra lleva la comprensión de esta primera publicación de Fombona Iribarren al terreno onírico, allí donde los poetas –y los creadores, en general– comienzan a presentir la tesitura de sus propias imágenes. En este sentido, Mármol Bosch apunta:

En Memorias del agua es el agua negra de la noche, la que ha perdido sus colores o los custodia, ocultos con el mayor de los celos, y aun así es visible lo que esta poesía nos allega. Es el agua de las visiones nocturnas, los sueños, ya inquietantes, ya pacificadores por premonición o melancolía, verdaderos (y por tanto proféticos) o engañosos, la que aquí nos revela su memoria.

Dos son las puertas del sueño, ya lo sabemos. Aquí Jacinto Fombona Iribarren nos las muestra. Y deja que la fluorescencia dulce, nunca estridente, de varios de los textos, nos sirva de clave para reconocer los sueños verdaderos, los de la puerta fiel, la de cuerno, la de apariencia menos halagüeña.

Y entonces, con el súbito relámpago de una garza demorada en las aguas anochecidas, cruz blanca, cada color del alma se recuerda o va revelándose, con el verde olvidado del otoño como fondo ineludible.

Obras de cinco artistas protagonizan la nueva edición del proyecto “4 Cuartos” de Cerquone Gallery 

Una nueva edición de su proyecto expositivo “4 Cuartos” presenta actualmente Cerquone Gallery en su sede de Caracas, con una muestra titulada “4 Cuartos. Primeridad”, que reúne cinco experiencias instalativas con obras de los artistas venezolanos Víctor Hugo Irazábal, Vasco Szinetar, Samuel Baroni, Ricardo Arispe y Robert Montilla, bajo la curaduría de Humberto Valdivieso, con el apoyo museográfico de Jonathan Lara.

En esta muestra, los artistas han utilizado la fotografía, la apropiación, el collage, la impresión digital 2D y 3D, la escultura y la pintura, han intervenido materiales, reciclado desechos y tejido telas, con la finalidad de expandir el hecho creativo al infinito, obviando conclusiones y fronteras, según explica Humberto Valdivieso en el texto que acompaña la exposición. 

Para Valdivieso “el mundo al interior de la obra es siempre una interpretación en forma de imagen. Por lo tanto, es una crisis de lo conocido, un nuevo comienzo para la experiencia humana, un objeto cotidiano deformado por una idea o una sensación, una ley que cambia y una expansión inconmensurable”.

De acuerdo al curador, la muestra “4 Cuartos. Primeridad” está hecha de espacios donde el arte elude la explicación y estimula la vivencia de lo inmediatamente presente. “De ahí su guiño a la instalación, a formar ambientes. Estos cuatro cuartos –que son cinco– no exponen objetos colgados para ‘ser vistos’. En ellos la materia plástica e intelectual incita intercambios íntimos con las obras, experimentos con la memoria personal e histórica, y juegos con la estructura de la realidad aparente. Todo esto sin apelar al hecho concreto, la información o las leyes de lo ‘adecuadamente elaborado’. Por eso, en todas las salas predomina cierta atmósfera de sospecha y ambigüedad alrededor de los trabajos”. 

Víctor Hugo Irazábal (Caracas, 1945) posee una importante trayectoria artística de más de cinco décadas durante las cuales ha desarrollado su propuesta artística en torno a la selva amazónica. Su obra ha sido exhibida de manera colectiva e individual en Venezuela, España, Alemania, Ecuador, México, Estados Unidos, Argentina, Brasil, Francia, Cuba y Corea del Sur, entre otros países. Ha sido reconocido con importantes galardones como el Premio Nacional de Artes Plásticas (1999) y Premio Artista Consagrado (2017) otorgado por la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), capítulo Venezuela. Su obra está representada en diversos museos de Venezuela, como el Museo de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo, Galería de Arte Nacional, Museo Alejandro Otero, Museo Jacobo Borges y Fundación Celarg.

Vasco Szinetar (Caracas, 1948) se ha destacado por sus célebres series de fotografías de importantes personalidades de la literatura, las artes y el mundo de la cultura. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales y ha sido galardonado con reconocimientos como el II Premio Nacional de Fotografía Conac (1982), Mención de Honor, Salón Christian Dior, Centro Consolidado, Caracas (1993), Premio Harry Liepins, Salón de Artes Visuales Arturo Michelena, Valencia, Venezuela (1996), y Premio AICA 2013 por las muestras Cuerpo de Exilio / El Ojo en Vilo’, realizadas en La Caja, Fundación Chacao y en la Sala Mendoza.

Samuel Baroni (Cúa, Estado Miranda, 1945) reestructuró su propuesta, la cual suma aproximadamente 200 piezas de pequeño, mediano y gran formato. Esta vez eligió el monocromo para resaltar sus obras, pues según él mismo afirma “está comprobado que la utilización del blanco y negro da como resultado que te detengas a mirar ese cuadro una y otra vez”. Incluye materiales diversos que van desde el uso del carbón y la sal como un elemento muy visible en la muestra, así como también la presencia de la madera y el uso de ramas extraídas de árboles, además Baroni asegura que dejó de ser analógico para convertirse en un ser más digital. “Yo me siento parte de esta transformación digital y siento que, de alguna manera, eso está plasmado en mi propuesta actual”.

Samuel Baroni ha desarrollado su trayectoria artística a lo largo de más cinco décadas, obteniendo importantes reconocimientos como Primer Premio, III Salón Avellán, Ateneo de Caracas (1975), Segundo premio de pintura, X Salón Aragua, Museo de Arte de Maracay (1985), Bolsa de Trabajo Braulio Salazar, XLV Salón Arturo Michelena (1987), Premio Arturo Michelena, XLVI Salón Arturo Michelena (1988), Premio al mejor conjunto internacional, Festival de Cagnes-sur-Mer, Francia (1996), entre otros. Su obra ha sido exhibida en diversas exposiciones realizadas en Venezuela, Estados Unidos, Colombia, Brasil y Ecuador.

Ricardo Arispe (Barquisimeto, 1980) es un fotógrafo que, según sus propias palabras, ha investigado las formas en que nuestra cotidianidad y nuestro entorno político influyen sobre nosotros. Le preocupan la corrupción, escasez, abuso, violencia y el poder en todas su formas, y suele partir o llegar a una imagen, influenciado siempre desde la fotografía, a la cual suma diferentes medios, técnicas y soportes en pro de hacer llegar el mensaje. Inició su carrera expositiva en 2011 y ha sido merecedor del 3er Lugar en el concurso “Métiers du Monde”, Alianza Francesa, Caracas, Venezuela (2012); 3er Lugar XX Salón de Jóvenes con FIA, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, Venezuela (2017) Finalista del Premio Internacional FELIFA 2018, Buenos Aires, Argentina; y fue seleccionado para formar parte del proyecto editorial Nuevo País de la Fotografía (2019), editado por Grupo Artesano y Banesco, Caracas, Venezuela.

Robert Montilla (Portuguesa, 1976) presenta una propuesta a partir de su pasión por la fotografía y las artes plásticas, que según él mismo afirma, “apunta a sensibilizar la mirada hacia una trama urbana desgastada por su condición socioeconómica, encontrando en el material que la resguarda un contenido plástico inédito (…) Considero que el tiempo, la naturaleza y el uso de los Habitantes realizan gran parte del trabajo sobre el material recuperado de las viviendas, dando paso a texturas y colores, que conjuntamente con la reubicación y superposición de las láminas por mi parte se conjugan tramas y sombras, retratando una Sociedad periférica que fraguó con los años al lado de grandes Metrópolis Sudamericanas”.

La muestra “4 Cuartos. Primeridad” estará en exhibición hasta mediados de septiembre de 2021 en los espacios de Cerquone Gallery, ubicada en la avenida San Felipe de La Castellana, quinta 117, Caracas. El horario es de martes a domingos, de 11 am a 5 pm. en semanas de flexibilización, mientras que en las semanas de confinamiento radical será por citas a través del teléfono 0424-6019251

Entre las 36 propuestas artísticas seleccionadas

José Vivenes, Génesis Alayón y Raúl Rodríguez  son los ganadores  del concurso de arte contemporáneo «La Trayectoria Inédita»

El jurado de premiación de  «La Trayectoria inédita. Mirar al mundo de nuevo», dio a conocer los nombres de los artistas ganadores de los tres premios del concurso de arte contemporáneo convocado el pasado mes de marzo.

En transmisión en vivo por IG Live, la curadora del concurso, Lorena González Inneco, leyó el veredicto que otorgó, por unanimidad, a José Vivenes por “Hartazgo de la fauna”, Génesis Alayón por “Meridiano de la Villa” y Raúl Rodríguez por “Nowhere” el primero, segundo y tercer lugar, respectivamente. 

Asimismo, el jurado integrado por los curadores Tahía Rivero y Félix Suazo, y por la artista Magdalena Fernández, decidió conceder 3 menciones honoríficas a los artistas Salomé Rojas por “Morir en la orilla”, Rafael Arteaga por “Itertropismo” y María Virginia Pineda por “Su majestad vegetal”.

Después de casi un día completo de deliberación, tuvieron la difícil tarea de seleccionar entre las 36 propuestas artísticas que conforman la exposición que se exhibe actualmente en los espacios de Hacienda La Trinidad Parque Cultural, en el marco de las celebraciones del V centenario de la primera circunnavegación del globo. 

Según consta en el acta del veredicto, el jurado reconoció “la pertinencia y calidad de los proyectos expuestos, tanto en su formulación conceptual como en su ejecución artística”.

Los ganadores y sus obras

José Vivenes, (Maturín , 1977), quien actualmente reside en Caracas y es licenciado en Artes, Mención Pintura, resultó ganador del primer lugar con “Hartazgo de la fauna”, una sátira visual que, en técnica de collage, ironiza la herencia historiográfica y el sarcasmo de la historia escolar. La obra, que parodia en fragmentos la animalidad y aspereza humana, fue reconocida, tal como expresa el veredicto “por plantear una óptica de resistencia que pone en tensión el régimen estético y simbólico dominante, abordando la percepción del entorno como un hecho político”. 

Respecto a su obra ganadora, Vivenes expresó:  “Este premio ha sido una sorpresa para mí por la calidad de todos los artistas (…) Ya venía trabajando la historiografía y la universalidad de las cosas con una serie de National Geographic y otras revistas. Me pareció pertinente el concepto de la vuelta al globo con el tema de la herencia, de lo que hemos heredado, y lo volqué en esta propuesta, adecué ciertos elementos  y fui navegando sobre ella ”. 

Génesis Alayón (Maracay , 1995), vive y trabaja entre Mérida, Villa de Cura y Caracas. La joven pintora, estudiante del  último semestre de Artes Visuales en la Universidad de Los Andes se alzó con el segundo lugar “por explorar la memoria colectiva, el entorno y la fragilidad, proponiendo una travesía de vivencias que recoge la historia de una localidad y sus habitantes en una suerte de viaje al origen”, según se explica en el acta.  Su obra “Meridiano de la Villa” es una instalación en pared compuesta por un dispositivo que sostiene 12 telas pintadas por ambas caras con pintura de caucho donada por 24 personas de distintas partes de Villa de Cura — el sitio geográfico que ubica al meridiano que rige el huso horario de Venezuela— quienes forman parte de esa historia contenida en su propuesta. 

Tras el anuncio expresó: “Me siento muy honrada de haber ganado este premio y es un logro importante  ser parte de un evento como este que, más allá de ser un concurso, es un intercambio horizontal con artistas a los que admiro (…) Ha sido una experiencia estimulante, la convocatoria coincidió con una etapa de nuevas búsquedas en mi trabajo plástico que se relacionan con el planteamiento del concurso”.

El joven comunicador visual, artista multidisciplinar y performancista, Raúl Rodríguez, (La Victoria, 1994), quien vive en Caracas, se hizo merecedor del tercer lugar con “Nowhere”, un performance en el  cual el artista permanece de pie, rodeado por cuatro astas (sin banderas) que apuntan en ángulo de 45° de forma concéntrica sobre su cuerpo,  limitando las posibilidades de movimiento. La propuesta fue premiada por el jurado “por enfocar la condición de asedio a la que están sometidos los individuos en cualquier sitio, producto de limitaciones territoriales y políticas”.

Respecto al resultado del veredicto señaló: “Más que por mí ,me alegra que se premie el performance, que generalmente ha tenido presencia en concursos y exposiciones, pero no  reconocimientos como este (…)  Vengo trabajando el tema de la migración desde antes y el planteamiento de quedarse, en lugar de irse, es cónsono con mi propuesta . Mi paso por este concurso me deja un compromiso aún mayor con el arte”.

Propuestas con menciones honoríficas

La artista Salomé Rojas (San Cristóbal, 1996), quien vive en Bogotá,  fue reconocida con una Mención de Honor por su obra “Morir en la orilla” , una instalación en la que, en una mezcla de gambiarra y programación básica, usando piezas viejas de motor, una placa de microcontrolador y material descartado, se ensamblan  dos pequeñas máquinas que giran sobre su propio eje. Según el jurado fue reconocida “por remitir a la idea del naufragio como la posibilidad de un comienzo y reivindicar la fuerza poética de la travesía”.

“Es mi primera exposición en Caracas y es una gran manera de empezar (…) Estoy muy contenta con la noticia y, sobre todo, muy agradecida con todo el equipo de montaje, curaduría  y logística porque fue todo un reto hacer llegar la obra a Venezuela con la difícil situación actual, armarla a distancia con motores, programación y piezas muy específicas, que requirieron  bastante producción en Caracas. Era un desafío tanto el montaje como el diálogo con las otras obras e hicieron un excelente trabajo”, comentó la artista.

Rafael Arteaga (Caracas, 1986) también recibió Mención de Honor por “Itertropismo”, una propuesta conformada por 16 pinturas en pequeño formato que simulan un conjunto de fotografías polaroid. Insertas en las láminas de un álbum fotográfico son el resultado de un viaje realizado a dos puntos geográficos de los andes venezolanos. A manera de bitácora, de archivo gráfico, en cada imagen está representada una jornada del viaje desde el día cero hasta el retorno. El veredicto destacó esta obra “por su registro de memorias de viaje, utilizando lenguajes aparentemente opuestos donde la pintura y la fotografía alegorizan la laxitud analítica y la instantaneidad, respectivamente”.

En cuanto al concurso Arteaga afirmó: “Ya quedar como participante fue bastante motivador y poder aportar un grano de arena a un proceso de reflexión como este  (…) Era un proyecto que ya tenía tiempo desarrollando sobre el tema del viaje, cómo hacer un registro distinto a partir del confinamiento… Fue un concurso importante, muy bien pensado para este tipo de proyectos que implican investigaciones más profundas. Una convocatoria muy acertada que se vio reflejada en todas las propuestas presentadas”.

La tercera mención honorífica fue otorgada a María Virginia Pineda (Mérida, 1980) quien vive en Caracas, por “Su majestad vegetal”, una serie gráfico-textil que reconoce las cualidades categóricas de la naturaleza, atribuyéndole rango de realeza a especies vegetales con poco o nulo valor comercial y que ofrece una reflexión en torno a la verdadera importancia del reino vegetal, no ligada al consumo, sino al equilibrio que brindan sus procesos para el desarrollo de la vida sobre el planeta. Recibió esta mención “por plantear una crónica del entorno a través de una heráldica vegetal donde convergen la majestuosidad visual y la palabra”.

Para la artista “Ha sido una gran satisfacción participar en un concurso de arte de tan alto nivel (…) Ya venía trabajando el paisaje, pero a raíz del concurso pude reflexionar sobre el rol de los seres humanos dentro de ese paisaje, y de allí se fortaleció la idea que estaba desarrollando durante la primera etapa del confinamiento por causa de la pandemia.  Mi paso por esta experiencia  me ha ayudado a ampliar mi investigación artística con una mirada, además de contemplativa, mucho más reflexiva”. 

Tal como lo establecen las bases del concurso, los galardones contemplan un premio monetario para los tres primeros lugares, así como la incorporación de las obras ganadoras al grupo de piezas pertenecientes a la Embajada de España en Venezuela.

La exposición, organizada por la Consejería Cultural de la Embajada de España en Venezuela en alianza con Hacienda La Trinidad Parque Cultural (HLTPC), bajo la curaduría de Lorena González Inneco y la museografía de José Luis García, abrió al público el pasado 5 de agosto y podrá ser visitada hasta el 10 de octubre 2021 en Casa Hacienda, Secadero 3 y 7  de HLTPC, martes a domingo de 10:00 am a 5:00 pm, solo durante las semanas flexibles y acatando todas las medidas de bioseguridad.

La Delegación de la Unión Europea invita a disfrutar del espectáculo infantil “El Viaje: de Europa a Venezuela en cuentos y canciones”

Con motivo de la temporada vacacional se presenta esta obra junto a Mi Juguete es Canción, Kumaco Producciones y El Galpón del Arte, una propuesta para niños de 0 a 100 años, con la que se busca mostrar la herencia que ha dejado el continente europeo en la narrativa y música infantil de Venezuela

Caracas, 17 de agosto de 2021. Desde la Delegación de la Unión Europea invitamos a los niños y familias a abordar un vuelo muy especial, que durante las próximas semanas estará tripulado por el equipo de Mi Juguete es Canción y Kumaco Producciones, con la participación de El Galpón del Arte. ¡Abróchense los cinturones! porque pronto vamos a iniciar “El Viaje”, un recorrido por algunos de los cuentos y canciones que un día trajeron los migrantes europeos y que ya forman parte del patrimonio venezolano.

Las cuatro funciones gratuitas de este increíble espectáculo se llevarán a cabo en las semanas flexibles en diferentes espacios de la ciudad de Caracas, con motivo de esta época de vacaciones escolares. Se trata de un espectáculo muy cuidado y lleno de detalles, donde las historias y la música de Italia, España, Francia, Dinamarca… harán volar la imaginación de todos.

“El Viaje: de Europa a Venezuela en cuentos y canciones”, tendrá su primera escala en el Museo de Arte Popular Bárbaro Rivas, en Petare, el sábado 21 de agosto. Ese mismo fin de semana, el domingo 22, el público de San Bernardino podrá disfrutarlo también en el Museo de Arte Colonial Quinta de Anauco.

La programación se extiende hasta la siguiente semana flexible, con dos nuevas presentaciones en la Plaza Bolívar de Chacao el viernes 3 de septiembre; para culminar el sábado 4 con la representación en el Centro de la Diversidad Cultural, en la Urbanización Los Rosales.

El acceso a todas las funciones es libre hasta completar el aforo, y será necesario asistir con mascarilla, siguiendo las medidas de cuidado y bioseguridad ante el Covid-19.

Un espectáculo con muchos detalles

La imaginación, los valores y la emoción están muy presentes en este espectáculo, que combina teatro, música, canciones y cuentos, y que también trae algunas sorpresas. La mayor parte del elenco son los niños y adolescentes que forman parte del programa de formación en artes Mi Juguete es Canción.

Además, es un espectáculo para todo público que fomenta la integración, pues cuenta con interpretación en lengua de señas venezolanas, para que el público con dificultades auditivas lo pueda disfrutar.

Calendario de las presentaciones

Sábado 21 de agosto

Lugar: Museo de Arte Popular Bárbaro Rivas (Zona Colonial de Petare).

Hora: 3:00 pm.

Domingo 22 de agosto

Lugar: Museo de Arte Colonial Quinta de Anauco (Urb. San Bernardino).

Hora: 3:00 pm.

Viernes 3 de septiembre

Lugar: Plaza Bolívar de Chacao.

Hora: 4:00 pm.

Sábado 4 de septiembre

Lugar: Centro de la Diversidad Cultural (Urb. Los Rosales).

Hora: 11:30 am.

Para cada espacio será necesario registrarse y la información de registro será suministrada a través de las redes sociales de la Delegación UE (@UEenVenezuela en Twitter, Instagram y Facebook), y en el perfil de Instagram de Mi Juguete es Canción (@mijuguetescancion) y Kumaco Producciones (@kumacopro).


El fotógrafo Alejandro Sayegh inaugura exposición “La Danse”

• Enmarcada en el Convenio para la Programación Cultural, suscrito entre el Conservatorio de Música y Danza Alberto Requena y la Fundación ArtesanoGroup.

(Desirée Depablos/CNP 4.762) Bajo el título “La Danse”, será inaugurada una exposición del fotógrafo Alejandro Sayegh, el próximo viernes 27 de agosto de 2021, a las 5:00 pm en el Conservatorio Alberto Requena, ubicado en Los Robles, isla de Margarita.

Con esta muestra se da inicio a un ciclo de exposiciones en el marco del Convenio para la Programación Cultural, suscrito entre el Conservatorio de Música y Danza Alberto Requena y la Fundación ArtesanoGroup.

Así lo dio a conocer Carmen Julieta Centeno, presidenta de la  Fundación Artesanogroup, al agregar que con este convenio, ambas instituciones se  unen para diseñar, promover y ejecutar  proyectos participativos, de impacto significativo en la comunidad, en materia de artes, cultura y educación.

Más que una mirada, una conexión con el Ballet

La muestra es un compendio de 16 imágenes captadas por el lente de Alejandro Sayegh a través de las cuales el fotógrafo nos presenta su visión del Ballet. Ha sido un largo camino que comenzó con Ballet la Mar luego de cubrir eventos de Flamenco y Danza Oriental por un tiempo.

«Sentía que estaba preparado para el desafío, había descubierto para ese momento, lo que creo es el más fundamental de los aspectos al intentar fotografiar la danza – escucha la música y ‘dispara’ por oído- ese mantra me enseñó que fotografiar la danza no tiene nada que ver con ‘cazar’ el instante decisivo como generalmente lo hacemos, visualmente, si no que implica conectarte con la música que da vida al movimiento porque después de todo, la danza es la ‘desambiguación’ de la música, es la transformación de la abstracción emotiva a la figuración cadencial del movimiento apreciable por la vista y que llega directo al alma», dice Sayegh

Agrega Sayegh que la conexión con la música, le reveló al Ballet y comenzó a intuir primero cuando aparecerían esos instantes claves e incluso cuando descansar. Esa intuición se transformó en conocimiento y ha evolucionado a través del tiempo. «Aprendí que para fotografiar la danza debes bailarla mentalmente para visualmente anteponerte a los pasos de los bailarines. No bailaré en cuerpo pero sí en espíritu»

“La Danse” se exhibirá hasta enero de 2022 en el Conservatorio de Música y Danza Alberto Requena, ubicado en Los Robles, isla de Margarita. El horario es de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 6:00 p.m.

Continúa exposición virtual de Raúl Cardozo en la plataforma Vortic

Un conjunto de 13 obras del artista venezolano Raúl Cardozo inspiradas en la visión cabalista de la creación, integran la exposición virtual “OR by Raúl Cardozo”, que estará presentando la Fundación Govea-Meoz hasta el 31 de agosto de 2021, en la plataforma digital Vortic a través de vortic.art.

Bajo la curaduría de Maria Teresa Govea-Meoz, la muestra conjuga fotografía, piezas tridimensionales y videoarte, para ofrecer “un fascinante recorrido por ‘El Árbol de la Vida o Sefirótico’, una parte universal de la Kabbalah originado como una llave para descifrar todos los misterios de la creación, una fuente inagotable de inspiración”. 

En palabras de la curadora, “Los elementos del lenguaje artístico, como son las alegorías y los símbolos utilizados, están muy estudiados en su relación con los cambios sociales, hacen referencia a la utilización de la imagen de la mujer para construir el imaginario colectivo sobre las figuras icónicas de las Sefirot, del recorrido laberíntico, el lapidario astrológico y la invocación frecuencial capturada que transcurre en la conciencia del hombre”. 

“En OR by Raúl Cadozo las representaciones están llenas de simbolismo complejo que nos remiten a la belleza contemporánea, ofrece una reflexión sobre estas consideraciones aportando nuevos discursos en la búsqueda donde se evidencia esta ‘nueva’ visión, al misterio primigenio y la vida desde lo más profunda estilización de los conocimientos. OR es la revelación de la luz del artista en su plenitud como creador, para conectarnos con la chispa divina que llevamos por dentro”, afirma la curadora de la muestra.

Artista visual, escultor y diseñador industrial egresado del Instituto de Diseño Caracas, Raúl Cardozo (Caracas, 1986) Ha participado en más de 35 exposiciones colectivas  a nivel nacional e internacional y tres individuales, la última  Umbrales de la serie Universo Flotante (2021)  en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia M.A.C.Z.U.L. desarrollando una importante trayectoria artística, así como también en la Feria Internacional Pinta Miami, ArtBasel. Su trabajo está representado en diferentes colecciones como la Colección de arte de la ONU, la Colección Banesco, la Colección Cohen Gruszka, la Colección Fundación Govea-Meoz, entre otras. En el 2016 fue la imagen, con su obra “Elevation”, del 10o Taller de Derecho Espacial que organiza el Comité para el uso pacífico del espacio ultraterrestre de las Naciones Unidas (ONU). Actualmente desarrolla su trabajo creativo y de producción de obras en Caracas, Bogotá, Miami y Madrid. 

La muestra virtual de “OR” by Raúl Cardozo podrá ser apreciada hasta el 31 de agosto de 2021, a través del link https://vortic.art/exhibitions/or-by-ra%C3%BAl-cardozo-2726 en la página web de Vortic, plataforma virtual con base en Londres/ Inglaterra, que  apoya a galerías e instituciones con experiencias digitales de la más alta calidad para sus coleccionistas y audiencias, ofreciendo tecnología de punta para complementar y fortalecer la experiencia física de disfrutar del arte.

Grandes nombres de la música venezolana se unen en un concierto irrepetible

Cheo Hurtado, Trina Medina, Betsayda Machado, Miguel Delgado Estevez, Aquiles Báez, David Peña, Cecilia Todd, Daniel Somaroo y Francisco Pacheco, son apenas algunos de los artistas que participan en esta celebración de la trayectoria del destacado cultor Ángel Palacios que,en doble función, se realizará en la Sala de Conciertos del Centro Cultural BOD

Ángel Palacios. Entre Amigos: 50 Años de amor por la cultura popular es el nombre del espectáculo que agrupa lo más granado de la música tradicional venezolana en un solo espacio.

El sábado 4 y  el domingo 5 de septiembre, el Centro Cultural BOD servirá de escenario para celebrar la carrera de este importante cantor popular, quien podrá cubrir gastos médicos con lo recaudado en el concierto.

Francisco Pacheco, Betsayda Machado, Aquiles Báez, Cheo Hurtado, Trina Medina, Huguette Contramestre, Daniel Somaroo, David Peña, Miguel Delgado Estevez, Luisana Pérez, Cecilia Todd, Marta Doudier, Jorge Torres, Tabaire Díaz, Alida González, Orheo Gómez, Antonio Clemente, Wilfredo Mendoza y Adrián Oscar Lista, entre otros, entonarán distintos géneros de la música tradicional venezolana en un  canto de amor y amistad hacia este cultor popular, solista de agrupaciones como Convenezuela, Costa Caribe, Vasallos del Sol, Los Parranderos de Mendoza y más recientemente, La Parranda Selecta, que también estará presente en esta fiesta.

“Saber que tantos artistas importantes están aportando un granito de arena para que se realice este concierto, en el que se van a recaudar fondos para comprar medicinas en pro de mi salud, y están haciéndolo sin cobrar un centavo, solo porque me conocen, me llena de mucha emoción y gratitud… significa bastante en mi vida”, ha dicho Palacios conmovido por la receptividad que ha tenido el espectáculo.

«El público vibrará con parrandas, sangueos, cantos de sirena, tambor mina, culo ‘e puya, joropos, malagueña y calipsos, entre otras sorpresas, que incluyen música y danza tradicional venezolana y latinocaribeña», agrega el cantante y promotor cultural, egresado de la Escuela de Artes de la UCV quien, desde antes de cumplir de 15 años de edad, comenzó a poner su voz y alma en velorios de Cruz de Mayo –que aun organiza—, tamunangues, fiestas de San Juan y cuanta celebración tradicional existiese.

El espectáculo, realizado en coproducción con el Centro Cultural BOD,  cuenta con la dirección musical de Javier Marín, la dirección coreográfica de Yaritza Tineo y Dervy Palacios, y la dirección técnica de Julio Méndez.

Esta imperdible cita con lo mejor de nuestra música es el próximo sábado 4 de septiembre, a las 4:00 p.m. y el domingo 5, a las 11:30 a.m. Las entradas están a la venta en ve.Ticketmundo.com y en las taquillas del teatro.

Más información a través de @CCulturalBod en las redes sociales. También pueden seguir al artista en su cuennta de Instagram: @angelpalast.

Luis Gerardo Mármol Bosch: Un matemático que escribe desde el alma

El viernes 3 de septiembre vía Zoom, a las 3:30 pm, hora de Venezuela, el poeta Alejandro Sebastiani Verlezza, presentará el «Tercer libro de los entusiasmos» de Luis Gerardo Mármol Bosch, el cual es el poemario #33 de la Colección OT Poesía de Oscar Todtmann editores, iniciada en 2014 bajo la dirección de la periodista y editora Luna Benítez.

El poemario «Tercer libro de los entusiasmos» de  Luis Gerardo Mármol Bosch, PhD en Matemáticas, incita a meditar acerca del macro cosmos de las matemáticas como ciencia deductiva y su relación con la palabra poética; esa analogía propicia la reflexión sobre los misterios y  la complementariedad de tales lenguajes. Sus bifurcaciones nos acercan a la escritora rusa Sofía Kovalevskaya (Moscú 1850—Estocolmo 1891), cuya obra confirma la solidez de la palabra poética en correspondencia con la embriaguez de las matemáticas y también a la inversa. Así lo afirma: «Es imposible ser matemático sin tener alma de poeta (…). El poeta debe ser capaz de ver lo que los demás no ven, debe ver más profundamente que otras personas. Y el matemático debe hacer lo mismo». No hay dudas, que en el poemario de Mármol Bosch se revelan las densidades de un alma que profundiza en realidades y emanaciones que el poeta ha calificado con el término «entusiasmos», que en griego es inspiración divina, algo sublime. Y de este modo lo expresa el poeta: «He pensado dar el nombre de ‘Entusiasmos’ al conjunto de mi obra poética, un poco a la manera de Baudelaire, Whitman, Pound, Guillén o Juarroz. El término ‘entusiasmo’ no debiera tomarse por una suerte de manía o euforia más o menos incontrolada o banal, monocromática y monocorde. Esta palabra griega podría traducirse más o menos literalmente como ‘estar en Dios’. Es inconmensurable la cifra de estados o movimientos del alma y del espíritu que el rapto anima o desencadena. ¿Cómo podría entenderse una palabra como ‘entusiasmo’ de manera unívoca?». 

A estas reflexiones y estremecimientos del «Tercer libro de los entusiasmos» de  Luis Gerardo Mármol Bosch, se suman dos significativas voces de nuestra poesía. 

El maestro Alfredo Chacón quien ha escrito en la contraportada: «En sus libros «Purgatorio», de 2011 y «Entusiasmo», de 2016,  consistía hasta ahora el aporte de Luis Gerardo Mármol a la poesía venezolana surgida en el nuevo siglo-y-milenio, y en ellos se sigue sustentando su responsabilidad con el poema. Así nos lo confirma este «Tercer libro de los entusiasmos» que ahora, y en buena hora, nos entrega. En él se mantiene la altura poética alcanzada, se agregan a la dicción poemática consistentes matices que reiteran la vocación por el espiritualismo universalista, y se prolonga justificadamente la modalidad expresiva del poema breve que había iniciado el segundo de los poemarios mencionados».

Y señala el poeta Alejandro Sebastiani Verlezza en el pórtico del libro que  la pregunta es el mejor medio expresivo de Mármol Bosch: «las preguntas que emanan de su poesía vienen a ser una suerte de principio axial. Así el poeta abarca una amplia variedad de registros: desde la síntesis aforística, la contestación, la glosa y la conversación, hasta el poema de largo aliento, en ocasiones muy cercano al monólogo interior. Y más que las preguntas, Mármol Bosch se adentra en sus preguntas, las más entrañables, las que llevan dentro de sí muchos asentimientos, exclamaciones y desarrollos de considerable prominencia metafórica, siempre con una dicción líricamente honda, sensorial, analógica. El poema, para Mármol Bosch, más que el desarrollo de una exclamación, como lo proponía Paul Valéry, suele encerrar preguntas que va ramificándose y expandiéndose. Un pasaje del «Tercer libro de los entusiasmos» lo hace evidente: ‘¿Quién hace preguntas/cuando celebran sus bodas el Cielo y la Tierra?’».

El poemario «Tercer libro de los entusiasmos» de Luis Gerardo Mármol Bosch es el trigésimo tercer libro de la  colección OT Poesía, bajo el cuidado de la editora y periodista Luna Benítez, la coordinación editorial de la poeta y periodista Kira Kariakin y la difusión en medios y redes de la periodista y diseñadora María Verónica Marcano. El diseño corresponde a Carsten Todtmann y Pascual Estrada y rinde homenaje al diseñador gráfico Emil Ludwing Weiß creador de la imagen de los libros Insel Bücherei. La portada, realizada por Carsten Todtmann, refleja ambos infinitos: el de la poesía, el de las matemáticas. El retrato del poeta es de Vasco Szinetar. Las palabras de la contratapa y el pórtico del libro corresponden a los reconocidos poetas venezolanos: Alfredo Chacón y Alejandro Sebastiani Verlezza, respectivamente.

«Tercer libro de los entusiasmos» de Luis Gerardo Mármol Bosch está en venta en las librerías de Caracas y Amazon.com 

ALKILADOS PRESENTA SU SENCILLO «DUEÑO DE TUS BESOS» JUNTO A PUMBA DOS SANTOS Y KAPO

“Alkilados presenta «Dueño de tus besos» al lado de Pumba Dos Santos y Kapo, una canción que además de coquetear con el sonido de banda mexicano, tiene una temática diferente que sin duda la hará destacar en el mercado”.

Alkilados, que se ha caracterizado por fusionarse y reinventarse constantemente y ya se habían acercado a estos sonidos al lado de Jessi Uribe y Espinosa Paz (Dicho y hecho y Ven), sin embargo, el caso de «Dueño de tus besos» es el más cercano al sonido

banda mexicano. La letra habla de un hombre que luego de terminar la relación termina convertido en el amante y se da cuenta que durante la relación le hacían lo mismo.

El videoclip toma influencias de el cine negro y los comics. “Yo siento que la historia de la canción habla de una amante serial, que es esa mujer que empata una relación con otra y al que era el oficial lo deja de amante, nos pareció que la metáfora de la asesina en serie -esa que rompe corazones en serie- se acomodaba y se prestaba para hacer un videoclip distinto a todo lo que habíamos hecho” comenta Juanito. Un videoclip divertido y particular que cuenta con una narración ambiciosa que vale la pena ver. Se grabó en la ciudad de Pereira bajo la dirección de Juanito, vocalista de la banda, y fue producido por su esposa Daniela Castillo bajo el sello de la compañía audiovisual Tributo.

«Alkilados ya había coqueteado con este género, pero aquí tiene mucho más protagonismo el sonido puro, estamos muy contentos con el resultado, esta canción llegó a nosotros por invitación de Pumba y fue amor a primera vista, quisimos conservar la idea original con la participación de Kapo, que también es un gran artista» comenta Lucho.

«Dueño de tus besos», es un tema con el que el público se podrá identificar tanto auditiva como visualmente, recordando una mujer del pasado o ¿por qué no? dedicándosela a alguien del presente.

Con la pura playa de Alkilados, el sabor caleño de Pumba Dos

Santos y Kapo y el sonido propio de la música regional sorprenderán al público con «Dueño de tus besos».

El largometraje Dos otoños en París llega a las salas del país

Dos otoños en París iba a ser estrenada el año pasado y luego de mucho esperar, finalmente podrá ser vista en las salas de cine del país a partir del jueves 02 de septiembre. Dirigida por Gibelys Coronado, cuenta con las actuaciones de María Antonieta Hidalgo y Slavko Sorman. Fue producida y escrita por Francisco Villarroel, quien también actúa en la cinta. Dos otoños en París ha recorrido un largo y exitoso camino por festivales de cine internacionales.

Dos otoños en París cuenta la historia de una joven paraguaya (María Antonieta Hidalgo) torturada durante la dictadura de Alfredo Stroessner, quien logra escapar a París, Francia. Desde esa ciudad, continúa su lucha política y se enamora de un joven venezolano (Slavko Sorman) perteneciente a una familia adinerada. Está basada en la novela del mismo nombre, escrita por Francisco Villarroel quien estuvo a cargo del guión, junto a Gustavo Michelena.

La historia original y el guión de Dos otoños en París han sido galardonados por su intensidad dramática. Los premios obtenidos incluyen: mejor película, largometraje y drama, así como actorales tanto protagónicos como secundarios, también técnicos de dirección, fotografía, arte y edición.  

La película ha sido seleccionada en los festivales de Bogotá, donde fue su estreno mundial, Santo Domingo, New Dehli, Rusia, Roma, Australia, Eslovaquia, Estados Unidos, México, Ecuador, Colombia y Chile entre otros, ganando como mejores película en el Festival de Cine Mediterráneo de Cannes, American Golden Picture Internacional Film Festival, Eastern Nigeria Film Festival, New York Film Awards y más de 150 premios artísticos y técnicos, hasta la fecha.

Completan el elenco de Dos otoños en Paris: Juan Belgrave, Jorge Melo, Calique Pérez, además de la participación especial de talentos venezolanos con larga trayectoria como Alberto Rowinsky, Eduardo Gulino, Sonia Villamizar y Raúl Amundaray, en su última gran actuación. La producción estuvo a cargo de Mob Producciones  

MONÓLOGOS EN CASA.

Monólogos en Casa es una iniciativa que surgió de un grupo de amigos y colegas, colombovenezolanos, profesionales del teatro y del medio audiovisual, como respuesta a la paralización que sufrió el sector cultural bogotano ante la crisis generada por el covid 19. 

Ocho monólogos clásicos, referencia cultural de todos los tiempos, los cuales se encuentran en obras como Salomé de Oscar Wilde, Hamlet, Macbeth , Romeo y Julieta de William Shakespeare,  La Vida es Sueño de Calderón de la Barca, Doña Rosita y la  Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca y Edipo Rey de Sófocles, fueron interpretados por virtuosos actores y actrices de teatro, en el marco de los espacios de sus hogares ( habitaciones, áticos, cocinas, baños, salas, pasillos, rincones, escaleras y patios ), y captados por el ágil  e intuitivo lente de un celular.

Monólogos en Casa, reúne el código teatral con las asequibles posibilidades de grabación y edición que hoy en día nos ofrece la más reciente tecnología móvil, adaptando, de esta manera, contenidos culturales a los nuevos formatos de expresión que se han concebido en los últimos tiempos.

Los artistas que participaron en esta serie son Gladys Prince, Juan Carlos Lira, Alexander Rivera, José Ferrer, Danaé Daneybis, La Nena Duque, Lukas Lukatero y Milla Sánchez.

El equipo técnico lo conforman Paola Herrera (Cámara)  Marco Antonio Alfonzo Guevara (dirección de Arte y Fotografía), Felix Herrera (dirección de fotografía , postproducción y Manejo de Redes), Rolando Nuñez (edición) y Gladys Prince (asistencia). La dirección y producción general corrió a cargo de Verónica Cortez.

La primera temporada de esta serie está conformada por ocho propuestas, las cuales serán publicadas cada quince días por el Canal You Tube TEATRO PINEAL,  a las 7.00 pm Hora Colombia y 8 pm Hora Venezuela. El estreno del primer monólogo, Doña Rosita La Soltera Federico García Lorca, interpretado por Gladys Prince, se hizo el lunes 16 de agosto, con excelente recepción del público. El segundo monólogo, Herodes de la obra Salomé de Oscar Wilde, interpretado por Juan Carlos Lira, se estrenó el lunes 30 de agosto, siempre por el mismo canal y a la misma hora.  El tercero será Salomé de la misma obra de Oscar Wilde, interpretado por la bella y talentosa actriz colombiana Milla Sánchez.  Y así, sucesivamente…

Pasé lo que pasé, un artista nunca para de crear!

Vuelve la obra SIN TÍTULO el sábado 18 y domingo 19 de septiembre en Teatrex El Bosque

Sin Título es un espectáculo de cuatro actores y dos organizadores que buscan crear una obra teatral a partir de la compilación de textos dramáticos de Eugène Ionesco (Los saludos y Escena para cuatro personajes) y Samuel Beckett (Acto sin palabras).El problema es que aunque tienen montadas las escenas de la obra, les falta el nombre del espectáculo. Por eso, acuden al público para nombrarlo ofreciendo un premio especial a cambio. Esta obra fue producida en el marco del Festival Teatral de Universitarios (FESTEUS), como el único evento presencial del mismo y fue estrenada en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural.

FESTEUS es un evento organizado por estudiantes y egresados universitarios que ha sido desarrollado para celebrar la unión entre el teatro y los estudiosos del mismo para motivarlos a la realización teatral. Desde el 19 Abril de 2021 se presentaron ponencias en vivo por YouTube con hacedores de teatro como Javier Vidal, Héctor Manrique y Antonio Delli. Las ponencias siguen disponibles en el canal de FESTEUS y Sin títuloes una pieza que cerró exitosamente el festival. Además, tuvo una excelente recepción del público, lo que nos hace seguir adelante con el espectáculo en nuevos espacios.

El reestreno de la obra de forma presencial será en Teatrex El Bosque para continuar con la temporada, y realizar dos funciones en sus instalaciones. Los directores de este montaje son Oscar Villanueva y Camila Rodríguez, estudiantes de la Escuela de Artes de la Universidad Central de Venezuela; y cuenta con las actuaciones de los noveles actores César Castillo, Rohan Montilla, María Elena Sánchez e Isvannis Hernández.

Sin Título será presentado el 18 y 19 de septiembre a las 5:00 pm en Teatrex El Bosque.

Pura Danza Live anuncia ganadores 

Pura Danza Internacional, anunció los ganadores de su octava edición y segunda online, destacando nuevamente bailarines del Ballet de la Mar con las puntuaciones más altas de la competencia.

En tal sentido, según informó Daniel Riveros, productor del evento,  en la División Clásico, la puntuación más alta la recibió Daniel Guzmán, con 9.16 y en la División Moderno, la puntuación más alta la recibió Kamila Rodríguez, con 9.31, ambos bailarines de Ballet de la Mar.

Pura Danza Live, contó con la participación de 183 bailarines de: Venezuela, Colombia, Perú, Brasil, México, España y Rumania, quienes se midieron ante un exigente jurado calificador, conformado por maestros: Rumen Rachev, Carlos Paolillo, Alexey Minkin, Martha Ildiko, Stella Quintana, Ernie Prinz, Carmen Vercelli y Elías García.

Los ganadores recibieron  premios en metálico y las otras categorías, becas de formación en distintas instituciones, cursos intensivos de verano e implementos para la danza.

En la competencia de la categoría pre infantil, Nicolás Librais de Brasil, obtuvo Oro y 150$ , mientras en la categoría infantil, la Rumana  Anastasia Dragusin, se llevó la medalla de oro y 150 $.  En  juvenil, el venezolano Douglaris Ron Oro y 200$. Mientras en categoría Avanzado, el venezolano Daniel Guzmán, se alzó con la medalla de oro y 250$, y la mexicana Angeline de Jesús Montes Martínez ganó oro y  300$ en la categoría profesional.

Por otra parte en el renglón  Moderno, categoría pre infantil,  Nicolás Librais, de Brasil ganó oro y 150$, en infantil hubo un empate entre Anisha Colmenares Adalid y Arianna Zerpa, ambas de Venezuela, quienes ganaron oro y 150$ cada una . En juvenil  Luna Bonilla Duque, de Colombia se llevó la medalla de oro y 200$, en Avanzado Valentina López Fernández de Venezuela  ganó oro y 250$ y  en profesional, Kamila Rodríguez de Venezuela se alzó con oro y 300$

Nuevos proyectos

Para concluir dijo Daniel Riveros, productor de Pura Danza Internacional,  que ya comenzó la convocatoria para el próximo evento que presentarán. Se trata de VILIF” Videodanza Live Fest 2021 en su primera edición, un Festival de Videodanza organizado por Puradanza Internacional, con participación abierta a personas naturales, jurídicas, compañías, grupos, organizaciones, academias y escuelas, de cualquier lugar del mundo. sin importar la edad. Además puede participar cualquier género dancístico, incluyendo moderno, ritmos latinos y danza folklórica.

Para mayor información los interesados pueden consultar la web http://www.puradanzainternacional.com o @puradanzainternacional en instagram

“Entre Música y Motos” despega en La Tele Tuya 

Desde el 29 de agosto, el canal venezolano TLT (La Tele Tuya), ofrece un nuevo espacio en su programación que combina la buena música con la pasión por la cultura del motociclismo: «Entre Música y Motos». Este novedoso programa es transmitido los días domingos, después del Campeonato Mundial de Motociclismo «Moto GP» de acuerdo a su calendario de carreras y cuenta con Víctor Morón como moderador.

«Entre Música y Motos» es un programa dirigido a una audiencia de todas las edades y durante una hora se podrá disfrutar de entrevistas a personajes involucrados con ambas áreas, música y motos a través de las secciones:

•          Entrevista a personalidades del mundo motero (MC, Racing, Motocross, Mecánicos y dueños de tiendas)

•          Tips de mecánica ligera para mantenimiento de motos y videos con música de agrupaciones extranjeras basadas en la vida motera.

•          Entrevista a músicos de género del rock, pop y electrónica, mostrando temas en vivo en formato «Live Session» o un «Vídeo» o dos «Live Sessions» grabados en vivo en los estudios Backstage Latinoamerica C.A. (estudiosbackstage.com)

Este programa es moderado por Víctor Morón y será transmitido por TLT (La Tele Tuya) los días domingos después de la Moto GP en las próximas 7 carreras con repeticiones en la semana, y luego 6 domingos más hasta completar los 13 programas de la temporada. También será publicado en el canal de YouTube de Back Live TV todos los días domingos a las 8:00 p.m. y quedará en el canal publicado indefinidamente.

“Con este programa atiendo dos segmentos que me apasionan, las motos y la música. Siempre estuve pendiente de las motos y debido a los estudios Back Stage, llevo mi relación con la música, entonces quise hacer un programa de entrevistas dedicado a la vida del motero de cualquier género, moto grupo, racing, vespa, motocross, etc, para explicar cómo es el estilo de vida del motero en Venezuela. A eso le agregamos la música que ha sido una de mis predilecciones. La idea era hacer una entrevista a un motero y en el segundo segmento a un músico, con música en vivo incluida”, agregó Víctor Morón.

En el primer programa del 29 de agosto estuvo como invitado Corleone, Presidente del MC Legion Condor, Capitulo Caracas y la banda venezolana de Rock/Blues, Arrecho, acompañado de una entrevista a su fundador y cantante Franklin Zambrano. Pueden disfrutar del vídeo promocional aquí: https://www.youtube.com/watch?v=vNCfsYcPIHo

Para el segundo programa que se transmitirá este domingo 12 de septiembre después de la Moto GP.  En esta oportunidad tendrá como invitado a Elias Obadia, Vicepresidente del Grupo Motero Pasión Benelli en Caracas y por la parte de la música estará el productor musical Gabriel Baptista conocido como “DJ Unnidirectional”, con su propuesta musical de Electrónica House Experimental. 

“La idea también es ayudar a quitar esa mala imagen de las personas cuando ven un grupo de motos, con los chalecos con parches de calaveras o los racing manejando a todo dar, quiero humanizar un poco la vida del motero, así como darle un espacio al talento musical venezolano, algo que se ha perdido muchísimo. Quiero dar mi grano de arena con los artistas que están en Venezuela, surgiendo y trabajando por el país. Dentro de la idea de todo esto, creamos un canal de youtube llamado Back Live, que como su nombre lo dice, muestra la vida de los estudios Backstage y de quienes allí trabajan con sus pasiones, así que habrá podcasts y también transmisiones en vivo, en conjunto con Backstage valencia, ambos equipos trabajando juntos”, explicó Morón. 

TLT (La Tele Tuya) se puede ver por los canales de servicio de cable venezolanos:

Movistar TV: 143. Simple TV: 119 . TDA: 23.02. CANTV Satelital: 9. Netuno: 115. Inter: 19. Inter Satelital en HD: 103

Fuente: Prensa Cresta Metalica

EL ARTE VISUAL DE JUVENAL RAVELO LLEGA A LA PROGRAMACIÓN ESPECIAL DE LOS 80 AÑOS DEL CVA

En septiembre el Centro Venezolano Americano ofrece una extensa programación de actividades, entre las cuales se encuentra la inauguración de la exposición virtual “Juvenal Ravelo: Geometría cinética en 8 bits”.

La celebración del 80 aniversario del CVA en septiembre está encabezada por la exposición “Juvenal Ravelo: Geometría cinética en 8 bits”, primera muestra digital de este venezolano, ganador del Premio Nacional de Cultura de Venezuela 2006-2007 Mención Artes Plásticas.

Esta compilación de obras, elaboradas específicamente en formato virtual por Ravelo y disponibles en línea desde el 12 de septiembre, se presentará con una intervención urbana de la arquitectura del CVA en fotografía 360, exhibiciones en las salas digitales de la Universidad Católica Andrés Bello y en el secadero virtual de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, y un registro en 360 del mural de Ravelo en la Avenida Libertador.

“Antes trabajaba con las herramientas de un carpintero. Ahora, es impresionante cómo una máquina puede hacerlo siguiendo las órdenes de una computadora. Claro, previo al boceto, porque la creatividad la tiene el artista, no la máquina” – Juvenal Ravelo.

Con el apoyo de aliados del CVA como el Centro Cultural UCAB, la Hacienda La Trinidad, AWA Cultura, Centro de Arte Daniel Suárez e Incubadora Visual, “Juvenal Ravelo: Geometría cinética en 8 bits” cuenta con la curaduría de Humberto Valdivieso, el montaje de Ricardo Arispe y los procesos virtuales de Adolfo Alayón.Por otra parte, en alianza con la Fundación Isaac Chocrón, actualmente se está impartiendo con cupos agotados el segundo taller de la Cátedra Abierta de Dramaturgia “Isaac Chocrón” con el magíster Martin Hahn. 

En ese sentido, el jueves 16 a las 5 P.M. se ofrecerá una clase magistral abierta al público con Javier Vidal, sobre lo impartido en la lección: “Crónica roja y dramaturgia en blanco”. Además, vale resaltar que desde el 20 de septiembre, por el correo catedrachocron@centrovenezolanoamericano.org, estarán abiertas las inscripciones para el tercer y último taller de esta cátedra: “Ser o no ser, esa es la cuestión”, donde, a partir del 6 de octubre vía Zoom, la actriz Julie Restifo presentará una innovadora dinámica de preparación actoral en línea, invitando a la reflexión sobre la posición del actor al servicio del personaje y el drama.

Como cierre de la programación de septiembre, el martes 21 a las 5 P.M., el CVA dará continuidad a su exitoso “Ciclo de escritores americanos”, siendo Truman Capote, autor de la novela Breakfast at Tiffany’s, el literato y periodista estadounidense del cual conversará el guionista y novelista Armando Coll en un livestreaming moderado por Karl Krispin, a través de los canales de Facebook, Twitter y YouTube del Centro Venezolano Americano.

En el mes de octubre, por los 80 años del CVA y el 25 aniversario del Circuito Gran Cine, se ofrecerá una programación de eventos sobre el legado del director Orson Welles y la influencia de películas como “Ciudadano Kane” y “Mank”.

Para más información sobre esta actividad, la Cátedra Chocrón y demás iniciativas, puede visitarse @centrovenezolanoamericano en Instagram, y @cvalasmercedes en Twitter y Facebook.

PanHouse promueve concurso literario

La casa editorial venezolana convoca a nuevos talentos a formar parte de esta iniciativa que persigue fomentar la escritura

Con seis años en el mercado, PanHouse se posiciona como la casa editorial venezolana con mayor crecimiento en Latinoamérica. Bajo la dirección del joven empresario Jonathan Somoza, actualmente promociona el concurso literario Letras que inspiran el futuro que persigue rescatar historias inspiradoras que motiven el emprendimiento, el liderazgo y el crecimiento personal.

Para esta primera edición 2021, podrán participar venezolanos o extranjeros residenciados en el país, con conocimientos o no de herramientas de escritura.

“Puede participar cualquier persona que quiera escribir y contar su historia inspiradora, puede ser un escritor o simplemente alguien con deseo de motivar a otros”, explica Jonathan Somoza.

La temática del concurso parte de la premisa “¿qué te inspira a ser mejor y cómo puedes inspirar a otros?” e implica la creación de un texto que promueva el desarrollo integral del lector.

Los interesados en participar en el concurso Letras que inspiran el futuro,  pueden ingresar a la página http://www.editorialpanhouse.com , registrar sus datos junto a una sinopsis de la obra y consignar el texto final, con su título correspondiente. El texto debe ser inédito y original.

La fecha de cierre de recepción de los  contenidos será hasta el próximo 15 de octubre y los ganadores serán anunciados el 30 de noviembre (2021), tras la evaluación de un jurado especializado.

Los tres ganadores tendrán la posibilidad de editar sus textos en formato digital y se les garantizará su distribución en la plataforma Amazon. Quien obtenga el primer lugar podrá presentar su libro también en formato físico.

Con sede en Venezuela, Estados Unidos y Colombia, PanHouse fue fundada en 2015 con un personal 100 % venezolano. En el equipo coinciden redactores, periodistas, diseñadores y editores que apuestan a la excelencia. La casa editorial está conformada por profesionales apasionados por los libros y por posicionar a sus autores en sus respectivos mercados.

PanHouse tiene en su portafolio a autores de España, Panamá, El Salvador, República Dominicana, Estados Unidos, Chile, Ecuador, Colombia y por supuesto, Venezuela. Entre los libros más demandados figuran aquellos que apuntan hacia el crecimiento personal y que se conectan con emprendedores que desean desarrollar su negocio.

En la cuenta instagram @lapanhouse serán anunciados los ganadores del concurso Letras que inspiran el futuro.

En el link  se detallan todas las bases para participar :

MANNEL PRESENTA CON ÉXITO SU NUEVA ETAPA MUSICAL

Una imagen renovada, temas enmarcados entre lo Urbano, el Pop y el R&B, son parte de la actual propuesta de Mannel quien triunfa en Estados Unidos también como compositor y productor.

Tras cerrar por todo lo alto el “Capítulo Final” de A.5, decide presentarle al público de manera formal su nueva propuesta artística ahora llamado “Mannel” quien ha venido trabajando no sólo como cantante, sino compositor y productor para grandes artistas de la industria musical.

“Mannel es la evolución de cada etapa de mi carrera. Es un reflejo de mi perfil actual como compositor, productor y cantante” acotó Manuel Larrad quien se dio a conocer en agrupaciones como “A.5” y “Los últimos de la clase”.

Hoy presenta “Revelada” su tercer tema de esta nueva etapa. La escribió y produjo junto a Jhon Paul “El increíble” en su estudio “La Cueva Records” en Miami. El venezolano Frank Santofimio también colaboró en la letra de este tema que rinde un homenaje a las mujeres que son capaces de superar mal momento en el amor, se empoderan y deciden cerrar esa etapa, revelándose a una mejor posición y siguiendo adelante con sus vidas. “Este tema es un Pop Urbano con una propuesta bien fresca que muestra la nueva cara de mi carrera, que define muy bien mi concepto como artista” resaltó Mannel.

“Ta’ Difícil” un tema R&B fue lanzado a principios de año y “Fuck Cupido” el siguiente tema enmarcado en sonidos de Reggaetón que tuvo bastante receptividad por parte del público y ahora “Revelada” son parte de las tres canciones que Mannel ha dejado ver este 2021, un año que define como punto de partida para mostrar todo lo que ha venido haciendo durante los últimos tres años. “Quiero presentarle al público una propuesta diferente: del Mannel creativo al Mannel interpretativo”, concluyó el artista venezolano que inició su carrera con tan sólo 13 años.

El video de “Revelada” fue filamdo en Miami bajo la dirección del talentoso venezolano Endry Rovaz, protagonizado por la modelo ecuatoriana Fiorella Forines. Quisimos hacer un clip bien natural, mostrando mi nueva propuesta como artista, resaltando mi imagen. Se creó una historia bien sencilla donde la modelo muestra ese lado emotivo de las mujeres empoderadas que deciden quemar una etapa de desamor, superar la relación y seguir adelante.

MANNEL, COMPOSITOR Y PRODUCTOR

Desde su llegada a Estados Unidos, la carrera tomó otro rumbo muy positivo, donde ha podido trabajar de la mano de grandes disqueras como Sony, Warner y Universal, colaborando en producciones y composiciones para artistas como Nicky Jam, Bad Bunny, Reik, Fonseca, Mike Bahía, Chyno y Nacho, Tito El Bambino, Farina, entre muchos más. Canciones como “Raro” para Chyno y Nacho, “Alguien Más” para Andy Rivera, “Este Corazón” de Diego Torres y Fonseca, son parte (entre muchos otros) del catálogo exitoso en el que Mannel ha participado como compositor y productor. Su carrera en este ámbito musical seguirá creciendo y pronto vienen nuevos lanzamientos que llevan su firma

“Mi carrera como compositor inició a los 13 años donde fui firmado por una importante productora para hacerle temas a varias telenovelas y otros artistas” indicó Mannel, quien tuvo la responsabilidad de escribir y producir dos discos para el proyecto musical “Los últimos de la clase” donde participó también como cantante y que lograron gran éxito en países como Venezuela, Perú y Ecuador.

El arte poético de Teresa Gancedo toma la galería Odalys Madrid

La muestra Lo llamaré otro tiempo, lo llamaré otro espacio reunirá, desde el 25 de este mes, más de cien obras de la artista leonesa


Entre marzo y mayo de 1980, el Museo Guggenheim de Nueva York organizó la exposición New Images from Spain, en la que participaron nueve artistas españoles, entre ellos dos mujeres. La leonesa Teresa Gancedo era una de ellas y en su obra, la curadora de la muestra, Margit Rowell, reconoció “una sutil emulsión de subjetividad y objetividad”, una obra que explora el poder de lo simbólico y la expresión del inconsciente.

A partir del sábado 25 de septiembre de 2021, a las 11:00 horas, la galería Odalys, ubicada en Orfila 5, 28010, Madrid, presentará la exposición individual Lo llamaré otro tiempo, lo llamaré otro espacio, que reúne más de cien obras de Teresa Gancedo (Tejedo del Sil, León, 1937), artista en permanente proceso de creación que desde hace cerca de 30 años no exponía en la capital española.

Lo llamaré otro tiempo, lo llamaré otro espacio cuenta con la curaduría de Alfonso de la Torre, teórico y crítico de arte, especialista en arte español contemporáneo, quien escribe sobre el trabajo de Gancedo: “(…) está tocado por la tensión y un permanente requerimiento sobre qué cosa sea la esquiva verdad o las apariencias, lo real o su expresión formal, la historia, el tiempo y sus imágenes. Representación en trance de descubrimiento, tal un desvanecimiento momentáneo, mirada transfigurada, acariciando la representación en suspensión, Gancedo ha sido capaz de transmutar el mundo en un espacio introspectivo, tal phasmas. Excéntrica abstracción, remedando a Lyppard, desvanecimiento de los límites, encadenando historia de arte y vida, e interrumpiéndolo con brusquedad, viajando entre escisiones e incorporaciones, encarnizándose con las imágenes mediante apropiaciones y reapropiaciones, deslizada entre lo presente o el prodigio, su mundo creativo deviene pleno de complejidad y extrañeza”.

Residenciada desde 1960 en Barcelona, donde cursó estudios de Bellas Artes en la Escuela Superior de San Jorge, Gancedo parte de la pintura como impulso expresivo, pero en su proceso el dibujo, el grabado, la cerámica, las instalaciones e intervenciones, en los que también incorpora elementos cotidianos con los que compone un universo creativo tan personal como universal, tan sencillo como poderoso.

En el texto de la exposición que realizó en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla León (Musac), entre 2018-2019, se aportan algunas claves de su obra: “Teresa Gancedo hace volver la pintura al origen, ya no tanto por las referencias primitivistas o románicas de su trabajo, que las hay, como, y sobre todo, por el impulso y la función de dichas pinturas que entroncan con necesidades expresivas, mágicas y religiosas relacionadas con las propias preocupaciones humanas, vinculadas a ritos animistas, simpáticos, votivos o propiciatorios: fertilidad, alimento, atracción de las fuerzas naturales benéficas, sintonía con la divinidad, bienestar espiritual, acciones salutíferas, beneficios vitales de todo tipo”.

“Mis obras no quieren ser críticas ni reflexivas; solo quiero constatar una realidad que ha estado, está o puede llegar a estar en este mundo nuestro, una realidad que yo asumo serenamente y que me gustaría mostrar como un cuestionario lírico de la noción de la vida”, ha dicho la artista.

La obra de Teresa Gancedo se encuentra representada en numerosos museos y colecciones, tanto nacionales como internacionales, entre las que destacan The Solomon R. Guggenheim Museum; ARTIUM; CAAC; MACBA; MACE; MACVAC; MNCARS; MUSAC o TEA.

Lo llamaré otro tiempo, lo llamaré otro espacio permanecerá abierta en la galería Odalys, de Orfila 5, 28010, Madrid, hasta el 14 de enero de 2022. En sala se respetarán todas las medidas de bioseguridad.

La XXI Semana de la Lengua Italiana en el Mundo celebra al poeta supremo Dante Alighieri 

Los profesores universitarios Mariano Palazzo y María Fernanda Palacios estarán a cargo de los coloquios dedicados a conocer más sobre el autor de La Divina Comedia que se transmitirán por internet. Además, los niños tendrán la oportunidad de recibir un ejemplar del libro de cómics del periodista ratón Gerónimo Stilton, en una aventura literaria titulada Mil Maravillas. Un viaje para descubrir Italia. El embajador Placido Vigo dijo estar complacido de compartir con los venezolanos una programación cultural dedicada al padre del idioma italiano

Del 18 al 30 de octubre se celebrará la XXI Semana de la Lengua Italiana en el Mundo con el tema “Dante l’italiano” (Dante, el italiano), para conmemorar los 700 años de la muerte del “poeta supremo”. La programación cultural y gratuita de esta edición en Venezuela combina la distribución de libros, así como la realización de encuentros en línea dedicados a brindar herramientas para comprender al autor florentino. Estas actividades se suman a los tributos que desde las más variadas expresiones artísticas se le dedicarán en los cinco continentes a uno de los maestros de la literatura universal. 

“Nada me complace más que invitarlos a esta Semana de la Lengua Italiana en el Mundo para reencontrarnos con la palabra del hombre que en su búsqueda de la belleza acertó con el código común que nos hace italianos. Dante Alighieri es un poeta espiritual, profundo y sabio. Un escritor de la belleza y la virtud, reconocido también como un teórico de la literatura, filósofo y pensador político”, manifestó Placido Vigo, embajador de Italia en Venezuela. 

Como lo hacían el resto de los escritores de su época y que pertenecían a la élite educada, Alighieri (1285-1321) escribía en latín, pero La Divina Comedia, su impresionante poema futurista recorriendo el “Infierno”, el “Purgatorio” y el “Paraíso”, fue escrito en vernáculo, el dialecto toscano hablado por la gente común de uno de los pequeños Estados que se formaron luego de la caída del Imperio Romano. La decisión de usar el lenguaje “vulgar” no fue una decisión casual: buscaba defender la unidad italiana y reconocer el dialecto del pueblo. En un ensayo titulado De Vulgari Eloquentia (Acerca del habla popular) el poeta reflexionó sobre este asunto.

“Celebrar a Dante, padre de nuestra lengua, de nuestro idioma, significa celebrar nuestra italianidad, el espíritu italiano en todas sus formas a partir de versos y personajes atemporales, cantado por nuestro sumo poeta para conmemorar la identidad de nuestro país actualmente”, afirmó recientemente en una conferencia de prensa Marina Sereni, viceministra italiana de Asuntos Exteriores y de Cooperación Internacional, junto a otros representantes encargados de la organización.

Con dos décadas de trayectoria, la Semana de la Lengua Italiana en el Mundo se ha consolidado como un evento internacional icónico creado por iniciativa de la Accademia della Crusca, que en Venezuela es posible por la organización de la Embajada de Italia, el Instituto Italiano de Cultura de Caracas, bajo el Alto Patronato de la Presidencia de la República Italiana, el Ministerio italiano de Relaciones Exteriores y de Cooperación Internacional, así como por la red cultural y diplomática para la difusión de la lengua y la cultura italiana, en colaboración con el Ministerio de la Cultura, el Ministerio de Educación y Universidades y los principales socios de promoción lingüística en el mundo (Sociedad Dante Alighieri y RAI).

ACTIVIDADES SEGURAS DESDE CASA

En el territorio venezolano, la Semana de la Lengua Italiana en el Mundo se inaugurará el lunes 18 de octubre con el obsequio del libro digital Il 2021 l’anno di Dante Alighieri (2021 el año de Dante Alighieri), una edición especial publicada por el Comité Nacional de Celebración de los 700 años de la muerte del poeta

El libro forma parte de las actividades de “Dante, 700 nel mondo», programadas por el Ministerio italiano de Cultura para 2021 y que contemplan un calendario de más de 500 eventos de las más diversas expresiones artísticas. Se trata de un gran esfuerzo para conmemorar que hace siete siglos, en la noche del 13 al 14 de septiembre de 1321, Dante Alighieri murió exiliado en la ciudad de Rávena.

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Para celebrar de forma justa al genio italiano, hay que acercarse desde diferentes dimensiones a su legado literario. Es por esto que el profesor del Departamento de Lenguas Extranjeras de la Universidad Pedagógica Experimental Libertador, Mariano Palazzo, ofrecerá el miércoles 20 de octubre la conferencia en línea “Suma poética de Dante Alighieri y su relación con los papas”, para compartir una de las muchas lecturas de La Divina Comedia, una obra monumental donde se pueden conocer los tiempos del autor, la historia de la Iglesia y el manejo del poder en los inicios de esta institución que logró sus destierro de Florencia.

La Semana de la Lengua Italiana en el mundo continuará el viernes 22 de octubre con la conferencia en línea titulada “La forza d´un bel volto: Vita nuova y essere umano” (La fuerza de un bello rostro: «Vida nueva» y «Ser humanos»),  a cargo de María Fernanda Palacios, profesora de arte y literatura de la UCV, quien aspira aproximarse al Dante desde la primera de sus obras —Vita Nuova—donde aparece la figura de Beatriz, centro absoluto de la relación entre Amor y Belleza que será luego fundamento del eterno Renacimiento que Italia ha legado a nuestra cultura y al humanismo moderno. En su conferencia la profesora Palacios se propone releer esta poesía observando sus nexos con el arte, la lengua, los mitos del amor y el pensamiento humanista.

El domingo 24 de octubre, el profesor Mariano Palazzo encabezará un conversatorio sobre “El viaje ultramundano de Dante Alighieri como guía de reorientación personal”, otra lectura de La Divina Comedia que se conecta con el recorrido de cualquier mortal a lo largo de su vida con sus tropiezos, inquietudes, interrogantes, confusiones y extravíos. De acuerdo con el docente, el poema es un mapa para ayudarnos a encontrar el camino correcto y salir airosos.

Los encuentros en línea con el profesor Mariano Palazzo y la profesora María Fernanda Palacios se transmitirán los días indicados a las 5:00 pm (Hora de Caracas), por la plataforma Zoom y el canal de YouTube de la Embajada de Italia en Venezuela (Ambasciata d’Italia Caracas). Las personas interesadas en interactuar con los ponentes puede completar su registro de forma gratuita en el siguiente enlace: https://forms.gle/yJbBQPi3Qx3T2BTY7

UN REGALO PARA LOS NIÑOS

La celebración del capítulo Venezuela de la XXI Semana de la Lengua Italiana en el Mundo finalizará con una actividad especial dedicada a los pequeños de la casa, que se llevará a cabo el sábado 30 de octubre, en semana de cuarentena flexible, para que los interesados puedan acercarse a retirar ejemplares gratuitos del libro de cómics de Gerónimo Stilton, Mil Maravillas. Un viaje para descubrir Italia, una edición especial producida por el Ministerio italiano de Asuntos Exteriores y de Cooperación Internacional. 

Los textos serán obsequiados por orden de llegada a las primeras 100 personas que se acerquen a partir de las 03:00 pm, a la Librería Kalathos, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, en Caracas. 

El texto de Elisabetta Dami, hermosamente ilustrado, tiene como protagonista al famoso periodista ratón que se aventura en la búsqueda de tesoros por todo el territorio italiano para descubrir monumentos, ciudades, aldeas, historias y paisajes. La historia de 224 páginas está llena de juegos, curiosidades y sorpresas.     

REFLEXIONES SOBRE LA ITALIANIDAD

Enaltecer la vida y obra del poeta florentino en esta edición de la Semana de la Lengua Italiana es la conclusión ideal del programa de celebraciones  «Dante, 700 nel mondo». No obstante, es también la antesala a las reflexiones sobre los Estados Generales de Lengua y Creatividad Italiana, previstas para el próximo 29 de noviembre, informó la semana pasada la viceministra Marina Sereni. 

La directora central para la Promoción de la Lengua y la Cultura Italiana, Cecilia Piccioni, mencionó algunos proyectos y actividades que forman parte de la programación de este año, como la exposición Dante: el poeta eterno de Felice Limosani, una muestra patrocinada por la empresa petrolera ENI que deslumbra por apropiarse de la arquitectura de la Capilla Pazzi, de Florencia, para mostrar una interpretación digital a gran escala de los grabados de Gustave Doré que acompañaron una edición de 1860 de la obra maestra del poeta, acompañada de música coral.  

Este proyecto expositivo “estará disponible en la librería digital de Harvard”, anunció Lucia Nardi, responsable de iniciativas culturales de ENI, que calificó la muestra como “absolutamente innovadora y esto nos parece un elemento fundamental que justifica y subraya las razones por las que una gran empresa italiana internacional debe apoyar un proyecto de esta naturaleza”. 

En sus declaraciones a la prensa, Cecilia Piccioni también resaltó el proyecto expositivo de la Fundación Alda Fendi – Experimentos por reunir propuestas que elevan la vigencia de Dante con el arte contemporáneo. La primera propuesta, bajo el título EverAfter, presenta las fotografías de la alemana Claudia Rogge, que representan los tres reinos del inframundo con imágenes que parecen inspiradas en la pintura antigua. La segunda propuesta es la instalación DANTE. En un sueño privado de Raffaele Curi, una reinterpretación del bosque de los suicidios descrito por Alighieri en el “Infierno” y, finalmente, la muestra La palabra de Dante fresca del día, preparada por la Accademia della Crusca.

Otro aspecto que se destaca es la publicación de PaperDante, un cuento ilustrado de Disney inspirado en la infancia del autor y protagonizado por el archiconocido pato Donald, escrito por Augusto Macchetti, con dibujos de Giada Perissinotto y colores de Andrea Cagol. El volumen incluye las dos famosísimas parodias de El infierno de Mickey Mouse, de Guido Martina (1949-50) y El infierno del pato Donald, de Giulio Chierchini, asistido en el guión de Massimo Marconi (1987).

Para mayor información de todas las actividades dedicadas a Dante Alighieri y la XXI Semana de la Lengua Italiana en el Mundo están disponibles en los sitios web ambcaracas.esteri.it. Asimismo, se pueden consultar el Twitter: @ItalyinVEN y el canal de YouTube Ambasciata d’Italia Caracas

Kálathos ediciones publica “El viaje de mi vida”, un cuaderno para niños migrantes

El libro, que ya se encuentra a la venta en librerías y plataformas digitales, es un diario que permite crear un relato fiel del proceso migratorio.

Kálathos ediciones amplía su colección de libros infantiles con “El viaje de mi vida”, un diario para que niños migrantes documenten su proceso de mudanza al extranjero. Escrito por Tilo Febres-Cordero, y con ilustraciones de Claudia Leal, el cuaderno cuenta con pantallas detalladas para registrar información útil sobre el lugar de origen, el traslado, las razones del cambio, su adaptación y los contrastes entre los dos países.

            “El viaje de mi vida” también tiene imágenes para colorear, por lo que es adecuado tanto para niños pequeños (de dos o tres años, que podrán ser ayudados por sus padres) o para chicos más grandes (de nueve a catorce años). “El libro le da al niño una ventana para que documente su proceso sin tener que ajustarse a ninguna expectativa. Su contenido no dirige ni insinúa. Es el niño el que decide cómo relatarlo”, explica la autora.

            Tilo Febres-Cordero trabajó en Estados Unidos como intérprete médico. Su labor diaria con los padres de niños enfermos le hizo preocuparse por familias extranjeras que se encuentran en un lugar desconocido. Al mudarse a Madrid, y encontrarse con venezolanos y los problemas de adaptación, comenzó a trabajar la idea del libro.

            “El viaje de mi vida”, que ya se encuentra a la venta en las principales librerías de España y plataformas digitales, sirve como relato fiel de un viaje y facilita el proceso de adaptación a una nueva vida tanto para los niños como para sus padres.

Subasta solidaria para el Dividendo Voluntario para la Comunidad

La casa de subastas Odalys realizará el 14 de noviembre, a partir de las 11:00 am, en el hotel Cayena, de La Castellana, su puja 292, con lotes correspondientes a maestros del arte venezolano

Para su segunda puja presencial de este año, luego de la realizada el pasado mes de octubre en su sede en Caracas, la casa de subastas Odalys anuncia para el 14 de noviembre la organización de un nuevo remate en vivo con obras de maestros del arte venezolano y a beneficio del Dividendo Voluntario para la Comunidad, asociación civil sin fines de lucro que desde su fundación en 1964 desarrolla programas tendientes a favorecer la alimentación adecuada de la primera infancia, la prevención del embarazo precoz y de la deserción escolar y el mejoramiento del medioambiente, entre otras áreas de acción social.

La subasta, que tendrá lugar en el hotel Cayena, de la urbanización La Castellana, el domingo 14 de noviembre, a partir de las 11:00 am, está conformada por 72 lotes de obras de maestros del arte venezolano de todos los tiempos: Susana Amundaraín, Gabriel Bracho, Asdrúbal Colmenárez, Carlos Cruz-Diez, Onofre Frías, Francisco Hung, Ángel Hurtado, Ismael Mundaray, Francisco Narváez, Pancho Quilici, Luisa Richter, Jesús Soto, Oswaldo Vigas y Fernando Wamprechts, entre otros.

Destaca entre las piezas la obra La ventana y los senderos (1990), de Mercedes Pardo, de quien no salen muchas piezas a la venta.

El catálogo de la subasta -la número 292 de la firma- está disponible en el link: https://odalys.com/odalys/auction-pdf/odalys_cat_292.pdf. En él se explica que “a raíz de la contingencia mundial surgida ante la pandemia de Covid-19, el Dividendo ha extendido su radio de acción para potenciar el objetivo principal de su misión, convencido de que la inversión social debidamente organizada y profesionalmente gestionada sobre la base de sus tres pilares fundamentales de ejecución: nutrición, salud y educación, con visión a largo plazo, contribuye a generar un futuro con mejores oportunidades”.

“El Grupo Odalys ha desarrollado durante 30 años una acción social tanto de apoyo a los artistas visuales quienes a través de las subastas pueden adquirir pólizas de hospitalización, cirugía y maternidad, como a instituciones que adelantan programas de responsabilidad social, con la consecución de fondos por medio de la venta de obras de arte. En su mayoría, las obras que se subastan provienen de donaciones de los propios artistas o de coleccionistas que se nos entregan para convertirlos en el dinero que permitirá a estas organizaciones sin fines de lucro seguir poniendo en práctica sus programas sociales”, explica Odalys Sánchez, directora del Grupo Odalys.

Fundaciones como Cardioamigos, Daniela Chappard, la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos (AVAP) y SenosAyuda han sido los destinatarios de las subastas benéficas organizadas por el Grupo Odalys. “Estamos preparando la Subasta del Tiempo -que oferta 30 minutos de tiempo de diversas personalidades- para Cardioamigos, que fue la primera fundación a la que le hicimos una subasta benéfica”, agrega Sánchez.

Los interesados en participar en la presubasta o en la subasta en sí pueden ingresar en http://www.odalys.online o contactar al Grupo Odalys a través de pujas@odalys.com y por el número telefónico +58 212 979 08 35 (asistente de pujas).

Para cierre de año, la casa de subasta Odalys hará el 28 de este mes en su sede ubicada en la Planta Baja del Centro Comercial Concresa, la puja presencial número 293, integrada por 200 piezas, fundamentalmente de arte venezolano. Y para febrero de 2022, la firma planea realizar en Madrid una subasta de arte iberoamericano.


Hasta el 31 de octubre,  en BG galería del hotel Tamanaco

Wladimiro Politano: Las obras de arte deben tener siempre un lenguaje propio

El Arte Contemporáneo es el centro de atención de los 8 óleos y 2 esculturas en pequeño formato, del artista plástico italo-venezolano Wladimiro Politano, cuya exposición denominada Millie&Politano, fue inaugurada este domingo 3 de octubre en BecerraGuzmán Galeria, espacio itinerante que estará abierto al público en el Hotel Tamanaco hasta el 31 de octubre.

Esta valiosa colección de Politano, conjuga el abstraccionismo, la figuración, lo imaginario, lo bidimensional y tridimensional, el juego con la iluminación y las sombras, los colores vivos y atractivos a la vista, como el rojo, amarillo, azul; así como los delineados en negro, máscaras y rostros, que permiten al receptor, percibir con libertad e interpretar el concepto integral de cada pieza de arte.

El artista expresó que en pintura el tiempo es relativo, puede realizar una obra en un día, como demorar días en otras y eso no indica que será mejor, solo dedica el tiempo necesario a cada una, sin presiones.

Mientras que en sus esculturas, señaló que depende del tamaño y la complejidad de la estructura; pero siempre prevalece la repetición de formas planas pintadas, en las que se observa el paso del aire y la luz. Aseguró que “las obras de arte siempre deben tener un lenguaje propio”, que vayan en consonancia con lo que quiera transmitir el artista.

Confesó que no tuvo una determinada influencia artística cuando se inició en este oficio, el cual  le ha dado innumerables alegrías y reconocimientos. Reconoció que sus estudios en Roma, fueron determinantes para evolucionar y transformar sus técnicas y elementos para la composición en el lienzo.

Actualmente, ofrece de forma paralela, una amplia muestra antológica de 33 obras en la Galería de Arte Nacional (GAN), en la que construye todo su proceso de cambio del arte moderno al contemporáneo.

A los talentos emergentes les aconseja “no desmoralizarse, sino trabajar y ser optimistas. Aquí hay una juventud creativa, inventiva, que sale adelante y no pierde la fuerza de voluntad”, subrayó Politano.

La amistad entre familias de Wladimiro Politano y la joven venezolana Militza Rodríguez Charr, conllevó a fusionar sus técnicas y generaciones en esta exhibición “Millie&Politano”, en la que aporta 2 trípticos de arte digital, inspirados en el imaginario de tomas fotográficas aéreas sobre el fascinante Archipiélago Los Roques, con sus tonalidades azules, verdes y violetas.

Escogió este territorio insular, en homenaje a Venezuela, tras su viaje a Nueva York donde se preparó por 5 años, para incursionar en el mundo de las artes. La nostalgia de ausentarse de su tierra, la llevó a proyectar una topografía irreal en estas 2 series, cuya duración de elaboración fue de mes y medio. En ellas utiliza la fotografía, la pintura y el elemento digital.

Es una joven de 24 años de edad que, a pesar de tener varias alternativas fuera del país, sigue creyendo y apostando por Venezuela, resaltó que continuará desarrollando su talento en estas tierras. “Me quedé en Venezuela porque creo que tenemos potencial para crecer, Venezuela para mí es imprescindible. Este país tiene muchas maneras de que uno se adapte a ella y ella a ti”, aseguró Militza.

Añadió que está variando su visión sobre sus piezas, al incorporar  el tema de la alquimia, para que las personas logren entender más sobre esta área y el manejo de la energía positiva. “Quiero que mis obras transmitan felicidad, tranquilidad y paz”, añadió la joven artista.

Comienzos en tierra de gracia

El creador Wladimiro Politano llegó a Venezuela en el año 1966, con la idea de quedarse por unos días, pero terminó encantado con esta tierra y decidió prolongar su estadía, hasta el punto que hoy goza de las dos nacionalidades italo-venezolana, y con una gran familia y amigos que lo apoyan.

Tras estudiar en la Real Academia de Roma, contaba con vastos conocimientos, inclusive en el área de la arquitectura, oficio que le abrió las puertas en el canal 11 y luego en el 4 de Venezuela, como jefe de escenografía.

Al mismo tiempo, exponía en galerías y proyectaba su talento en Caracas. Fue entonces cuando se encontró con un gran conocedor de las artes que se convirtió en su mentor y le permitió llevar sus piezas a los escenarios internacionales.

Entonces, fue el momento de exhibir sus obras en Nueva York, Suecia, España e Italia. “Después de la academia, evolucioné mucho en Nueva York. He expuesto en innumerables galerías, acá en Venezuela, tengo piezas de gran formato en el Metro de Caracas, en El Silencio, en Margarita, tengo muchas colecciones privadas”, agregó Politano.


La artista venezolana Dalia Ferreira expone su obra en galería de arte de Francia

Una exposición individual titulada “Paranoia”, de la artista venezolana Dalia Ferreira, se presenta actualmente en París, en Galerie Couteron, donde permanecerá en exhibición hasta el 30 de octubre de 2021, con un total de 15 obras realizadas en diferentes etapas de su producción creativa.

Según explica Dalia Ferreira, la muestra es como una antología de la temática más universal de su obra, donde se tocan temas como el hacinamiento urbano y las obsesiones de este siglo. La obra que desarrolla tiene su origen en la fotografía, intentando explorar el sentido de la vida de las grandes metrópolis y la incertidumbre de la condición humana.

“El punto de partida de mi obra consiste en el registro fotográfico de la realidad y la posterior reinterpretación estética y narrativa de estas capturas originales en mi laboratorio digital. Es una observación de la sociedad contemporánea dentro de la cultura del hiperconsumo y la ficción de la felicidad“,  afirma Ferreira.

De los personajes que aparecen en sus obras, la artista explica que provienen de unas sesiones o happenings fotográficos que tuvieron su inicio en Caracas y que aún sigue realizando regularmente, en donde invita a numerosos voluntarios a posar frente a su lente y a despojarse de toda máscara social. “Fototerapias en las que los participantes hacen de estatuas vivientes a través de situaciones paroxísticas y bizarras, de donde salen las pinceladas humanas para mis indagaciones”. 

Nacida en 1966 en Caracas (Venezuela) y residenciada actualmente en Francia, Dalia Ferreira posee una trayectoria artística de más de una década durante la cual ha exhibido su obra en Venezuela, Francia, Alemania, Estados Unidos, Argentina, China, Reino Unido y España. Asimismo, fue la primera artista latinoamericana seleccionada por el Google Open Gallery, patrocinada por Google Cultural Institute entre 2014 y 2019.

La exposición “Paranoia” de la artista Dalia Ferreira se estará exhibiendo hasta el 30 de octubre de 2021 en Galerie Couteron, ubicada en 16 Rue Guénégaud 75006, París, Francia.


La muestra se inaugura el 3 de octubre

Lo Contemporáneo y Digital confluyen en la exposición Millie&Politano 

BG Galería presenta esta novedosa propuesta itinerante mediante la cual exhibe  emblemáticas obras de dos estilos de arte, en un mismo espacio 

Dos generaciones de creadores con importante proyección internacional, confluyen en la exposición de Millie&Politano, en la que se combina la fotografía, la pintura y la escultura desde la visión digitalizada de la joven venezolana Militza Rodríguez Charr y el realismo mágico del reconocido artista plástico italiano Wladimiro Politano.

Son cinco semanas de intensas tonalidades de nuestro mar, combinadas con una paleta de colores donde prevalece el rojo, negro, amarillo y azul, que se funden en una sustanciosa muestra, la cual será inaugurada el próximo domingo 3 de octubre, a las 11:00 am, en la galería itinerante BecerraGuzmán, ubicada en las instalaciones del Hotel Tamanaco de Caracas.

El director de BG Galería, Miguel Ángel Becerra, informó que la presencia de obras de Wladimiro Politano en su plataforma, constituye un gran privilegio y honor, puesto que está muy bien posicionado y proviene de la Real Academia italiana. Cuenta con una tradición artística impresionante, estudió en Roma y, en Venezuela, ha transformado su visión. Sus más de 80 años de edad, no son límite para incursionar en otras técnicas y elementos del arte, por lo que Becerra lo cataloga como un alma joven, abierto a lo nuevo y al aprendizaje constante.

Lo contemporáneo y digital se unen en esta muestra constituida por 2 trípticos de fotografías aéreas captadas por la joven talentosa Militza Rodríguez, en las que proyecta de forma brillante, distintas tonalidades del Archipiélago Los Roques, según su lente, y se aprecia la profundidad y el color sin intervención adicional. 

Por su parte, Wladimiro Politano, ofrece 8 óleos del Arte Contemporáneo que se combinan con la complejidad de la pintura barroca y 2 esculturas en pequeño formato, elaboradas en aluminio, con las que trabaja la figura femenina. Los colores de Politano en esta etapa son rojo, negro, azul flama y amarillo. Es la evolución de la escuela moderna a la actual, expresó Becerra.

El galerista con más de 20 años de trayectoria, resaltó que la ventaja de Politano es que es un artista integral, porque no solo es pintor sino escultor, en grandes, pequeños formatos y bidimensionales. Detalló que el Metro de Caracas, por ejemplo, cuenta con varias de sus obras en sus espacios, así como hay varias colecciones privadas expuestas en Suecia, Estados Unidos, España, entre otros.

La exhibición se abrirá al público este domingo 3 de octubre a las 11:00 am hasta las 5:00 pm y se extenderá hasta el 31 de octubre en los espacios del Hotel Tamanaco, que se convertirá en BG Galería por 5 semanas.

Romance con el arte

Miguel Ángel Becerra es un enamorado del arte en toda la extensión de la palabra, así lo corroboran sus años de trayectoria profesional en este oficio que ha labrado como hormiguita. 

“El arte es una pasión y cuando uno nace con ese sentimiento en el alma, lo va retroalimentando”, así lo aseguró Becerra quien manifestó que comenzó en este mundo con la convicción de ser un coleccionista de arte, pero este sueño lo dejó en pausa hasta cumplir 34 años de edad, cuando adquiere los recursos para comprar y vender obras. 

Luego de 6 años, decide darle consistencia a su vocación de galerista y logra encargarse de la colección privada de la reconocida periodista y fundadora del Museo de Arte Contemporáneo, Sofía Imber, con quien conservaba una amistad de familia. “Algo vio en mí, como un águila en el mundo del arte, que le llamó la atención y vio esa potencialidad (…) Fue mi gran mentora y empecé a hacerle el catálogo del inventario de su colección y vender sus obras”, relató.

Precisamente, por las recomendaciones de Imber, a los 40 años se traslada al Instituto Superior de Arte en Madrid, España, para realizar un máster en arte, con el que se especializa en Tasación y Peritaje de obras de arte. A su regreso a Venezuela, inaugura en el Centro de Arte Los Galpones, G Siete Galería, donde logra su primera experiencia como vendedor de arte. Hace 4 años alcanza el gran cambio cuando nace BecerraGuzmán Galería, una plataforma para la difusión de las artes y la promoción de artistas emergentes y consagrados. “Me independizo y arranco con toda esta nueva etapa. Han sido unos años de grandes aprendizajes”. Agregó que su trabajo también incluye formación, seriedad, responsabilidad, talento y reconocimiento. 

Explicó que ahora el arte se ha transformado y su galería es un espacio itinerante, lo que indica que puede estar en cualquier parte del país y el mundo. “No necesito tener una institución o espacio físico fijo, solo necesito tener la fuerza y la energía para realizar las exhibiciones sin la limitante del espacio”. Recalcó que los grandes museos del mundo se nutren de las exposiciones itinerantes, porque la perspectiva del arte ha cambiado completamente en el planeta.

Luego de esta exhibición, Becerra adelantó que piensa cerrar el año con broche de oro, con una muestra cuyo motivo será el Beato Dr. José Gregorio Hernández. También ya tiene proyectos interesantes para el primer trimestre del 2022. 

Para mayor información visita su cuenta en Instagram: @bggaleria

Vuelve a Caracas la “Gala Española” bajo la batuta del reconocido maestro Marc Moncusí

Un evento de lujo llega de nuevo a la escena caraqueña en coproducción con la Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho, bajo la dirección del laureado maestro español Marc Moncusí y las interpretaciones de tres destacados cantantes venezolanos: la soprano Ninoska Camacaro, el barítono Gaspar Colón y el tenor Iván Cardozo. Los espacios de la Asociación Cultural Humboldt se vestirán de gala el domingo 3 de octubre, a las 11:30 am, con una presentación de entrada gratuita al público para disfrutar de un concierto memorable que reunirá el talento musical de España y Venezuela. La “Gala Española” cuenta con el patrocinio de Repsol y el apoyo de Queiroz Publicidad.

Invitado especialmente por la Consejería Cultural de la Embajada de España en Venezuela, el pasado sábado 25 de septiembre arribó a Caracas el célebre director de orquesta español Marc Moncusí, para compartir e impartir una muestra de su excelencia musical.

La Asociación Cultural Humboldt será el escenario donde el público venezolano podrá disfrutar el próximo domingo 3 de octubre, a las 11:30 de la mañana, de un variado repertorio conformado tanto por obras académicas como por piezas emblemáticas del género de zarzuela que enaltecen el gentilicio español y que han estado presentes por generaciones en la memoria y el afecto de la comunidad hispano-venezolana. 

Con la ejecución de la Orquesta Sinfónica  Gran Mariscal de Ayacucho, bajo la batuta de Marc Moncusí como director invitado, el selecto programa incluirá: Preludio de “La Revoltosa” (Ruperto Chapí), Suite No.- 2 de “El Sombrero de Tres Picos” (Manuel de Falla), Interludio de “La Leyenda del Beso” (Reveriano Soutullo y Juan Vert), Pasodoble de “El Gato Montés” (Manuel Penella Moreno), “Mi aldea”  de la obra de Jacinto Guerrero “Los Gavilanes” con el barítono Gaspar Colón como solista, y tres piezas compuestas por Pablo Sorozábal: “¿Quién es usted?” de “La del Manojo de Rosas” con las voces de Gaspar Colón y el tenor Iván Cardozo, “No puede ser” de “La Tabernera del Puerto”, a cargo de Iván Cardozo como solista y “En un país de fábula”  también de “La Tabernera del Puerto” con la soprano Ninoska Camacaro.  El repertorio finalizará con “En mi tierra extremeña” de la obra de Federico Moreno Torroba “Luisa Fernanda” con las voces de Ninoska Camacaro y Gaspar Colón como solistas.

Además de su participación en la “Gala Española”, el maestro Moncusí –quien cuenta con una amplia y variada carrera en la que se siente igualmente cómodo tanto en el mundo sinfónico y de la ópera como en el de la música contemporánea-  dictará en los días previos al evento clases magistrales de dirección orquestal en el Centro de Acción Social para la Música, sede de El Sistema-Fundación Musical Simón Bolívar de Venezuela  a (Quebrada Honda, Caracas) a partir de reconocidas obras de W.A. Mozart, L.v. Beethoven, J. Brahms y M. de Falla. 

El evento es patrocinado por Repsol y cuenta con el apoyo de Queiroz Publicidad. Las entradas son gratuitas, pero el cupo estará limitado al 30% del aforo de la sala, equivalente a 102 boletos que se entregarán por orden de llegada hasta completar el cupo, respetando todas las medidas de bioseguridad e incluyendo el uso obligatorio de tapabocas.  

Para más detalles consulte la página web de la Consejería Cultural de la Embajada de España en Venezuela http://www.culturaesve.org.ve y siga sus redes sociales: @Culturaes_ve (Twitter e Instagram),  “Oficina Cultural Embajada España en Venezuela” (Facebook). También puede seguir las redes @elisavegas @ayacuchosonando @AsoHumboldt @publiqueiroz (en Twitter) @elisa.vegas @sinfonicayacucho @asohumboldt @publiqueiroz (Instagram) @MarcMoncusi (Twitter), @marc_moncusi (Instagram) y “Marc Moncusí” (Facebook)

AID FOR AIDS estrena video animado con la participación de Patricia Janiot en conmemoración de su 25 aniversario

Producido y realizado por Saatchi&Saatchi y un equipo multidisciplinario desde distintas partes del mundo, el didáctico video refleja la compleja misión de la organización: salvar vidas una a una

En el marco de su 25 aniversario, la organización AID FOR AIDS en alianza pro-bono con la reconocida firma de publicidad Saatchi&Saatchi, lanza un nuevo y didáctico video lleno de optimismo que refleja creativamente el proceso detrás de su misión: salvar vidas una a una, llevando ayuda a quienes más lo necesitan. La animación está inspirada especialmente en el trabajo de la organización en su respuesta a la emergencia humanitaria compleja en Venezuela, la crisis de refugiados que ha generado y su trabajo brindando acceso a tratamiento a casi 60,000 personas en 70 países alrededor del mundo. El video también refleja el crecimiento de la organización a través de la fundación de su organización hermana, AID FOR LIFE. 

La producción y ejecución del video estuvo a cargo de Saatchi&Saatchi, y cuenta con la voz en castellano de la reconocida periodista Patricia Janiot, quien a lo largo de los años, ha colaborado con esta organización para recaudar fondos anualmente y llegar a miles de personas alrededor del mundo. 

El video se puede disfrutar en el siguiente link: https://www.youtube.com/watch?v=jYWVpAehTmk

“Elegimos transmitir mucha esperanza y optimismo. No queríamos mostrar fotos de niños hambrientos en Venezuela sino resaltar la determinación detrás de todos los que dirigen AID FOR AIDS y lo lejos que han llegado y seguirán yendo para llevar ayuda donde se necesita”, comentó Danielle Lobaton, CCO, Saatchi&Saatchi – Nueva York.

El video muestra una historia de esperanza y optimismo protagonizada por una paloma, que es parte del logo de AID FOR AIDS desde 1996 y quién en el corto se encarga de perseverar sin cansancio por lograr llevar ayuda a quienes más lo necesitan, a pesar de los complejos obstáculos que se encuentra en el camino.

“Este trabajo es un homenaje a quienes han apoyado a AID FOR AIDS y una inspiración para quienes continuarán la misión. El video refleja realmente lo que hacemos, de una manera poderosa pero simple y digerible. Saatchi&Saatchi logró representar claramente los obstáculos que superamos para brindar asistencia a los necesitados en todo el mundo, a través de una historia que cualquiera puede entender, transmitiendo un mensaje contundente con una narración maravillosa”, afirmó Aguais.

LA SALA TAC DE TRASNOCHO CULTURAL PRESENTA “LETREROS QUE SE VEN”

A partir del 11 de noviembre, la Sala Trasnocho Arte Contacto albergará una muestra de 70 fotografías realizadas por destacadas figuras detrás del lente, quienes se denominaron “El Grupo”, conformado por: Ricardo Armas, Vladimir Sersa, Jorge Vall, Alexis Pérez-Luna y Fermín Valladares; ejecutando un amplio diálogo fotográfico por diversos lugares del país. La exhibición ofrecerá un paseo inigualable por “los carteles y las pintadas callejeras” que se encuentran en Venezuela

“Letreros que se ven” es un homenaje al fotolibro del mismo nombre, 42 años después de ser editado. La exposición enmarcada en el 20 Aniversario del Trasnocho Cultural, abrirá sus puertas a partir del próximo jueves 11 de noviembre a las 4:00 p.m. en la Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), una muestra organizada y producida por PARAVERTEMEJOR. Fotografía Latinoamérica, con el apoyo de Fundación Noa Noa y Seguros Venezuela.

Es importante destacar que en un primer momentolos fotógrafos que iniciaron esta actividad fueron: Luis Brito (Venezuela, 1945-2015), Ricardo Armas (Venezuela, 1952), Vladimir Sersa (Italia, 1946), Jorge Vall (Cuba, 1949)y Alexis Pérez-Luna (Venezuela, 1949), quienes en 1976 realizaron juntos una exposición titulada “A gozar la realidad”, que circuló por diversos lugares del país y da lugar a su denominación como El Grupo.

Después de esa primera muestra siguió un momento de reflexión, y también una baja: Luis Brito marcha a Europa, -aunque sigue presente en espíritu- no puede realizar fotos, que exigen su presencia corporal. Para compensarlo, se les suma Fermín Valladares. Y con estos cambios en su plantilla, El Grupo se propone realizar su primer proyecto colectivo “de verdad verdad”.

Las fotografías fueron abordadas por un método sencillo: tomar fotografías y reunirse cada jueves para compartir los resultados. Esta disciplina semanal, generó un archivo de más de 2.000 negativos y, sobre todo, una manera común de interpretarlos. Es así como en enero de 1979 reúnen una selección de estas imágenes para ser publicadas en el fotolibro “LETREROS QUE SE VEN, editado por el Ateneo de Caracas en diciembre de ese año, y que recoge 123 fotografías de cinco autores que las firman colectivamente como El Grupo.

La exposición que se presenta ahora en la Sala TAC se compone de 70 fotografías digitalizadas a partir de los negativos originales. Un grupo de ellas conforman dípticos que evocan directamente la lectura de las dobles páginas de la publicación, y otros grupos se distribuyen en forma de “nubes-conceptos”, semejantes a los que hicieron los fotógrafos el día del bautizo del libro en Caracas.

Esta muestra fue presentada por primera vez en la “Galería Le Mur” de Madrid en el Festival OFF Photoespaña 21.Tendrá su estadía en Caracas hasta febrero del 2022 en nuestra Sala TAC y luego viajará a Nueva York. Finalmente, se presentará en el FfocoFestival de Fotografía de La Coruña.

La imagen gráfica de la explosión es de Ricardo Báez, diseñador gráfico y uno de los discípulos de Álvaro Sotillo. La producción de las copias es de Laura Morales Balza, fotógrafa, diseñadora gráfica y poeta. Los marcos fueron generosamente prestados por la Fundación Armas Alfonso, bajo la dirección de Annela Armas Alfonzo. El texto del cartel-póster-catálogo es de Javier Ortiz-Echague filósofo, investigador y crítico español, quien trabajó junto a Horacio Fernández en la investigación y publicación “Fotolibro Latinoamericano”. Fermín Valladares y Ricardo Armas, han realizado la selección de las imágenes en la muestra.

Acerca de los Patrocinantes y Sala de Exposición

Seguros Venezuela (Segven) es una compañía aseguradora que desde 1948 ofrece pólizas de diversa índole para lograr esa tranquilidad que las personas necesitan ante los imprevistos que afectan su salud, patrimonio o vida. Las actividades de Seguros Venezuela van de la mano de acciones socialmente responsables en apoyo al desarrollo cultural y educativo del país. Sobre información de la compañía y sus actividades, puede visitar www.segurosvenezuela.com y su cuenta en Instagram @seguros_vzla

Fundación Noa Noa tiene por objeto promover y auspiciar la divulgación de las artes plásticas y la fotografía contemporáneas venezolanas y latinoamericanas, en especial la obra de los artistas que conforman la “Colección Ignacio y Valentina Oberto”.  De igual forma, colabora con las labores de investigación artística, publicación de catálogos, folletos, charlas, exposiciones, seminarios y monografías sobre la obra y vida de artistas venezolanos contemporáneos. Se puede obtener mayor información a través de su cuenta en Instagram @fundacion_noanoa

La Sala TAC está ubicada en el Trasnocho Cultural, en el sótano del Centro Comercial Paseo Las Mercedes, en Caracas. Su horario es de martes a domingo de 2:00 a.m. a 6:00 p.m. Puede obtener más información a través del teléfono 0212-993.2957, las cuentas @salatac1 y @trasnochocult (Twitter e Instagram) y la página www.trasnochocultural.com


Obra reciente del artista venezolano Alberto Sánchez se expone en la galería Graphicart

Un conjunto de obras de reciente creación integran la exposición individual del artista venezolano Alberto Sánchez, que será inaugurada en Caracas el sábado 16 de octubre de 2021 a las 11 am, en la galería Graphicart, bajo el título “Geometría Policromática”. 

Con un lenguaje que brota de su visión artística en la calle, según palabras del artista Juvenal Ravelo, la pintura de Alberto Sánchez se caracteriza por una ilusión visual que integra la estética con el fenómeno de la inestabilidad que se produce en la retina de los espectadores.

“Es un tejido de formas geométricas multicolores en armonía por contrastes en un plano bidimensional. Su idea plástica viene de la inspiración del universo cinético, Alberto es un artista venezolano que siempre investiga para crear su camino en la diversidad de los espacios del desarrollo socio cultural de nuestra tierra y, en otras geografías del conocimiento universal”, afirma Juvenal Ravelo.

Aunque desde los inicios de su trayectoria artística mostró interés por el arte cinético, no es sino hasta mediados de 2007 cuando Alberto Sánchez comienza a realizar obras meramente abstracto-geométricas de carácter óptico. Sus obras se basan en figuras netamente geométricas en dos dimensiones, estructuralmente definidas para generar y sugerir una formación tridimensional gracias también a la aplicación de colores contrastantes y al uso de sombras.

Según afirmaciones de Alberto Sánchez, con su obra él busca generar un impacto mental de tres dimensiones a través de la unión de la razón y la lógica visual. “Formas y líneas en un plano delimitan la estructura de la obra, que al conjugarlo con la adecuada aplicación de sombras y colores, generan la impresión de la tercera dimensión y del espacio irreal. Las sombras virtuales pasan a ser un factor preponderante dentro de mi obra, logrando exaltar la subjetividad de las tres dimensiones”.

Nacido en Caracas en 1979, Alberto José Sánchez posee una amplia trayectoria durante la cual ha exhibido su obra en Venezuela y otros países como México, España, Francia, Suiza, Estados Unidos, Perú y Colombia. Ha participado en distintas ferias internacionales de arte como Houston Fine Art Fair, Barcú-Bogotá, Feria Art Lima, Pinta Miami; Feria Art Wynwood, Feria Art New York, y Texas Contemporary Art Fair; además ha realizado murales en diversos lugares, entre ellos, Mural Público de 60 mts en la Plaza Don Bosco de Altamira (Caracas, Venezuela), Mural Hospital Ortopédico Infantil (Caracas, Venezuela), Mural Público de 40 mts ubicado en Wynwood realizado durante la Semana de Art Basel de Miami en 2014 (Miami, USA), Mural Público en Fat Village (Fort Lauderdale, USA), Mural de 15 mts en La Romana (República Dominicana), entre otros. En 2017 le fue otorgado el premio al segundo lugar, en la Bienal de Arte Geométrico del Museo Madi de Dallas.

La exposición “Geometría Policromática”.de Alberto Sánchez se estará exhibiendo desde el 16 de octubre hasta finales de diciembre de 2021, en la Galería Graphicart, ubicada en la Avenida Veracruz, Edificio La Hacienda, Planta Baja, Las Mercedes, Caracas. El horario es de martes a viernes de 1 pm a 4 pm, y sábados de 11 am a 2 pm.


Exposición “Valija Iberoamericana” reunirá  a artistas contemporáneos de América y Europa

La Diputación Provincial de Toledo, España, anunció que ya comenzó la organización de la Exposición de Arte Contemporáneo “Valija Iberoamericana”. Una propuesta que reunirá en una sola colección obras de arte contemporáneo realizadas por artistas iberoamericanos, con la finalidad de conformar una muestra itinerante que estará primero en Toledo para luego recorrer otros lugares de España y de los demás países participantes.

El proyecto fue confirmado por el Secretario General de la Diputación, Don José Garzón. Es una iniciativa sin fines de lucro que cuenta con la participación de artistas invitados cuyas obras están siendo aceptadas por un comité de selección entre quienes se encuentran reconocidos artistas y críticos de arte. El Centro Cultural San Clemente, bajo la dirección de Don Enrique García Gómez, será la sede de la colección que se forme con las obras procedentes de las dos orillas del Atlántico, “en una iniciativa que quiere apostar por el mejor arte contemporáneo de nuestro tiempo, que refleja o guarda relación con la sociedad actual, en un intento de valorizar a los artistas consagrados o los nuevos valores que despuntan en sus respectivos países”, de acuerdo a lo indicado por el reconocido centro de arte. Ver Instagram @valijaIberoamericana.

La comisión a cargo del proyecto lo componen, en su condición de Comisarios, el Maestro Marcos Salazar Ruiz y el señor Óscar Pantin. Los coordinadores en América son el Maestro Abdías MéndezRobles. Presidente (RELAC) Región de Latinoamérica y el Caribe de la Asociación de Artes Plásticas (AIAP en alianza Unesco) quien cubre la convocatoria y selección de los artistas provenientes de Puerto Rico, Brasil, Panamá, México, República Dominicana, Costa Rica, Honduras, Bolivia, Chile y Argentina; el Maestro Humberto Cazorla. Presidente de la Asociación de Artistas Plásticos de Venezuela; el Maestro Manolo Colmenares. Director de la Bienal Internacional de Arte Suba- Bogotá Colombia. Presidente de la Corporación  (MACI), Movimiento Artístico Cultural e Indígena, quien se encarga de la convocatoria de los artistas provenientes de Cuba, Ecuador, Colombia y Perú. En la península Ibérica se cuenta con la especial colaboración de Linda De Sousa, reconocida artista plástica, miembro de las Asociaciones Madrileña, Española e Internacional de Críticos de Arte ( AMCA, AECA y AICA) y es la conductora del programa de radio «A lápiz o pincel» transmitido desde Madrid para Radio Voz Continental de Ciudad de México y su canal de iVoox  «diálogos con Linda de Sousa”. La Directora de Medios y Relaciones Institucionales de la Valija Iberoamericana es la Comunicadora Social, Myriam T. Wendehake.   

Los artistas son invitados a participar a través de la donación de una obra de su autoría. Su pieza será parte de la colección permanente del Centro y aparecerá registrada en los catálogos impreso y digital de la exposición. Luego de ser expuesta enToledo, otros centros de arte, galerías o entidades culturales de España e Iberoamérica podrán recibir la muestra través de acuerdos institucionales. –

1er Festival de  Artes Escénicas Franco Venezolano

En el marco del 1er Festival de Artes Escénicas Franco Venezolano, que tendrá lugar en Caracas del 12 al 28 de noviembre, se realizarán actividades formativas dedicadas a ampliar conocimientos en materia de composición coreográfica y actoral. La programación del festival es muy amplia y contempla -además de este tipo de actividades- conciertos, obras teatrales, actos de magia, entre otros. Este festival es una iniciativa del Centro de Creación Artística TET, la Alianza Francesa y la Embajada de Francia en Venezuela.

El primer taller se llama Bocetos en movimiento y es sobre composición coreográfica.  Será dictado por el reconocido y premiado bailarín y coreógrafo Armando Díaz, director de Sieteocho danza. Tendrá lugar del 8 de octubre al 12 de noviembre (los días viernes y sábados de 2:00 a 5:00 pm) en los espacios de la Compañía Nacional de Danza, ubicados en el 23 de enero (Caracas). Solo para 20 participantes.

Dirigido a todos aquellos artistas que quieran generar nuevas creaciones: bailarines de distintas tendencias, actores, compositores, directores de agrupaciones y todo aquel que quiera expresarse artísticamente con su cuerpo.  Los interesados deben postularse y serán notificados en caso de que sean seleccionados.

El taller resultará en un montaje que contará con la participación de los asistentes y tendrá tres presentaciones: sábado 13 de noviembre, en la plaza de Los Palos Grandes (6:00 pm); domingo 14 de noviembre, B.O.D. (11:00 am) y sábado 27, Centro Cultural Chacao (3:00pm); como parte de la programación del 1er Festival de Artes Escénicas Franco Venezolano.

El otro taller está dirigido a los interesados en la actuación y persigue incentivar la autonomía artística. La autonomía del actor será dirigido por: Rossana Hernández, Elvis Chaveinte y Gabriel Agüero, integrantes de la destacada agrupación teatral: Deus Ex Machina. Se llevará a cabo del 25 de octubre al 26 de noviembre, en modalidad: mixta, presencial y por Zoom; los lunes, miércoles y viernes de 9:00 am a 11:00 am.  

Por medio de varias estrategias creativas, el participante podrá  generar una idea primigenia que lo impulsará a descubrir su propia voz y reconocer aquello que  quiere expresar a través de su personaje, en un proyecto determinado o generar el suyo propio. 

Escuela Juana Sujo celebra sus 72 años con música de Billo’s para niños

El montaje que cuenta con la intervención de más de 20 niños y adolescentes en escena y la dirección de Vanessa Mejías, pone en valor para las nuevas generaciones la música del insigne Billo Frómeta

La Escuela Superior de Artes Escénicas Juana Sujo celebrará su aniversario número 72 el próximo jueves 28 de octubre a las 3: 00 p. m. en la Sala de Teatro 1 de la Fundación Celarg (Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos)con la presentación de la obra Billo’s para niños, un texto escrito por Alecia Castillo, ganador en 2001 del Premio de Dramaturgia Infantil de la UCV, en un montaje dirigido por la también actriz y comunicadora social, Vanessa Mejías, e interpretada por niños y adolescentes participantes en la última edición de Curso Vacacional de Actuación que ofreció la institución más antigua del país dedicada a la formación de actores.

Billo’s para niños, titulada originalmente El mosaico de papá, cuenta  un trocito de la historia contemporánea de Venezuela al tiempo que pone en valor y rescata para las nuevas generaciones la magia de la música de ese gran cronista musical que fue Billo Frómeta, autor de la banda sonora de múltiples generaciones de venezolanos desde mediados del siglo XX hasta la actualidad.

En concreto, la obra de Castillo expone un segmento de las vivencias, hechos y personajes de la Caracas de los años 50, por medio de los recuerdos de cuatro hermanas que develan a los niños de la familia las alegres andanzas de juventud de la abuela, remembranzas contextualizadas en la dictadura perezjimenista y amenizadas con la música, bailes y pegadizos temas de Billo Frómeta como Toy Contento, Caminito de Guarenas, La Burrita de Petare, Profesor Rui Rua, y más.

El montaje cuenta con la participación de más de 20 niños y adolescentes en escena entre quienes se cuentan Scarlet Marquina, Mauricio Rivero, Valery Briceño, Matthews Sosa, Cosette González, Zulmary García, Nesley Marín, Victoria Añanguren, Isabella Barrios, Samyra Elías, Sofía Ochoa, Camila Ríos, Marcos Rondón y Camila Linares. El elenco se completa con la participación de Mariana López, Gabriel Guzmán, Alejandro Kolman, Gustavo Lamar y la actriz Laura Bustamante.

Las coreografías estuvieron a cargo de Arón García, mientras que el entrenamiento vocal lo guió Adriana Meléndez. El montaje de las canciones fue responsabilidad de Kevin Quintero. José Manuel García  aportó la asesoría escénica.

Billo’s para niños tendrá una única función el jueves 28 de octubre en la Sala de Teatro 1 de la Fundación Celarg y están por confirmarse otras fechas, una de ellas en el Teatro Nacional.

El montaje es el resultado de un trabajo que se inició en julio pasado en ocasión del Curso Vacacional de Actuación para Niños y Adolescentes, una iniciativa de la Escuela Superior de Artes Escénicas que busca acercar a los más pequeños al arte de la interpretación.

SOBRE LA AUTORA Y EL TEXTO

Luego de ganar el Premio de Dramaturgia Infantil de la UCV, Billo’ s para niños se estrenó sobre el escenario del Aula Magna de la Ciudad Universitaria, en un montaje a cargo del grupo de teatro infantil El Chichón, en 2001.

La pieza forma parte del libro 40 autores en busca de un niño, un conjunto  de obras teatrales infantiles compiladas por Armando Carías.

La autora, Alecia Castillo es docente jubilada de la Facultad de Derecho de la Universidad de Carabobo, institución que le confirió un doctorado Honoris Causa y donde se desempeñó como directora de Cultura.

La también investigadora, compositora y dramaturga valenciana ha desarrollado una línea de trabajo que vincula nuestras raíces musicales con las artes escénicas dirigidas a los niños.

Thespis celebra sus 40 años de trayectoria
con una programación especial

El grupo de teatro estable de la Universidad Metropolitana prepara 13una serie de encuentros que repasan los momentos más icónicos de esta compañía y su impacto en las artes escénicas venezolanas

En la Venezuela actual, es raro encontrar una agrupación que haya logrado resistir de manera exitosa los embates del tiempo y el país. Es el caso de la agrupación teatral Thespis, compañía estable de la Universidad Metropolitana, que ha decidido celebrar sus 40 años de trayectoria ininterrumpida con una serie de encuentros y charlas digitales.

La programación consta de más de 15 eventos digitales que se realizarán vía Zoom, y que incluye charlas, entrevistas y lecturas dramatizadas a cargo de personalidades como el actor Carlos Abbatemarco, Rossana Hernández (actriz y directora actual de la agrupación), Elvis Chaveinte, Liz Quintero, Armando Yánez y Moisés Kaufman, un egresado excepcional que ha sabido labrarse un sólido camino como director escénico en Estados Unidos, y que ostenta el logro de ser el primer venezolano en ser reconocido en 2016 con la National Medal of Arts por el presidente Barack Obama.

Desde el lunes 18 hasta el viernes 22 de octubre, los ponentes se pasearán por el aporte dramático de Thespis al arte venezolano, partiendo desde temas como la musicalización de sus obras, el registro fotográfico que hay de las mismas, sus montajes más célebres y los retos que enfrenta en la actualidad.

El encuentro no solo servirá como un espacio de encuentro entre los miembros fundadores de Thespis y su generación de relevo, sino también para presentar dos piezas importantes para el legado de la compañía: el libro digital recopilatorio Cuatro décadas de búsqueda, compilado y editado por Abbatemarco, y un documental a cargo del reconocido periodista Nabor Zambrano.

El ciclo Cuatro Décadas de Búsqueda tendrá lugar desde el lunes 18 hasta el viernes 22 de octubre, desde las 12:00 hasta las 8:00 pm a través de Zoom. La participación es gratuita, con registro previo a través del correo 40deThespis@gmail.com.Cada evento se subirá al canal de YouTube 40deThespis. Mayor información sobre el evento puede ser solicitada a través de @teatrothespis en FacebookTwitter e Instagram.


“YO, ARTEMISIA GENTILESCHI: JURO”

La historia de la primera mujer que ingresa a la Academia del Dibujo y de las Artes de Florencia llega al teatro de la Asociación Cultural Humboldt, con funciones a las 4 P.M. los días 16, 17, 30 y 31 de octubre.

“Yo, Artemisia Gentileschi: juro” es una obra teatral original de Elizabeth Yrausquín de Postalian que se inspira en Artemisia Gentileschi, pintora del barroco italiano e hija del pintor Orazio Gentileschi. 

Artemisia, nacida en tiempos de contrarreforma, peste, mecenas, venenos papales y dagas, en vez de ser esposa, religiosa o prostituta, los cuatro roles que la sociedad demandaba, decide ser artista como su padre; parecerse al genio salvaje de la pintura, el Caravaggio; y convertirse, a través de sus pinceles, en la primera mujer que por mérito propio ingresa a la Academia del Dibujo y de las Artes de Florencia.

Sin embargo, a pesar de haber sido víctima de violación por el artista Agostino Tassi y luego torturada por orden papal, Artemisia no se amilana. Rompiendo todas las leyes sociales de la época con su talento, hace caso omiso al prejuicio público para seguir su pasión e instinto, la pintura, conquistando así la gloria y la libertad.

De esta forma, “Yo, Artemisia Gentileschi: juro” invita a una importante reflexión acerca del maltrato hacia lo femenino, en aquel momento, aceptado socialmente, puesto que la mujer era un ser procreado solo para tener hijos y atender al marido. No obstante, Artemisia, hija de Zeus y hermana de Apolo, como ella se nombraba, supo, con su trabajo artístico, sobreponerse a todos aquellos que consideraban que la vida de una dama tenía poca valía, obteniendo su propio lugar en la historia.

Hoy día, la vigencia de estos casos de violencia contra la mujer ha aumentado, puesto que aún sigue siendo blanco del poder que, sobre ella, ejercen padres o maridos.

Bajo la producción de la Fundación Asklepión, la Asociación Cultural Humboldt y el Hotel Eurobuilding, “Yo, Artemisia Gentileschi: juro” cuenta con las actuaciones protagónicas de Valentina Garrido y Carlos Manuel González, acompañados de Orlando Villalobos, Edisson Spinetti, Luis Vicente González, Ignacio Marchena, Anakarina Fajardo y Carolina Wolf, bailarina del Teatro Teresa Carreño.

En el montaje, la musicalización está a cargo de Edgar Vidaurre y Luis Izquierdo; la ambientación y la utilería, de Oscar Salomón; la iluminación, de Manuel Troconis; la coreografía, de Carolina Wolf; la jefatura de prensa, de Anakarina Fajardo; la asistencia de producción, de Paola Martínez; la asistencia de dirección y el diseño audiovisual, de Silvia De Abreu; y la dirección general y la puesta en escena, de Elizabeth Yrausquín de Postalian.

“Yo, Artemisia Gentileschi: juro” se presentará con todas las medidas de bioseguridad los días sábado 16, domingo 17, sábado 30 y domingo 31 de octubre a las 4 P.M., en la Asociación Cultural Humboldt, ubicada en el corazón de San Bernardino, entre el Hotel Ávila y el IESA, Av. Juan Germán Roscio, cruce con Av. Jorge Washington, Caracas. 

Las entradas pueden ser adquiridas en las taquillas del teatro y a través del correo asohumboldt@gmail.com, por un valor de 10$.

El chocolate suena a Wamma en Cakawa

La fábrica de chocolates Cakawa presenta este miércoles 17 de noviembre al Dúo Wamma, en un concierto de música latinoamericana que permitirá apoyar a dos jóvenes talentos venezolanos y mostrar su virtuosismo en medio de una exquisita cata de chocolate gourmet.

Este miércoles 17 de noviembre, a las 5 de la tarde, Cakawa ofrecerá una cata que permitirá a los asistentes pasearse por las regiones de origen de cuatro chocolates venezolanos y, al mismo tiempo, apoyar a los talentosos músicos del Dúo Wamma quienes, de la mano del maestro Aquiles Báez, vienen complementando su formación musical a partir de su primera presentación pública en “Noches de Guataca”, en marzo de 2020.

“El maestro Aquiles Báez nos ha tomado como sus alumnos, dándonos su apoyo incondicional y enseñándonos a ver la música no solo como algo hermoso, sino a entenderla como una conexión espiritual que traspasa fronteras”, dice Mishell Peinate, cantante, flautista, cuatrista e integrante de la Orquesta Sinfónica Juvenil Chacao, quien junto al guitarrista, compositor, cuatrista y pianista Richard Bello, conforman el Dúo Wamma, vocablo que en Warao significa “Nuestra Tierra”.

El encuentro con Báez le ha permitido crecer como intérpretes y compositores, enriqueciendo su repertorio con diversos géneros musicales venezolanos y latinoamericanos, incorporando novedosos arreglos influenciados por el jazz, con interpretaciones libres que dan cabida a la improvisación.

Ambos jóvenes provienen de Carayaca, estado La Guaira, y en ocasiones el traslado hasta Caracas para recibir su instrucción musical, se dificulta por la necesidad de recursos que apoyen su crecimiento como artistas.

Para Cakawa, apoyar al talento nacional forma parte de sus iniciativas de Responsabilidad Social y es primordial en su labor como difusores de cultura. “Cakawa es el espacio ideal para que los noveles artistas venezolanos puedan tocar y cantar en nuestras instalaciones. Como docentes que somos, quisimos acompañar el proceso de aprendizaje de estos jóvenes, porque sabemos de su talento musical”, dice Soraya Achkar, CEO de Cakawa.

Además de esta iniciativa de acción social con el Dúo Wamma, la fábrica de chocolates también lleva a cabo la que ha denominado Un chocolate para Matilde, “… la iniciamos en mayo de 2021, cuando ganamos un importante premio en París como uno de los 12 mejores chocolates gourmet del mundo. Toda la venta de ese chocolate va para la familia de la señora Matilde, que son los que cultivan ese cacao en Barinas, porque ella está pasando por un momento de salud muy complicado”, dice Achkar.


Tres tiempos para chocolatear y escuchar buena música

Además de ser una fábrica Bean to Bar (del grano a la barra), Cakawa es también una chocolatería gourmet donde se puede ir a tomar un excelente chocolate caliente y degustar una torta, un croissant, un brownie y todo un variado menú en bollería, galletería, turronería y bombonería de autor con calidad premium.

Al mismo tiempo, su espacio es ideal para catas de chocolate, como la que ofrecerá este miércoles 17 de noviembre, con cuatro chocolates y un bombón elaborados con cacaos de la bahía de Patanemo, de la Península de Paria, de Barlovento y del Sur del Lago. “Conversaremos sobre sus características, las regiones de donde viene ese cacao y cómo se desarrolla todo el proceso para la preparación de nuestros chocolates y bombones”, comenta Soraya Achkar.



KSK Twins se apoderan del primer lugar de la radio en Venezuela por triple partida

Las gemelas Katherine y Sonia Kouefati han logrado su primer #1 de la carrera musical que apenas inician. Con el tema “Deja de Mentirte” alcanzaron el primer puesto del Top 100, Top Balada y el Top Pop de la cartelera Record Report, la más importante del país.

Este jueves se dio a conocer, que, tras once semanas de su debut en radio, el tema de KSK Twins, “Deja de Mentirte” alcanza el sitial de honor esta semana y en tres categorías, haciendo saber que ha sido la canción mas escuchada en Venezuela, en las últimas semanas. “Gracias a todos los medios de comunicación, especialmente a las emisoras radiales quienes han apoyado tan positivamente nuestra primera canción. Aún no nos creemos que estemos en el primer lugar” confesaron Katherine y Sonia, las hermanas integrantes de KSK Twins.

“Deja de Mentirte” es el primer promocional que las artistas escribieron junto a Jisa, quien además participó en la producción junto a Jhey Music (ambos talentos del Edo. Carabobo). Esta canción rompe con los paradigmas que traía KSK Twins, ya que su fuerte había sido la balada, pero quisieron salir de su zona de confort y apostarles a los sonidos urbanos logrando una fusión de Pop único que sin duda les ha dado este gran resultado del primer lugar en la cartelera radial más importante de Venezuela en los Top: general, balada y pop de manera simultánea.

Sonia y Katherine ya tienen lista su próxima canción a estrenar que saldrá a la luz en noviembre, mientras que el EP que reúne varios temas, estará disponible en las plataformas digitales para principios del próximo año. KSK Twins prometió apoderarse del mercado y con estos resultados, lo está dejando más que claro.


El Festival Europeo de Jóvenes Solistas vuelve a encontrarse con el público venezolano

La novena edición del Festival Europeo de Jóvenes Solistas arranca este lunes con una ambiciosa programación a lo largo de toda la semana, con el objetivo de que tanto el público como los músicos europeos y venezolanos puedan disfrutar de este intercambio cultural organizado por la Delegación de la Unión Europea en Venezuela, en alianza con El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela.

Hoy se presentó la nueva programación del Festival que, tras un año alejada de los escenarios y el contacto con el público, vuelve de nuevo a las salas de conciertos respetando las medidas de bioseguridad.

Tal y como dio a conocer el Jefe de Delegación de la UE en Venezuela, Rafael Dochao Moreno, el Festival incluye la participación de siete solistas europeos, dos de los cuales estarán de forma presencial en Venezuela y los otros cinco lo harán de forma virtual desde Europa. Por primera vez habrá dos recitales gratuitos en diferentes espacios de la ciudad, y la clausura será el sábado 23 con un concierto en el Centro Nacional de Acción Social por la Música (CNASPM), en Caracas.

Este año el Festival reúne a tres pianistas: Luana Kaslin (Francia), Joanna Sochacka (Polonia) y Vasco Dantas Rocha (Portugal). También participan Theo Plath (fagot), de Alemania; David Antigüedad (guitarra), de España; Gergely Lukács (tuba), de Hungría; y Sebastian Braun (chelo), de Suiza.

Este intercambio musical no se limita solo a los conciertos, sino que, tras la buena experiencia y gran receptividad de 2020, continúan por segundo año consecutivo las clases magistrales presenciales y en línea. Serán 11 clases en total por parte de los solistas europeos hacia estudiantes venezolanos. En ellas se beneficiarán directamente más de treinta jóvenes músicos, e indirectamente muchos más que también podrán participar como oyentes.

Agenda de conciertos

La programación comenzará este martes 19 de octubre, con un recital gratuito en el Centro Cultural Chacao, en colaboración con la Alcaldía, la Fundación Cultura Chacao y el propio Centro Cultural. Será a las 5:30 de la tarde, y además de los solistas europeos también participarán el coro femenino Aequalis Aurea, la Agrupación Schola Cantorum de Venezuela y la Escuela de Música Mozarteum de Caracas, a través de la Cátedra de Música de Cámara – Fundación MMG.

El jueves 21 el Festival se traslada a una zona musical por excelencia de Caracas, San Agustín. El público podrá disfrutar de un recital también gratuito en el Teatro Alameda a las 5 de la tarde. Además de la pianista de Francia y el guitarrista español, el recital incluye la participación de 7 músicos venezolanos en lo que será un jamming 100% San Agustín. Cabe destacar la colaboración de 100% San Agustín, el Teatro Alameda, así como la Alcaldía de Caracas.

Debido a las medidas de bioseguridad, el aforo se verá reducido y el acceso a los recitales será libre hasta que esté completo.

Para cerrar el Festival, el sábado 23, a las 11:00 de la mañana, tendrá lugar el esperado concierto donde los solistas de Francia y España tocarán junto a la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, bajo la dirección del Maestro Pablo Castellanos. El público también podrá disfrutar de la proyección de unos vídeos especiales que han grabado los músicos que participan desde Europa. El acceso a este concierto será a través del sistema de venta de entradas en la página web de Ticketmundo.

La organización de esta séptima edición también ha sido posible gracias a la colaboración de las Embajadas de Alemania, España, Francia, Hungría, Polonia, Portugal y Suiza.

En esta presentación del Festival también participó de manera remota el Director Ejecutivo de El Sistema, Eduardo Méndez. Además estuvieron Herich Sojo, Director general de El Sistema, así como los Embajadores de Francia, Romain Nadal; Portugal, Carlos Amaro de Sousa; Alemania; y de Suiza, Jürg Sprecher. También participaron las Encargadas de Negocios de Polonia, Milena Lukasiewicz y de Hungría, Adrienn Nász; y el Consejero Cultural de España, Luis Cacho López de la Calzada.

La presentación se completó con la participación de los solistas europeos, así como con las palabras de Jesús Morín, Director Sectorial Académico Musical de El Sistema; Erser Sayas, Presidente Ejecutivo de Fundación Cultura Chacao, y el músico de San Agustín, Manuel Barrios.

El Regreso del Migrante: la experiencia de emigrar expresada a través del rock

Prensa Cresta Metalica

El guitarrista venezolano Pablo Mendoza ha recibido excelentes críticas y reseñas tras la salida al mercado de su quinto disco de estudio titualdo “The Return of the Migrant” (El Regreso del Migrante), un disco que alterna diferentes estilos como el hard rock, el blues, el jazz y el rock progresivo, contando con un All-Star de músicos de países como Venezuela, Italia, Holanda, Sudáfrica y España. Esta producción cuenta con 11 temas, 5 de ellos cantados y el resto instrumentales. Hace poco fue estrenado el videclip del tercer tema promocional que lleva el nombre del disco: “The Return of the Migrant”, que puede ser disfrutado en el siguiente link de Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=lW0-Lado-zQ

El video del tema The Return of the Migrant es uno de los más bonitos que he podido experimentar hacer y en el que todos los que participaron en él lo han disfrutado tanto como yo. Es un tema cargado de nostalgia, pasión y recuerdos. A pesar que no tiene palabras, porque es un tema instrumental, creo que allí se concentra en gran medida lo que significan y lo que expresan todas las notas musicales y los acordes que lo conforman, expresando ese sentimiento de todo lo que significa emigrar, por lo que creo que lo van a disfrutar y lo van a entender, tanto así que estoy seguro que lo van a querer compartir”, explicó Pablo Mendoza. 

En este nuevo video clip vemos al guitarrista caraqueño interpretando un tema que alterna el rock progresivo con el jazz-fusión y algunos elementos del blues. Las imágenes muestran a su banda tocando en escenarios naturales, con un manejo de la luz que evoca melancolía: Oscar Fanega en el bajo, Eduardo Sáez en la batería y Adrian Vanwoerkom en el piano y teclados. Aquí la expresividad de la música es protagonista y no hacen falta las palabras para transmitir diversos sentimientos. 

En relación a su carrera solista, Mendoza explica que si bien es cierto que ahora la está retomando discográficamente, nunca la dejó por completo: “Mi último disco solista Ashes ans Sensations fue lanzado en 2015, pero luego emigré en 2016 y en España estuve tocando con temas de ese álbum por un tiempo y después me dedique a trabajar en futuras producciones y estuve ocupado con la enseñanza musical. Al emigrar hubo un vacio en Venezuela, ese disco quedó escondido, entonces ahora retomo como solista,  hubo un limbo, pero ahora con The Return of the Migrant he decidido regresar con la misma fuerza que tuve en mis tres primeros álbumes.”

Pero Pablo Mendoza no ha cortado todos sus vínculos profesionales con Venezuela, desde hace 12 años, la academia musical que lleva su nombre, permanece activa con la sede ubicada en Santa Mónica, Caracas, donde disponen de dos salones en los que ofrecen a alumnos no solo estudiar guitarra eléctrica y acústica, también canto y teclado. Quienes desean especializarse en la guitarra hay hasta clases de blues e improvisación. Son cursos de alta calidad a precios accesibles. Para más información sobre cupos y horarios para clases en la sede de Caracas, los interesados deben escribir al correo:  academypablomendoza@gmail.com

“Por otra parte, personalmente ofrezco desde hace 8 años clases online por todo el mundo, específicamente en guitarra, producción musical y en la cátedra de blues e improvisación, también cursos intensivos online que puede hacer el interesado en el horario o momento que mejor que parezca durante un tiempo estipulado bajo mi supervisión y corrección, estos últimos cursos estarán activos desde noviembre de este año } y concentran gran parte importante de las principales cátedras de guitarra de la academia, ahorrando tiempo en un gran porcentaje”, explicó Mendoza.

El guitarrista además desea hacer una gira en España en 2022, por lo que estudia la posibilidad de formar una banda de músicos españoles, para tocar a lo largo de España, también desea tocar en Italia donde lo han invitado a dictar clases magistrales. Igualmente buscará oportunidades para presentarse en Francia e Inglaterra. “Me encantaría volver a hacer shows en Venezuela y Latinoamérica. Quisiera volver a Venezuela sobre todo en una circunstancia donde se pueda apreciar lo nuevo que he hecho, que sea valorado y que el público disfrute del nuevo álbum”, agregó

Techy Fatule es la artista número 1 de la cartelera radial 

La cantautora ocupa la posición top del Record Report con su tema ‘Tú me quieres más’  

“Sie7e” es el nombre del nuevo álbum de la cantante Techy Fatule, que ella define como el proyecto más grande de su carrera profesional, avalada por años de formación. La artista es egresada del Berklee College Music en Boston.

Su tema debut en el mercado venezolano se titula ‘Tú me quieres más’ y ocupa actualmente la posición número uno de la cartelera radial del Record Report. Comparte la autoría con Claudia Brant y  Jos Cumbe. El sencillo fue grabado entre Los Ángeles y  Santo Domingo.  

“Los productores de mi álbum son Claudia Brant y Jos Cumbe. Claudia es doble ganadora del premio Grammy, tanto el americano como el latino y Jos ganó también un Grammy. Para mí son un equipo de sueño, no solamente por su calidad como músicos, sino porque me ayudaron a encontrarme en un momento difícil. Me ayudaron a creer en mí, a tener menos miedos, a hacer cosas diferentes junto a mi casa disquera, La Oreja Media. Este álbum marca una etapa en mi vida”, señaló la artista en el encuentro online con la prensa venezolana, en el cual dio muestras de encanto y autenticidad.

“Es la primera vez que escribo acompañada de otros compositores. También participó el cantautor venezolano Fernando Osorio. Siempre lo había hecho sola y en este álbum exploro otras temáticas. Mis canciones eran de desamor en mis dos primeros álbumes. En  mi nuevo disco hablo desde el amor que siente mi esposo hacia mí, en ‘Tú me quieres más’. Hay también canciones desde una perspectiva de una víctima de violencia doméstica o del feminismo, porque soy muy creyente del feminismo. Las mujeres estamos cada vez sacando más la cabeza a flote, por eso tengo mi banda de chicas”, explica la artista acerca de la temática de su álbum, disponible en las distintas plataformas digitales.

“Son 7 canciones, 7 canciones que ninguna se parece a otra. Obviamente tengo mis baladas, porque de corazón soy baladista. Me atrevo a incluir ritmos como disco, latino o caribeño y no confundamos el latino con el urbano. Tenía el ánimo de cantar algo diferente y fresco, que reflejara todo el proceso que viví”, agregó la cantante, cuya cuenta instagram es @techyfatule. 

El próximo tema promocional de Techy Fatule se titula ‘Puntos transparentes’. La artista se presentará en vivo el 10 de diciembre, en el salón de eventos del Sambil, en Santo Domingo, su ciudad natal.


Javier Rondón anuncia nuevos proyectos de Sierralta Entertainment Group

Estrenará un documental sobre la música urbana en Latinoamérica. Además otro sobre el torero español ‘El Juli’ y uno acerca de  la vida de  Bertín Osborne 

El productor ejecutivo de Sierralta Entertainment Group, Javier Rondón, adelanta detalles de los nuevos proyectos del grupo empresarial, que serán estrenados durante este último trimestre del año y a  principios de 2022.

Explica que realizarán tres documentales: “Gracias a una alianza con Caracol Tv, estamos preparando un documental muy revelador e impactante titulado ‘¡Porque me da la gana!’, acerca de la música urbana y sus principales representantes en Latinoamérica. 

Otro acerca del torero español Julián López Escobar, conocido como ‘El Juli’ y todo lo que encierra la disciplina de la tauromaquia y otro que aborda la trayectoria del cantante y presentador de televisión Bertín Osborne, una verdadera estrella de Hispanoamérica”.

Por otra parte, Rondón señala que para este mes de octubre se realizará el lanzamiento del programa de televisión Show Business Tv – España, bajo la conducción de Poty Castillo. Adicionalmente,  agrega que Sierralta Entertainment Group coordinará la gira por América de su artista exclusiva, la cantante venezolana Alicia Banquez, tras su exitoso tour por España. 

Ángeles renovados

Javier Rondón agregó que próximamente se realizará el lanzamiento de Latin Angels Venezuela, para destacar lo mejor del turismo local, la gastronomía y los monumentos históricos del país. Este lanzamiento viene acompañado de una línea de productos de la marca Latin Angels, que incluye trajes de baño, línea de maquillaje y accesorios. El espacio será transmitido por Televen, Sun Channel y por la plataforma Pluto Tv.

El Camino del Guerrero

Documental venezolano nominado a tres Premios Emmy llega a los cines.

La Asociación Civil Guerreros Azules estrena el documental El Camino del Guerrero, nominado recientemente a tres premios Emmy de la televisión americana, el próximo jueves de 18 de noviembre en salas comerciales del país bajo la distribuidora Mundo de Película perteneciente a Cines Unidos. 

El documental dirigido por el realizador Héctor Palma, narra la historia de tres niños con diabetes tipo 1 (DT1) que son parte de la organización: Nicole, Nellyanis y Dilberson, tres niños que viven diferentes realidades familiares, pero todos en circunstancias críticas dada la realidad que atravesamos actualmente en Venezuela. 

En esta película vemos el lado duro de esta condición cuando la vida de un niño con DMT1 puede estar en peligro, si no cuenta con los insumos y necesidades básicas de alimentación.

Con este estreno en salas comerciales, Guerreros Azules busca visibilizar internacionalmente el trabajo que llevan realizando desde hace 5 años de su fundación. Con una comunidad de más de 900 familias de niños y adolescentes con esta condición, esta asociación Civil pretende extender su labor por todo el país mostrando en esta conmovedora película que retrata fielmente el gran esfuerzo que demanda transitar la DMT1 en un país como Venezuela. 

El pasado 18 de octubre se publicaron las nominaciones a los famosos Premios Emmy Suncoast Regional y el film fue reconocido en tres categorías: Dirección (Héctor Palma), Edición (Antonio Martín, César Kensen) y Motion Graphics (Pedro Lizardo, Juan Olmedillo) 

El documental es una co-producción con la casa productora Nuevos Vientos Films y se encuentra actualmente haciendo su ruta de festivales de cine y ha servido como la mejor pieza de presentación actual de la organización y su realidad. 

La taquilla recaudada será destinada en su totalidad a la ejecución de los programas que desarrolla Guerreros Azules y que sirven de apoyo para las familias con esta condición que se encuentran en su mayoría atendidas en el Hospital J.M. de los Ríos. 

Cómo ayudar a Guerreros Azules 

El próximo 16 de noviembre se realizará un estreno digital del documental al cual podrán acceder solo quienes estén ubicados fuera de Venezuela. Se podrá pagar la visualización de la película con la moneda local del país donde reside la persona. 

Otra forma, para recaudar recursos durante el mes de noviembre, mes en que se conmemora el Día Mundial de la Diabetes, es a través de la Fundación Healing Hands. Esta organización inició una campaña de recolección de fondos destinados para la obtención de insumos de los niños y adolescentes que debutan con esta condición. 

Quienes quieran hacer su donativo deben ingresar a la página web de Healing Hands y también en la de Guerreros Azules. 

Sobre los guerreros 

Guerreros Azules es una organización conformada principalmente por padres y madres de niños con diabetes tipo 1. Su misión es mejorar la calidad de vida de estas familias con el apoyo emocional y entrega de insumos, en la medida de las posibilidades de la institución. 

En la actualidad tienen más de 900 niños registrados en todo el territorio nacional y su principal trabajo se ejecuta con las familias de la Unidad de Endocrinología del Hospital J.M. de los Ríos. 

Son 5 años de labor y en noviembre, mes de la diabetes realizan una actividad para estos niños. El año, pasado, a consecuencia de la pandemia fue virtual, sin embargo, este año 60 niños junto a sus padres acudirán a una sala de Cines Unidos del Centro Comercial Millenium, para disfrutar de una película y compartir un momento de esparcimiento. 

Se cumplirá con todas las normas de bioseguridad y los padres, por su parte recibirán una charla educativa de temas de su interés. 


La película “Acá No Hay Nada” quiere llevar a la pantalla grande otra historia del rock venezolano

“Acá No Hay Nada», conocido como «El Rockumental de Maracaibo», es un filme-documental dirigido por el cineasta venezolano Rafael Valera que cuenta una historia de redescubrimiento, revaloración y apreciación musical de las bandas de rock y la contracultura que se dio en Maracaibo durante la década de los 90. El filme que una vez culminado será inscrito en festivales nacionales e internacionales, ofrecerá al público una reseña completa del devenir del rock en el estado Zulia, desde finales de los 80 hasta principios del nuevo milenio. Todo, contado desde el punto de vista de quiénes formaron parte de la escena: músicos, promotores, productores, público, periodistas, historiadores, etc. 

“Comencé solo con mi socio de ese momento Alex Coy y amigos con quienes hacía vida profesional como Juan Pablo Núñez de Doña Maldad, Heberto Añez Novoa y Roberto Jiménez del grupo TLX. Con Heberto digitalizamos todos los casetes de audio, así que él escuchó toda esa música conmigo. Ese fue el núcleo del documental. Luego de hacer la entrevista de Ysidro Soré de la banda Santuario, este se emociona con el proyecto y se suma a la producción junto a su empresa productora Lara-Zulia Films. Casi todos los profesionales se han sumado así, los entrevisto y se enamoran del proyecto”, explicó Rafael Valera.

En relación a cuándo surgió la idea de realizar el documental, el cineasta zuliano explica que ha estado en su cabeza desde el 2010: “Sólo que antes era muy generalizada, hablando de todas las épocas. Sin embargo nunca visualicé una historia ahí, ya que muchos periodos carecían de autenticidad y música genuina. En los 90 si vi una historia completa y redonda, con principio, desarrollo y fin. Además que la música era mucho más visceral, menos viciada y más propia. Esa idea se formó particularmente alrededor del 2015”.

Desde principios del año 2016, Valera comenzó la producción de este trabajo cinematográfico de manera independiente, junto a su firma Coma Películas, en compañía de productoras locales que han realizado importantes aportes, como Power Productions, Lara-Zulia Films, Probos, Artemisa Producciones, Entorno Doméstico, Clap Media, Colectivo 67, Brotherhood, la diseñadora Ale Arjona Marino y 261. Además, buscó el asesoramiento de historiadores, periodistas, productores musicales y diferentes músicos que han sido protagonistas de la movida del rock en el Zulia.

Los tráiler de “Acá no hay nada” se encuentran disponibles en los siguientes links:

Valera está consciente en que lograr que todo un país pose su atención en un filme sobre el rock el Zulia “será un proceso muy lento y selecto. Apunto por ahora a festivales internacionales y nacionales, que la gente del cine y audiovisual le dé la importancia y relevancia que se merece. También pensando en plataformas de streaming. Ahorita hay demasiadas cosas que distraen a la gente de este tipo de producción. Mi estrategia ha sido en cierta forma mostrar material a cuentagotas e intentar alzar la voz, correrla, atraer gente poco a poco.”

Para conocer más de Acá No Hay Nada pueden visitar:

Web: acanohaynadarockum.wixsite.com/acaescribimos

Para colaborar en la campaña Crowdfunding pueden ingresar a este enlace: indiegogo.com


El Festival Euroscopio vuelve a las salas de cine de Venezuela con una ambiciosa programación de 25 películas de 19 países

La  nueva edición del Festival de Cine Europeo, el tradicional “Euroscopio”, regresa a Venezuela, y como principal novedad este año, destaca el hecho de que la programación podrá disfrutarse de forma online y gratuita, pero también a través de las salas de cine en diferentes ciudades del país.

El Festival, que se celebra durante todo el mes de noviembre, incluye 25 títulos de 19 nacionalidades, una oportunidad para que el público venezolano conozca las últimas novedades de la cinematografía europea. Estas películas proceden de: Alemania, Bélgica, Bulgaria, Dinamarca, Eslovaquia, España, Estonia, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Letonia, Lituania, Luxemburgo, Países Bajos, Polonia, Portugal, Rumanía y Suiza.

Comedia, drama, romance, ficción, biográfico, documentales y muchos más son los géneros de este año, donde se abordan aspectos de temática social, inclusión, empoderamiento de la mujer, inmigración, amistad, asuntos familiares o historias de superación, a través de títulos reconocidos en diferentes festivales internacionales.

Películas para ver en línea

Del total de películas que incluye este año la programación, 15 títulos se podrán ver solamente a través de la página web de Festival Scope y únicamente están disponibles para su visualización en Venezuela de forma gratuita, ya que se encuentran georreferenciadas.

Para ello, los espectadores tendrán que acceder a la página http://www.festivalscope.com y crear su usuario de acceso. Una vez dentro de la página, encontrarán en la parte inferior los diferentes Festivales de cine de la Unión Europea en el mundo. Con acceder al dedicado al Euroscopio, encontrarán el catálogo de estas 15 películas para Venezuela.

Estos títulos son: The audition (Alemania), Our struggles (Bélgica), The father (Bulgaria), Fire will come (España), Aurora (Finlandia), The bare necessity (Francia), Her job (Grecia), Bad poems (Hungría), Oleg (Letonia), Rafaël (Paíes Bajos), Romy´s Salon (Países Bajos), Walesa: El hombre de la esperanza (Polonia), Apariçao (Portugal), Acasa my home (Rumanía) y Volunteer (Suiza).

Películas para ver en las salas de cine

Tras la edición anterior en la que el Euroscopio sólo se pudo ver de forma online, este año el Festival vuelve con más fuerza para retomar el contacto con el público y volver a encontrarse en las salas de cine respetando las medidas de bioseguridad.

Quince películas del Festival se podrán ver en diferentes espacios de Caracas y del interior del país. La sede principal es el Trasnocho Cultural (CC Paseo de Las Mercedes), donde cada día se proyectará una película hasta el 30 de noviembre. De lunes a jueves las funciones son gratuitas hasta completar aforo. La programación la pueden consultar en http://www.trasnochocultural.com

Además, el Festival incorpora este año a PDVSA La Estancia, donde se podrán ver siete de estos títulos en un formato de cine al aire libre y gratuito para el público. Las proyecciones se extenderán durante tres semanas, comenzando el 12 de noviembre.

En esta misma idea de poder disfrutar el cine al aire libre, Los Galpones también se suma al Euroscopio, con una proyección el sábado 27 de noviembre.

Otro de los espacios aliados del Festival es la Isla de Margarita, donde en los municipios Maneiro y Arismendi se podrán ver cinco películas a partir del 25 de noviembre.

Por último, gracias también a la Red Nacional de Cineclubes, el público de Lara, Delta Amacuro y La Guaira, podrá disfrutar también de una selección de estas películas.

Las 15 películas que se podrán ver en las salas son éstas: Nachlass (Alemania), The father (Bulgaria), Coldcase (Dinamarca), Let there be light (Eslovaquia), Handía (España), Fire will come (España), Las Consecuencias (España), The little comrade (Estonia), Simply black (Francia), Tres días y una vida (Francia), Invisible (Lituania), Sawah (Luxemburgo), Rafäel (Países Bajos), Romy´s Salon (Países Bajos) y Walesa: El hombre de la esperanza (Polonia).

Como soporte del Festival, toda la información de las películas se puede encontrar en la página web http://www.euroscopio.com. Aquí también se irá compartiendo con el público la información relativa a las actividades paralelas, tales como cine foros y clases magistrales.

El Euroscopio está coordinado por la Delegación de la Unión Europea en Venezuela y cuenta con el apoyo de las Embajadas de Alemania, España, Francia, Países Bajos, Polonia, Portugal y Suiza, así como el Instituto Camões. El Goethe Institut, el Instituto Francés y Cineuropa forman parte de la coordinación del Festival.

Estreno de “Las Consecuencias” en Venezuela

Destaca este año en la programación el estreno de la película “Las Consecuencias”, una coproducción entre España, Holanda y Bélgica, dirigida por la realizadora venezolana Claudia Pinto, y que este año ha cosechado grandes éxitos en el Festival de Cine de Málaga.

En colaboración entre la Unión Europea en Venezuela y la Consejería Cultural de la Embajada de España, el Euroscopio incluye en su programación siete proyecciones de esta película, todas ellas en el Trasnocho Cultural.

Cine foros

El Festival incluye también la realización de tres cine foros, el primero de ellos el próximo lunes 8 de noviembre, a las 3:00 pm, dedicado a la película “Las Consecuencias”, donde se conversará con su directora y guionista, la venezolana Claudia Pinto, y el guionista Eduardo Sánchez Rugeles. Este cine foro también es posible gracias a la alianza de la UE en Venezuela con la Consejería Cultural de la Embajada de España. Quienes deseen seguirlo, podrán hacerlo a través de la plataforma Zoom en este enlace: https://forms.gle/Ah1m54XLGQPvBpnZ7

La película alemana Nachlass y el documental suizo Volunteer, tendrán sus respectivos cine foros, cuyos detalles se anunciarán próximamente.

Clases magistrales

Euroscopio continúa por segundo año consecutivo su alianza con la Escuela Nacional de Cine (ENC), junto a quien se llevarán a cabo tres clases magistrales dirigidas a estudiantes de cine de todo el país, con el fin de conectar ideas, cineastas y proyectos. Las clases serán dictadas por personas del mundo del cine de larga trayectoria internacional, los miércoles 10, 17 y 24 de noviembre. Los detalles con esta programación se darán a conocer próximamente.


El 3er Festival de Cine Argentino llega a las calles de Caracas

Películas de Juan José Campanella o de los afamados hermanos Duprat y con figuras como el célebre Ricardo Darín llegan a la tercera edición de este evento cinematográfico que podrá ser disfrutado en distintos espacios abiertos de Chacao, Baruta, El Hatillo, Sucre y Libertador, gracias a la alianza entre la Embajada de la República de Argentina en Venezuela y el Circuito Gran Cine, a través de la pantalla inflable del Gran Cine Móvil, y con el patrocinio de Farmatodo 

La Embajada de Argentina en Venezuela, el Circuito Gran Cine y Farmatodo convocan el 3er Festival de Cine Argentino, en una edición especial al aire libre, que se llevará a cabo desde el lunes 8 hasta el domingo 14 de noviembre de 2021, con una muestra de cuatro películas que serán exhibidas por primera vez en Venezuela, a través de la pantalla inflable del Gran Cine Móvil, y con una programación especial en la plataforma digital “Películas de Impacto” de Gran Cine (www.grancinepi.net) que podrá ser disfrutada a partir del viernes 5 de noviembre, con films que se han exhibido en las dos ediciones previas. 

En tiempos tan complejos como los actuales, esta tercera edición del Festival de Cine Argentino está pensada para ser un espacio de disfrute para toda la familia, trasladándose directamente a las comunidades y ocupando los espacios abiertos de la ciudad con buen cine, para amilanar las limitaciones que ha generado la pandemia en la vida pública. En esta oportunidad, el evento cuenta con el patrocinio de Farmatodo, empresa venezolana con 103 años en el país, comprometida con el bienestar de las comunidades, cuya directiva ha decidido acompañar esta iniciativa para promover la realización de actividades culturales de recreación para el público venezolano. 

Películas para todo público 

La muestra este año está conformada por tres comedias y un drama para todos los gustos. 

El cuento de las comadrejas, del reconocido Juan José Campanella (director de la ganadora del Oscar “El secreto de sus ojos”). Se trata de un remake de “Los muchachos de antes no usaban arsénico” (José Martínez, 1976), en la que una estrella de la época dorada del cine argentino, un actor en el ocaso de su vida, un guionista frustrado y un anciano director hacen lo imposible por conservar el mundo que han creado en una vieja mansión, ante la llegada de dos jóvenes que representan una amenaza que pone todo en peligro. El film obtuvo el Premio del Público en el Festival de La Habana, además de cuatro nominaciones a los premios Platino 2020.

La reina del miedo, escrita, dirigida y protagonizada por Valeria Bertuccelli cuenta la historia de una exitosa actriz que, en el apogeo de su carrera, atraviesa una crisis personal que la hace replantear su vida. Bertuccelli fue galardonada, en el Festival de Sundance 2018, con el Premio Especial del Jurado por su actuación en este film, reconocimiento que volvió a obtener en el Festival de Málaga el mismo año.  

Mi obra maestra, dirigida por Gastón Duprat y con guión de su hermano Andrés, esta película trata sobre un galerista encantador e inescrupuloso, Guillermo Francella, que intenta por todos los medios reflotar la carrera de un pintor hosco y en decadencia, Luis Brandoni, sin mucho éxito hasta que una idea loca y extrema cambia todo. Ganadora del premio del público en el Festival de La Habana 2019. Esta película se ha convertido en la carta de presentación de los hermanos Duprat, quienes participaron recientemente en el Festival Internacional de Cine de Venecia con “Competencia Oficial”

El amor menos pensado, de Juan Vera, explora la crisis de un matrimonio de más 25 años, formado por Marcos (el célebre Ricardo Darín) y Ana (Mercedes Morán), quienes tras separarse descubren que la vida de solteros también puede ser monótona. Esta cinta inauguró el Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2018. 

Programación 3er Festival de Cine Argentino

DIAHORAPELICULALUGAR
 Lunes 8/11/21 6:30 PMMI OBRA MAESTRAPLAZA BOLIVAR CHACAO
 Martes 9/11/21 6:30 PMEL CUENTO DE LAS COMADREJASCINE CLUB LOS DOS CAMINOS. SUCRE
 Miércoles 10/11/21  6:30 PMEL AMOR MENOS PENSADOSANTA CRUZ DEL ESTE. BARUTA
Jueves 11/11/21 6:30 PMMI OBRA MAESTRACINE CLUB AMBAR PROPATRIA. LIBERTADOR
Viernes 12/11/216:30 PMEL CUENTO DE LAS COMADREJASASORAICES. EL CALVARIO PLAZA ESCALONA. EL HATILLO
 Sábado 13/11/216:30 PMEL AMOR MENOS PENSADOEL PEDREGAL. CHACAO
 Domingo 14/11/21 6:30 PMLA REINA DEL MIEDOCONCHA ACUSTICA. BARUTA

Dos muchachos del San Ignacio nos acerca al verdadero liderazgo

El viernes 12 de noviembre vía Zoom PublicArte digital y Pasion Pais, realizarán la presentación del libro Dos muchachos del San Ignacio, de Gioconda Espina.

Gioconda Espina recurre a la entrevista para conducirnos a una fiesta de la memoria, vivencias, creencias, el país a través de dos grandes personajes de la Venezuela contemporánea que destacan a través de la música y de la Academia. Dos hombres que son una referencia histórica: Héctor Silva Michelena y Jesús Ignacio Pérez Perazzo. Pilares fundamentales para las áreas donde desarrollaron sus carreras. Dos personajes que tienen varios puntos en común, siendo uno de los más importantes la formación jesuita que entre otras cosas proporciona la fortaleza para actuar como seres comprometidos con sus ideales. 

Héctor, tuvo una formación jesuita en el Colegio San José y en el Colegio San Ignacio en la que se empeñó su padre. Jesús Ignacio, honra a sus maestros jesuitas en el que hizo primaria y bachillerato. Ellos, que han destacado en campos tan diversos como la música y la academia universitaria, han compartido sin conocerse una época, un colegio, una ciudad y hasta a la UCV, donde uno dirigió una Orquesta Pop que monto en 1967 la primera “experiencia psicotomimética” que unió a jóvenes músicos académicos con artistas populares en el Aula Magna, mientras que el otro pronto sería uno de los jóvenes profesores que se unieron a los estudiantes de Economía y Sociología en la renovación universitaria de 1969 de la que la autora del libro fue parte, aunque en otra escuela, la de Letras. Nunca supieron en ese tránsito los unos de los otros y a través de este libro y estas entrevistas confluyen en  un punto de reencuentro que es el cine. Otro punto común se develó cuando confesaron que hubieran querido ser otros: el músico, actor; el economista, médico.

La presentación que se realizará vía la plataforma Zoom, el viernes 12 de noviembre a las 6:00 PM será moderada por la periodista y escritora Inés Muñoz Aguirre y contará con la participación de Adícea Castillo esposa de Silva Michelena, quien nos acercará a su visión sobre este hombre recientemente desaparecido,  disfrutaremos de la presencia de Jesús Ignacio Pérez Perazzo y de la autora Gioconda Espina. Doctora en Estudios del desarrollo, Maestra en Estudios de Asia y África del Norte y Licenciada en Letras. Cofundadora de la Coordinadora ONG de Mujeres en 1985, del Centro de Estudios de la Mujer de la UCV en 1992 y del Área de Estudios de la Mujer de la Facultad de Ciencias Económicas y Sociales de la UCV en 2002. Tiene en su haber diversas publicaciones sobre estudios sobre la mujer, arte, psicoanálisis y ha participado en varias antologías de feministas latinoamericanas y del Caribe. Colabora regularmente con revistas académicas.  Es psicoanalista del Foro de Venezuela de la IF-EPFCL.

A los que desean asistir a la presentación solo tienen que solicitar su clave de acceso a forospasionpais@gmail.compara enviarle el enlace para su conexión.  Este libro nos permitirá a través de las “confesiones” de los entrevistados pasear por una época, los resultados que deja el empeño y el compromiso de los liderazgos que se construyen a partir de la valoración de las creencias.

Caterina Valentino inspira y aporta a la sociedad al estilo VIP

La periodista, presentadora e influencer celebra 9 años de su marca, también el éxito de sus videos VIP en las redes sociales y es una de las voces de los venezolanos en el mundo

Caterina Valentino es una de las mujeres que ha logrado posicionarse en los diferentes ámbitos en los que ha decidido emprender, la radio, televisión, imagen de marcas nacionales e internacionales, con su sello en los videos VIP al estilo reels que realiza en Instagram, corresponsal, en fin es una artista y mujer integral que no le teme al camino que le toque transitar y disfruta del éxito en su vida.

Su marca Caterina Valentino Store ya cuenta con nueve años, tiempo de crecimiento y satisfacción. Inició con accesorios, ya cuenta con trajes de baño y otras piezas que completan el outfit ideal, además que no solo está presente en Venezuela, gracias a su página web y redes sociales, está en otros países, su objetivo es ofrecer más productos y llegar a todos los lugares del mundo.

La también locutora, tiene una gran trayectoria en los medios de comunicación y eso ha avalado aún más el ser una referencia del buen venezolano, es trabajadora, honesta, con un ímpetu de lucha indescriptible, una profesional de pies a cabeza, además de ser bella, ella demuestra que siempre se puede ir más allá y dejar un legado, que es lo que busca con su espacio VIP.

“VIP surgió por la necesidad de aportar a la sociedad herramientas importantes, a veces no nos damos cuenta, pero una actitud incorrecta, el no adaptarse al lugar o momento y cuidar la forma de hacer muchas cosas, puede influir en la vida, en decisiones, en entrevistas de trabajo, grupos de amigos y hasta en el amor. En mi caso fui aprendiendo muchas cosas en el camino y quiero compartirlas, que con disciplina podemos llegar a ser la mejor versión de nosotros mismos”, comenta la periodista.

Caterina gracias a su disciplina, esfuerzo y trabajo suma muchos logros en su profesión, algunos de ellos son un reconocimiento especial por el Congreso Colombiano y recibió la “Ordine Stella D’Italia Cavaliere 2019” máxima distinción otorgada por el gobierno italiano por su labor como periodista y embajadora de la cultura italiana en el mundo. Tiene muchos más en Venezuela y eso es gracias a los más de 26 años en diferentes escenarios como host de importantes programas de cadenas internacionales como: E! Entertainment Televisión, locutora de Radio INDI 101.5 FM Toronto Hamilton, Canadá, corresponsal de Caracol Internacional, emisora “La W”, colaboradora del programa Espejo Público de Antena 3 en España, presentadora de programas en Televen-Telemundo, Venevisión, RCTV y actualmente voz, imagen y consultora adjunta del circuito de radio de Venezuela: FM CENTER, entre otros.

La influencer va a seguir con los proyectos de su marca, los videos VIP y con muchas cosas más que está desarrollando y pronto dará a conocer en los medios de comunicación y a sus más de dos millones de seguidores en Instagram.

Pueden conocer más sobre ella y sus novedades a través de sus redes sociales: Instagram: @caterinavalentino Twitter: @caterinav y en su página web: www.caterinavalentino.com


El chocolate suena a Wamma en Cakawa

La fábrica de chocolates Cakawa presenta este miércoles 17 de noviembre al Dúo Wamma, en un concierto de música latinoamericana que permitirá apoyar a dos jóvenes talentos venezolanos y mostrar su virtuosismo en medio de una exquisita cata de chocolate gourmet.

Este miércoles 17 de noviembre, a las 5 de la tarde, Cakawa ofrecerá una cata que permitirá a los asistentes pasearse por las regiones de origen de cuatro chocolates venezolanos y, al mismo tiempo, apoyar a los talentosos músicos del Dúo Wamma quienes, de la mano del maestro Aquiles Báez, vienen complementando su formación musical a partir de su primera presentación pública en “Noches de Guataca”, en marzo de 2020.

“El maestro Aquiles Báez nos ha tomado como sus alumnos, dándonos su apoyo incondicional y enseñándonos a ver la música no solo como algo hermoso, sino a entenderla como una conexión espiritual que traspasa fronteras”, dice Mishell Peinate, cantante, flautista, cuatrista e integrante de la Orquesta Sinfónica Juvenil Chacao, quien junto al guitarrista, compositor, cuatrista y pianista Richard Bello, conforman el Dúo Wamma, vocablo que en Warao significa “Nuestra Tierra”.

El encuentro con Báez le ha permitido crecer como intérpretes y compositores, enriqueciendo su repertorio con diversos géneros musicales venezolanos y latinoamericanos, incorporando novedosos arreglos influenciados por el jazz, con interpretaciones libres que dan cabida a la improvisación.

Ambos jóvenes provienen de Carayaca, estado La Guaira, y en ocasiones el traslado hasta Caracas para recibir su instrucción musical, se dificulta por la necesidad de recursos que apoyen su crecimiento como artistas.

Para Cakawa, apoyar al talento nacional forma parte de sus iniciativas de Responsabilidad Social y es primordial en su labor como difusores de cultura. “Cakawa es el espacio ideal para que los noveles artistas venezolanos puedan tocar y cantar en nuestras instalaciones. Como docentes que somos, quisimos acompañar el proceso de aprendizaje de estos jóvenes, porque sabemos de su talento musical”, dice Soraya Achkar, CEO de Cakawa.

Además de esta iniciativa de acción social con el Dúo Wamma, la fábrica de chocolates también lleva a cabo la que ha denominado Un chocolate para Matilde, “… la iniciamos en mayo de 2021, cuando ganamos un importante premio en París como uno de los 12 mejores chocolates gourmet del mundo. Toda la venta de ese chocolate va para la familia de la señora Matilde, que son los que cultivan ese cacao en Barinas, porque ella está pasando por un momento de salud muy complicado”, dice Achkar.

Tres tiempos para chocolatear y escuchar buena música

Además de ser una fábrica Bean to Bar (del grano a la barra), Cakawa es también una chocolatería gourmet donde se puede ir a tomar un excelente chocolate caliente y degustar una torta, un croissant, un brownie y todo un variado menú en bollería, galletería, turronería y bombonería de autor con calidad premium.

Al mismo tiempo, su espacio es ideal para catas de chocolate, como la que ofrecerá este miércoles 17 de noviembre, con cuatro chocolates y un bombón elaborados con cacaos de la bahía de Patanemo, de la Península de Paria, de Barlovento y del Sur del Lago. “Conversaremos sobre sus características, las regiones de donde viene ese cacao y cómo se desarrolla todo el proceso para la preparación de nuestros chocolates y bombones”, comenta Soraya Achkar.

La cata será de 5 de la tarde a 7 de la noche, en tres tiempos, y en cada uno de ellos el Dúo Wamma interpretará temas que incluyen algunos referentes de la música latinoamericana como Chico Buarque, Chabuca Granda, María Elena Walsh, Jorge Fandermole, entre otros.

Esta actividad se repetirá los el 5 y 15 de diciembre, como una manera de ampliar el aporte destinado a los músicos.

Es importante destacar que, Cakawa tiene un aforo para 18 personas, cuidando todos los aspectos de bioseguridad, por lo que es importante reservar a través de la cuenta de Instagram @vecakawa. El costo es de 15 dólares y se puede cancelar directamente en el lugar o realizar transferencias vía Zelle o moneda local.

Sobre Cakawa

Cakawa, C.A, alimento de los Dioses, es una empresa especializada en el cacao venezolano y la producción de chocolate. La firma expresa sus propósitos en la investigación, producción y comercialización del cacao y del chocolate, en estrecha asociación con los productores, quienes conservan una tradición productiva, patrimonio cultural de la Nación, en tanto representa los valores más sublimes de la venezolanidad.

La marca investiga, produce y comercializa cacao venezolano fino de aroma, además de crear las mejores recetas de chocolate para lograr la preferencia y satisfacer el paladar de sus clientes, además de contribuir con un producto de calidad, que ayude a los chef chocolateros a crear las delicias del chocolate.

El humor y la gastronomía llegan de la mano de Rayma Suprani a los espacios expositivos de IMAGO.

El sábado 20 de noviembre de 2021 a las 12:00 m (Hora Miami) será inaugurada en Coral Gables, en los espacios expositivos del Centro Cultural IMAGO, la más reciente exposición de la periodista y caricaturista venezolana Rayma Suprani titulada “Al Pan Pan”, que bajo la curaduría de Katherine Chacón reúne 60 caricaturas en las que se mezclan el humor y la gastronomía.

Para este acercamiento humorístico a la comida, Rayma toma la historia como un eje transversal que va desde la prehistoria hasta el futuro, lo cual le permite “confrontar algunos temas icónicos con una realidad tan cierta como agreste: todos los héroes, santos o princesas… ¡comían, comen y comerán!, lo que los lleva a habitar una realidad tan común y corriente como la nuestra” … Es así como la reflexión sobre la relación que tenemos con la comida y el comer, vista desde una perspectiva contemporánea y humana, es un tema que se entreteje con la historia en esta muestra”, tal y como lo expresa la curadora de la exposición, Katherine Chacón en su texto.

Chacón afirma que si obras emblemáticas como El pensador de Rodin o La danza de Matisse son directamente tratadas por la artista, sus caricaturas aluden constantemente a la literatura, al cine y al teatro, planteando que “Rayma nos hace un guiño sobre su oficio y se introduce a sí misma dentro del tema de su exposición, como creadora de imágenes que, desde la contemporaneidad, experimenta con las técnicas que los medios computarizados ofrecen, con las que ha creado los dibujos presentes en esta exhibición” cerrando el texto señalando que “Rayma subraya la capacidad que la gastronomía tiene para llevarnos a un pasado íntimo, personal y compartido, dejando entrever cómo a través de sabores memoriosos se forma una patria sin territorio.”

Periodista y caricaturista de reconocida trayectoria, Rayma Suprani ha desarrollado una importante carrera dentro del campo del humor editorial, desplegando su trabajo desde mediados de los años 90 en distintos diarios venezolanos como el Diario Economía Hoy, Diario de Caracas y El Universal, siendo en este último donde publicó sus dibujos durante 19 años como el editorial diario, hasta que fue despedida en 2014 por censura. Tiene en su haber cinco libros publicados y ha recibido reconocimientos como el Premio de la Sociedad Interamericana de Prensa (2005), Premio Pedro León Zapata como Mejor Dibujante de Venezuela (2000, 2009), y Premio Vaclav Havel a la disidencia creativa (2019). Actualmente reside en Estados Unidos y da conferencias sobre derechos humanos para organizaciones como Freedom House y el Oslo Freedom Forum. 

La exposición “Al Pan Pan” de Rayma Suprani se estará presentando desde el 20 de noviembre de 2021 hasta febrero de 2022, en la galería del Centro Cultural IMAGO, ubicado en 150 Madeira Ave, Coral Gables, FL 33134, Estados Unidos. El horario de atención es de lunes a viernes de 11 am a 6 pm

Centro Cultural San Clemente sigue recibiendo obras de artistas venezolanos en la colección “Valija Iberoamericana”.

 El Centro Cultural San Clemente continua recibiendo las piezas que formarán parte de la colección permanente “Valija Iberoamericana”, Exposición de Arte Contemporáneo, que reunirá obras realizadas por artistas iberoamericanos, con la finalidad de conformar una muestra itinerante que, partiendo de Toledo, recorrerá otros lugares de España y de los demás países participantes. Mientras crece la emoción por conocer las obras que han llegado, Humberto Cazorla, presidente de la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos, Avap,  y participante en la colección Valija Iberoamericana, entregó personalmente la escultura de su autoría a las autoridades del CC San Clemente. Al comentar su experiencia indicó que para este servidor público y Artista Plástico, venir de remotas tierras con 18 horas de vuelo y unas maletas cargadas de sueños, ser recibido por las autoridades de la Diputación de Toledo, es de gran satisfacción: la cooperación, todo el amor y aprecio, por este proyecto que estamos organizando, para el desarrollo de una actividad internacional que llevará a este grupo de países de Iberoamérica al confronte de las Artes Contemporáneas”. Agregó que aunque resulta difícil incluir a todos los artistas, el público de Castilla de la Mancha, como primera parada, podrá tener una lectura de lo que están plasmando en estos momentos los artistas de ambos continentes. 

El proyecto es una iniciativa sin fines de lucro que cuenta con la participación de artistas invitados cuyas obras están siendo aceptadas por un comité de selección entre quienes se encuentran reconocidos artistas y críticos de arte. Al momento han llegado obras de Argentina, México, Panamá, Uruguay y Venezuela. Para el Centro Cultural San Clemente, bajo la dirección de Don Enrique García Gómez, “es una apuesta por el mejor arte contemporáneo de nuestro tiempo, que refleja o guarda relación con la sociedad actual. México, Uruguay, Argentina, Panamá y VenezuelaLa comisión a cargo del proyecto lo componen, en su condición de Comisarios, el Maestro Marcos Salazar Ruiz y el señor Óscar Pantin Ganteaume. Los coordinadores en América son el Maestro Abdías Méndez Robles. Presidente (RELAC) Región de Latinoamérica y el Caribe de la Asociación de Artes Plásticas (AIAP en alianza Unesco); el Maestro Humberto Cazorla, Presidente de la Asociación de Artistas Plásticos de Venezuela; el Maestro Manolo Colmenares, Director de la Bienal Internacional de Arte Suba-Bogotá Colombia. Presidente de la Corporación  (MACI), Movimiento Artístico Cultural e Indígena. En la península Ibérica se cuenta con la especial colaboración de Linda de Sousa, reconocida artista plástica, miembro de las Asociaciones Madrileña, Española e Internacional de Críticos de Arte ( AMCA, AECA y AICA) y es la conductora del programa de radio «A lápiz o pincel» transmitido desde Madrid para Radio Voz Continental de Ciudad de México y su canal de iVoox «diálogos con Linda de Sousa”. La Directora de Medios y Relaciones Institucionales de la Valija Iberoamericana es la Comunicadora Social Myriam T. Wendehake.  Para seguir los avances, pueden visitar Instagram @valijaIberoamericana.

El Camino del Guerrero. Documental venezolano nominado a tres Premios Emmy llega a los cines.

La Asociación Civil Guerreros Azules estrena el documental El Camino del Guerrero, nominado recientemente a tres premios Emmy de la televisión americana, el próximo jueves de 18 de noviembre en salas comerciales del país bajo la distribuidora Mundo de Película perteneciente a Cines Unidos. 

El documental dirigido por el realizador Héctor Palma, narra la historia de tres niños con diabetes tipo 1 (DT1) que son parte de la organización: Nicole, Nellyanis y Dilberson, tres niños que viven diferentes realidades familiares, pero todos en circunstancias críticas dada la realidad que atravesamos actualmente en Venezuela. 

En esta película vemos el lado duro de esta condición cuando la vida de un niño con DMT1 puede estar en peligro, si no cuenta con los insumos y necesidades básicas de alimentación.

Con este estreno en salas comerciales, Guerreros Azules busca visibilizar internacionalmente el trabajo que llevan realizando desde hace 5 años de su fundación. Con una comunidad de más de 900 familias de niños y adolescentes con esta condición, esta asociación Civil pretende extender su labor por todo el país mostrando en esta conmovedora película que retrata fielmente el gran esfuerzo que demanda transitar la DMT1 en un país como Venezuela. 

El pasado 18 de octubre se publicaron las nominaciones a los famosos Premios Emmy Suncoast Regional y el film fue reconocido en tres categorías: Dirección (Héctor Palma), Edición (Antonio Martín, César Kensen) y Motion Graphics (Pedro Lizardo, Juan Olmedillo) 

El documental es una co-producción con la casa productora Nuevos Vientos Films y se encuentra actualmente haciendo su ruta de festivales de cine y ha servido como la mejor pieza de presentación actual de la organización y su realidad. 

La taquilla recaudada será destinada en su totalidad a la ejecución de los programas que desarrolla Guerreros Azules y que sirven de apoyo para las familias con esta condición que se encuentran en su mayoría atendidas en el Hospital J.M. de los Ríos. 

Cómo ayudar a Guerreros Azules 

El próximo 16 de noviembre se realizará un estreno digital del documental al cual podrán acceder solo quienes estén ubicados fuera de Venezuela. Se podrá pagar la visualización de la película con la moneda local del país donde reside la persona. 

Otra forma, para recaudar recursos durante el mes de noviembre, mes en que se conmemora el Día Mundial de la Diabetes, es a través de la Fundación Healing Hands. Esta organización inició una campaña de recolección de fondos destinados para la obtención de insumos de los niños y adolescentes que debutan con esta condición. 

Quienes quieran hacer su donativo deben ingresar a la página web de Healing Hands y también en la de Guerreros Azules. 

Sobre los guerreros 

Guerreros Azules es una organización conformada principalmente por padres y madres de niños con diabetes tipo 1. Su misión es mejorar la calidad de vida de estas familias con el apoyo emocional y entrega de insumos, en la medida de las posibilidades de la institución. 

En la actualidad tienen más de 900 niños registrados en todo el territorio nacional y su principal trabajo se ejecuta con las familias de la Unidad de Endocrinología del Hospital J.M. de los Ríos. 

Son 5 años de labor y en noviembre, mes de la diabetes realizan una actividad para estos niños. El año, pasado, a consecuencia de la pandemia fue virtual, sin embargo, este año 60 niños junto a sus padres acudirán a una sala de Cines Unidos del Centro Comercial Millenium, para disfrutar de una película y compartir un momento de esparcimiento. 

Se cumplirá con todas las normas de bioseguridad y los padres, por su parte recibirán una charla educativa de temas de su interés. 

La comunidad artística ¡Boom! Inaugura en Madrid exposición con 22 artistas venezolanos

¡Boom! Art Community, proyecto cultural creado por las gestoras culturales Thamara Bryson y Kiki Pertiñez Heidenreich, inaugura una muestra expositiva en el espacio no convencional Wilde de Madrid, España con el objetivo de promover el intercambio entre artistas latinoamericanos y profesionales del arte en Europa, enfocando esta primera edición, hacia los creadores venezolanos que de una u otra manera emergen.

En palabras de Kiki Pertiñez Heidenreich, cofundadora de Boom “Emerge ese artista que emigra y debe reencontrarse a sí mismo y su obra en otra latitud, en otra cultura, no importa cuán larga sea su trayectoria. Emerge quien decide atender a su pasión traspapelada y poner en primer plano su vocación creadora, a los 30, 40, 50 o más años de vida. Se emerge desde el exilio, tanto como desde el propio insilio. Emerge el artista, tras cada proceso inmersivo, que lo conduce a una nueva serie, a un nuevo proyecto”.

En esta primera edición de ¡Boom! Art Community reúne los nuevos discursos narrativos contemporáneos de 22 artistas venezolanos, a través de una exposición virtual y física, que con la participación de 14 artistas emergentes y 8 artistas invitados, ofrece la oportunidad de recorrer el arte figurativo, el expresionismo, el cinetismo, la geometría, lo abstracto, el surrealismo, la puesta en escena, el documentalismo, la fotografía digital intervenida y el collage. 

En el grupo de artistas emergentes, “convergen el estilo barroco y femenino de Dina Atencio, la fotografía documental y reflexiva de Albi de Abreu, Rou Díaz y Gabriela Navarro. El encuentro de formas y líneas en movimiento de Silvia Hollweg, Mechi de Tulio y Freddy Salvador. Las ilustraciones urbanas de Manuel Lara, el collage digital de Angela Scavo y Ronald Quiroz, el salto del dibujo a la pintura de Ariadna Sar y la libertad transformadora que grita en los lienzos de Sofía Saavedra, Zahira Gonzalez y Belén Villarroel”, según explica Thamara Bryson en el texto que acompaña la muestra.

A este grupo de creadores, se suman 8 reconocidos artistas venezolanos invitados que emergen desde diferentes latitudes, como son Ricardo Benaim (Barcelona), Dalia Ferreira (Lyon), Flix (Lisboa), Carlos Márquez (Valencia), Rafa Muci (Miami), Andreina Mujica (París-Madrid) y Ramón Pimentel (Caracas).

De acuerdo a Thamara Bryson, la selección de los artistas para esta primera edición de ¡Boom! Art Community “es una muestra cartográfica de las diversas formas de emerger. Es una luz cenital sobre los aspectos más reveladores en sus creaciones artísticas, las cuales están minadas de rastros de migración, exilio, insilio y resiliencia (…) Una exploración sobre temáticas como: el erotismo, la diversidad de género, el humor, la ironía, el cine, la destrucción del planeta, la migración, la nostalgia, el sarcasmo, la crudeza, el vacío y lo femenino”.

La exposición podrá ser aprecia desde el 18 de noviembre en el espacio no convencional Wilde, ubicado en calle León 30, 28014, Madrid, España y vía online en la plataforma kunztmatrix a través del enlace https://mkfs.cc/boom .

Además de la exposición, la primera edición de ¡Boom! Art Community Incluye una vasta programación que abarca visitas a los estudios/talleres de artistas, encuentros virtuales (LIVE & ZOOM), charlas presenciales y visitas artísticas/guiadas, entre otros eventos en los que formarán parte talentos como Lorena González, Gala Garrido, Paul Parrela, Marta Pérez Ibañez, Carla Canellas, Eugenio Tardón, y otros que se seguirán sumando a esta gestión cultural. Asimismo se realizará una Residencia Artística en la ciudad de Lyon (Francia), del 21 al 28 de noviembre de 2021, en la cual la artista Dalia Ferreira recibirá en su atelier a la creadora venezolana Ariadna Sar

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